120.-El agua (Elena López Riera, 2022) – 6,25
El debut de Elena López Riera es una película que está a medio camino entre varios pasos. Por un lado, combina la imagen documental e imágenes de archivo con la ficción; por otro, actores profesionales con no tan profesionales; y, por último, realismo brutalista (del de chonis poligoneras y huertas agrícolas), con una mezcla entre lo naturalista y lo mágico. La virtud de la película, es, al contrario de lo que parezca, querer mantenerse en medio y lograrlo, como lo marca su final: pese a que la parte inicial por momentos roza el ridículo por cómo choca todo a nivel de imagen, y pese a sus dudas, es un debut sólido que va empujando sus formas hacia adelante, intentando integrar sus componentes extremos como si fuera uno solo. La cosa es que, sin ser una película extraordinaria ni original (bastantes imágenes están vistas), consigue sobrepasar las imágenes tópicas y las explicaciones burdas que muchas películas y debuts de su tiempo lo hace. Para mí lo peor es ese tipo de imágenes improvisadas en el campo e imágenes usadas, y me chirrían algunos papeles fuera de sitio, especialmente de los no profesionales y de Lennie, y creo que ese desbalance por momentos es de la propia directora, pero sus virtudes son evidentes y también creo que el debut es sólido y esperanzador respecto a lo que la directora puede hacer un poco en el futuro.
121.-Al caer la noche (Jacques Tourneur, 1956) – 7,5
A nivel de economía narrativa y cortes entre escenas esta es sin duda la mejor película de Tourneur. Hay un trabajo con la escenografía y los detalles que permiten que Nightfall vaya como un tiro, incluso cuando va demasiado en esa línea. Sin embargo, los personajes son carismáticos, hay varias decisiones bien acertadas y pese al momento dump explicativo sí hay escenas muy originales que se te quedan en el coco (el propio clímax o la pasarela). No es la mejor de Tourneur, pero es toda una lección de concisión narrativa.
122.-La maternal (Pilar Palomero, 2022) – 6,25
La maternal tiene tranquilamente dos de las mejores elipsis: una en que se avanza a gatas hacia adelante y otra similar en la que se pasa de la situación inicial a la casa de acogida. No sé si se le daba bien a Palomero esta habilidad en Las niñas, pero la emplea a buen recaudo aquí y cuando lo hace demuestra que tiene potencial para ser de lo mejor de este país de calle. ¿El problema? Que pese a que tiene un dúo principal cojonudo (el de madre e hija) y que hay un trabajo de cámara envidiable en su mayoría, hay una serie de planos sin sentido y un exceso de metraje que podría bien necesitar tijera, además de un final bastante chusco -imagino que porque cómo cierras el ejercicio de observación de una adolescente que se queda preñada y decide tener el bebé. A parte, hay algunos personajes adolescentes que bajo mi impresión se hacen poco creíbles -a veces desearía que fuesen un poco más ahostiables. Sin embargo, todo ese trabajo de cámara es cojonudo, y los momentos de dulzura y concisión narrativa apuntan maneras a alguien que tiene un carrerón por delante.
123.- El valle de Abraham (Manoel de Oliveira, 1993) – 8,25
Es curioso cómo eligió esta película Manoel de Oliveira, pues no deja de ser una adaptación de una adaptación de Madame Bovary. Sin embargo, aquí hay varias diferencias: una, que la protagonista, Ema, es coja; y otra, el contexto. En este caso, Leonor Silveira no representa una mujer con deseos propios que es avanzada varias generaciones; si acaso, lo que constituye es al revés: una mujer criada a base de libre albedrío en un mundo que todavía está dando los pasos para la liberación de la mujer -hablamos de un período que posiblemente va de la dictadura de Salazar y la revolución de los claveles hasta los años 90-, pero en una sociedad de nobles más ubicada a finales del XIX que a finales del XX. Esto hace de El valle de Abrahamn una película que parece de otra época, pues no es ni pasado ni presente, y parece intentar ser una contradicción y aspirar a ser ambas cosas. En este sentido, he de decir que lo consigue, y su mayor virtud es la concisión narrativa y la elegancia de los planos, tanto en fotografía como en dirección, del director luso: la cámara apenas se mueve salvo varios momentos en la parte final, y es más, suele tirar muchísimo de planos detalle para anticipar y sembrar momentos de deseo y emparejamiento, aunque la película, para contrastar eso, tiene muchos golpes de humor a través de los diálogos y descripciones de la voz en off. Todo eso da como resultado una película que parece que está suspendida entre ninguno y todos los tiempos, entre una adaptación y ninguna. Dicho esto, creo que se acaba haciendo un poco bastante peñazo, aunque en este caso lo entienda.
124.-Party (Manoel de Oliveira, 1996) – 6,5
Una película tan bellísima en la palabra y en la imagen (y su concatenación con la producción y la luz) como a la vez demasiado encantada de conocerse a sí misma en algunos momentos. La película recoge dos encuentros entre dos parejas en una isla en la costa, y mientras la fiesta sucede, los dos se enamoran. Aquí he de decir que el montaje juega un papel clave para coordinar el juego de miradas de una forma sutil, pero disruptiva y juguetona, con esa especie de humor tan característico de Manoel de Oliveira, uno en donde todos se ríen de todo, aunque en este caso es para esconderse y esconder las partes de ellos. Aquí Oliveira lo hace mucho a través del montaje en varias ocasiones, trazando además paralelas entre los 5 años de distancia, y cierra con un final muy digno para lo que es, pero para mí el adorno no justifica alargarse por el mero gusto de alargarse y engalanar el diálogo. Al final, pese a ser buena película, se acaba gustando un poco a sí misma más de lo que debería.
125.- El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920) – 9
Resulta sorprendente que un clásico en ocasiones tan anticuado y artificioso tenga encanto, pero la verdad es que el tiempo y el ingenio de Wiene han acabado por hacer que los usos y tics del cine mudo sirviesen para dar relieve al encanto pesadillesco de la película. Wiene explota la atmosfera pesadillesca de la película mediante los escenarios construidos y pintados a mano y la gesticulación ridícula y exagerada de los actores de la época, enfatizándola además con el uso del foco de la cámara de su época. La parte más sorprendente de todo se produce en los dos últimos actos: el primero tiene un uso de los focos como elemento de transición que es quizá lo mejor que se ha hecho en el mudo en ese campo, y en ese sentido tiene su encanto, además de que a eso se añade el uso de los rótulos para utilizarlos como si de un diario se tratase, además de otros usos más ridículos que enfatizan la actuación de los personajes; el último acto, pero, acaba generando un relato circular, rompiendo con la percepción que se tenía del narrador y protagonista (¡menos mal!), además de añadir la última capa de pesadilla, la última capa de ironía, se desvela cuando las piezas mostradas en el primer acto son resignificadas para dar un último golpe de gracia. Si no fuera porque en ocasiones es demasiado hortera sería una obra maestra.
Contador de películas 2022
La vida al margen del deporte (la hay)
Tres millones de euros en crowfunding para pergeñar "Mad Heidi".
¡Pues hala, a disfrutar!
¡Pues hala, a disfrutar!
GIPSY KING
Para eso haberles financiado el largo a los de Fist of Jesuscrespo escribió:Tres millones de euros en crowfunding para pergeñar "Mad Heidi".
¡Pues hala, a disfrutar!
Ese no me lo sé. Al menos en «Mad Heidi» pinta que se lo han pasado pirata haciendo la película.Bundy escribió:Para eso haberles financiado el largo a los de Fist of Jesuscrespo escribió:Tres millones de euros en crowfunding para pergeñar "Mad Heidi".
¡Pues hala, a disfrutar!
Hasta aplaudimos cuando acabó el pase.
A ver si me pongo.
GIPSY KING
FICX-2022
419. Saint-Cyr (Patricia Mazuy, 2000) - 5
Durante el reinado de Luis XIV, la influyente querida del rey creo una institución para educar a hijas empobrecidas de la nobleza. Ella es un personaje demiúrguco cuyo discurso de (relativo) empoderamiento femenino sólo esconde su propia ambición de poder, perpetuando la condición de víctima de las niñas a su cargo. Huppert hace de Huppert en este film de época correcto, pero bastante espeso, convencional y poco sutil.
420. The Cathedral (Rick D'Ambroise, 2021) - 6,5
D'Ambroise nos presenta la historia de un joven y su familia desde su nacimiento hasta su graduación, a través de una narración fragmentaria e insular, donde las escenas apenas pasan del plano único, donde no hay una continuidad en las acciones. De hecho, es la voz en off la que ejerce de principal narradora, informando del devenir de la estructura familiar. Resulta difícil situar a todos los personajes y seguir los conflictos que se mencionan, pero tengo la impresión de que es un acto deliberado, ya que lo importante sería la existencia de conflictos, a menudo producto del materialismo de los personajes, que van socavando las relaciones entre ellos, o que más bien construyen una estructura basada en el conflicto. Y entiendo que el film propone que este grupo de criaturas viene a ser uno de los innumerables sillares de esa catedral que supone un país como Estados Unidos, cuya historia reciente, sus traumas y conflictos, jalonan el metraje con cortes informativos. En la afición que desarrolla el joven protagonista por el cine y la fotografía, es curiosa su fascinación por una antigua foto de dos tías suyas conversando cómplicemente sobre una cama, como si esa comunicación fuera un paraíso perdido en un mundo que nos invita a la catatonia.
421. Armageddon Time (James Gray, 2022) - 7
Otro film que habla de la construcción de la psique estadounidense, que Gray emprende desde la reconstrucción de su propia infancia en una contextualización muy precisa, justo en vísperas del ascenso triunfal de Ronald Reagan a la presidencia del país, la culminación del viaje hacia el más feroz individualismo de la sociedad. Su protagonista es un niño que acaba de empezar la secundaria, que forma parte de una familia judía de orientación política demócrata, pero igualmente obsesionada por progresar en términos materiales. Es un chaval un tanto díscolo apasionado por el dibujo y que se hace amigo de un compañero negro, repetidor, que sueña con ser astronauta, aunque la tozuda realidad racial y socioeconómica desactivan sus ilusiones, le condenan a ser un joven sin sueños, mientras el protagonista libra una batalla ética entre hacer aquello que encuentra justo, y que viene representado en buena medida por la figura de su abuelo (aunque felizmente tampoco sea modélica), la única que de verdad respeta, o plegarse a un sistema de privilegios. Es un film sobre la educación, partiendo de la educación intrafamiliar como elemento nuclear, en esa familia llena de contradicciones que en el fondo ha asumido los valores reaganianos que están transmitiendo al niño. Si los conflictos éticos y sociopolíticos que plantea el film pueden ser un poco evidentes, Grey los dignifica y eleva a través de una realización tremendamente elegante y sensible. Es una obra muy inmersiva que nos sitúa en el lugar de su protagonista con un hábil uso del punto de vista, que nos hace sentir y participar de sus grandes dilemas morales, de la dificultad de remar siempre a contracorriente para mantener una integridad cuya naturaleza va descubriendo casi al mismo tiempo de ser derribada.
422. Onde fica esta rua? ou Sem antes nem depois (João Rui Guerra da Mata & João Pedro Rodrigues, 2022) - 5,5
La dupla portuguesa revisita los espacios que transitaran los protagonistas de la mítica Os verdes anhos de Paulo Rocha para conformar un film-ensayo cuyo vaciado dialoga con la pandemia COVID. La película reproduce los movimientos de cámara de su referente en espacios más o menos transformados pero sin personajes, o más bien con presencias oblicuas y fugaces las más de las veces, y que bien se puede entender como un reflejo de un estado anormal de las cosas. Sin muchas más concesiones que el número musical que interpreta la ya octogenaria Isabel Ruth (coprotagonista del original), destaca la hermosa fotografía en 16mm y la juguetona banda sonora en una propuesta cuyos argumentos se agotan quizás demasiado pronto, pero que al menos resulta relativamente placentera para los sentidos.
423. Monica (Andrea Pallaoro, 2022) - 5,5
La mujer que casi monopoliza la imagen de este film al que da título es un transexual que regresa a la casa familiar para ayudar en los cuidados de su madre, a quien no ve desde hace mucho tiempo, antes de su cambio físico, sin revelarle su verdadera identidad. Se configura así un drama de cocción muy lenta sobre las segundas oportunidades, sobre la importancia de sentirse integrado en una red humana, donde muchos de los elementos más trágicos no se muestran en pantalla, sea el trauma del pasado al que sólo se refiere ya muy avanzado el metraje, o las relaciones sentimentales que nunca llegamos a ver. Es de hecho ella quien se expone en las estrecheces de los precisos (y atractivos) encuadres en formato cuadrado de Pallaoro, que sólo refuerzan la sensación de agobio vital. Pero también hay que admitir que el relato resulta bastante inflado en metraje para lo que cuenta, y de hecho su arco dramático finaliza mucho antes que la película.
424. Tchaikovsky's Wife (Kirill Serebrennikov, 2022) - 5
Serevrenikov se acerca a un tema al parecer soslayado en un país como Rusia, tan homófobo: la homosexualidad de uno de sus principales héroes artísticos, el compositor Piotr Ilich Tchaikovsky. Y lo hace a través de la mujer que se casó con él, admiradora enamorada hasta el fanatismo, a la que el compositor habría aceptado como esposa para paliar sus estrecheces económicas con su dote y para acallar rumores sobre su orientación sexual. Pero Tchaikovsky habría desarrollado tal aversión hacia ella que no podía tolerar su presencia, mientras ella nunca fue capaz de admitir que su marido no podía amarla. Ello nos lleva hacia un drama progresivamente oscuro, tortuoso y desquiciado, en el que Serevrenikov realiza un ejercicio de estilo a base de virtuosos planos secuencia dentro de los cuales se funde el tiempo en elipsis e incluso el realismo de lo narrado. Sin embargo el resultado deja un tanto que desear, con un metraje excesivo, espeso y enfático.
425. Sombre (Philippe Grandieux, 1998) - 7
Como en un remedo de la famosa escena de El espíritu de la colmena en la que la protagonista reacciona al visionado de Frankenstein, este film comienza con las imágenes de unos niños que están viendo algo y que gritan advirtiendo del peligro. Y parece muy apropiado ya que en un momento dado muy avanzado el metraje, su turbio protagonista, un asesino en serie que mata mujeres mientras tiene relaciones sexuales con ellas, se da un aire al mismo monstruo que aparece en Frankenstein. Hay referencias más explícitas al universo de las fantasías más o menos infantiles, como el disfraz de lobo que encuentra una de las potenciales víctimas en la habitación de él. Ella sería la inocente chica de cuento, mujer virgen a quien este depredador no termina de mostrarse capaz de devorar. Pero lo más llamativo del film es su propuesta estética, que nos traslada a un espacio oscuro y malsano, donde la imagen tiembla siempre que su protagonista forma parte de la escena, que en ocasiones se mueve en el terreno del cine experimental, como esa fantástica secuencia durante el trayecto en coche que nos lleva a imágenes abstractas para acabar en lo que parecería un plano detalle del cabello de la chica mecido al viento. Es curiosa también el papel que juega el ciclismo, ya que el protagonista parece seguir de inicio una carrera ciclista y el film termina con un plano secuencia de una cámara grabando desde la carretera a los espectadores, como una rima del inicio de la película, como si Grandieux quisiera enfatizar la importancia de la mirada en su obra. Y da la casualidad de que el film se estrenó apenas un mes después de que estallase el escándalo de dopaje en el Tour de Francia, con el equipo Festina en el epicentro del mismo, y de hecho en la película se ve una pancarta con esa marca (la única que se distingue con claridad, creo yo), lo que nos permite añadir a los vampiros como otra criatura fantástica evocada por la película.
426. Bowling Saturn (Patricia Mazuy, 2022) - 6
Curiosamente el último film de Mazuy tiene llamativos puntos en común con Sombre, en particular presentarse bajo el punto de vista de otro asesino que mata a mujeres mientras tiene relaciones con ellas. Pero aquí estamos mucho más cerca de los códigos noir, y la estructura escindida sirve para crear un duelo fraticida, ya que el policía que investiga los asesinatos es hermanastro del asesino. Son sin embargo dos caras de la misma moneda, herederos de una cultura muy masculina de la violencia y la depredación que representa su padre, cazador, fallecido antes de arrancar la historia. De hecho, las intenciones y el mensaje son quizás excesivamente evidentes, y la prueba más clara es ese momento en que el depredador observa unas grabaciones de los cazadores con inefable placer y excitación. Mazuy busca una cierta atmósfera malsana y oscura desde una exposición nítida y gráfica de los personajes y sus acciones, con especial mención para ese primer asesinato, tan detallado en su realización que incluso puede llevar a cierta trivialidad (todo lo cual contrasta con las inaprensibles y ominosas imágenes de Grandieux en su film). La propia bolera que da título a la película, el espacio heredado por el policía, hijo legítimo, y cuya gerencia cede al bastardo, donde el grupo de cazadores amigos del padre se reúne, está situada en el subsuelo y tiene una entrada lynchiana, el símbolo gráfico de ese infierno depredador que Mazuy pretende retratar.
427. Anhell69 (Theo Montoya, 2022) - 6
Me ha hecho pensar esta película en Apichatpong Weerasethakul, concretamente en Memoria y por contraste, ya que situadas ambas en Colombia, la del tailandés se obsesionaba desde el presente con los registros y reverberaciones del pasado, mientras que la obra de Montoya mira a un negado futuro desde un presente prácticamente forzado a ser nihilista. También me hizo pensar en Uncle Boomnee, en sus espectrales hombres-mono de luminosos ojos rojos, bastante similares a los fantasmas que crea Montoya en la pequeña ficción que inserta dentro del film. Allí plantea un Medellín distópico donde los cementerios ya están llenos, de manera que estos fantasmas proliferan entre la gente, parte de la cual se vuelve espectrofílica. Este follar con fantasmas es otra de las imágenes que proyecta la película sobre un presente sin esperanza, volcado sobre el ahora, sobre el puro hedonismo, sea el sexo o las drogas, donde la muerte se acepta como una compañera cercana. Por ello sus imágenes viajan entre la oscuridad y la lisergia, con un tono ya marcado por una voz en off en primera persona que suena como un responso, donde el director convoca a sus amigos, aparentemente todos del mundo LGTBI, lo que añade un matiz de marginalidad a sus figuras, varios de ellos ya muertos, de los que tiene grabaciones por haberles hecho un casting para esa ficción que pretendía rodar. En definitiva, una película de fantasmas.
428. Eami (Paz Encina, 2022) - 6
Encina nos acerca la drama de los indígenas ayoreos, expulsados de sus tierras por los colonos, con una obra que, en clave poética, pretende darles no sólo voz nominal, sino también adoptar el punto de vista cultural indígena, para así tratar de escapar a un colonialismo que también se ejerce de manera intelectual. Este relato polifónico nos inicia en su cosmogonía, en una concepción del mundo que les rodea en la que forman un todo con el medio en el que viven, para transitar el dolor por la pérdida, con una cadencia que, como en Anhell69, también evoca un responso. Es un film que tiende a mirar al árbol para evocar el bosque, que se queda con primeros planos o con fragmentos de la naturaleza, que renuncia a la profundidad de campo y al gran formato visual.
429. Rimini (Ulrich Seidl, 2022) - 6
La visión de Rimini perfila con más nitidez la temática en este díptico de las fallidas relaciones paternofiliales que también asomaba en Sparta. Con un comienzo y final idéntico al de aquella, Rimini se ocupa del otro hijo del demente anciano internado en una residencia, el hermano del pederasta de Sparta. Y el escenario es en esta ocasión Italia, en la turística localidad que da título al film, en invierno, cuando se ofrece semi-vacía, con las fantasmales presencias de los inmigrantes y los jubilados que representan el público potencial del protagonista. Interpretado con pasmosa autenticidad por Michael Thomas, éste es un cantante melódico venido a menos, ludópata y medio alcohólico, que se saca un dinero extra ejerciendo de gigoló y alquilando su casa a admiradoras. Su rutina se rompe cuando aparece su hija exigiendo todo el dinero que no le ha pagado a ella y a su madre desde su separación muchos años atrás. Por supuesto Seidl no nos ahorra escenas de sexo perfectamente antieróticas (de hecho la película resulta a veces un poco redundante y alargada), dentro de una galería humana que tiende a la decrepitud y/o la marginación, figuras decadentes, solitarias y frustradas, retratadas con la severidad y el patetismo habituales del director austriaco. Si bien todavía subyace la humanidad de los personajes, ésta termina en todo caso subordinada al factor pecuniario que va determinando todas las relaciones que nos muestra la película, la lógica respuesta al fracaso paternofilial.
430. Peaux de vaches (Patricia Mazuy, 1989) - 6
Como Bowling Saturn, éste es otro film de Mazuy que enfrenta a dos hermanos, donde los roles de bueno/malo son progresivamente confusos, con uno de ellos regresando desde la marginalidad (la cárcel en este caso, como también viene de la cárcel Paul Sanchez). Es otra obra que nos muestra una violencia latente, inherente a al medio y a una masculinidad un tanto cafre, y Mazuy se aplica en transmitir un fragor constante en sus imágenes, con la acción en pantalla siempre en tensión, con personajes que corren, gritan, se golpean, parecen en permanente situación de peligro o histeria.
431. The Novelist's Film (Hong Sang-soo, 2022) - 6,5
Otro film de Hong en el que un artista, en esta ocasión una novelista, llega a una ciudad de visita y va teniendo diferentes encuentros más o menos fortuitos. La novelista, que confiesa estar en plena sequía creativa, irónicamente acaba ejerciendo de directora de cine, ya que le propone a uno de esos encuentros azarosos, una actriz todavía joven pero alejada de los focos, realizar un cortometraje. Es una película así de personajes en crisis creativa que tratan de encontrar un nuevo lenguaje, como vemos en ese momento tan peculiar en el que la novelista se queda prendada de una expresión en lenguaje de signos. Siempre en modo lúdico, Hong juega con la autorreferencialidad, siempre parece que nos va a dar las claves de su obra por boca de los personajes, aunque quizás no vaya a ser así, pero se reserva un giro metanarrativo final que en el que realiza una bella confesión, entiendo que con su propia voz, de su amor por Kim Min-hee (quien encarna a la actriz).
432. Chronique d'une liaison passagère (Emmanuel Mouret, 2022) - 6,5
Mouret entrega otra comedia romántica que explora la mecánica del amor, otro relato lúdico y totalmente autoconsciente donde una pareja, él casado, comienza una aventura amorosa con voluntad de fugacidad, de no caer en enredos pasionales. Con ese límite, el del enamoramiento, juega la historia en todo momento, en una obra que en esta ocasión se ciñe fundamentalmente a su pareja protagonista, lejos de la combinatoria de otros films de Mouret. Aunque ya no protagonista de sus propias películas, su sombra se proyecta en la interpretación de Vincent Macaigne, el típico hombre inseguro enfrentado a una mujer decidida y audaz. El cuidado y las coreografías visuales de Mouret siguen estando ahí, como en el excelente plano de apertura en un bar, en el que los personajes casi bailan dado todo el movimiento escénico que acarrea la secuencia.
433. Sobre las nubes (María Aparicio, 2022) - 6
Un film muy pequeño y bastante ambicioso al mismo tiempo, formado por cuatro segmentos principales en principio estancos que se van alternando, lo que resulta en cuatro protagonistas y un quinto personaje que va tejiendo conexiones con los demás. Ambientada en Córdoba (Argentina), son todas ellos personas que se antojan solitarias aunque en algunos casos vivan acompañadas y que, sin encontrarse en situación de marginación social, sí que parecen vivir en diferentes niveles de precariedad. Un parado, un cocinero en una tasca, una dependienta de librería, una auxiliar en un hospital y la quinta en discordia, una chica que alterna diferentes empleos. Pero todos ellos también cultivan pasiones, sea el cuidado de la propia hija, los trucos de magia, la astronomía, el teatro o la música. Siempre desde la sencillez expositiva servida por la economía de planos y diálogos, por la transparencia del estilo visual, por un ritmo paciente, de hecho con una narración que podríamos calificar de deshidratada, además en blanco y negro, Aparicio parece querer trazar un modesto fresco de una parte de la sociedad que no siempre resulta fácil de categorizar (como expone la secuencia de apertura en la cual los personajes responden a la típica encuesta ocupacional), individuos tan (o tan poco) fugaces como los demás, como parece querer decirnos a través de los textos que puntualmente se leen, referidos al tiempo o a esas nubes bajo las cuales se desarrolla inexorablemente nuestra vida.
434. Clorindo Testa (Mariano Llinás, 2022) - 5,5
El padre de Mariano Llinás, Julián Llinás, escribió un libro sobre su amigo Clorindo Testa, famoso arquitecto brutalista y más desconocido por su faceta de pintor, que es de la que se ocupa principalmente el texto. Y el cineasta habría recibido un encargo para realizar una película sobre Testa. Pero según confiesa vehementemente, su película no es sobre Clorindo Testa. Tampoco sería sobre su padre. Su intención sería hacer una película sobre el libro que escribió su padre sobre el arquitecto/pintor. Pero entiendo que, además de sí acabar siendo todas esas cosas de las que reniega el director, es muy en particular una película sobre cómo hacer una película. Porque Llinás se interroga, se replantea constantemente la narración, transmitiendo una hiperconciencia metanarrativa en el espectador, eso sí, siempre desde el humor, dispuesto a reírse de sí mismo y del material que va construyendo. Porque estamos ante una obra de bricolaje, un film casero que parece hacerse sobre la marcha y cuyas capas tienen como común denominador el arte de crear. De todas maneras, se me hizo un poco farragosa, en parte por su juego intertextual que invita al espectador a leer extractos literarios.
435. Viens je t'emmène (Alain Guiraudie, 2022) - 6,5
Tengo la impresión de que Guiraudie ha regresado en alguna medida al territorio de Le Roi de l'évasion en este film. Quizás sin tanto descaro como en aquella, nos encontramos ante otra comedia bastante loca de personajes muy heterodoxos que nos hablan de algunas de las neurosis contemporáneas de Francia y Europa. Especialmente, la inmigración, el miedo o el rechazo al otro, al diferente, el terrorismo o la violencia en general de ese diferente pero también la del semejante. Como en aquella, la sexualidad es, además de temática de por sí, espoleta de muchas de las acciones y derivadas de la historia, empezando por esa atracción súbita que siente el protagonista por una veterana prostituta casada con un marido celoso que se revela maltratador. Al tiempo se cometen unos atentados terroristas en la ciudad y, mientras se busca a uno de los autores, un joven islámico busca refugio en el edificio del protagonista. La historia sigue por vericuetos más o menos inesperados al ritmo de las a menudo ocultas pulsiones de sus personajes (quizás el tratamiento del maltrato, a base de querer ser subversivo, acaba resultando viejuno). Es un film divertido y en constante movimiento, que flirtea con los estereotipos para sacarnos en varias ocasiones de los lugares más comunes.
436. Metronom (Alexandru Belc, 2022) - 6
Esta es una coming-of-age-story enfrascada en un régimen dictatorial como era la Rumanía de Ceaucescu. La maduración va acompañada no sólo de la pérdida de la inocencia, sino además de la rendición de la ética y valores propios ante la asfixiante fuerza del sistema. En realidad, algo no muy diferente de lo que cuenta Armageddon Time en otro contexto y otra edad. Su protagonista es una joven cuyo enamorado está a punto de abandonar el país, ante su desesperación. Ambos acuden a una fiesta com amigos en la que escuchan un programa de radio clandestino que les acerca la música extranjera y donde se pergreña una carta para enviar al locutor, pero la Securitate irrumpe y se los lleva detenidos. Quizás la parte del régimen de terror es lo menos interesante del film, no deja mucho margen a la sugerencia. Pero sirve para ponernos en situación de unos personajes que tienen que librar una batalla interior injusta y desigual, para demostrar la capacidad de un régimen para amedrentar y corromper a la ciudadanía, a toda la sociedad como una gran mancha de aceite. El sexo está muy presente como en tantos films sobre la transición a la edad adulta, pero en algún momento del camino deja de ser una cuestión amorosa y sentimental y pasa a simbolizar esa pérdida de inocencia, una pérdida de la virginidad que significa la rendición al sistema. Es curioso el último plano de la película, que casi parece un flashback por la despreocupación que muestran los personajes, pero que entiendo quiere reflejar la normalización de una situación que parapetó a un régimen durante un par de décadas más.
437. Le parfum vert (Parisier, 2022) - 4
Un explícito pastiche hichcockiano cuyo argumento viene a ser un cruce entre North by Northwest y The Man Who Knew Too Much. Pero no le encuentro demasiado interés a la propuesta, por más que se ponga al día el McGuffin con el tema de las fake news.
438. Tales of the Purple House (Abbas Fahdel, 2022) - 6,5
A lo largo de tres horas, Fahdel combina una mirada intimista e histórica en este retrato de un Líbano en permanente crisis y permanente búsqueda de un futuro mejor. Su mujer sirve como hilo conductor, y la casa donde viven como centro neurálgico, refugio al cual el film vuelve una y otra vez, a sus gatos y sus flores, un remanso de paz en un contexto siempre turbulento, por la epidemia COVID, por la explosión en el puerto de Beirut, por las protestas para la mejora de las libertades. También el pasado es evocado, y muy especialmente todos aquellos que faltan, porque murieron o porque acabaron marchando del país, como una herida que sangra dolorosa y perpetuamente. Pero igualmente otros llegan de situaciones aún peores, como los refugiados sirios. Es una obra cálida en su mayoría, como se refleja en las relaciones que muestra la protagonista, sobre todo el hijo del vecino que le corta el césped, con elementos intertextuales que dialogan con la acción (como esos pequeños cortes de clásicos cinematográficos insertados diegéticamente en el televisor de la casa). Cierto que para mi gusto sobra metraje del manifestaciones, que la estética muestra un desigual tratamiento, a veces muy descuidado y otras veces sobreintervenido (como esos rojos atardeceres que parecen imposibles), pero es una obra sentida, evocadora y reivindicativa en su mirada al Líbano y al tiempo agradable como experiencia audiovisual.
439. Vera (Tizza Covi & Rainer Frimmel, 2022) - 5,5
La pareja de cineastas regresan, si no al universo circense de muchas de sus películas previas, sí a su típico cinema vérité de estética documental, con actores que en su mayoría se interpretan a sí mismos dentro de una historia ficcionalizada que se inspira en ellos. Vera Gemma, habitual del faranduleo italiano, es hija de la estrella del spaghetti-western Giuliano Gemma. Su figura y su rostro desfigurado por las operaciones estéticas son el objeto de atención de la cámara, que la persigue en sus variadas andanzas, en sus vanos intentos por conseguir papeles como actriz y especialmente en sus amoríos en los que el interés crematístico de la otra parte juega un papel demasiado importante. Resulta muy difícil empatizar con ella tal y como viene retratada, una mujer acomodada y derrochadora por un lado, y de una ingenuidad que roza la idiocicia por otro. Su rasgo más redimible tiene que ver con su posible trauma como hija a lo sombra de un actor famoso (la secuencia con Asia Argento es de lo mejor de la película) y de una madre con obsesivas exigencias estéticas, lo que proyectaría sobre ese niño del cual se encariña, y al que procura una protección, quimérica en el fondo, que le lleva a cometer aún más tonterías. Es un film que a nivel humanista brilla menos que obras precedentes del dúo, pero siempre podemos contar con el verismo de su propuesta.
Un saludo.
419. Saint-Cyr (Patricia Mazuy, 2000) - 5
Durante el reinado de Luis XIV, la influyente querida del rey creo una institución para educar a hijas empobrecidas de la nobleza. Ella es un personaje demiúrguco cuyo discurso de (relativo) empoderamiento femenino sólo esconde su propia ambición de poder, perpetuando la condición de víctima de las niñas a su cargo. Huppert hace de Huppert en este film de época correcto, pero bastante espeso, convencional y poco sutil.
420. The Cathedral (Rick D'Ambroise, 2021) - 6,5
D'Ambroise nos presenta la historia de un joven y su familia desde su nacimiento hasta su graduación, a través de una narración fragmentaria e insular, donde las escenas apenas pasan del plano único, donde no hay una continuidad en las acciones. De hecho, es la voz en off la que ejerce de principal narradora, informando del devenir de la estructura familiar. Resulta difícil situar a todos los personajes y seguir los conflictos que se mencionan, pero tengo la impresión de que es un acto deliberado, ya que lo importante sería la existencia de conflictos, a menudo producto del materialismo de los personajes, que van socavando las relaciones entre ellos, o que más bien construyen una estructura basada en el conflicto. Y entiendo que el film propone que este grupo de criaturas viene a ser uno de los innumerables sillares de esa catedral que supone un país como Estados Unidos, cuya historia reciente, sus traumas y conflictos, jalonan el metraje con cortes informativos. En la afición que desarrolla el joven protagonista por el cine y la fotografía, es curiosa su fascinación por una antigua foto de dos tías suyas conversando cómplicemente sobre una cama, como si esa comunicación fuera un paraíso perdido en un mundo que nos invita a la catatonia.
421. Armageddon Time (James Gray, 2022) - 7
Otro film que habla de la construcción de la psique estadounidense, que Gray emprende desde la reconstrucción de su propia infancia en una contextualización muy precisa, justo en vísperas del ascenso triunfal de Ronald Reagan a la presidencia del país, la culminación del viaje hacia el más feroz individualismo de la sociedad. Su protagonista es un niño que acaba de empezar la secundaria, que forma parte de una familia judía de orientación política demócrata, pero igualmente obsesionada por progresar en términos materiales. Es un chaval un tanto díscolo apasionado por el dibujo y que se hace amigo de un compañero negro, repetidor, que sueña con ser astronauta, aunque la tozuda realidad racial y socioeconómica desactivan sus ilusiones, le condenan a ser un joven sin sueños, mientras el protagonista libra una batalla ética entre hacer aquello que encuentra justo, y que viene representado en buena medida por la figura de su abuelo (aunque felizmente tampoco sea modélica), la única que de verdad respeta, o plegarse a un sistema de privilegios. Es un film sobre la educación, partiendo de la educación intrafamiliar como elemento nuclear, en esa familia llena de contradicciones que en el fondo ha asumido los valores reaganianos que están transmitiendo al niño. Si los conflictos éticos y sociopolíticos que plantea el film pueden ser un poco evidentes, Grey los dignifica y eleva a través de una realización tremendamente elegante y sensible. Es una obra muy inmersiva que nos sitúa en el lugar de su protagonista con un hábil uso del punto de vista, que nos hace sentir y participar de sus grandes dilemas morales, de la dificultad de remar siempre a contracorriente para mantener una integridad cuya naturaleza va descubriendo casi al mismo tiempo de ser derribada.
422. Onde fica esta rua? ou Sem antes nem depois (João Rui Guerra da Mata & João Pedro Rodrigues, 2022) - 5,5
La dupla portuguesa revisita los espacios que transitaran los protagonistas de la mítica Os verdes anhos de Paulo Rocha para conformar un film-ensayo cuyo vaciado dialoga con la pandemia COVID. La película reproduce los movimientos de cámara de su referente en espacios más o menos transformados pero sin personajes, o más bien con presencias oblicuas y fugaces las más de las veces, y que bien se puede entender como un reflejo de un estado anormal de las cosas. Sin muchas más concesiones que el número musical que interpreta la ya octogenaria Isabel Ruth (coprotagonista del original), destaca la hermosa fotografía en 16mm y la juguetona banda sonora en una propuesta cuyos argumentos se agotan quizás demasiado pronto, pero que al menos resulta relativamente placentera para los sentidos.
423. Monica (Andrea Pallaoro, 2022) - 5,5
La mujer que casi monopoliza la imagen de este film al que da título es un transexual que regresa a la casa familiar para ayudar en los cuidados de su madre, a quien no ve desde hace mucho tiempo, antes de su cambio físico, sin revelarle su verdadera identidad. Se configura así un drama de cocción muy lenta sobre las segundas oportunidades, sobre la importancia de sentirse integrado en una red humana, donde muchos de los elementos más trágicos no se muestran en pantalla, sea el trauma del pasado al que sólo se refiere ya muy avanzado el metraje, o las relaciones sentimentales que nunca llegamos a ver. Es de hecho ella quien se expone en las estrecheces de los precisos (y atractivos) encuadres en formato cuadrado de Pallaoro, que sólo refuerzan la sensación de agobio vital. Pero también hay que admitir que el relato resulta bastante inflado en metraje para lo que cuenta, y de hecho su arco dramático finaliza mucho antes que la película.
424. Tchaikovsky's Wife (Kirill Serebrennikov, 2022) - 5
Serevrenikov se acerca a un tema al parecer soslayado en un país como Rusia, tan homófobo: la homosexualidad de uno de sus principales héroes artísticos, el compositor Piotr Ilich Tchaikovsky. Y lo hace a través de la mujer que se casó con él, admiradora enamorada hasta el fanatismo, a la que el compositor habría aceptado como esposa para paliar sus estrecheces económicas con su dote y para acallar rumores sobre su orientación sexual. Pero Tchaikovsky habría desarrollado tal aversión hacia ella que no podía tolerar su presencia, mientras ella nunca fue capaz de admitir que su marido no podía amarla. Ello nos lleva hacia un drama progresivamente oscuro, tortuoso y desquiciado, en el que Serevrenikov realiza un ejercicio de estilo a base de virtuosos planos secuencia dentro de los cuales se funde el tiempo en elipsis e incluso el realismo de lo narrado. Sin embargo el resultado deja un tanto que desear, con un metraje excesivo, espeso y enfático.
425. Sombre (Philippe Grandieux, 1998) - 7
Como en un remedo de la famosa escena de El espíritu de la colmena en la que la protagonista reacciona al visionado de Frankenstein, este film comienza con las imágenes de unos niños que están viendo algo y que gritan advirtiendo del peligro. Y parece muy apropiado ya que en un momento dado muy avanzado el metraje, su turbio protagonista, un asesino en serie que mata mujeres mientras tiene relaciones sexuales con ellas, se da un aire al mismo monstruo que aparece en Frankenstein. Hay referencias más explícitas al universo de las fantasías más o menos infantiles, como el disfraz de lobo que encuentra una de las potenciales víctimas en la habitación de él. Ella sería la inocente chica de cuento, mujer virgen a quien este depredador no termina de mostrarse capaz de devorar. Pero lo más llamativo del film es su propuesta estética, que nos traslada a un espacio oscuro y malsano, donde la imagen tiembla siempre que su protagonista forma parte de la escena, que en ocasiones se mueve en el terreno del cine experimental, como esa fantástica secuencia durante el trayecto en coche que nos lleva a imágenes abstractas para acabar en lo que parecería un plano detalle del cabello de la chica mecido al viento. Es curiosa también el papel que juega el ciclismo, ya que el protagonista parece seguir de inicio una carrera ciclista y el film termina con un plano secuencia de una cámara grabando desde la carretera a los espectadores, como una rima del inicio de la película, como si Grandieux quisiera enfatizar la importancia de la mirada en su obra. Y da la casualidad de que el film se estrenó apenas un mes después de que estallase el escándalo de dopaje en el Tour de Francia, con el equipo Festina en el epicentro del mismo, y de hecho en la película se ve una pancarta con esa marca (la única que se distingue con claridad, creo yo), lo que nos permite añadir a los vampiros como otra criatura fantástica evocada por la película.
426. Bowling Saturn (Patricia Mazuy, 2022) - 6
Curiosamente el último film de Mazuy tiene llamativos puntos en común con Sombre, en particular presentarse bajo el punto de vista de otro asesino que mata a mujeres mientras tiene relaciones con ellas. Pero aquí estamos mucho más cerca de los códigos noir, y la estructura escindida sirve para crear un duelo fraticida, ya que el policía que investiga los asesinatos es hermanastro del asesino. Son sin embargo dos caras de la misma moneda, herederos de una cultura muy masculina de la violencia y la depredación que representa su padre, cazador, fallecido antes de arrancar la historia. De hecho, las intenciones y el mensaje son quizás excesivamente evidentes, y la prueba más clara es ese momento en que el depredador observa unas grabaciones de los cazadores con inefable placer y excitación. Mazuy busca una cierta atmósfera malsana y oscura desde una exposición nítida y gráfica de los personajes y sus acciones, con especial mención para ese primer asesinato, tan detallado en su realización que incluso puede llevar a cierta trivialidad (todo lo cual contrasta con las inaprensibles y ominosas imágenes de Grandieux en su film). La propia bolera que da título a la película, el espacio heredado por el policía, hijo legítimo, y cuya gerencia cede al bastardo, donde el grupo de cazadores amigos del padre se reúne, está situada en el subsuelo y tiene una entrada lynchiana, el símbolo gráfico de ese infierno depredador que Mazuy pretende retratar.
427. Anhell69 (Theo Montoya, 2022) - 6
Me ha hecho pensar esta película en Apichatpong Weerasethakul, concretamente en Memoria y por contraste, ya que situadas ambas en Colombia, la del tailandés se obsesionaba desde el presente con los registros y reverberaciones del pasado, mientras que la obra de Montoya mira a un negado futuro desde un presente prácticamente forzado a ser nihilista. También me hizo pensar en Uncle Boomnee, en sus espectrales hombres-mono de luminosos ojos rojos, bastante similares a los fantasmas que crea Montoya en la pequeña ficción que inserta dentro del film. Allí plantea un Medellín distópico donde los cementerios ya están llenos, de manera que estos fantasmas proliferan entre la gente, parte de la cual se vuelve espectrofílica. Este follar con fantasmas es otra de las imágenes que proyecta la película sobre un presente sin esperanza, volcado sobre el ahora, sobre el puro hedonismo, sea el sexo o las drogas, donde la muerte se acepta como una compañera cercana. Por ello sus imágenes viajan entre la oscuridad y la lisergia, con un tono ya marcado por una voz en off en primera persona que suena como un responso, donde el director convoca a sus amigos, aparentemente todos del mundo LGTBI, lo que añade un matiz de marginalidad a sus figuras, varios de ellos ya muertos, de los que tiene grabaciones por haberles hecho un casting para esa ficción que pretendía rodar. En definitiva, una película de fantasmas.
428. Eami (Paz Encina, 2022) - 6
Encina nos acerca la drama de los indígenas ayoreos, expulsados de sus tierras por los colonos, con una obra que, en clave poética, pretende darles no sólo voz nominal, sino también adoptar el punto de vista cultural indígena, para así tratar de escapar a un colonialismo que también se ejerce de manera intelectual. Este relato polifónico nos inicia en su cosmogonía, en una concepción del mundo que les rodea en la que forman un todo con el medio en el que viven, para transitar el dolor por la pérdida, con una cadencia que, como en Anhell69, también evoca un responso. Es un film que tiende a mirar al árbol para evocar el bosque, que se queda con primeros planos o con fragmentos de la naturaleza, que renuncia a la profundidad de campo y al gran formato visual.
429. Rimini (Ulrich Seidl, 2022) - 6
La visión de Rimini perfila con más nitidez la temática en este díptico de las fallidas relaciones paternofiliales que también asomaba en Sparta. Con un comienzo y final idéntico al de aquella, Rimini se ocupa del otro hijo del demente anciano internado en una residencia, el hermano del pederasta de Sparta. Y el escenario es en esta ocasión Italia, en la turística localidad que da título al film, en invierno, cuando se ofrece semi-vacía, con las fantasmales presencias de los inmigrantes y los jubilados que representan el público potencial del protagonista. Interpretado con pasmosa autenticidad por Michael Thomas, éste es un cantante melódico venido a menos, ludópata y medio alcohólico, que se saca un dinero extra ejerciendo de gigoló y alquilando su casa a admiradoras. Su rutina se rompe cuando aparece su hija exigiendo todo el dinero que no le ha pagado a ella y a su madre desde su separación muchos años atrás. Por supuesto Seidl no nos ahorra escenas de sexo perfectamente antieróticas (de hecho la película resulta a veces un poco redundante y alargada), dentro de una galería humana que tiende a la decrepitud y/o la marginación, figuras decadentes, solitarias y frustradas, retratadas con la severidad y el patetismo habituales del director austriaco. Si bien todavía subyace la humanidad de los personajes, ésta termina en todo caso subordinada al factor pecuniario que va determinando todas las relaciones que nos muestra la película, la lógica respuesta al fracaso paternofilial.
430. Peaux de vaches (Patricia Mazuy, 1989) - 6
Como Bowling Saturn, éste es otro film de Mazuy que enfrenta a dos hermanos, donde los roles de bueno/malo son progresivamente confusos, con uno de ellos regresando desde la marginalidad (la cárcel en este caso, como también viene de la cárcel Paul Sanchez). Es otra obra que nos muestra una violencia latente, inherente a al medio y a una masculinidad un tanto cafre, y Mazuy se aplica en transmitir un fragor constante en sus imágenes, con la acción en pantalla siempre en tensión, con personajes que corren, gritan, se golpean, parecen en permanente situación de peligro o histeria.
431. The Novelist's Film (Hong Sang-soo, 2022) - 6,5
Otro film de Hong en el que un artista, en esta ocasión una novelista, llega a una ciudad de visita y va teniendo diferentes encuentros más o menos fortuitos. La novelista, que confiesa estar en plena sequía creativa, irónicamente acaba ejerciendo de directora de cine, ya que le propone a uno de esos encuentros azarosos, una actriz todavía joven pero alejada de los focos, realizar un cortometraje. Es una película así de personajes en crisis creativa que tratan de encontrar un nuevo lenguaje, como vemos en ese momento tan peculiar en el que la novelista se queda prendada de una expresión en lenguaje de signos. Siempre en modo lúdico, Hong juega con la autorreferencialidad, siempre parece que nos va a dar las claves de su obra por boca de los personajes, aunque quizás no vaya a ser así, pero se reserva un giro metanarrativo final que en el que realiza una bella confesión, entiendo que con su propia voz, de su amor por Kim Min-hee (quien encarna a la actriz).
432. Chronique d'une liaison passagère (Emmanuel Mouret, 2022) - 6,5
Mouret entrega otra comedia romántica que explora la mecánica del amor, otro relato lúdico y totalmente autoconsciente donde una pareja, él casado, comienza una aventura amorosa con voluntad de fugacidad, de no caer en enredos pasionales. Con ese límite, el del enamoramiento, juega la historia en todo momento, en una obra que en esta ocasión se ciñe fundamentalmente a su pareja protagonista, lejos de la combinatoria de otros films de Mouret. Aunque ya no protagonista de sus propias películas, su sombra se proyecta en la interpretación de Vincent Macaigne, el típico hombre inseguro enfrentado a una mujer decidida y audaz. El cuidado y las coreografías visuales de Mouret siguen estando ahí, como en el excelente plano de apertura en un bar, en el que los personajes casi bailan dado todo el movimiento escénico que acarrea la secuencia.
433. Sobre las nubes (María Aparicio, 2022) - 6
Un film muy pequeño y bastante ambicioso al mismo tiempo, formado por cuatro segmentos principales en principio estancos que se van alternando, lo que resulta en cuatro protagonistas y un quinto personaje que va tejiendo conexiones con los demás. Ambientada en Córdoba (Argentina), son todas ellos personas que se antojan solitarias aunque en algunos casos vivan acompañadas y que, sin encontrarse en situación de marginación social, sí que parecen vivir en diferentes niveles de precariedad. Un parado, un cocinero en una tasca, una dependienta de librería, una auxiliar en un hospital y la quinta en discordia, una chica que alterna diferentes empleos. Pero todos ellos también cultivan pasiones, sea el cuidado de la propia hija, los trucos de magia, la astronomía, el teatro o la música. Siempre desde la sencillez expositiva servida por la economía de planos y diálogos, por la transparencia del estilo visual, por un ritmo paciente, de hecho con una narración que podríamos calificar de deshidratada, además en blanco y negro, Aparicio parece querer trazar un modesto fresco de una parte de la sociedad que no siempre resulta fácil de categorizar (como expone la secuencia de apertura en la cual los personajes responden a la típica encuesta ocupacional), individuos tan (o tan poco) fugaces como los demás, como parece querer decirnos a través de los textos que puntualmente se leen, referidos al tiempo o a esas nubes bajo las cuales se desarrolla inexorablemente nuestra vida.
434. Clorindo Testa (Mariano Llinás, 2022) - 5,5
El padre de Mariano Llinás, Julián Llinás, escribió un libro sobre su amigo Clorindo Testa, famoso arquitecto brutalista y más desconocido por su faceta de pintor, que es de la que se ocupa principalmente el texto. Y el cineasta habría recibido un encargo para realizar una película sobre Testa. Pero según confiesa vehementemente, su película no es sobre Clorindo Testa. Tampoco sería sobre su padre. Su intención sería hacer una película sobre el libro que escribió su padre sobre el arquitecto/pintor. Pero entiendo que, además de sí acabar siendo todas esas cosas de las que reniega el director, es muy en particular una película sobre cómo hacer una película. Porque Llinás se interroga, se replantea constantemente la narración, transmitiendo una hiperconciencia metanarrativa en el espectador, eso sí, siempre desde el humor, dispuesto a reírse de sí mismo y del material que va construyendo. Porque estamos ante una obra de bricolaje, un film casero que parece hacerse sobre la marcha y cuyas capas tienen como común denominador el arte de crear. De todas maneras, se me hizo un poco farragosa, en parte por su juego intertextual que invita al espectador a leer extractos literarios.
435. Viens je t'emmène (Alain Guiraudie, 2022) - 6,5
Tengo la impresión de que Guiraudie ha regresado en alguna medida al territorio de Le Roi de l'évasion en este film. Quizás sin tanto descaro como en aquella, nos encontramos ante otra comedia bastante loca de personajes muy heterodoxos que nos hablan de algunas de las neurosis contemporáneas de Francia y Europa. Especialmente, la inmigración, el miedo o el rechazo al otro, al diferente, el terrorismo o la violencia en general de ese diferente pero también la del semejante. Como en aquella, la sexualidad es, además de temática de por sí, espoleta de muchas de las acciones y derivadas de la historia, empezando por esa atracción súbita que siente el protagonista por una veterana prostituta casada con un marido celoso que se revela maltratador. Al tiempo se cometen unos atentados terroristas en la ciudad y, mientras se busca a uno de los autores, un joven islámico busca refugio en el edificio del protagonista. La historia sigue por vericuetos más o menos inesperados al ritmo de las a menudo ocultas pulsiones de sus personajes (quizás el tratamiento del maltrato, a base de querer ser subversivo, acaba resultando viejuno). Es un film divertido y en constante movimiento, que flirtea con los estereotipos para sacarnos en varias ocasiones de los lugares más comunes.
436. Metronom (Alexandru Belc, 2022) - 6
Esta es una coming-of-age-story enfrascada en un régimen dictatorial como era la Rumanía de Ceaucescu. La maduración va acompañada no sólo de la pérdida de la inocencia, sino además de la rendición de la ética y valores propios ante la asfixiante fuerza del sistema. En realidad, algo no muy diferente de lo que cuenta Armageddon Time en otro contexto y otra edad. Su protagonista es una joven cuyo enamorado está a punto de abandonar el país, ante su desesperación. Ambos acuden a una fiesta com amigos en la que escuchan un programa de radio clandestino que les acerca la música extranjera y donde se pergreña una carta para enviar al locutor, pero la Securitate irrumpe y se los lleva detenidos. Quizás la parte del régimen de terror es lo menos interesante del film, no deja mucho margen a la sugerencia. Pero sirve para ponernos en situación de unos personajes que tienen que librar una batalla interior injusta y desigual, para demostrar la capacidad de un régimen para amedrentar y corromper a la ciudadanía, a toda la sociedad como una gran mancha de aceite. El sexo está muy presente como en tantos films sobre la transición a la edad adulta, pero en algún momento del camino deja de ser una cuestión amorosa y sentimental y pasa a simbolizar esa pérdida de inocencia, una pérdida de la virginidad que significa la rendición al sistema. Es curioso el último plano de la película, que casi parece un flashback por la despreocupación que muestran los personajes, pero que entiendo quiere reflejar la normalización de una situación que parapetó a un régimen durante un par de décadas más.
437. Le parfum vert (Parisier, 2022) - 4
Un explícito pastiche hichcockiano cuyo argumento viene a ser un cruce entre North by Northwest y The Man Who Knew Too Much. Pero no le encuentro demasiado interés a la propuesta, por más que se ponga al día el McGuffin con el tema de las fake news.
438. Tales of the Purple House (Abbas Fahdel, 2022) - 6,5
A lo largo de tres horas, Fahdel combina una mirada intimista e histórica en este retrato de un Líbano en permanente crisis y permanente búsqueda de un futuro mejor. Su mujer sirve como hilo conductor, y la casa donde viven como centro neurálgico, refugio al cual el film vuelve una y otra vez, a sus gatos y sus flores, un remanso de paz en un contexto siempre turbulento, por la epidemia COVID, por la explosión en el puerto de Beirut, por las protestas para la mejora de las libertades. También el pasado es evocado, y muy especialmente todos aquellos que faltan, porque murieron o porque acabaron marchando del país, como una herida que sangra dolorosa y perpetuamente. Pero igualmente otros llegan de situaciones aún peores, como los refugiados sirios. Es una obra cálida en su mayoría, como se refleja en las relaciones que muestra la protagonista, sobre todo el hijo del vecino que le corta el césped, con elementos intertextuales que dialogan con la acción (como esos pequeños cortes de clásicos cinematográficos insertados diegéticamente en el televisor de la casa). Cierto que para mi gusto sobra metraje del manifestaciones, que la estética muestra un desigual tratamiento, a veces muy descuidado y otras veces sobreintervenido (como esos rojos atardeceres que parecen imposibles), pero es una obra sentida, evocadora y reivindicativa en su mirada al Líbano y al tiempo agradable como experiencia audiovisual.
439. Vera (Tizza Covi & Rainer Frimmel, 2022) - 5,5
La pareja de cineastas regresan, si no al universo circense de muchas de sus películas previas, sí a su típico cinema vérité de estética documental, con actores que en su mayoría se interpretan a sí mismos dentro de una historia ficcionalizada que se inspira en ellos. Vera Gemma, habitual del faranduleo italiano, es hija de la estrella del spaghetti-western Giuliano Gemma. Su figura y su rostro desfigurado por las operaciones estéticas son el objeto de atención de la cámara, que la persigue en sus variadas andanzas, en sus vanos intentos por conseguir papeles como actriz y especialmente en sus amoríos en los que el interés crematístico de la otra parte juega un papel demasiado importante. Resulta muy difícil empatizar con ella tal y como viene retratada, una mujer acomodada y derrochadora por un lado, y de una ingenuidad que roza la idiocicia por otro. Su rasgo más redimible tiene que ver con su posible trauma como hija a lo sombra de un actor famoso (la secuencia con Asia Argento es de lo mejor de la película) y de una madre con obsesivas exigencias estéticas, lo que proyectaría sobre ese niño del cual se encariña, y al que procura una protección, quimérica en el fondo, que le lleva a cometer aún más tonterías. Es un film que a nivel humanista brilla menos que obras precedentes del dúo, pero siempre podemos contar con el verismo de su propuesta.
Un saludo.
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As Bestas. - 9, 5. Brutal recreación de la vida en las comunidades de los montes vecinales gallegos, en este caso una aldea sacudida por la oferta de una eólica y la negativa de unos peculiares vecinos a aceptarla. Sorogoyen construye, sobre este eterno conflicto, una trama tensa y agobiante, en un clima de presagio funesto, de tictac de resolución inminente, y alcanza del climax pasado la mitad de metraje, en una bella escena de macabra coreografía en el bosque, para reinventarse en una extraordinaria hora final, que es una película casi nueva, con un nuevo conflicto, que es el viejo pero a otro nivel, y que cierra el film en belleza con un par de escenas memorables. Excepcional el elenco, donde un contenido y bien dirigido Zahera lo borda, aunque la peli al final pertenezca a una monumental Marina Foïs, que va creciendo durante el metraje. La música, el sonido y la fotografía, todas sobresalientes, coadyuvan a la experiencia inmersiva, a ras de monte, esencial para disfrutar el film. Será complicado ver este año una película mejor.
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440. Kilenc hónap (Márta Meszáros, 1976) - 5
Viendo este film me he dado cuenta de que sus personajes principales son los mismos cuya historia retomaría un año después Ök ketten, aunque ya compartiendo protagonismo con otra pareja mayor. Si en aquella ya vemos a una pareja disuelta reunida puntualmente por sus conatos amorosos, aquí nos muestran cómo se conocen y llegan a esa situación de crisis irresoluble, aunque en realidad la crisis es permanente. Me cuesta recordar algún momento en el que la pareja se muestre feliz, contenta, a gusto. Hay incomodidad en todas sus interacciones. Él es abusivo y machista, ella es inconformista pero se enamora de él a pesar de que las señales de peligro son tan grandes como un rascacielos desde el minuto cero. Supongo que el amor es irracional, pero se hace cuesta arriba seguir la relación porque no hay apenas matices o sutilezas. Realmente quedaba mejor elidido como suponía que estaba cuando vi la segunda parte.
441. Lobo e Cão (Cláudia Varejão, 2022) - 5,5
En una isla de las Azores, quizás en algún momento de los años 90, nos acercamos a un grupo de jóvenes ahogados por el tradicionalismo del lugar (y por el formato 4/3 que usa Varejão), donde la religión y las viejas costumbres tienen mucho peso. Sucede especialmente con la juventud queer, como la protagonista que siente pulsiones lésbicas o su mejor amigo, gay que gusta vestir de fantasía. Pero incluso el hermano de la protagonista, que suponemos más ortodoxo en su orientación sexual, flirtea con las drogas como método de evasión de una vida un tanto frustrante que parece condenarle a perpetuar los modos de vida de la isla, y todo ello ante la incomprensión de la madre. La película busca huir de cualquier atisbo de crueldad, hacerse atmosférica y transitar el espacio íntimo de los personajes. Pero al mismo tiempo resulta un tanto esquemática y no siempre consigue tomar vuelo estético.
442. Diamond Island (Davy Chou, 2016) - 5,5
La isla Diamond a orillas del Phnom Penh en Camboya me ha recordado al espacio ganado al mar en Singapur que retratara poco después Yeo Siew Hua en A Land Imagined, ambos escenarios de ampulosos desarrollos urbanos que hacen más evidente la desigualdad social, lugares propicios para el desenraizamiento, la profilaxis histórica y sentimental, para la irrealidad onírica. En este film seguimos los pasos de un joven que ha dejado el pueblo para ganarse la vida como trabajador de la construcción en dicho lugar y que se encuentra con su hermano mayor, de quien la familia no tenía noticias desde varios años atrás, y que parece haber tenido éxito, aunque nunca llegamos a saber con certeza a qué se dedica. De hecho, entiendo que el film plantea una dicotomía entre el éxito material, que podemos imaginar que supone algún tipo de perversión no explicitada, y una cierta autenticidad, y está dicotomía vendría representada por las dos chicas con las que se relaciona el protagonista, su auténtico amor y la de conveniencia. Es una obra interesante pero que casi parece un esbozo de lo que haría Yeo en A Land Imagined, más abstracta y evocadora. La puesta en escena, que busca en ocasiones contrastar la dimensión humana de los personajes y la arquitectónica del espacio en el que se mueven, me parece bastante correcta, sin más alegrías. Y un detalle en principio muy poco trascendental como es el uso de la cámara en mano en planos esencialmente fijos (lo que siempre me suele molestar, no lo puedo evitar) contrasta con la elegancia y paciencia de los planos sostenidos que mostrará en su siguiente film, Retour à Seoul.
443. Une fleur à la bouche (Eric Baudelaire, 2022) - 5,5
Inspirada en la obra de Pirandello L'Uomo dal Fiore in Bocca, esa flor en la boca a la que aluden ambos títulos se refiere a un epitelioma, un crecimiento anormal del tejido que recubre los órganos y que puede ser canceroso. Es la enfermedad que sufriría el hombre que protagoniza la película y que se encuentra con otro hombre que ha perdido su tren en un bar a medianoche. En realidad este hombre enfermo emprende mayormente un soliloquio en el cual tomamos conciencia de cómo se ha agudizado su capacidad de percepción ante el inminente destino que le espera, cuán preciosamente valora ahora todas sus experiencias, todo aquello que le rodea, y por supuesto, también nos damos cuenta del modo zombi en que su interlocutor, nosotros en realidad, pasa por el mundo las más de las veces. Hay además toda una introducción que ocupa fácilmente un tercio del metraje (y que parece inflada para alcanzar una duración de largometraje) en la que Baudelaire se detiene en diferentes actividades de la distribución de la industria floral, y que podemos asociar, además de con el título de la película, con esa condición fugaz de la vida del protagonista, también con su descubierto gusto por cada detalle, aunque parezca tan trivial y poco práctico como una flor que está condenada a marchitarse y a ejercer una función decorativa. Es un discurso muy interesante ejecutado con solvencia y sobriedad por Baudelaire, pero quizás un poco escaso de estímulos cinematográficos.
444. Nishizumi senshacho-den (Kôzaburô Yoshimura, 1940) - 5,5
Biopic de un héroe de guerra consagrado por el régimen, Nishizumi fue el comandante de un regimiento de tanques que combatió en la campaña china de 1937-38. Es un biopic peculiar puesto que el ámbito personal del retratado está totalmente ausente, pero incluso su presencia en pantalla se hace rogar. De hecho es quizás antes un film bélico en el cual se enmarca su figura. Su descripción, como la del ejército japonés, es absolutamente idílica, un hombre bondadoso y generoso, como la escena en la que prestan ayuda a una mujer china que acaba de dar a luz. En pantalla no encontramos malos sentimientos, ni siquiera en el enemigo, más allá de su labor bélica y que tiene en todo caso poco protagonismo (y el film tiene ¿a bien? elidir el infausto paso del ejército japonés por Nankín). Es una producción que luce bastante realista en el aspecto material y por momentos atractiva en el acabado visual, en la que Yoshimura (y su operador) demuestra su capacidad en la composición y en el manejo de la luz (especialmente en las escenas nocturnas). Pero la casi ausencia de psicología individual, de personajes de una mínima entidad, hace que la función resulte un poco farragosa.
445. Irma Vep (Olivier Assayas, 2022) - 6
La nueva miniserie de Assayas es al mismo tiempo un remake y una secuela de su film homónimo realizado hace ya un cuarto de siglo, y que nos muestra nuevamente el rodaje de una nueva versión, ahora en formato serie, de Les vampires, el clásico serial de Louis Feuillade que, ahora sí, tiene más de un siglo de antigüedad. El director en la ficción, René Vidal, aunque se muestre incoherentemente más joven en esta secuela (Macaigne en lugar de Léaud), es más trasunto de Assayas que nunca, con esa obsesión por su antigua pareja, la protagonista del anterior Irma Vep en la ficción y en la realidad (Assayas estuvo casado con Maggie Cheung). Varios resortes de la anterior ficción vuelven en esta ocasión, que potencia el diálogo intertextual y multiplica su ambición especular, ya que además de los dos niveles de ficción que tenemos de mano (el rodaje y lo rodado dentro de la ficción), Assayas también recurre a las imágenes de Feuillade y, puntualmente, a su propio film, además de recrear el rodaje del serial original a partir de los textos de Musidora. Todo ello sirve a un canto de amor al cine, también a diferentes comentarios sobre múltiples aspectos de la creación y de la industria cinematográfica. No me convence del todo la plasmación en pantalla, eso sí. Creo que la narración está un tanto formateada en formas y ritmo para hacerla más digerible, ciertos conflictos carecen de la mínima sutileza, el film que rueda Vidal parece un poco horrible, aunque sirva para alimentar la cuestión que se plantea alguno de los personajes (menos lúcidos): ¿tiene sentido rehacer con el mismo guión un clásico de un siglo de antigüedad?, lo que supongo esconde de alguna manera una pregunta más importante que aborda la película, ¿sigue teniendo sentido hacer cine hoy en día?
446. Matter Out of Place (Nikolaus Geyrhalter, 2022) - 6
Otra implacable mirada del documentalista austríaco al terrible efecto de la mano del hombre en nuestro entorno, en este caso directamente a sus residuos, la basura que generamos día a día, y a diferentes formas de lidiar con ella en variadas partes del Globo. Sean voluntarios limpiando parajes naturales anegados de desechos, sean los servicios regulares de basura, los diferentes tratamientos a las mismas, en basureros, plantas de reciclaje o incineradoras, quedan claras un par de cuestiones: que el diferente nivel de riqueza de los países influye en la relativa sutileza a la hora de hacerla "desaparecer", pero sobre todo, que esa "desaparición" es ficticia, que en buena medida trasladamos residuos de un sitio a otro, o los transformamos en otros residuos, que incluso el reciclaje tiene una limitada eficacia y es otra actividad contaminante en sí misma, y que básicamente no hay actividad humana actual que no genere residuos, por muy sostenible que se quiera vender, aunque evidentemente el grado importa, y mucho.
447. All This, and Heaven Too (Anatole Litvak, 1940) - 6
Melodrama basado en hechos reales, un crimen que pudo influir en la caída de la monarquía en Francia a mediados del siglo XIX. Nos habla de la penosa experiencia de una institutriz en una casa nobiliaria donde los padres de los niños a su cuidado mantienen una relación tormentosa dada la exagerada propensión de la posesiva duquesa a los celos y la indiferencia con la que ya le trata su agobiado marido. De hecho, es un personaje el de la mujer bastante exagerado, sin matices, capaz de jugar con la vida de uno de sus hijos por capricho, y en esta línea entra también la anterior institutriz que ahora se ha convertido en sirvienta personal. Mucho más interesante y logrado me parece el drama romántico que se desata por la atracción que en silencio sienten el duque y la institutriz, el verdadero centro del film, una relación imposible que abunda en el sentido trágico del film. Es una obra elegante en la línea que puede esperarse de Litvak y que consigue sobrevivir a ese cariz maniqueo que mencionaba de algunos de sus personajes.
448. The Young Savages (John Frankenheimer, 1960) - 6,5
Drama judicial y social que nos lleva a similares ambientes a los que retrataría poco después West Side Story de forma más estilizada, a los enfrentamientos entre bandas juveniles de diferente origen étnico en las calles neoyorquinas, en Harlem en este caso. Aquí se incide particularmente en un difícil contexto social que empuja a los personajes a la delincuencia, aunque el protagonista es el ayudante del fiscal del distrito a quien le ha sido asignado el caso de asesinato de un joven puertorriqueño ciego a cargo de tres pandilleros rivales. El conflicto reside en este fiscal, él mismo salido el mismo barrio, y cuyo primer impulso es no contextualizar socialmente el crimen (si él ha sido capaz de salir de allí, ¿por qué no los demás?, piensa para sí mismo). Los personajes y el mensaje acaban siendo bastante diáfanos, quizás en exceso, y el film nos ofrece algunos tics típicos del género judicial. Como su director habituaba por entonces, es una narración que avanza sin descanso y que recurre a ciertos gestos visuales relativamente agresivos, como ciertas angulaciones o su gusto por colocar algunos elementos de la escena en primerísimo plano junto con otros más lejanos.
449. How to Blow Up a Pipeline (Daniel Goldhaber, 2022) - 5,5
Thriller indie sobre un grupo de jóvenes activistas medioambientalistas que emprenden la acción de volar un oleoducto. Según les vemos preparando el atentado, la narración nos lleva en sucesivos flashbacks al pasado reciente de cada uno para explicar las razones y la manera en que han llegado al grupo. Es un film ágil, que no molesta en ningún momento, que tampoco me parece especialmente sugerente, bastante volcado sobre la acción física y que en buena medida entiendo que asume el discurso de sus personajes, sin entrar en honduras.
450. Classical Period (Ted Fendt, 2018) - 6
Outside Noise, la última película de Ted Fendt, nos mostraba unos personajes jóvenes que hablaban (y viajaban) sin tener muy claro su propósito y destino. En este film previo también vemos a jóvenes departiendo, enfrascados en disquisiciones sobre La Divina Comedia, que discuten en un taller de lectura, u otras manifestaciones del arte antiguo. Pero bien parece que, cuanto más conocen y entienden ese pasado artístico (y la obra de Dante, como se explica, exige un enorme esfuerzo informativo dadas las innumerables referencias que utiliza a la actualidad de la época), menos capaces son de sobrepasar el plano cultural-artístico en las relaciones personales, crear vínculos emocionales con otras personas. La naturalidad de su último film aquí alcanza un grado mayor, como si fuera un ensayo con actores muy amateurs que dan el punto apropiado de "nerdismo" a sus personajes.
451. Astrakan (David Depesseville, 2022) - 6,5
Como aquel excelente debut de Maurice Pialat, L'Enfance nue, esta otra opera prima francesa se centra en la peripecia de un niño huérfano, ya en la pubertad, que acaba de entrar al cuidado de una familia de acogida y que no se termina de adaptar. El crío llega con sus traumas no explícitos que dificultan su integración, pero en este caso la responsabilidad de sus nuevos cuidadores tiene todavía más peso que en aquella obra. Son un joven matrimonio que acoge niños por interés pecuniario, y por si no fuera poco, en su familia hay un posible pederasta que obsesiona un tanto al chaval. De todas maneras, me parece una obra muy medida, sensible y elegante, que nunca magnifica emociones ni busca lo maniqueo, rigurosa y atractiva en el apartado visual, que recurre a la elipsis cuando es necesario. Me deja más dudas el montaje musical final, que peca un poco de gravedad, y que abunda en el simbolismo que plantea el título de la película.
452. The Turning Point (William Dieterle, 1952) - 6,5
Un sólido noir que presenta la clásica historia de lucha contra el crimen organizado que supone un acto de sacrificio personal. La historia juega con los términos de idealismo, integridad, cinismo o realismo, mientras propone un triángulo amoroso que acompaña a la acción. El personaje crucial es un periodista descreído ante lo que pueda hacer el fiscal nombrado para luchar contra la mafia local, pero que se va comprometiendo progresivamente en esa lucha. Dieterle ofrece una narración enérgica en una obra quizás no muy brillante pero sin muchas flaquezas.
453. Coma (Bertrand Bonello, 2022) - 5,5
Un film puramente pandémico que Bonello dedica a su hija y donde explora los traumas del encierro y el aislamiento. Propone un juego entre diferentes planos mentales desde la base del aislamiento en el que vive su joven protagonista, que se comunica con sus amigos sólo a través de su ordenador. Los consejos de una gurú youtuber, las relaciones sentimentales de su muñeca tipo Barbie o ese espacio de ensoñación en noche americana van delimitando sus crecientes obsesiones y la claustrofobia de la obra.
454. Nope (Jordan Peele, 2022) - 6
Jordan Peele sigue trabajando en las cercanías del terror con otro thriller fantástico, una historia que se abre con la inquietante escena del mono de una teleserie que en un arrebato de ira mata a varios compañeros de reparto y que se traslada a un rancho donde el veterano propietario de una empresa familiar de caballos adiestrados para los rodajes cinematográficos muere en extrañas circunstancias. Sus dos hijos, herederos del negocio, son los improbables héroes de la función en una lectura más superficial, aunque realmente entiendo que no hay héroes en esta película. Si diferentes aspectos que toca la historia nos pueden hacer pensar en la explotación mediática de seres (animales o humanos) de usar y tirar, los protagonistas también están obsesionados hasta la misma última escena con conseguir alguna imagen que pruebe la existencia del extraño elemento que vuela por la zona al objeto de hacer negocio con ella. Muy apropiadamente, no se puede mirar directamente a dicho elemento, lo cual también evoca la intermediación de los medios audiovisuales ante cualquier acto de violencia. No sé si la misma película será también víctima de su propio discurso, ya que Peele organiza una función perfectamente digerible que trivializa y espectaculariza lo que sucede en pantalla (y tampoco me parece que estemos ante una parodia a lo Starship Troopers, por más que tenga muchos elementos de humor). Ahora bien, también hay que reconocer que lo hace con notable habilidad, que se notan sus mejoradas capacidades narrativas, para disponer los elementos escénicos y crear tensión en la audiencia. También tiene su gracia los guiños a la historia cinematográfica, sean las obras pioneras de Muybridge o las cámaras de rodaje puramente mecánicas.
455. Suro (Mikel Gurrea, 2022) - 6
Una pareja de arquitectos decide irse a vivir al campo, a la casa que ella ha heredado y que planean rehabilitar antes de que nazca el hijo que va en camino, y para ello les va a venir muy bien el dinero que pueden consiguir con el descorche de sus alcornoques. Son dos personajes con visiones opuestas en muchos temas, ella más práctica, él más idealista, pero cuyo ramalazo machista también se deja ver en cuanto se involucre en el descorche. Sus desavenencias y desencuentros van in-crescendo, con los hitos que marcan la secuencia de apertura en la que bailan emparejados y la explosión (excesiva) final de la mujer bailando en la fiesta. En un mundo donde las relaciones económicas determinan las relaciones personales, son dos personajes progresivamente atrapados por las circunstancias en las que ellos mismos se han metido. Me parece un muy sólido debut, que presenta unos personajes y una ambientación creíbles con unos conflictos totalmente relevantes en la actualidad.
456. Apollo 10½: A Space Age Adventure (Richard Linklater, 2022) - 5,5
Algunos de los directores más notorios del panorama norteamericano han echado su mirada atrás, a los tiempos de su infancia, para hablarnos de experiencias más o menos personales muy contextualizadas en la sociedad del momento. Sea Paul Thomas Anderson con Licorice Pizza, James Gray con Armageddon Time, y parece que también Steven Spielberg con The Fabelmans, Linklater nos lleva por su parte a finales de los años sesenta, cuando un niño en los suburbios de Houston, y hay que pensar que se trata de su alter-ego, fantasea con un papel heroico en la misión a la Luna. Tratándose de un film animado, resulta todavía más llamativo que Linklater dedique fácilmente la mitad del metraje a ponernos en situación de la visión que un niño de la época tenía del mundo que le rodeaba, como una contextualización documental. Un mundo además anejo al Centro Espacial de la NASA donde la fiebre astronáutica era especialmente intensa. Las aristas de un pasado lleno de espinas y traumas están bien visibles tanto en los films de PTA como de Gray junto a su engañosa estética nostálgica, mientras que en el caso de Linklater parece hablarnos de un pasado idealizado (aunque deje pistas de algunas problemáticas del momento) a través de la falible memoria del niño con tendencias fabuladoras cuya voz en off ya de adulto lleva la batuta del relato. Y de esta manera, junto al uso de la animación, quizás nos esté hablando de cómo se modela una fantasía histórica. De todas formas, lo que en los otros dos films viene integrado de una manera muy orgánica en la narración, aquí resulta en una obra descompensada con tendencia a la anécdota intrascendente como alimento narrativo y con un protagonista en el fondo anodino, usado como un simple filtro a través del cual mirar al pasado, lo cual termina pesando según avanza el metraje.
457. Daughters of the Dust (Julie Dash, 1991) - 6
El resultado de la última encuesta decenal de Sight & Sound me dejaba en su top-100 con una asignatura pendiente un tanto sorpresiva (hay que pensar que no tuvo ningún voto en la encuesta de 2012). Es un film que nos traslada a una isla entre las costas de Carolina del Sur y Georgia, donde se desarrollaba entre sus habitantes, negros todos ellos, la cultura Gullah que todavía guardaba muchos elementos de su pasado africano. Nos sitúa así en un estadio bisagra, en una suerte de limbo o purgatorio, un espacio transitorio entre esas raices africanas y el futuro en los Estados Unidos. Dependiendo de los personajes, se diría que el paraíso se encuentra en la tierra perdida de los ancestros o en los oropeles de una America ya libre de esclavitud, aunque a decir de su directora, el paraíso es esa misma isla, capturada por una fotografía preciosista que realza la belleza de sus escenarios, un espacio que les pertenece y en al que mantienen el contacto espiritual con los antepasados. De hecho, es en buena medida un film de fantasmas (narrado ocasionalmente por una no-nata), una obra que habla de la necesidad de asumir el pasado y los orígenes en ese permanente trauma que supone el desenraizamiento. No me convence del todo la puesta en escena, que busca la dulzura visual a veces con demasiado ahínco, que recurre con excesiva frecuencia a la cámara lenta, pero sin duda es una obra interesante.
Un saludo.
Viendo este film me he dado cuenta de que sus personajes principales son los mismos cuya historia retomaría un año después Ök ketten, aunque ya compartiendo protagonismo con otra pareja mayor. Si en aquella ya vemos a una pareja disuelta reunida puntualmente por sus conatos amorosos, aquí nos muestran cómo se conocen y llegan a esa situación de crisis irresoluble, aunque en realidad la crisis es permanente. Me cuesta recordar algún momento en el que la pareja se muestre feliz, contenta, a gusto. Hay incomodidad en todas sus interacciones. Él es abusivo y machista, ella es inconformista pero se enamora de él a pesar de que las señales de peligro son tan grandes como un rascacielos desde el minuto cero. Supongo que el amor es irracional, pero se hace cuesta arriba seguir la relación porque no hay apenas matices o sutilezas. Realmente quedaba mejor elidido como suponía que estaba cuando vi la segunda parte.
441. Lobo e Cão (Cláudia Varejão, 2022) - 5,5
En una isla de las Azores, quizás en algún momento de los años 90, nos acercamos a un grupo de jóvenes ahogados por el tradicionalismo del lugar (y por el formato 4/3 que usa Varejão), donde la religión y las viejas costumbres tienen mucho peso. Sucede especialmente con la juventud queer, como la protagonista que siente pulsiones lésbicas o su mejor amigo, gay que gusta vestir de fantasía. Pero incluso el hermano de la protagonista, que suponemos más ortodoxo en su orientación sexual, flirtea con las drogas como método de evasión de una vida un tanto frustrante que parece condenarle a perpetuar los modos de vida de la isla, y todo ello ante la incomprensión de la madre. La película busca huir de cualquier atisbo de crueldad, hacerse atmosférica y transitar el espacio íntimo de los personajes. Pero al mismo tiempo resulta un tanto esquemática y no siempre consigue tomar vuelo estético.
442. Diamond Island (Davy Chou, 2016) - 5,5
La isla Diamond a orillas del Phnom Penh en Camboya me ha recordado al espacio ganado al mar en Singapur que retratara poco después Yeo Siew Hua en A Land Imagined, ambos escenarios de ampulosos desarrollos urbanos que hacen más evidente la desigualdad social, lugares propicios para el desenraizamiento, la profilaxis histórica y sentimental, para la irrealidad onírica. En este film seguimos los pasos de un joven que ha dejado el pueblo para ganarse la vida como trabajador de la construcción en dicho lugar y que se encuentra con su hermano mayor, de quien la familia no tenía noticias desde varios años atrás, y que parece haber tenido éxito, aunque nunca llegamos a saber con certeza a qué se dedica. De hecho, entiendo que el film plantea una dicotomía entre el éxito material, que podemos imaginar que supone algún tipo de perversión no explicitada, y una cierta autenticidad, y está dicotomía vendría representada por las dos chicas con las que se relaciona el protagonista, su auténtico amor y la de conveniencia. Es una obra interesante pero que casi parece un esbozo de lo que haría Yeo en A Land Imagined, más abstracta y evocadora. La puesta en escena, que busca en ocasiones contrastar la dimensión humana de los personajes y la arquitectónica del espacio en el que se mueven, me parece bastante correcta, sin más alegrías. Y un detalle en principio muy poco trascendental como es el uso de la cámara en mano en planos esencialmente fijos (lo que siempre me suele molestar, no lo puedo evitar) contrasta con la elegancia y paciencia de los planos sostenidos que mostrará en su siguiente film, Retour à Seoul.
443. Une fleur à la bouche (Eric Baudelaire, 2022) - 5,5
Inspirada en la obra de Pirandello L'Uomo dal Fiore in Bocca, esa flor en la boca a la que aluden ambos títulos se refiere a un epitelioma, un crecimiento anormal del tejido que recubre los órganos y que puede ser canceroso. Es la enfermedad que sufriría el hombre que protagoniza la película y que se encuentra con otro hombre que ha perdido su tren en un bar a medianoche. En realidad este hombre enfermo emprende mayormente un soliloquio en el cual tomamos conciencia de cómo se ha agudizado su capacidad de percepción ante el inminente destino que le espera, cuán preciosamente valora ahora todas sus experiencias, todo aquello que le rodea, y por supuesto, también nos damos cuenta del modo zombi en que su interlocutor, nosotros en realidad, pasa por el mundo las más de las veces. Hay además toda una introducción que ocupa fácilmente un tercio del metraje (y que parece inflada para alcanzar una duración de largometraje) en la que Baudelaire se detiene en diferentes actividades de la distribución de la industria floral, y que podemos asociar, además de con el título de la película, con esa condición fugaz de la vida del protagonista, también con su descubierto gusto por cada detalle, aunque parezca tan trivial y poco práctico como una flor que está condenada a marchitarse y a ejercer una función decorativa. Es un discurso muy interesante ejecutado con solvencia y sobriedad por Baudelaire, pero quizás un poco escaso de estímulos cinematográficos.
444. Nishizumi senshacho-den (Kôzaburô Yoshimura, 1940) - 5,5
Biopic de un héroe de guerra consagrado por el régimen, Nishizumi fue el comandante de un regimiento de tanques que combatió en la campaña china de 1937-38. Es un biopic peculiar puesto que el ámbito personal del retratado está totalmente ausente, pero incluso su presencia en pantalla se hace rogar. De hecho es quizás antes un film bélico en el cual se enmarca su figura. Su descripción, como la del ejército japonés, es absolutamente idílica, un hombre bondadoso y generoso, como la escena en la que prestan ayuda a una mujer china que acaba de dar a luz. En pantalla no encontramos malos sentimientos, ni siquiera en el enemigo, más allá de su labor bélica y que tiene en todo caso poco protagonismo (y el film tiene ¿a bien? elidir el infausto paso del ejército japonés por Nankín). Es una producción que luce bastante realista en el aspecto material y por momentos atractiva en el acabado visual, en la que Yoshimura (y su operador) demuestra su capacidad en la composición y en el manejo de la luz (especialmente en las escenas nocturnas). Pero la casi ausencia de psicología individual, de personajes de una mínima entidad, hace que la función resulte un poco farragosa.
445. Irma Vep (Olivier Assayas, 2022) - 6
La nueva miniserie de Assayas es al mismo tiempo un remake y una secuela de su film homónimo realizado hace ya un cuarto de siglo, y que nos muestra nuevamente el rodaje de una nueva versión, ahora en formato serie, de Les vampires, el clásico serial de Louis Feuillade que, ahora sí, tiene más de un siglo de antigüedad. El director en la ficción, René Vidal, aunque se muestre incoherentemente más joven en esta secuela (Macaigne en lugar de Léaud), es más trasunto de Assayas que nunca, con esa obsesión por su antigua pareja, la protagonista del anterior Irma Vep en la ficción y en la realidad (Assayas estuvo casado con Maggie Cheung). Varios resortes de la anterior ficción vuelven en esta ocasión, que potencia el diálogo intertextual y multiplica su ambición especular, ya que además de los dos niveles de ficción que tenemos de mano (el rodaje y lo rodado dentro de la ficción), Assayas también recurre a las imágenes de Feuillade y, puntualmente, a su propio film, además de recrear el rodaje del serial original a partir de los textos de Musidora. Todo ello sirve a un canto de amor al cine, también a diferentes comentarios sobre múltiples aspectos de la creación y de la industria cinematográfica. No me convence del todo la plasmación en pantalla, eso sí. Creo que la narración está un tanto formateada en formas y ritmo para hacerla más digerible, ciertos conflictos carecen de la mínima sutileza, el film que rueda Vidal parece un poco horrible, aunque sirva para alimentar la cuestión que se plantea alguno de los personajes (menos lúcidos): ¿tiene sentido rehacer con el mismo guión un clásico de un siglo de antigüedad?, lo que supongo esconde de alguna manera una pregunta más importante que aborda la película, ¿sigue teniendo sentido hacer cine hoy en día?
446. Matter Out of Place (Nikolaus Geyrhalter, 2022) - 6
Otra implacable mirada del documentalista austríaco al terrible efecto de la mano del hombre en nuestro entorno, en este caso directamente a sus residuos, la basura que generamos día a día, y a diferentes formas de lidiar con ella en variadas partes del Globo. Sean voluntarios limpiando parajes naturales anegados de desechos, sean los servicios regulares de basura, los diferentes tratamientos a las mismas, en basureros, plantas de reciclaje o incineradoras, quedan claras un par de cuestiones: que el diferente nivel de riqueza de los países influye en la relativa sutileza a la hora de hacerla "desaparecer", pero sobre todo, que esa "desaparición" es ficticia, que en buena medida trasladamos residuos de un sitio a otro, o los transformamos en otros residuos, que incluso el reciclaje tiene una limitada eficacia y es otra actividad contaminante en sí misma, y que básicamente no hay actividad humana actual que no genere residuos, por muy sostenible que se quiera vender, aunque evidentemente el grado importa, y mucho.
447. All This, and Heaven Too (Anatole Litvak, 1940) - 6
Melodrama basado en hechos reales, un crimen que pudo influir en la caída de la monarquía en Francia a mediados del siglo XIX. Nos habla de la penosa experiencia de una institutriz en una casa nobiliaria donde los padres de los niños a su cuidado mantienen una relación tormentosa dada la exagerada propensión de la posesiva duquesa a los celos y la indiferencia con la que ya le trata su agobiado marido. De hecho, es un personaje el de la mujer bastante exagerado, sin matices, capaz de jugar con la vida de uno de sus hijos por capricho, y en esta línea entra también la anterior institutriz que ahora se ha convertido en sirvienta personal. Mucho más interesante y logrado me parece el drama romántico que se desata por la atracción que en silencio sienten el duque y la institutriz, el verdadero centro del film, una relación imposible que abunda en el sentido trágico del film. Es una obra elegante en la línea que puede esperarse de Litvak y que consigue sobrevivir a ese cariz maniqueo que mencionaba de algunos de sus personajes.
448. The Young Savages (John Frankenheimer, 1960) - 6,5
Drama judicial y social que nos lleva a similares ambientes a los que retrataría poco después West Side Story de forma más estilizada, a los enfrentamientos entre bandas juveniles de diferente origen étnico en las calles neoyorquinas, en Harlem en este caso. Aquí se incide particularmente en un difícil contexto social que empuja a los personajes a la delincuencia, aunque el protagonista es el ayudante del fiscal del distrito a quien le ha sido asignado el caso de asesinato de un joven puertorriqueño ciego a cargo de tres pandilleros rivales. El conflicto reside en este fiscal, él mismo salido el mismo barrio, y cuyo primer impulso es no contextualizar socialmente el crimen (si él ha sido capaz de salir de allí, ¿por qué no los demás?, piensa para sí mismo). Los personajes y el mensaje acaban siendo bastante diáfanos, quizás en exceso, y el film nos ofrece algunos tics típicos del género judicial. Como su director habituaba por entonces, es una narración que avanza sin descanso y que recurre a ciertos gestos visuales relativamente agresivos, como ciertas angulaciones o su gusto por colocar algunos elementos de la escena en primerísimo plano junto con otros más lejanos.
449. How to Blow Up a Pipeline (Daniel Goldhaber, 2022) - 5,5
Thriller indie sobre un grupo de jóvenes activistas medioambientalistas que emprenden la acción de volar un oleoducto. Según les vemos preparando el atentado, la narración nos lleva en sucesivos flashbacks al pasado reciente de cada uno para explicar las razones y la manera en que han llegado al grupo. Es un film ágil, que no molesta en ningún momento, que tampoco me parece especialmente sugerente, bastante volcado sobre la acción física y que en buena medida entiendo que asume el discurso de sus personajes, sin entrar en honduras.
450. Classical Period (Ted Fendt, 2018) - 6
Outside Noise, la última película de Ted Fendt, nos mostraba unos personajes jóvenes que hablaban (y viajaban) sin tener muy claro su propósito y destino. En este film previo también vemos a jóvenes departiendo, enfrascados en disquisiciones sobre La Divina Comedia, que discuten en un taller de lectura, u otras manifestaciones del arte antiguo. Pero bien parece que, cuanto más conocen y entienden ese pasado artístico (y la obra de Dante, como se explica, exige un enorme esfuerzo informativo dadas las innumerables referencias que utiliza a la actualidad de la época), menos capaces son de sobrepasar el plano cultural-artístico en las relaciones personales, crear vínculos emocionales con otras personas. La naturalidad de su último film aquí alcanza un grado mayor, como si fuera un ensayo con actores muy amateurs que dan el punto apropiado de "nerdismo" a sus personajes.
451. Astrakan (David Depesseville, 2022) - 6,5
Como aquel excelente debut de Maurice Pialat, L'Enfance nue, esta otra opera prima francesa se centra en la peripecia de un niño huérfano, ya en la pubertad, que acaba de entrar al cuidado de una familia de acogida y que no se termina de adaptar. El crío llega con sus traumas no explícitos que dificultan su integración, pero en este caso la responsabilidad de sus nuevos cuidadores tiene todavía más peso que en aquella obra. Son un joven matrimonio que acoge niños por interés pecuniario, y por si no fuera poco, en su familia hay un posible pederasta que obsesiona un tanto al chaval. De todas maneras, me parece una obra muy medida, sensible y elegante, que nunca magnifica emociones ni busca lo maniqueo, rigurosa y atractiva en el apartado visual, que recurre a la elipsis cuando es necesario. Me deja más dudas el montaje musical final, que peca un poco de gravedad, y que abunda en el simbolismo que plantea el título de la película.
452. The Turning Point (William Dieterle, 1952) - 6,5
Un sólido noir que presenta la clásica historia de lucha contra el crimen organizado que supone un acto de sacrificio personal. La historia juega con los términos de idealismo, integridad, cinismo o realismo, mientras propone un triángulo amoroso que acompaña a la acción. El personaje crucial es un periodista descreído ante lo que pueda hacer el fiscal nombrado para luchar contra la mafia local, pero que se va comprometiendo progresivamente en esa lucha. Dieterle ofrece una narración enérgica en una obra quizás no muy brillante pero sin muchas flaquezas.
453. Coma (Bertrand Bonello, 2022) - 5,5
Un film puramente pandémico que Bonello dedica a su hija y donde explora los traumas del encierro y el aislamiento. Propone un juego entre diferentes planos mentales desde la base del aislamiento en el que vive su joven protagonista, que se comunica con sus amigos sólo a través de su ordenador. Los consejos de una gurú youtuber, las relaciones sentimentales de su muñeca tipo Barbie o ese espacio de ensoñación en noche americana van delimitando sus crecientes obsesiones y la claustrofobia de la obra.
454. Nope (Jordan Peele, 2022) - 6
Jordan Peele sigue trabajando en las cercanías del terror con otro thriller fantástico, una historia que se abre con la inquietante escena del mono de una teleserie que en un arrebato de ira mata a varios compañeros de reparto y que se traslada a un rancho donde el veterano propietario de una empresa familiar de caballos adiestrados para los rodajes cinematográficos muere en extrañas circunstancias. Sus dos hijos, herederos del negocio, son los improbables héroes de la función en una lectura más superficial, aunque realmente entiendo que no hay héroes en esta película. Si diferentes aspectos que toca la historia nos pueden hacer pensar en la explotación mediática de seres (animales o humanos) de usar y tirar, los protagonistas también están obsesionados hasta la misma última escena con conseguir alguna imagen que pruebe la existencia del extraño elemento que vuela por la zona al objeto de hacer negocio con ella. Muy apropiadamente, no se puede mirar directamente a dicho elemento, lo cual también evoca la intermediación de los medios audiovisuales ante cualquier acto de violencia. No sé si la misma película será también víctima de su propio discurso, ya que Peele organiza una función perfectamente digerible que trivializa y espectaculariza lo que sucede en pantalla (y tampoco me parece que estemos ante una parodia a lo Starship Troopers, por más que tenga muchos elementos de humor). Ahora bien, también hay que reconocer que lo hace con notable habilidad, que se notan sus mejoradas capacidades narrativas, para disponer los elementos escénicos y crear tensión en la audiencia. También tiene su gracia los guiños a la historia cinematográfica, sean las obras pioneras de Muybridge o las cámaras de rodaje puramente mecánicas.
455. Suro (Mikel Gurrea, 2022) - 6
Una pareja de arquitectos decide irse a vivir al campo, a la casa que ella ha heredado y que planean rehabilitar antes de que nazca el hijo que va en camino, y para ello les va a venir muy bien el dinero que pueden consiguir con el descorche de sus alcornoques. Son dos personajes con visiones opuestas en muchos temas, ella más práctica, él más idealista, pero cuyo ramalazo machista también se deja ver en cuanto se involucre en el descorche. Sus desavenencias y desencuentros van in-crescendo, con los hitos que marcan la secuencia de apertura en la que bailan emparejados y la explosión (excesiva) final de la mujer bailando en la fiesta. En un mundo donde las relaciones económicas determinan las relaciones personales, son dos personajes progresivamente atrapados por las circunstancias en las que ellos mismos se han metido. Me parece un muy sólido debut, que presenta unos personajes y una ambientación creíbles con unos conflictos totalmente relevantes en la actualidad.
456. Apollo 10½: A Space Age Adventure (Richard Linklater, 2022) - 5,5
Algunos de los directores más notorios del panorama norteamericano han echado su mirada atrás, a los tiempos de su infancia, para hablarnos de experiencias más o menos personales muy contextualizadas en la sociedad del momento. Sea Paul Thomas Anderson con Licorice Pizza, James Gray con Armageddon Time, y parece que también Steven Spielberg con The Fabelmans, Linklater nos lleva por su parte a finales de los años sesenta, cuando un niño en los suburbios de Houston, y hay que pensar que se trata de su alter-ego, fantasea con un papel heroico en la misión a la Luna. Tratándose de un film animado, resulta todavía más llamativo que Linklater dedique fácilmente la mitad del metraje a ponernos en situación de la visión que un niño de la época tenía del mundo que le rodeaba, como una contextualización documental. Un mundo además anejo al Centro Espacial de la NASA donde la fiebre astronáutica era especialmente intensa. Las aristas de un pasado lleno de espinas y traumas están bien visibles tanto en los films de PTA como de Gray junto a su engañosa estética nostálgica, mientras que en el caso de Linklater parece hablarnos de un pasado idealizado (aunque deje pistas de algunas problemáticas del momento) a través de la falible memoria del niño con tendencias fabuladoras cuya voz en off ya de adulto lleva la batuta del relato. Y de esta manera, junto al uso de la animación, quizás nos esté hablando de cómo se modela una fantasía histórica. De todas formas, lo que en los otros dos films viene integrado de una manera muy orgánica en la narración, aquí resulta en una obra descompensada con tendencia a la anécdota intrascendente como alimento narrativo y con un protagonista en el fondo anodino, usado como un simple filtro a través del cual mirar al pasado, lo cual termina pesando según avanza el metraje.
457. Daughters of the Dust (Julie Dash, 1991) - 6
El resultado de la última encuesta decenal de Sight & Sound me dejaba en su top-100 con una asignatura pendiente un tanto sorpresiva (hay que pensar que no tuvo ningún voto en la encuesta de 2012). Es un film que nos traslada a una isla entre las costas de Carolina del Sur y Georgia, donde se desarrollaba entre sus habitantes, negros todos ellos, la cultura Gullah que todavía guardaba muchos elementos de su pasado africano. Nos sitúa así en un estadio bisagra, en una suerte de limbo o purgatorio, un espacio transitorio entre esas raices africanas y el futuro en los Estados Unidos. Dependiendo de los personajes, se diría que el paraíso se encuentra en la tierra perdida de los ancestros o en los oropeles de una America ya libre de esclavitud, aunque a decir de su directora, el paraíso es esa misma isla, capturada por una fotografía preciosista que realza la belleza de sus escenarios, un espacio que les pertenece y en al que mantienen el contacto espiritual con los antepasados. De hecho, es en buena medida un film de fantasmas (narrado ocasionalmente por una no-nata), una obra que habla de la necesidad de asumir el pasado y los orígenes en ese permanente trauma que supone el desenraizamiento. No me convence del todo la puesta en escena, que busca la dulzura visual a veces con demasiado ahínco, que recurre con excesiva frecuencia a la cámara lenta, pero sin duda es una obra interesante.
Un saludo.
Genjuro, supongo que no viste "Tetuán", la película de Iratxe Fresneda, ¿verdad? Te lo pregunto porque la estrenó en Gijón y en sus pocos pases por Bilbo y demás, me han coincidido con trabajo
Ya puestos, me gustó bastante la primera obra de Iratxe: "Ecos del Irrintzi" y tampoco está mal "Lurralde Hotzak", por si a alguien le interesa echarles un ojo. Si mal no recuerdo, ambas se pueden ver en Filmin.
Hasta luego...
Ya puestos, me gustó bastante la primera obra de Iratxe: "Ecos del Irrintzi" y tampoco está mal "Lurralde Hotzak", por si a alguien le interesa echarles un ojo. Si mal no recuerdo, ambas se pueden ver en Filmin.
Hasta luego...
GIPSY KING
Pues no, no la tenía en el radar.crespo escribió:Genjuro, supongo que no viste "Tetuán", la película de Iratxe Fresneda, ¿verdad? Te lo pregunto porque la estrenó en Gijón y en sus pocos pases por Bilbo y demás, me han coincidido con trabajo
Ya puestos, me gustó bastante la primera obra de Iratxe: "Ecos del Irrintzi" y tampoco está mal "Lurralde Hotzak", por si a alguien le interesa echarles un ojo. Si mal no recuerdo, ambas se pueden ver en Filmin.
Hasta luego...
Un saludo.
126.-Take Off (Gunvor Nelsson, 1972) – 7
Quizá uno de los mejores trabajos a la hora de reírse del lenguaje pornográfico y seductor, yendo incluso si hace falta al collage y al más absoluto punto hortera posible, para reírse de ello. Quitando el punto muy cutre de esto, alegra ver una película experimental cuyo propósito es acabar a carcajada limpia.
127.-The Addiction (Abel Ferrara, 1995) – 7
Lo que empieza como una estudiante de filosofía intentando disertar sobre la catástrofe y el sentido del mar se sacude cuando en una noche la convierten en vampiro. Desde entonces, Ferrara ata la iconografía del vampirismo a la addicción y al sinsentido: desde el principio, Kathleen busca una respuesta a sus problemas, y desde ahí empieza un drama introspectivo y un descenso al abismo en donde busca respuestas y alguien que le haga frente, pero incluso cuando esto sucede, todo cae. A eso se une la propia iconografía de la addición, desde elementos menos sutiles como la jeringuilla a un juego de luces y sombras buscando resaltar el manjar de la sangre de la protagonista, así como la necesidad de saciarla añadiendo complementos de crueldad o esa forma de ligar la imagen filosófica de la masacre con la escena más potente de la película. En lo personal, creo que hay momentos que me aburre en su primera mitad, pero la segunda mitad vale mucho la pena y poco a poco le voy encontrando más sentido. Dicho esto, creo que es aquí donde empiezan las películas más espirituales (o al menos parte de ellas) que vendrán a posteriori, desde Mary hasta Tommasso o Zeros and ones. Es aquí donde empieza el camino y lo hace con un drama introspectivo potente, pero no me acaba de convencer: a nivel visual me parece más una peli de Jarmusch con un guion de Ferrara, y la primera mitad me ha costado tragarla bastante.
128.-Entrevista con el vampiro (Neil Jordan, 1994) – 8
Esta fue la segunda película de vampiros del día y reconozco que ha sido una muy buena dupla. Pese a la falsedad de algunos de los escenarios, la película tiene una clara intención de rescatar la escenografía por alturas y otros recursos del mudo que funcionan muy bien en ocasiones. Creo que también es un puntazo una voz en off protagonizada por alguien más naíf y emo como el vampiro de Brad Pitt, pues ayuda no solo a desacreditar su voz en ocasiones, sino también a darle lustre a la escena final, que es un broche de oro increíble. La película no deja de ser un viaje por el sufrimiento y el sentido de la existencia del protagonista y su choque frente a otros, además de un juego con el espacio, el montaje y la sombra para narrar sobre las relaciones de los personajes y sus roles dentro de la historia. En ese sentido, una película bastante infravalorada con puntazos muy buenos (y muy LGTBi, btw), y no sé si quizá la tengo en poca estima y todo.
129.-Canción a una dama en la sombra (Carolina Astudillo, 2022) – 4,5
Hilado a través de cartas, este documental busca ligar las ideas de varios mitos como la Odisea (y en particular la figura de Penélope) con la correspondencia entre un militante del PSOE exiliado y su mujer. Si bien la producción de sonido es genial por su capacidad de evocación y el jugar con el formato de un Super8 le va como anillo al dedo para evocar el pasado, los fragmentos del diario y el excesivo metraje hacen de este trabajo algo increíblemente plomizo pese a rescatar de forma muy buena la historia, además de que hay ciertos contenidos que me parecen forzados para que cuadren dentro de la historia que la directora quiere contar.
130.-Mundane history (Anocha Suwichakornpong, 2009) – 7,5
El debut de la directora tailandesa en el largometraje podría parecer que apunta a las películas de Apitchatpong Weerasethakul, pero nada más lejos de la realidad. Su debut trata sobre la relación de tres hombres que en el fondo están desafiados o atravesados por su “falta de hombría”. Por un lado tenemos a un enfermero, protagonista y “narrador” de la historia, y por otro tenemos a un padre y a su hijo, este víctima de un accidente de coche que le ha vuelto paralítico. El padre es el elemento presente y ausente, algo que contrasta con el protagonismo del hijo y el contraste entre los límites de su condición y lo que debería ser la potencia y el florecimiento de un chico joven y con sueños, condición que queda un poco aúpada por el enfermero. La parte interesante, pero, resta en el montaje: al hilar dos eventos muy similares o exactos desde dos perspectivas distintas, Suwichakornpong juega muy bien con la idea de generar un kaleidoscopio que permita completar ambas mitades y, a su vez, dejar ciertas aristas aparte para completarlas. En esto es en donde más recuerda a Apichatpong, en el sentido de generar misterio y en jugar con planos muy largos y cortes abruptos; aquí la diferencia es que la cineasta juega a probar y tocar teclas, y algunas salen muy bien (las tomas tan cercanas son increíbles, y añadido al tembleque de la cámara en mano generar una buena sinergia con el mundo interno de los hombres y sus frustraciones) y otras, sin embargo, no tanto (hay momentos que buscan el misticismo a través de imágenes potentes a las que se añade postrock, pero funcionan a medias como mucho). Sin embargo, he de decir que el conjunto es muy bueno, y funciona porque pese a su falta de cohesión las imágenes y la cohesión de la narrativa es potente, enfatizando la evolución del mundo interior del joven.
Quizá uno de los mejores trabajos a la hora de reírse del lenguaje pornográfico y seductor, yendo incluso si hace falta al collage y al más absoluto punto hortera posible, para reírse de ello. Quitando el punto muy cutre de esto, alegra ver una película experimental cuyo propósito es acabar a carcajada limpia.
127.-The Addiction (Abel Ferrara, 1995) – 7
Lo que empieza como una estudiante de filosofía intentando disertar sobre la catástrofe y el sentido del mar se sacude cuando en una noche la convierten en vampiro. Desde entonces, Ferrara ata la iconografía del vampirismo a la addicción y al sinsentido: desde el principio, Kathleen busca una respuesta a sus problemas, y desde ahí empieza un drama introspectivo y un descenso al abismo en donde busca respuestas y alguien que le haga frente, pero incluso cuando esto sucede, todo cae. A eso se une la propia iconografía de la addición, desde elementos menos sutiles como la jeringuilla a un juego de luces y sombras buscando resaltar el manjar de la sangre de la protagonista, así como la necesidad de saciarla añadiendo complementos de crueldad o esa forma de ligar la imagen filosófica de la masacre con la escena más potente de la película. En lo personal, creo que hay momentos que me aburre en su primera mitad, pero la segunda mitad vale mucho la pena y poco a poco le voy encontrando más sentido. Dicho esto, creo que es aquí donde empiezan las películas más espirituales (o al menos parte de ellas) que vendrán a posteriori, desde Mary hasta Tommasso o Zeros and ones. Es aquí donde empieza el camino y lo hace con un drama introspectivo potente, pero no me acaba de convencer: a nivel visual me parece más una peli de Jarmusch con un guion de Ferrara, y la primera mitad me ha costado tragarla bastante.
128.-Entrevista con el vampiro (Neil Jordan, 1994) – 8
Esta fue la segunda película de vampiros del día y reconozco que ha sido una muy buena dupla. Pese a la falsedad de algunos de los escenarios, la película tiene una clara intención de rescatar la escenografía por alturas y otros recursos del mudo que funcionan muy bien en ocasiones. Creo que también es un puntazo una voz en off protagonizada por alguien más naíf y emo como el vampiro de Brad Pitt, pues ayuda no solo a desacreditar su voz en ocasiones, sino también a darle lustre a la escena final, que es un broche de oro increíble. La película no deja de ser un viaje por el sufrimiento y el sentido de la existencia del protagonista y su choque frente a otros, además de un juego con el espacio, el montaje y la sombra para narrar sobre las relaciones de los personajes y sus roles dentro de la historia. En ese sentido, una película bastante infravalorada con puntazos muy buenos (y muy LGTBi, btw), y no sé si quizá la tengo en poca estima y todo.
129.-Canción a una dama en la sombra (Carolina Astudillo, 2022) – 4,5
Hilado a través de cartas, este documental busca ligar las ideas de varios mitos como la Odisea (y en particular la figura de Penélope) con la correspondencia entre un militante del PSOE exiliado y su mujer. Si bien la producción de sonido es genial por su capacidad de evocación y el jugar con el formato de un Super8 le va como anillo al dedo para evocar el pasado, los fragmentos del diario y el excesivo metraje hacen de este trabajo algo increíblemente plomizo pese a rescatar de forma muy buena la historia, además de que hay ciertos contenidos que me parecen forzados para que cuadren dentro de la historia que la directora quiere contar.
130.-Mundane history (Anocha Suwichakornpong, 2009) – 7,5
El debut de la directora tailandesa en el largometraje podría parecer que apunta a las películas de Apitchatpong Weerasethakul, pero nada más lejos de la realidad. Su debut trata sobre la relación de tres hombres que en el fondo están desafiados o atravesados por su “falta de hombría”. Por un lado tenemos a un enfermero, protagonista y “narrador” de la historia, y por otro tenemos a un padre y a su hijo, este víctima de un accidente de coche que le ha vuelto paralítico. El padre es el elemento presente y ausente, algo que contrasta con el protagonismo del hijo y el contraste entre los límites de su condición y lo que debería ser la potencia y el florecimiento de un chico joven y con sueños, condición que queda un poco aúpada por el enfermero. La parte interesante, pero, resta en el montaje: al hilar dos eventos muy similares o exactos desde dos perspectivas distintas, Suwichakornpong juega muy bien con la idea de generar un kaleidoscopio que permita completar ambas mitades y, a su vez, dejar ciertas aristas aparte para completarlas. En esto es en donde más recuerda a Apichatpong, en el sentido de generar misterio y en jugar con planos muy largos y cortes abruptos; aquí la diferencia es que la cineasta juega a probar y tocar teclas, y algunas salen muy bien (las tomas tan cercanas son increíbles, y añadido al tembleque de la cámara en mano generar una buena sinergia con el mundo interno de los hombres y sus frustraciones) y otras, sin embargo, no tanto (hay momentos que buscan el misticismo a través de imágenes potentes a las que se añade postrock, pero funcionan a medias como mucho). Sin embargo, he de decir que el conjunto es muy bueno, y funciona porque pese a su falta de cohesión las imágenes y la cohesión de la narrativa es potente, enfatizando la evolución del mundo interior del joven.
Coño, qué pvta pereza tengo para decir nada.
As bestas. Casi dos obras en una. Un western casi de Peckinpah, y más no lo puedo alabar.
La Maternal. Este año en cine español habrá tortas para los premios a la mejor actriz dizque revelación. Me encanta esa doble cara de la adolescencia, esa niña-mujer que se tiene que ajustar sobre la marcha, con una autenticidad filmada huyendo del morbo.
Armaggedon Time. Una de las obras más amargas de la temporada. Un cambio de época y paradigma vivido en directo, en el constante abandono de la solidaridad en pos del absoluto individualismo y una horrible sensación de indefensión. El cameo de Jessica Chastain es crudo como pocos, así como las escenas del metro y la comisaria.
Mad Heidi. Una gamberrada con mucha mala baba. Que Suiza pretenda dominar el mundo a través del queso, que el cabrero sea negro, que el abuelo de Heidi forme parte de la Resistencia... La peli es una gansada sin más pretensión, pero tiene una lucidez metafórica que, amén de que en el cine estuvimos aplaudiendo, pataleando y haciendo el chorra, merece un visionado.
Hasta luego...
As bestas. Casi dos obras en una. Un western casi de Peckinpah, y más no lo puedo alabar.
La Maternal. Este año en cine español habrá tortas para los premios a la mejor actriz dizque revelación. Me encanta esa doble cara de la adolescencia, esa niña-mujer que se tiene que ajustar sobre la marcha, con una autenticidad filmada huyendo del morbo.
Armaggedon Time. Una de las obras más amargas de la temporada. Un cambio de época y paradigma vivido en directo, en el constante abandono de la solidaridad en pos del absoluto individualismo y una horrible sensación de indefensión. El cameo de Jessica Chastain es crudo como pocos, así como las escenas del metro y la comisaria.
Mad Heidi. Una gamberrada con mucha mala baba. Que Suiza pretenda dominar el mundo a través del queso, que el cabrero sea negro, que el abuelo de Heidi forme parte de la Resistencia... La peli es una gansada sin más pretensión, pero tiene una lucidez metafórica que, amén de que en el cine estuvimos aplaudiendo, pataleando y haciendo el chorra, merece un visionado.
Hasta luego...
GIPSY KING
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remember CAI
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La pasada semana asistí a un programa doble especial CARLOS VERMUT:
MAGICAL GIRL. - 9. Un guión alambicado, un diabólico Sacristán, ( como hacersecon el film en 25 minutos) y una mesmérica Barbara Lennie, turbiedad y azar, me gustó la primera vez y me sigue gustando esta tercera ( o cuarta) a pesar de algunos giros delirantes.
MANTÍCORA. - 9. La paciencia recompensa, hora y media de siembra, calma y persistente, y veinte minutos finales de fértil cosecha, los frutos negros crecen como un relámpago. Excelente guión, en cuanto a control de ritmo narrativo y puesta en perspectiva de lo que está por venir, gratas sorpresas las interpretaciones de Nacho Sanchez y Zoe Stein, ambos inquietantes cada uno a su manera. La realización, muy Polanski en el aprovechamiento de espacios interiores, generando agobio e incomodidad, con ecos de Le Boucher al tiempo de la epifanía, el infierno no son los otros. No digo más para no espolear.
Ya aprovecho, vista en Netflix
LOS RENGLONES TORCIDOS DE DIOS. - 5. Rocambolesco pastiche de etiología televisiva, no hay charco en que no se reboce, ni manipulación que no se estruje, con especial emética mención a esos travelings de sociópatas que parecen la presentación de un All Star Game , cada loco con su tema. Hasta Lennie parece indigesta. Bodrio
MAGICAL GIRL. - 9. Un guión alambicado, un diabólico Sacristán, ( como hacersecon el film en 25 minutos) y una mesmérica Barbara Lennie, turbiedad y azar, me gustó la primera vez y me sigue gustando esta tercera ( o cuarta) a pesar de algunos giros delirantes.
MANTÍCORA. - 9. La paciencia recompensa, hora y media de siembra, calma y persistente, y veinte minutos finales de fértil cosecha, los frutos negros crecen como un relámpago. Excelente guión, en cuanto a control de ritmo narrativo y puesta en perspectiva de lo que está por venir, gratas sorpresas las interpretaciones de Nacho Sanchez y Zoe Stein, ambos inquietantes cada uno a su manera. La realización, muy Polanski en el aprovechamiento de espacios interiores, generando agobio e incomodidad, con ecos de Le Boucher al tiempo de la epifanía, el infierno no son los otros. No digo más para no espolear.
Ya aprovecho, vista en Netflix
LOS RENGLONES TORCIDOS DE DIOS. - 5. Rocambolesco pastiche de etiología televisiva, no hay charco en que no se reboce, ni manipulación que no se estruje, con especial emética mención a esos travelings de sociópatas que parecen la presentación de un All Star Game , cada loco con su tema. Hasta Lennie parece indigesta. Bodrio
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[url]http://www.solobasket.com/blogs/remember/b-8.html[/url]
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Me sorprende que digas eso de La maternal. Honestamente, me resulta difícil encontrar un papel mejor escrito y mejor actuado por una adolescente que el de Carla Quílez. Es una de las pocas veces que he alucinado, me ha encantado y me han dado ganas de ahostiar con la mano abierta a un personaje.crespo escribió:Coño, qué pvta pereza tengo para decir nada.
As bestas. Casi dos obras en una. Un western casi de Peckinpah, y más no lo puedo alabar.
La Maternal. Este año en cine español habrá tortas para los premios a la mejor actriz dizque revelación. Me encanta esa doble cara de la adolescencia, esa niña-mujer que se tiene que ajustar sobre la marcha, con una autenticidad filmada huyendo del morbo.
Armaggedon Time. Una de las obras más amargas de la temporada. Un cambio de época y paradigma vivido en directo, en el constante abandono de la solidaridad en pos del absoluto individualismo y una horrible sensación de indefensión. El cameo de Jessica Chastain es crudo como pocos, así como las escenas del metro y la comisaria.
Mad Heidi. Una gamberrada con mucha mala baba. Que Suiza pretenda dominar el mundo a través del queso, que el cabrero sea negro, que el abuelo de Heidi forme parte de la Resistencia... La peli es una gansada sin más pretensión, pero tiene una lucidez metafórica que, amén de que en el cine estuvimos aplaudiendo, pataleando y haciendo el chorra, merece un visionado.
Hasta luego...
A ver. Carla tiene una coraza dura que en un principio parece esbozar un personaje maduro, mucho más que su madre, no digamos ya su amigo. Pero con el paso de las escenas, vemos que sigue siendo una niña, que no puede huir de su condición de madre-niña, y que ella adquiere consciencia de lo que tiene no por el embarazo ni el parto, sino porque la carga es diaria y a cada momento.Bundy escribió:Me sorprende que digas eso de La maternal. Honestamente, me resulta difícil encontrar un papel mejor escrito y mejor actuado por una adolescente que el de Carla Quílez. Es una de las pocas veces que he alucinado, me ha encantado y me han dado ganas de ahostiar con la mano abierta a un personaje.crespo escribió:Coño, qué pvta pereza tengo para decir nada.
As bestas. Casi dos obras en una. Un western casi de Peckinpah, y más no lo puedo alabar.
La Maternal. Este año en cine español habrá tortas para los premios a la mejor actriz dizque revelación. Me encanta esa doble cara de la adolescencia, esa niña-mujer que se tiene que ajustar sobre la marcha, con una autenticidad filmada huyendo del morbo.
Armaggedon Time. Una de las obras más amargas de la temporada. Un cambio de época y paradigma vivido en directo, en el constante abandono de la solidaridad en pos del absoluto individualismo y una horrible sensación de indefensión. El cameo de Jessica Chastain es crudo como pocos, así como las escenas del metro y la comisaria.
Mad Heidi. Una gamberrada con mucha mala baba. Que Suiza pretenda dominar el mundo a través del queso, que el cabrero sea negro, que el abuelo de Heidi forme parte de la Resistencia... La peli es una gansada sin más pretensión, pero tiene una lucidez metafórica que, amén de que en el cine estuvimos aplaudiendo, pataleando y haciendo el chorra, merece un visionado.
Hasta luego...
Me refiero a la doble cara por eso. O puede ser que no te haya entendido a lo que te refieres.
O si te refieres a las tortas por los premios, estaba pensando en Luna Pamiés -El Agua- Zoe Stein -Mantícora- o en Vicky Luengo -Suro-, aunque esta ya está más "consagrada", y que debiera tener a su par a Marina Foïs o Noémie Merlant -esta mejor no, asumiendo la peli de Lacuesta como francesa y no como española-.
Hasta luego...
GIPSY KING
Me refería más a lo segundo. No he visto a otras, pero aunque sí es cierto que hay buenos papeles lo de Quílez me ha chocado. Merlant... ¿debuta como actriz? Yo pensaba que no.crespo escribió:A ver. Carla tiene una coraza dura que en un principio parece esbozar un personaje maduro, mucho más que su madre, no digamos ya su amigo. Pero con el paso de las escenas, vemos que sigue siendo una niña, que no puede huir de su condición de madre-niña, y que ella adquiere consciencia de lo que tiene no por el embarazo ni el parto, sino porque la carga es diaria y a cada momento.Bundy escribió:Me sorprende que digas eso de La maternal. Honestamente, me resulta difícil encontrar un papel mejor escrito y mejor actuado por una adolescente que el de Carla Quílez. Es una de las pocas veces que he alucinado, me ha encantado y me han dado ganas de ahostiar con la mano abierta a un personaje.crespo escribió:Coño, qué pvta pereza tengo para decir nada.
As bestas. Casi dos obras en una. Un western casi de Peckinpah, y más no lo puedo alabar.
La Maternal. Este año en cine español habrá tortas para los premios a la mejor actriz dizque revelación. Me encanta esa doble cara de la adolescencia, esa niña-mujer que se tiene que ajustar sobre la marcha, con una autenticidad filmada huyendo del morbo.
Armaggedon Time. Una de las obras más amargas de la temporada. Un cambio de época y paradigma vivido en directo, en el constante abandono de la solidaridad en pos del absoluto individualismo y una horrible sensación de indefensión. El cameo de Jessica Chastain es crudo como pocos, así como las escenas del metro y la comisaria.
Mad Heidi. Una gamberrada con mucha mala baba. Que Suiza pretenda dominar el mundo a través del queso, que el cabrero sea negro, que el abuelo de Heidi forme parte de la Resistencia... La peli es una gansada sin más pretensión, pero tiene una lucidez metafórica que, amén de que en el cine estuvimos aplaudiendo, pataleando y haciendo el chorra, merece un visionado.
Hasta luego...
Me refiero a la doble cara por eso. O puede ser que no te haya entendido a lo que te refieres.
O si te refieres a las tortas por los premios, estaba pensando en Luna Pamiés -El Agua- Zoe Stein -Mantícora- o en Vicky Luengo -Suro-, aunque esta ya está más "consagrada", y que debiera tener a su par a Marina Foïs o Noémie Merlant -esta mejor no, asumiendo la peli de Lacuesta como francesa y no como española-.
Hasta luego...
No. A Merlant no la meto como "revelación" sino en "categoría absoluta" -aunque insisto que la peli de Lacuesta "me" computa como francesa y no española-. Pero no sé si la actriz/actor revelación se refiere a "debutar" y no, creo yo, a un primer papel con peso. Rcuerda el Goya a Miroslav Taborsky premiado al actor revelación por "La niña de tus ojos" cuando tenía un par de obras hechas con anterioridad.Bundy escribió:Me refería más a lo segundo. No he visto a otras, pero aunque sí es cierto que hay buenos papeles lo de Quílez me ha chocado. Merlant... ¿debuta como actriz? Yo pensaba que no.crespo escribió:A ver. Carla tiene una coraza dura que en un principio parece esbozar un personaje maduro, mucho más que su madre, no digamos ya su amigo. Pero con el paso de las escenas, vemos que sigue siendo una niña, que no puede huir de su condición de madre-niña, y que ella adquiere consciencia de lo que tiene no por el embarazo ni el parto, sino porque la carga es diaria y a cada momento.Bundy escribió:
Me sorprende que digas eso de La maternal. Honestamente, me resulta difícil encontrar un papel mejor escrito y mejor actuado por una adolescente que el de Carla Quílez. Es una de las pocas veces que he alucinado, me ha encantado y me han dado ganas de ahostiar con la mano abierta a un personaje.
Me refiero a la doble cara por eso. O puede ser que no te haya entendido a lo que te refieres.
O si te refieres a las tortas por los premios, estaba pensando en Luna Pamiés -El Agua- Zoe Stein -Mantícora- o en Vicky Luengo -Suro-, aunque esta ya está más "consagrada", y que debiera tener a su par a Marina Foïs o Noémie Merlant -esta mejor no, asumiendo la peli de Lacuesta como francesa y no como española-.
Hasta luego...
Pero es que Carla también optaría al premio "absoluto". Ya puede ser buena, ya, para hacer una actuación tan bueno y tan como anillo al dedo si sigue en esto de la interpretación. Lo increíble, y lo que creo que es sustancial, es que este año hay unas interpretaciones femeninas de la leche en el cine realizado en España. Al final, tienes un abanico de interpretaciones que te dignifican cualquier premio que le des, independientemente del nombre o el papel de la premiada.
En fin. A lo que iba.
Suro. Me parece una obra muy jodida de interpretar, con los protagonistas haciendo creíble una historia que puede caer en el ridículo si las caracterizaciones no se ajustan. Como siempre, las ideas románticas se topan con la realidad para nada romántica del día a día, y ahí divergen las contradicciones de los protagonistas, con un toque clasista en ella, machista en él, más el racismo de los empleados en la pela del alcornoque. Al final, cuando quitas la corteza, queda el corazón, y ese corazón a la vista muestra también las entrañas de personas con una idea aunque distinto fin, personas poliédricas y muy creíbles en situaciones tan poliédricas y creíbles como estas. Chirría el arranque desesperado de Vicky Luengo con el "hip hop árabe", aunque al tiempo, reluce el pijerío urbanita de sus amigos -de ellos mismos- y del carácter de señorona de ella.
Venus. No soy fan del terror. Es culpa mía y no de Jaume Balagueró, pero esa historia de la go-go girl que roba las pastillas de Éxtasis -o lo que sea- de la disco y se recluya en una casa "embrujada", en virtud de no sé qué Advenimiento, me parece casi un Macguffin y muy pillado por los pelos.
La relación entre las hermanas se despacha en dos patadas; los malos -joder, hay uno que tiene un aire a nuestro KINDJE, no digo más- van de la opereta a al WTF; que una doble herida de navaja en el vientre se cure con una grapadora, cinta americana y pastillaje de éxtasis -se cure- es una genialidad que ni al Tarantino de Reservoir Dogs se le ocurrió... Lo mejor, las viejas, que son las que respaldan el ambiente de inquietud. Los momentos de casquería me dieron asquete, pero susto o acojono... pues no.
Pero es mi problema, no de Balagueró, insisto.
Mantícora. Imposible contar más con menos, huyendo del morbo y a la vez, con una crueldad muy cruda -o cómo el sexo siempre queda truncado y genera un rollo cada vez peor-, que hace contraste con la historia de amor, una posible vía de felicidad para él; una suerte de fuga de la soledad para ella.
Y con un concepto claro, en el que todo lo asqueroso transcurre en la realidad virtual, no en la vida real, donde hay una suerte de purgatorio en el desenlace.
Acojonante.
Hala, yasta.
Hasta luego...
GIPSY KING
No está mal porque así me has quitado la duda sobre si debía ver Suro o no y al menos a pinta a buena película, así que ni tan mal.
458. Dúo (Meritxell Colell, 2022) - 6
Como Suro, éste es otro film sobre la crisis de una pareja que empieza además de manera un tanto similar, con los protagonistas bailando, una compenetración que pronto se revela parte de una pequeña representación (teatral) que incluye además el reflejo de la propia crisis de esa pareja. Y como en Suro, el espacio rural es también protagonista, generador de una claustrofobia de pareja, aunque en esta ocasión no se materializa en una casa, sino que los personajes viven en plan nómada, tratando de llevar sus funciones a pequeños pueblos de los Andes. El film tiene una cierta vena etnográfica en la cual los lugareños ofrecen un vivo contraste cultural y costumbrista con los protagonistas. Es una obra muy poco psicológica, no abunda en los conflictos de pareja, no pretende explicar su problemática, sino que prefiere embarcarse en una experiencia sensorial, y para ello reduce al mínimo la distancia entre la cámara y los personajes, elimina la profundidad de campo y establece una coreografía íntima con sus cuerpos y rostros.
459. Ivan (Aleksandr Dovzhenko, 1932) - 5,5
Film propagandístico soviético sobre varios personajes que trabajan en la construcción de una presa. Entre su confusa narración que además peca de homonimia, podemos atender a un conflicto paternofilial, entre lo viejo y lo nuevo, entre un padre pillo que se escaquea todo lo posible y su hijo que quiere ser un trabajador modelo. Es de reseñar que está producida en el mismo año que tuvo lugar el Holomodor, y resulta un poco ofensivo que se hable de trabajadores sobrantes del campo. Pero también me cabe duda de si Dovzhenko no estaría saboteando el mensaje de la película, porque se trata de una obra muy estática, muy declamada, donde es muy difícil acercarse y empatizar con los personajes, especialmente los que teóricamente son más positivos, y que sólo muestra acción visual cuando refleja el propio acto de trabajar, cuando las fuerzas del progreso están en plena acción. Pero en todo caso el film atesora imágenes seductoras, en particular ese comienzo que se enseñorea con las tranquilas aguas del Volga en composiciones donde el horizonte busca los bordes superiores e inferiores de la imagen.
460. Giwaku (Yoshitaro Nomura, 1982) - 6
Film judicial sobre una joven y descarada esposa, antigua chica de alterne con antecedentes penales, a quien todos creen culpable de haber matado a su marido lanzando el coche en el que viajaban ambos al agua. Es un personaje propicio para el arquetipo del falso culpable, pero que el film busca hacer negativo a ojos del espectador durante la mayor parte del metraje. De hecho, todo el tramo final me deja una inquietante sensación, como si la película nos invitase a lamentar en alguna medida que no condenen a esta mujer, como si no se hubiera hecho del todo justicia. Pero tampoco tengo claro que no sea un comentario sobre la sociedad japonesa, su machismo y el clasismo que se manifiesta desde el primer momento en las relaciones entre la joven y su familia política. Porque también me descoloca un poco la subtrama de su abogada, mujer separada y que visita mensualmente a su hija, cuya custodia tiene el padre. La nueva esposa del ex-marido le pide que deje de ver a su hija, porque quiere criarla como hija propia ya que es estéril, y del gesto de la abogada podríamos llegar a deducir que acepta, todo lo cual me resulta bastante increíble visto hoy en día (y desde España), y tampoco tengo claro que sea una crítica al machismo de la sociedad japonesa que quiere castigar a la mujer emancipada en lugar de una defensa del rol familiar de la mujer. En todo caso Nomura lleva la narración con oficio y consigue mantener el interés durante todo el metraje.
461. Everything Everywhere All at Once (Dan Kwan & Daniel Scheinert, 2022)- 3,5
Desde un sustrato argumental casi borgiano en el que coexistirían multitud de universos paralelos donde tienen lugar todas las posibilidades de uno mismo, este film nos lleva a través de la odisea, en una jornada muy loca, de una madura esposa que no es capaz de comunicarse apropiadamente con su hija y aceptar que es lesbiana, y cuyo paciente marido, con quien regenta una lavandería que está siendo inspeccionada por Hacienda, está a punto de pedirle el divorcio. La posibilidad de saltar de un universo a otro y de tomar prestadas las habilidades de otras versiones de uno mismo han creado una fuerza maligna que la protagonista es llamada a combatir, como un Neo en Matrix, film al que se cita/homenajea al igual que otros como Ratatouille, In the Mood for Love o 2001: a Space Odyssey. Desde un planteamiento cómico que vira al drama emotivo en momentos determinados, el film se abona al pastiche y propone un mareante ejercicio de montaje cuyo resultado me parece un tanto efectista y bastante feo las más de las veces. Y eso además del tufillo de autoayuda que desprende. Una pena porque el inicio de la película me parecía interesante.
462. L'honneur d'un capitain (Pierre Schoendoerffer, 1982) - 6
Otro film bélico del especialista francés en el género (recordemos, veterano de la Guerra de Indochina), que pone su foco en la Guerra de Argelia con la delicada tarea de defender el honor del ejército francés a través del personaje de un capitán muerto en combate y tachado de criminal y asesino en una tertulia televisiva, de manera que por el camino flirtea con justificar el colonialismo. El problema de este film respecto a, por ejemplo, Diên Biên Phú, es su carácter de film judicial donde los personajes caracterizados negativamente son el supuesto difamador y muy en particular su abogado (que cumple un rol de fiscal acusando al capitán). El proceso desgrana los escasos días en que el capitán estuvo al frente de una compañía mediante diferentes testigos (un poco como Sargeant Rutledge). Dejando de lado los problemas mencionados, la película está bastante bien, abunda en ese gusto de Schoendoerffer retratar a sus criaturas como gente que hace su oficio en unas condiciones extremas, y quizás por ello mismo su narración siempre es sobria, siempre busca un cierto grado de esencialidad.
463. Was wäre, wenn...? (Gerhard Klingenberg, 1960) - 6
En un pueblo de la RDA cercano a la frontera con la RFA cunde la creencia de que podrían cambiar de país por el intercambio de territorio entre ambas naciones, especialmente cuando se extienden el rumor de que el conde local está preparando su regreso inminente. Todo esto en medio de conflictos y rivalidades entre aquellos que se han sumado a la colectivización y los que siguen fuera, retratados por supuesto como reaccionarios obsesionados con el clasismo y el materialismo. Hay también otro clásico conflicto que se suele dar en este tipo de films del bloque socialista, el que tiene lugar entre las generaciones mayores, más conservadoras, y las más jóvenes, más dispuestas a abrazar el régimen, aunque sólo sea porque conviene a sus intereses amorosos, que en el caso de las dos parejas que presenta la película, no coinciden con el destino matrimonial que sus padres tienen pensado para ellos. El film se presenta así como una comedia bastante ligera a pesar de la carga ideológica, que se mueve ágilmente (a menudo con efectivos match-cuts para enlazar escenas) entre la coralidad del pequeño pueblo donde transcurre, lleno de caracteres singulares, todo ello con simpático resultado.
464. A Vida São Dois Dias (Leonardo Mouramateus, 2022) - 6
El placer por el juego narrativo que demostrara Mouramateus en su opera prima António um dois três, sigue muy vivo en su segundo largo, que abunda en su gusto por los planteamientos especulares a través de los avatares de dos hermanos gemelos de carácter diferente, distanciados más allá de vivir en lados opuestos del Atlántico lusoparlante, y cuya (relativa) conexión se produce en el universo de la ficción, a través del relato que escribe uno de ellos y le envía al otro. El film explora así la dimensión metanarrativa en sus imágenes, cuya ligereza y sentido del humor abundan en esa vertiente explícita de la ficción cuyas diferentes capas transita la narración.
465. Cette maison (Myriam Charles, 2022) - 6
Debut en el largo de la cineasta canadiense Miryam Charles, aborda la muerte real y violenta de su propia prima, una adolescente asesinada en su casa de Connecticut en 2008. Es la herida por la que supura todo el metraje de una obra que, a pesar de su título, parece tan fuera de un espacio concreto como de tiempo. De hecho, entiendo que "esta casa" podría tener un matiz negativo respecto al lugar físico, pero en positivo representaría la ligadura maternofilial que funciona como verdadero anclaje de los personajes, y que el dispositivo del film hace perpetuar más allá de la muerte, haciendo de la obcisa una suerte de narradora de ultratumba que además se muestra en escena siempre con la edad de una joven adulta a la que nunca pudo llegar. Se abre así a una cualidad fantasmagórica también alimentada por el sentimiento de no pertenencia propio de la emigración (como de la cuestión racial latente en todo momento), por el deseo que destilan los personajes de estar en otro sitio, por el viaje mental que emprende la película en sus hermosos interludios paisajísticos en 16mm a su tierra de origen, un Haití contenedor de tantos recuerdos, idealizado como paraíso irremediablemente perdido. El contraste lo ofrecen esos escenarios visiblemente teatrales por los que transitan los personajes, seguramente la manifestación visual del su desenraizamiento, con una puesta en escena que tiene mucho de performativo y explícitamente representacional. Es una opera prima que hace virtud de sus limitaciones presupuestarias, con una audaz narrativa aunque a veces peque de un cierto grado de confusión, y que no descuida (ni tampoco explota sentimentalmente) las intensas emociones de sus personajes.
466. Top Gun: Maverick (Joseph Kosinski, 2022) - 5,5
Más que solvente secuela de una de las más icónicas películas de los años ochenta. Las toneladas de comedia involuntaria de aquella dan paso a una obra que quiere ser tan espectacular pero también más madura, en la línea de un Cruise más veterano. De hecho, el paso del tiempo, las cuentas con el pasado, lo nuevo y lo viejo, son cuestiones cruciales en la película. También es verdad que muchas de las decisiones de guión son un tanto facilonas, casi más de remake que de secuela (un poco en la línea de la séptima entrega de Star Wars), servidumbres de un título comercial, y no escasean las fantasmadas (la mayor de las cuales nos deja la posibilidad de que casi toda la película sea una ensoñación de una persona a punto de morir, lo cual tendría bastante sentido). Merece la pena destacar la escena-cameo con Val Kilmer, resuelta con encomiable sobriedad en un título así, pero no es la tónica general de la película, que no puede dejar de recurrir a la espectacularidad, eso sí, utilizada con mejor sentido que en la mayoría de superproducciones (que haya visto, que en tiempos recientes no son muchas).
467. Le rouge est mis (Gilles Grangier, 1957) - 5,5
Otro de varios títulos realizados al calor del éxito de Touchez pas au grisbi, con el mismo Jean Gabin como protagonista, otro ladrón con su ética personal aunque sin muchos miramientos por las vidas ajenas más allá de su familia. Lino Ventura ejerce de sanguinario acompañante, un contrapunto que puede hacer destacar la distinción de Gabin, pero en el fondo denota su condición en buena medida violenta e implacable. A su interesante retrato de caracteres se contraponen unas escenas de acción bastante rutinarias, cuando no descuidadas. En general es un título bastante solvente aunque muy poco memorable.
468. As bestas (Rodrigo Sorogoyen, 2022) - 5,5
Sorogoyen ya sienta el tono de amenaza y violencia que preside este film, sobretodo en su primera mitad, desde la secuencia de apertura en una tasca de aldea, donde uno de los lugareños conversa con otro parroquiano con un tono que debiera parecer afable pero tiene todo de intimidante, mientras la cámara se mueve entre los personajes en planos cerrados y escasamente iluminados. El intimidador y su hermano son personajes de cine de terror para el matrimonio francés que vive justo al lado de ellos, ya que los recién llegados no aceptan vender su propiedad a una eólica como sí están dispuestos la mayoría de los vecinos. Realmente me satura mucho esa dinámica de intimidación/víctima, que parece ser lo que más le interesa a Sorogoyen. Creo que el film desaprovecha un poco el conflicto que tiene la pareja respecto a seguir en un lugar tan hostil o marcharse, porque se hace difícil percibir el placer que les produce el proyecto de vida que han emprendido. El último tramo de la película me parece más interesante, permite respirar más al espectador y atender a los conflictos internos de los personajes. En cualquier caso, me parece un avance a nivel de puesta en escena respecto al otro film suyo que había visto, Que Dios nos perdone, con un mayor control y aplomo en el manejo de la cámara.
469. Happer's Comet (Tyler Taormina, 2022) - 6,5
El debut de Taormina, Ham on Rye, ya nos había llevado por caminos excéntricos en el retrato juvenil de transición a la edad adulta, donde los colores brillantes y pastel se trasmutaban en un mundo más oscuro, lacónico e incomunicado, de manera que Happer's Comet parece una casi continuación, un enrocamiento a través de una obra totalmente nocturna y sin diálogo alguno. Como en aquella, se trata también de un relato coral de caracteres con aún menos entidad, ya que sus imágenes nos ofrecen más bien sombras que se mueven en la noche, una especie de coreografía sonámbula en la que los personajes se reúnen para realizar a su manera también un ritual amoroso, quizás recurrente o quizás largamente añorado, pero siempre como elementos clandestinos que nos hacen evocar el confinamiento pandémico. La profusión de pantallas, sean televisores, móviles o monitores, incluso la música, como acompañantes de las solitarias criaturas que pueblan las imágenes nos hace pensar en un mundo paradójicamente incomunicado, alienado sin duda, que la reclusión provocada por el COVID sólo ha potenciado. Y en este contexto, parecen ser los jóvenes, al calor de sus pulsiones sexuales, quienes muestran la voluntad de transgredir la situación, de alcanzar una conexión física que es negada durante la mayor parte del metraje, aunque las palabras sigan brillando por su ausencia, una consecuencia del efecto clandestino o quizás la constatación del trauma del aislamiento. Es en todo caso una obra ciertamente extrañada y misteriosa, que se resiste a explicarse, que podría resultar frustrante en alguna medida pero que siempre brinda una disfrutable belleza. Taormina se enseñorea en la serenidad nocturna, que ofrece un silencioso tapiz a la sutilidad de los sonidos y un manto de oscuridad a los reflejos lumínicos. El mundo pandémico emergería así como una evocación noctámbula propia de las horas de sueño.
470. Danubio (Agustina Pérez Rial, 2021) - 5,5
El festival internacional de Mar del Plata es el marco espacial y 1968 es el principal marco temporal en el que se desarrolla este documental que nos habla de una Argentina controlada por la dictadura, un estado policial donde el ejercicio de la política está fuertemente coartado, donde el mundo cinematográfico puede ser a la vez víctima, espacio donde buscar libertad y agente político de muy diferente índole. Sus imágenes de archivo parecen llevarnos hacia un thriller político, aunque quizás el empeño no termina de cuajar del todo.
471. Arnold Is a Model Student (Sorayos Prapayan, 2022) - 6
Un cómic reivindicativo creado por un grupo de estudiantes sirvió a Sorayos Prapayan de inspiración para realizar este film, una sátira del sistema educativo tailandés que inevitablemente reverbera en la deriva autoritaria que viene sufriendo el país en los últimos años. En un centro de élite, y alrededor del mismo, asistimos a todo tipo de corruptelas, trampas, abusos de autoridad o a la simple incompetencia, creando un perverso sistema de incentivos, como un vivero que alimentará las elites corruptas que dirigen el país. Y el elemento estrella es ese estudiante modelo que da título al film, brillante a nivel a académico, con experiencia en el extranjero a través de un programa de intercambio, pero poco modélico en su comportamiento que el director del centro está dispuesto a obviar con tal de explotar su figura para beneficio del centro (y suyo), mientras otros compañeros llegan incluso a recibir castigos físicos, el detonante de las reivindicaciones estudiantiles. Se trata de una obra con muy poca implicación psicóloga, que más bien crea una serie de viñetas que tienden a cierta individualidad y a las que Prapayan insufla un sutil pero corrosivo sentido del humor, dentro de un discurso reivindicativo muy nítido, quizás hasta demasiado evidente.
472. La nuit du 12 (Dominik Moll, 2022) - 6
Un sobrio polar inscrito en esta moderna tendencia de tratar casos no resueltos (no es spoiler, ya nos lo advierten los rótulos iniciales), con algunos arquetipos del género, como el policía que atraviesa problemas personales o el que se obsesiona con el caso en cuestión, el de una joven a quien asesinan prendiéndole fuego viva. La promiscuidad de esta chica, su tendencia a relacionarse con hombres de dudosa catadura moral termina llevando al film a observar una interesante perspectiva de género, muy poco habitual en el polar. El film luce desespectacularizado, siempre más preocupado de la interacción entre los personajes, de sus diálogos, que de cualquier otra cosa, y resulta en una obra bastante sobria y solvente.
473. Love Dog (Bianca Lucas, 2022) - 5,5
Como en Happer's Comet, la pandemia de COVID es también el contexto en el que se sitúa Love Dog, otra cinta de escenarios estadounidenses que igualmente nos habla del aislamiento, la alienación y, más en particular, de la depresión. Enmarcado en un paisaje social y físico perfectamente coherente con el discurso del film, la directora Bianca Lucas (de nacimiento y formación europea) se centra en este caso en un único personaje, traumatizado por el suicidio de su pareja, apostando así por una dimensión psicológica poco presente en la mayor parte de la selección del festival. Nos encontramos por tanto ante un náufrago vital, a quien alguien ha prestado una casa más o menos aislada (o quizás oficia de vigilante de la misma) donde se sumerge en la soledad y la angustia existencial, siempre que no deambula con su vehículo y sin objetivo aparente por el desolador paisaje de alguna localidad de Mississippi. Como vías de escape sólo encuentra el falso antídoto de las interacciones virtuales (de nuevo el mundo de las pantallas se propone como alienante, pero también como larvario de dudosas tendencias políticas) y los puntuales encuentros con otros personajes en los que se atisba quizás la posibilidad de aferrarse a una tabla salvavidas a base de calor humano. Love Dog viene a ser el concepto que plantea uno de esos personajes, la necesidad e importancia de postularse como un ser que da amor al prójimo, pero el título también encuentra eco, claro está, en el perro que le regalan al protagonista. Muy significativamente, sólo llega a aceptarlo, a implicarse emocionalmente, cuando el animal ha perdido una pata, como una forma de igualdad, por fin dos seres impedidos. Los flashes mentales en los que el protagonista evoca la imagen de la mujer perdida, así como su propio estado emocional, esa sensación de dolor, vacío y ausencia de propósito, me hicieron pensar en The Brown Bunny. Evidentemente es una propuesta diferente, sin la depuración ni la progresión trascendental (por utilizar la terminología de Schrader) del film de Gallo, pero no exenta de interés en su construcción visual de un estado depresivo.
474. Nomotopowell (Brent Chesanek, 2022) - 6,5
Brent Chesanek aplica la llamada teoría del paisaje a esta caleidoscópica narración que nos devuelve a los tiempos colonizadores y esclavistas mientras el registro visual se mantiene en presente en los mismos escenarios que acogerían el pasado evocado. El personaje clave y sobre el que pivota la dualidad de la narración es Billy Powell, un hombre del siglo XIX descendiente tanto de europeos como de indígenas, acusado de atentar contra la vida de un representante del gobierno y ajusticiado por ello. El film realiza un ejercicio de malabarismo tomando inicialmente el punto de vista colonizador para, en medio del metraje, virar explícita y materialmente (con un plano de atractivo muy discutible en el cual un cuadrado se desgaja de la imagen para girar mientras ésta hace lo propio) hacia el punto de vista de los indígenas y esclavos, de manera que Powell pasa a ser Osceola, que es su nombre semínola, ahora ya no un asesino, no un delincuente o un subversivo, sino un luchador por su pueblo y por su propia libertad. Este manejo del punto de vista en un film construido en su parte verbal exclusivamente a partir de textos preexistentes me parece muy logrado y significante. Al mismo tiempo, sus primorosas y contemplativas imágenes nos adentran por hermosos escenarios, unos paisajes cuya belleza choca con el relato de violencia colonial que derivó en las Guerras Semínolas, pero que también reflejan en sordina los ecos del mundo moderno que se ha construido sobre aquel ominoso pasado.
475. Blue Black Permanent (Margaret Tait, 1992) - 7,5
El único largometraje de la célebre directora y poetisa se adentra en los pliegues de la memoria de una mujer, todavía angustiada por la enigmática muerte de su madre tres décadas atrás, cuando ella todavía una niña. Es un personaje el de la madre un tanto romántico, una mujer con una pulsión creativa (escribe poemas) y telúrica, asociada a los elementos naturales, al agua principalmente, pero al mismo tiempo con una vertiente muy prosaica como ama de casa. Es una tensión que su hija reconfigura en alguna medida en presente entregada a su profesión como fotógrafa mientras añora no tener su propia familia, sus propios hijos. Evidentemente hay una problemática de género muy acentuada en la generación anterior, un desprecio por esa faceta creativa de la madre que impidió que se conservasen sus cuadernos de poemas a su fallecimiento. Era una mujer nacida en un pueblo pesquero y que se trasladó a la ciudad al casarse, y esa añoranza por la vida más agreste, más salvaje, más apegada a los elementos, resulta fácilmente perceptible, y encuentra su metáfora en ese instante el personaje encuentra una flor única, de la que dice sólo crece en lo alto de esos acantilados y que si se intenta trasplantar se muere indefectiblemente. La estructura narrativa es muy interesante, con los continuados saltos entre ambos tiempos, que incluso llegan a proyectarse a un pasado todavía más anterior en el cual la madre pasa a ejercer de narradora para rememorar un episodio de su propia niñez, creando así un juego de espejos, una cadena de relativas repeticiones que la mujer en presente quizás pueda haber roto, aunque se quede de alguna forma varada en la memoria, o en un tiempo-espacio que se acaba haciendo con la película, como si adquiriera su propia entidad. Por lo muy poco que conocía el trabajo de Tait, no sorprende el cuidado fotográfico, en la iluminación, los colores, las composiciones, también en el montaje, en el uso de exquisitos planos detalle, en la cualidad discretamente pictórica de muchos paisajes, también de algunos interiores, sobre todo del pasado, pero sin ensimismarse con la estética, siempre en consonancia con los personajes y la historia.
476. Niekochana (Janusz Nasfeter, 1966) - 6
Una mujer llega de noche a una casa en busca de su pareja. Su actitud un tanto histérica parece producto de alguna circunstancia que no se nos cuenta de mano, pero el subsiguiente flashback nos viene a aclarar que se trata prácticamente de su estado normal. Su relación amorosa con un artista es un tira y afloja, una relación agobiante de pasión e inseguridades que explota cada poco tiempo con las desapariciones de él, y todo ello en vísperas de la invasión alemana en Polonia. Es un film atractivo a nivel visual, pero reiterativo y poco estimulante a nivel argumental, quizás como si quisiera resaltar la futilidad de aquello que a menudo nos preocupa diariamente mientras no prestamos la suficiente atención a lo más trascendental. Por otra parte, leo en la sinopsis que el personaje de ella es judío, algo de lo que no había sido consciente viendo la película, y que quizás pueda explicar ese comportamiento tan inseguro y obsesivo precisamente enmarcado en aquella época.
477. Teito monigatari (Akio Jissoji, 1988) - 5
El prestigioso Jissoji, celebrado autor de films un tanto manieristas durante los años setenta, se descuelga aquí con una fantasía bastante de su tiempo, tomando la ciudad de Tokio como protagonista, objeto de amenaza destructiva por parte de fuerzas malignas. Así, el devastador terremoto que tuvo lugar en 1922 (y la destrucción que provocará la Guerra del Pacifico) sirve de material fabulador para una lucha que tiene lugar a lo largo de los años y que tiene a espíritus ancestrales e iniciados en artes ocultas como principales protagonista. Tiene un aire bastante ochentero y los elementos más fantásticos no me parecen demasiado interesantes, pero en sus segmentos más íntimos e incluso en las reconstrucciones de época más vistosas se mueve con solvencia.
478. Le Champignon des Carpathes (Jean-Claude Biette, 1990) - 7
El mundo del teatro vuelve a ser elemento fundamental en este film ambientado en una Europa post-Chernóbil donde una serie de personajes interconectados (la coralidad es habitual en Biette) orbitan alrededor de una modesta compañía shakesperiana que intenta poner en escena Hamlet y de una mujer que ha recogido una variedad de champiñón (de los Cárpatos) que tendría fantásticas propiedades curativas. Hay una tensión dramática entre lo material y lo espiritual, o quizás lo cultural, que también alcanza a cierta definición de personajes, algunos de ellos casi fantasmagóricos (el director de la compañía, de quien se dice en un momento dado que está muerto, o la actriz que debería interpretar a Ofelia, ingresada en el hospital por la radiación). Me gusta la cadencia del film, su misterio, su vago sentido lúdico y su puesta en escena. Especialmente en aquellas escenas de pura acción física, me llaman la atención las decisiones de montaje, donde empieza y se corta el plano, y cómo queda compuesto, lo que alimenta esa sensación misteriosa y placentera que desprende la película.
479. La bestia debe morir (Román Viñoly Barreto, 1952) - 6,5
El comienzo de este título criminal no es demasiado esperanzador, con la muerte de un personaje despreciable que da paso a lo que parece va a ser una whodounit para elucubrar sobre el culpable de entre quienes se encontraban en su casa, casi todos ellos con motivos sobrados para asesinarle. Afortunadamente, el film toma otros derroteros, con un clásico flashback en el cual uno de esos personajes, escritor, rememora el camino que le ha llevado hasta allí, su ánimo de venganza después de que el ya occiso atropellase a su hijo y no se detuviera a socorrerle. De esa manera, la película se aleja del juego maquinal y explora atmósferas más interesantes, que reproducen la oscuridad en el ánimo de su protagonista. El trabajo fotográfico es notable por momentos, como las escenas en exterior de la noche fatídica, como el uso de las angulaciones. Por otro lado, es una obra un poco irregular, de una expresividad un tanto pasada de rosca, con personajes volcánicos sin muchos matices.
480. Brother in Every Inch (Alexander Zolotukhin, 2022) - 5,5
El reverso de Top Gun tenía que venir de Rusia, claro, en un film desespectacularizado (aunque también tengamos escenas aéreas) sobre una pareja de gemelos que tratan de convertirse en pilotos en una escuela de aviación. Son unos alumnos bastante negados, con habilidades complementarias entre ellos pero con graves carencias individuales (esto sería más bien un Bottom Gun, de hecho). Y por otro lado, uno de ellos tiene una enorme dependencia del otro, que viene a ser el principal foco de atención de la película, la dinámica física y psicológica de ese vínculo tan poderoso. La película está rodada con planos que a menudo son muy cerrados sobre los personajes, en un estilo intimista, como si buscara una mirada impresionista y subjetiva, sin demasiadas referencias, ni siquiera temporales, ya que hasta el mismo final en el que aparece un teléfono móvil pareciera que estuviera ambientada varias décadas atrás. De todas maneras, no me convenció demasiado ese estilo visual, demasiado caótico, por ejemplo con cambios de eje, que entiendo responden a una necesidad de transmitir la incomodidad de unos personajes en tensión ya que el lugar donde se encuentran sólo les puede llevar a la separación a largo plazo (y no sé si se tratará de una veladísima metáfora de las tensiones rusas con los países colindantes, Ucrania principalmente).
481. Sicilia! (Danièle Huillet & Jean-Marie Straub, 1999) - 6,5
Siempre me ha costado disfrutar a fondo el estilo straubiano, y este film no es una excepción aunque sí que resulte más agradecido que otras obras suyas. Tomando una obra de Elio Vittorini como material argumental de partida, la película nos muestra el regreso de un hombre a su pueblo siciliano después de muchos años de ausencia en América. Su reencuentro con la tierra natal, con la gente y muy en particular con su madre, supone un shock, una revelación de una serie de cuestiones de las que no parecía consciente, relativas a la vida pasada, a la pobreza, a las relaciones de sus padres, como una manera de penetrar en una realidad escondida a la vista. Por supuesto tenemos el brutal naturalismo propio de los lugares auténticos, de los interpretes no profesionales y lugareños, tan característicos del cine de la pareja. Como también el estilo declamativo tan poco naturalista, bastante distanciador, y que pone un gran énfasis en la palabra. E igualmente un trabajo visual tan sencillo en apariencia, tan esencial como cuidado, aquí en blanco y negro, consiguiendo planos de notable belleza que parten más bien desde la desnudez estética.
482. A Woman's Vengeance (Zoltan Korda, 1948) - 6
Adaptación de un relato de Aldous Huxley que, al menos reflejado en pantalla, resulta bastante machista. De mano parecería que el malo de la función es el protagonista interpretado por Charles Boyer, siempre tan apropiado para personajes un tanto turbios, esposo mujeriego cuyo matrimonio con una mujer enferma se ha deteriorado, que flirtea con la mejor amiga de ésta, enamorada de él, y que al mismo tiempo mantiene una relación extramatrimonial con una chica muy joven. Cuando la esposa muere de un ataque, él acaba siendo acusado. Aunque siempre se puede interpretar que su comportamiento y los usos sociales son la causa subyacente de buena parte de la problemática que desarrolla el argumento, tampoco deja de ser cierto que las mujeres que se mueven a su alrededor tiene todas un cariz muy negativo, sea por amargadas, rencorosas, vengativas o sacrificadas, mientras un doctor ejerce de personaje lúcido. La película tiene buenos momentos, como el de la tormenta, buen ejemplo de su notable acabado visual, en buena medida gracias a la estupenda fotografía de Russell Metty que saca mucho partido de las sombras. Pero precisamente la construcción de personajes hace que se resienta un tanto el resultado final. En particular, no me termina de encajar la visita de la amiga de la fallecida a la prisión, donde muestra un espíritu vengativo que se contradice un tanto con su comportamiento en todas las escenas que hemos visto hasta entonces, como si fuera una morcilla, aunque en sí misma esté bastante lograda.
483. La blessure (Nicolas Klotz, 2004) - 7
Dentro de una obra preocupada por aquellos que quedan fuera del sistema, o que son víctimas del mismo, la inmigración ocupa un lugar privilegiado en la filmografía de Nicolas Klotz (y su pareja Élisabeth Perceval, que aquí firma el guión). En este film nos acerca al drama de unos inmigrantes congoleses detenidos a su llegada al aeropuerto Charles de Gaulle, un material muy peligroso a nivel dramático y emocional, pero resuelto con una admirable combinación de brutalidad y pudor para poder impactar al espectador sin explotar a los personajes. El film se vale de la oscuridad, del rigor de los encuadres, del fuera de campo y del relato oral (el método de narración para todo aquello que queda fuera de las fronteras francesas) para acercarnos la odisea de sus criaturas. Hay algo en su retrato, sobre todo en la segunda mitad del film, que las emparenta en alguna medida con el cine de Pedro Costa, esa condición de sombras en el sistema, de zombis en la marginalidad, quizás no de una dimensión tan épica como en el cine del portugués, pero igualmente de gran estatura humana.
Un saludo.
Como Suro, éste es otro film sobre la crisis de una pareja que empieza además de manera un tanto similar, con los protagonistas bailando, una compenetración que pronto se revela parte de una pequeña representación (teatral) que incluye además el reflejo de la propia crisis de esa pareja. Y como en Suro, el espacio rural es también protagonista, generador de una claustrofobia de pareja, aunque en esta ocasión no se materializa en una casa, sino que los personajes viven en plan nómada, tratando de llevar sus funciones a pequeños pueblos de los Andes. El film tiene una cierta vena etnográfica en la cual los lugareños ofrecen un vivo contraste cultural y costumbrista con los protagonistas. Es una obra muy poco psicológica, no abunda en los conflictos de pareja, no pretende explicar su problemática, sino que prefiere embarcarse en una experiencia sensorial, y para ello reduce al mínimo la distancia entre la cámara y los personajes, elimina la profundidad de campo y establece una coreografía íntima con sus cuerpos y rostros.
459. Ivan (Aleksandr Dovzhenko, 1932) - 5,5
Film propagandístico soviético sobre varios personajes que trabajan en la construcción de una presa. Entre su confusa narración que además peca de homonimia, podemos atender a un conflicto paternofilial, entre lo viejo y lo nuevo, entre un padre pillo que se escaquea todo lo posible y su hijo que quiere ser un trabajador modelo. Es de reseñar que está producida en el mismo año que tuvo lugar el Holomodor, y resulta un poco ofensivo que se hable de trabajadores sobrantes del campo. Pero también me cabe duda de si Dovzhenko no estaría saboteando el mensaje de la película, porque se trata de una obra muy estática, muy declamada, donde es muy difícil acercarse y empatizar con los personajes, especialmente los que teóricamente son más positivos, y que sólo muestra acción visual cuando refleja el propio acto de trabajar, cuando las fuerzas del progreso están en plena acción. Pero en todo caso el film atesora imágenes seductoras, en particular ese comienzo que se enseñorea con las tranquilas aguas del Volga en composiciones donde el horizonte busca los bordes superiores e inferiores de la imagen.
460. Giwaku (Yoshitaro Nomura, 1982) - 6
Film judicial sobre una joven y descarada esposa, antigua chica de alterne con antecedentes penales, a quien todos creen culpable de haber matado a su marido lanzando el coche en el que viajaban ambos al agua. Es un personaje propicio para el arquetipo del falso culpable, pero que el film busca hacer negativo a ojos del espectador durante la mayor parte del metraje. De hecho, todo el tramo final me deja una inquietante sensación, como si la película nos invitase a lamentar en alguna medida que no condenen a esta mujer, como si no se hubiera hecho del todo justicia. Pero tampoco tengo claro que no sea un comentario sobre la sociedad japonesa, su machismo y el clasismo que se manifiesta desde el primer momento en las relaciones entre la joven y su familia política. Porque también me descoloca un poco la subtrama de su abogada, mujer separada y que visita mensualmente a su hija, cuya custodia tiene el padre. La nueva esposa del ex-marido le pide que deje de ver a su hija, porque quiere criarla como hija propia ya que es estéril, y del gesto de la abogada podríamos llegar a deducir que acepta, todo lo cual me resulta bastante increíble visto hoy en día (y desde España), y tampoco tengo claro que sea una crítica al machismo de la sociedad japonesa que quiere castigar a la mujer emancipada en lugar de una defensa del rol familiar de la mujer. En todo caso Nomura lleva la narración con oficio y consigue mantener el interés durante todo el metraje.
461. Everything Everywhere All at Once (Dan Kwan & Daniel Scheinert, 2022)- 3,5
Desde un sustrato argumental casi borgiano en el que coexistirían multitud de universos paralelos donde tienen lugar todas las posibilidades de uno mismo, este film nos lleva a través de la odisea, en una jornada muy loca, de una madura esposa que no es capaz de comunicarse apropiadamente con su hija y aceptar que es lesbiana, y cuyo paciente marido, con quien regenta una lavandería que está siendo inspeccionada por Hacienda, está a punto de pedirle el divorcio. La posibilidad de saltar de un universo a otro y de tomar prestadas las habilidades de otras versiones de uno mismo han creado una fuerza maligna que la protagonista es llamada a combatir, como un Neo en Matrix, film al que se cita/homenajea al igual que otros como Ratatouille, In the Mood for Love o 2001: a Space Odyssey. Desde un planteamiento cómico que vira al drama emotivo en momentos determinados, el film se abona al pastiche y propone un mareante ejercicio de montaje cuyo resultado me parece un tanto efectista y bastante feo las más de las veces. Y eso además del tufillo de autoayuda que desprende. Una pena porque el inicio de la película me parecía interesante.
462. L'honneur d'un capitain (Pierre Schoendoerffer, 1982) - 6
Otro film bélico del especialista francés en el género (recordemos, veterano de la Guerra de Indochina), que pone su foco en la Guerra de Argelia con la delicada tarea de defender el honor del ejército francés a través del personaje de un capitán muerto en combate y tachado de criminal y asesino en una tertulia televisiva, de manera que por el camino flirtea con justificar el colonialismo. El problema de este film respecto a, por ejemplo, Diên Biên Phú, es su carácter de film judicial donde los personajes caracterizados negativamente son el supuesto difamador y muy en particular su abogado (que cumple un rol de fiscal acusando al capitán). El proceso desgrana los escasos días en que el capitán estuvo al frente de una compañía mediante diferentes testigos (un poco como Sargeant Rutledge). Dejando de lado los problemas mencionados, la película está bastante bien, abunda en ese gusto de Schoendoerffer retratar a sus criaturas como gente que hace su oficio en unas condiciones extremas, y quizás por ello mismo su narración siempre es sobria, siempre busca un cierto grado de esencialidad.
463. Was wäre, wenn...? (Gerhard Klingenberg, 1960) - 6
En un pueblo de la RDA cercano a la frontera con la RFA cunde la creencia de que podrían cambiar de país por el intercambio de territorio entre ambas naciones, especialmente cuando se extienden el rumor de que el conde local está preparando su regreso inminente. Todo esto en medio de conflictos y rivalidades entre aquellos que se han sumado a la colectivización y los que siguen fuera, retratados por supuesto como reaccionarios obsesionados con el clasismo y el materialismo. Hay también otro clásico conflicto que se suele dar en este tipo de films del bloque socialista, el que tiene lugar entre las generaciones mayores, más conservadoras, y las más jóvenes, más dispuestas a abrazar el régimen, aunque sólo sea porque conviene a sus intereses amorosos, que en el caso de las dos parejas que presenta la película, no coinciden con el destino matrimonial que sus padres tienen pensado para ellos. El film se presenta así como una comedia bastante ligera a pesar de la carga ideológica, que se mueve ágilmente (a menudo con efectivos match-cuts para enlazar escenas) entre la coralidad del pequeño pueblo donde transcurre, lleno de caracteres singulares, todo ello con simpático resultado.
464. A Vida São Dois Dias (Leonardo Mouramateus, 2022) - 6
El placer por el juego narrativo que demostrara Mouramateus en su opera prima António um dois três, sigue muy vivo en su segundo largo, que abunda en su gusto por los planteamientos especulares a través de los avatares de dos hermanos gemelos de carácter diferente, distanciados más allá de vivir en lados opuestos del Atlántico lusoparlante, y cuya (relativa) conexión se produce en el universo de la ficción, a través del relato que escribe uno de ellos y le envía al otro. El film explora así la dimensión metanarrativa en sus imágenes, cuya ligereza y sentido del humor abundan en esa vertiente explícita de la ficción cuyas diferentes capas transita la narración.
465. Cette maison (Myriam Charles, 2022) - 6
Debut en el largo de la cineasta canadiense Miryam Charles, aborda la muerte real y violenta de su propia prima, una adolescente asesinada en su casa de Connecticut en 2008. Es la herida por la que supura todo el metraje de una obra que, a pesar de su título, parece tan fuera de un espacio concreto como de tiempo. De hecho, entiendo que "esta casa" podría tener un matiz negativo respecto al lugar físico, pero en positivo representaría la ligadura maternofilial que funciona como verdadero anclaje de los personajes, y que el dispositivo del film hace perpetuar más allá de la muerte, haciendo de la obcisa una suerte de narradora de ultratumba que además se muestra en escena siempre con la edad de una joven adulta a la que nunca pudo llegar. Se abre así a una cualidad fantasmagórica también alimentada por el sentimiento de no pertenencia propio de la emigración (como de la cuestión racial latente en todo momento), por el deseo que destilan los personajes de estar en otro sitio, por el viaje mental que emprende la película en sus hermosos interludios paisajísticos en 16mm a su tierra de origen, un Haití contenedor de tantos recuerdos, idealizado como paraíso irremediablemente perdido. El contraste lo ofrecen esos escenarios visiblemente teatrales por los que transitan los personajes, seguramente la manifestación visual del su desenraizamiento, con una puesta en escena que tiene mucho de performativo y explícitamente representacional. Es una opera prima que hace virtud de sus limitaciones presupuestarias, con una audaz narrativa aunque a veces peque de un cierto grado de confusión, y que no descuida (ni tampoco explota sentimentalmente) las intensas emociones de sus personajes.
466. Top Gun: Maverick (Joseph Kosinski, 2022) - 5,5
Más que solvente secuela de una de las más icónicas películas de los años ochenta. Las toneladas de comedia involuntaria de aquella dan paso a una obra que quiere ser tan espectacular pero también más madura, en la línea de un Cruise más veterano. De hecho, el paso del tiempo, las cuentas con el pasado, lo nuevo y lo viejo, son cuestiones cruciales en la película. También es verdad que muchas de las decisiones de guión son un tanto facilonas, casi más de remake que de secuela (un poco en la línea de la séptima entrega de Star Wars), servidumbres de un título comercial, y no escasean las fantasmadas (la mayor de las cuales nos deja la posibilidad de que casi toda la película sea una ensoñación de una persona a punto de morir, lo cual tendría bastante sentido). Merece la pena destacar la escena-cameo con Val Kilmer, resuelta con encomiable sobriedad en un título así, pero no es la tónica general de la película, que no puede dejar de recurrir a la espectacularidad, eso sí, utilizada con mejor sentido que en la mayoría de superproducciones (que haya visto, que en tiempos recientes no son muchas).
467. Le rouge est mis (Gilles Grangier, 1957) - 5,5
Otro de varios títulos realizados al calor del éxito de Touchez pas au grisbi, con el mismo Jean Gabin como protagonista, otro ladrón con su ética personal aunque sin muchos miramientos por las vidas ajenas más allá de su familia. Lino Ventura ejerce de sanguinario acompañante, un contrapunto que puede hacer destacar la distinción de Gabin, pero en el fondo denota su condición en buena medida violenta e implacable. A su interesante retrato de caracteres se contraponen unas escenas de acción bastante rutinarias, cuando no descuidadas. En general es un título bastante solvente aunque muy poco memorable.
468. As bestas (Rodrigo Sorogoyen, 2022) - 5,5
Sorogoyen ya sienta el tono de amenaza y violencia que preside este film, sobretodo en su primera mitad, desde la secuencia de apertura en una tasca de aldea, donde uno de los lugareños conversa con otro parroquiano con un tono que debiera parecer afable pero tiene todo de intimidante, mientras la cámara se mueve entre los personajes en planos cerrados y escasamente iluminados. El intimidador y su hermano son personajes de cine de terror para el matrimonio francés que vive justo al lado de ellos, ya que los recién llegados no aceptan vender su propiedad a una eólica como sí están dispuestos la mayoría de los vecinos. Realmente me satura mucho esa dinámica de intimidación/víctima, que parece ser lo que más le interesa a Sorogoyen. Creo que el film desaprovecha un poco el conflicto que tiene la pareja respecto a seguir en un lugar tan hostil o marcharse, porque se hace difícil percibir el placer que les produce el proyecto de vida que han emprendido. El último tramo de la película me parece más interesante, permite respirar más al espectador y atender a los conflictos internos de los personajes. En cualquier caso, me parece un avance a nivel de puesta en escena respecto al otro film suyo que había visto, Que Dios nos perdone, con un mayor control y aplomo en el manejo de la cámara.
469. Happer's Comet (Tyler Taormina, 2022) - 6,5
El debut de Taormina, Ham on Rye, ya nos había llevado por caminos excéntricos en el retrato juvenil de transición a la edad adulta, donde los colores brillantes y pastel se trasmutaban en un mundo más oscuro, lacónico e incomunicado, de manera que Happer's Comet parece una casi continuación, un enrocamiento a través de una obra totalmente nocturna y sin diálogo alguno. Como en aquella, se trata también de un relato coral de caracteres con aún menos entidad, ya que sus imágenes nos ofrecen más bien sombras que se mueven en la noche, una especie de coreografía sonámbula en la que los personajes se reúnen para realizar a su manera también un ritual amoroso, quizás recurrente o quizás largamente añorado, pero siempre como elementos clandestinos que nos hacen evocar el confinamiento pandémico. La profusión de pantallas, sean televisores, móviles o monitores, incluso la música, como acompañantes de las solitarias criaturas que pueblan las imágenes nos hace pensar en un mundo paradójicamente incomunicado, alienado sin duda, que la reclusión provocada por el COVID sólo ha potenciado. Y en este contexto, parecen ser los jóvenes, al calor de sus pulsiones sexuales, quienes muestran la voluntad de transgredir la situación, de alcanzar una conexión física que es negada durante la mayor parte del metraje, aunque las palabras sigan brillando por su ausencia, una consecuencia del efecto clandestino o quizás la constatación del trauma del aislamiento. Es en todo caso una obra ciertamente extrañada y misteriosa, que se resiste a explicarse, que podría resultar frustrante en alguna medida pero que siempre brinda una disfrutable belleza. Taormina se enseñorea en la serenidad nocturna, que ofrece un silencioso tapiz a la sutilidad de los sonidos y un manto de oscuridad a los reflejos lumínicos. El mundo pandémico emergería así como una evocación noctámbula propia de las horas de sueño.
470. Danubio (Agustina Pérez Rial, 2021) - 5,5
El festival internacional de Mar del Plata es el marco espacial y 1968 es el principal marco temporal en el que se desarrolla este documental que nos habla de una Argentina controlada por la dictadura, un estado policial donde el ejercicio de la política está fuertemente coartado, donde el mundo cinematográfico puede ser a la vez víctima, espacio donde buscar libertad y agente político de muy diferente índole. Sus imágenes de archivo parecen llevarnos hacia un thriller político, aunque quizás el empeño no termina de cuajar del todo.
471. Arnold Is a Model Student (Sorayos Prapayan, 2022) - 6
Un cómic reivindicativo creado por un grupo de estudiantes sirvió a Sorayos Prapayan de inspiración para realizar este film, una sátira del sistema educativo tailandés que inevitablemente reverbera en la deriva autoritaria que viene sufriendo el país en los últimos años. En un centro de élite, y alrededor del mismo, asistimos a todo tipo de corruptelas, trampas, abusos de autoridad o a la simple incompetencia, creando un perverso sistema de incentivos, como un vivero que alimentará las elites corruptas que dirigen el país. Y el elemento estrella es ese estudiante modelo que da título al film, brillante a nivel a académico, con experiencia en el extranjero a través de un programa de intercambio, pero poco modélico en su comportamiento que el director del centro está dispuesto a obviar con tal de explotar su figura para beneficio del centro (y suyo), mientras otros compañeros llegan incluso a recibir castigos físicos, el detonante de las reivindicaciones estudiantiles. Se trata de una obra con muy poca implicación psicóloga, que más bien crea una serie de viñetas que tienden a cierta individualidad y a las que Prapayan insufla un sutil pero corrosivo sentido del humor, dentro de un discurso reivindicativo muy nítido, quizás hasta demasiado evidente.
472. La nuit du 12 (Dominik Moll, 2022) - 6
Un sobrio polar inscrito en esta moderna tendencia de tratar casos no resueltos (no es spoiler, ya nos lo advierten los rótulos iniciales), con algunos arquetipos del género, como el policía que atraviesa problemas personales o el que se obsesiona con el caso en cuestión, el de una joven a quien asesinan prendiéndole fuego viva. La promiscuidad de esta chica, su tendencia a relacionarse con hombres de dudosa catadura moral termina llevando al film a observar una interesante perspectiva de género, muy poco habitual en el polar. El film luce desespectacularizado, siempre más preocupado de la interacción entre los personajes, de sus diálogos, que de cualquier otra cosa, y resulta en una obra bastante sobria y solvente.
473. Love Dog (Bianca Lucas, 2022) - 5,5
Como en Happer's Comet, la pandemia de COVID es también el contexto en el que se sitúa Love Dog, otra cinta de escenarios estadounidenses que igualmente nos habla del aislamiento, la alienación y, más en particular, de la depresión. Enmarcado en un paisaje social y físico perfectamente coherente con el discurso del film, la directora Bianca Lucas (de nacimiento y formación europea) se centra en este caso en un único personaje, traumatizado por el suicidio de su pareja, apostando así por una dimensión psicológica poco presente en la mayor parte de la selección del festival. Nos encontramos por tanto ante un náufrago vital, a quien alguien ha prestado una casa más o menos aislada (o quizás oficia de vigilante de la misma) donde se sumerge en la soledad y la angustia existencial, siempre que no deambula con su vehículo y sin objetivo aparente por el desolador paisaje de alguna localidad de Mississippi. Como vías de escape sólo encuentra el falso antídoto de las interacciones virtuales (de nuevo el mundo de las pantallas se propone como alienante, pero también como larvario de dudosas tendencias políticas) y los puntuales encuentros con otros personajes en los que se atisba quizás la posibilidad de aferrarse a una tabla salvavidas a base de calor humano. Love Dog viene a ser el concepto que plantea uno de esos personajes, la necesidad e importancia de postularse como un ser que da amor al prójimo, pero el título también encuentra eco, claro está, en el perro que le regalan al protagonista. Muy significativamente, sólo llega a aceptarlo, a implicarse emocionalmente, cuando el animal ha perdido una pata, como una forma de igualdad, por fin dos seres impedidos. Los flashes mentales en los que el protagonista evoca la imagen de la mujer perdida, así como su propio estado emocional, esa sensación de dolor, vacío y ausencia de propósito, me hicieron pensar en The Brown Bunny. Evidentemente es una propuesta diferente, sin la depuración ni la progresión trascendental (por utilizar la terminología de Schrader) del film de Gallo, pero no exenta de interés en su construcción visual de un estado depresivo.
474. Nomotopowell (Brent Chesanek, 2022) - 6,5
Brent Chesanek aplica la llamada teoría del paisaje a esta caleidoscópica narración que nos devuelve a los tiempos colonizadores y esclavistas mientras el registro visual se mantiene en presente en los mismos escenarios que acogerían el pasado evocado. El personaje clave y sobre el que pivota la dualidad de la narración es Billy Powell, un hombre del siglo XIX descendiente tanto de europeos como de indígenas, acusado de atentar contra la vida de un representante del gobierno y ajusticiado por ello. El film realiza un ejercicio de malabarismo tomando inicialmente el punto de vista colonizador para, en medio del metraje, virar explícita y materialmente (con un plano de atractivo muy discutible en el cual un cuadrado se desgaja de la imagen para girar mientras ésta hace lo propio) hacia el punto de vista de los indígenas y esclavos, de manera que Powell pasa a ser Osceola, que es su nombre semínola, ahora ya no un asesino, no un delincuente o un subversivo, sino un luchador por su pueblo y por su propia libertad. Este manejo del punto de vista en un film construido en su parte verbal exclusivamente a partir de textos preexistentes me parece muy logrado y significante. Al mismo tiempo, sus primorosas y contemplativas imágenes nos adentran por hermosos escenarios, unos paisajes cuya belleza choca con el relato de violencia colonial que derivó en las Guerras Semínolas, pero que también reflejan en sordina los ecos del mundo moderno que se ha construido sobre aquel ominoso pasado.
475. Blue Black Permanent (Margaret Tait, 1992) - 7,5
El único largometraje de la célebre directora y poetisa se adentra en los pliegues de la memoria de una mujer, todavía angustiada por la enigmática muerte de su madre tres décadas atrás, cuando ella todavía una niña. Es un personaje el de la madre un tanto romántico, una mujer con una pulsión creativa (escribe poemas) y telúrica, asociada a los elementos naturales, al agua principalmente, pero al mismo tiempo con una vertiente muy prosaica como ama de casa. Es una tensión que su hija reconfigura en alguna medida en presente entregada a su profesión como fotógrafa mientras añora no tener su propia familia, sus propios hijos. Evidentemente hay una problemática de género muy acentuada en la generación anterior, un desprecio por esa faceta creativa de la madre que impidió que se conservasen sus cuadernos de poemas a su fallecimiento. Era una mujer nacida en un pueblo pesquero y que se trasladó a la ciudad al casarse, y esa añoranza por la vida más agreste, más salvaje, más apegada a los elementos, resulta fácilmente perceptible, y encuentra su metáfora en ese instante el personaje encuentra una flor única, de la que dice sólo crece en lo alto de esos acantilados y que si se intenta trasplantar se muere indefectiblemente. La estructura narrativa es muy interesante, con los continuados saltos entre ambos tiempos, que incluso llegan a proyectarse a un pasado todavía más anterior en el cual la madre pasa a ejercer de narradora para rememorar un episodio de su propia niñez, creando así un juego de espejos, una cadena de relativas repeticiones que la mujer en presente quizás pueda haber roto, aunque se quede de alguna forma varada en la memoria, o en un tiempo-espacio que se acaba haciendo con la película, como si adquiriera su propia entidad. Por lo muy poco que conocía el trabajo de Tait, no sorprende el cuidado fotográfico, en la iluminación, los colores, las composiciones, también en el montaje, en el uso de exquisitos planos detalle, en la cualidad discretamente pictórica de muchos paisajes, también de algunos interiores, sobre todo del pasado, pero sin ensimismarse con la estética, siempre en consonancia con los personajes y la historia.
476. Niekochana (Janusz Nasfeter, 1966) - 6
Una mujer llega de noche a una casa en busca de su pareja. Su actitud un tanto histérica parece producto de alguna circunstancia que no se nos cuenta de mano, pero el subsiguiente flashback nos viene a aclarar que se trata prácticamente de su estado normal. Su relación amorosa con un artista es un tira y afloja, una relación agobiante de pasión e inseguridades que explota cada poco tiempo con las desapariciones de él, y todo ello en vísperas de la invasión alemana en Polonia. Es un film atractivo a nivel visual, pero reiterativo y poco estimulante a nivel argumental, quizás como si quisiera resaltar la futilidad de aquello que a menudo nos preocupa diariamente mientras no prestamos la suficiente atención a lo más trascendental. Por otra parte, leo en la sinopsis que el personaje de ella es judío, algo de lo que no había sido consciente viendo la película, y que quizás pueda explicar ese comportamiento tan inseguro y obsesivo precisamente enmarcado en aquella época.
477. Teito monigatari (Akio Jissoji, 1988) - 5
El prestigioso Jissoji, celebrado autor de films un tanto manieristas durante los años setenta, se descuelga aquí con una fantasía bastante de su tiempo, tomando la ciudad de Tokio como protagonista, objeto de amenaza destructiva por parte de fuerzas malignas. Así, el devastador terremoto que tuvo lugar en 1922 (y la destrucción que provocará la Guerra del Pacifico) sirve de material fabulador para una lucha que tiene lugar a lo largo de los años y que tiene a espíritus ancestrales e iniciados en artes ocultas como principales protagonista. Tiene un aire bastante ochentero y los elementos más fantásticos no me parecen demasiado interesantes, pero en sus segmentos más íntimos e incluso en las reconstrucciones de época más vistosas se mueve con solvencia.
478. Le Champignon des Carpathes (Jean-Claude Biette, 1990) - 7
El mundo del teatro vuelve a ser elemento fundamental en este film ambientado en una Europa post-Chernóbil donde una serie de personajes interconectados (la coralidad es habitual en Biette) orbitan alrededor de una modesta compañía shakesperiana que intenta poner en escena Hamlet y de una mujer que ha recogido una variedad de champiñón (de los Cárpatos) que tendría fantásticas propiedades curativas. Hay una tensión dramática entre lo material y lo espiritual, o quizás lo cultural, que también alcanza a cierta definición de personajes, algunos de ellos casi fantasmagóricos (el director de la compañía, de quien se dice en un momento dado que está muerto, o la actriz que debería interpretar a Ofelia, ingresada en el hospital por la radiación). Me gusta la cadencia del film, su misterio, su vago sentido lúdico y su puesta en escena. Especialmente en aquellas escenas de pura acción física, me llaman la atención las decisiones de montaje, donde empieza y se corta el plano, y cómo queda compuesto, lo que alimenta esa sensación misteriosa y placentera que desprende la película.
479. La bestia debe morir (Román Viñoly Barreto, 1952) - 6,5
El comienzo de este título criminal no es demasiado esperanzador, con la muerte de un personaje despreciable que da paso a lo que parece va a ser una whodounit para elucubrar sobre el culpable de entre quienes se encontraban en su casa, casi todos ellos con motivos sobrados para asesinarle. Afortunadamente, el film toma otros derroteros, con un clásico flashback en el cual uno de esos personajes, escritor, rememora el camino que le ha llevado hasta allí, su ánimo de venganza después de que el ya occiso atropellase a su hijo y no se detuviera a socorrerle. De esa manera, la película se aleja del juego maquinal y explora atmósferas más interesantes, que reproducen la oscuridad en el ánimo de su protagonista. El trabajo fotográfico es notable por momentos, como las escenas en exterior de la noche fatídica, como el uso de las angulaciones. Por otro lado, es una obra un poco irregular, de una expresividad un tanto pasada de rosca, con personajes volcánicos sin muchos matices.
480. Brother in Every Inch (Alexander Zolotukhin, 2022) - 5,5
El reverso de Top Gun tenía que venir de Rusia, claro, en un film desespectacularizado (aunque también tengamos escenas aéreas) sobre una pareja de gemelos que tratan de convertirse en pilotos en una escuela de aviación. Son unos alumnos bastante negados, con habilidades complementarias entre ellos pero con graves carencias individuales (esto sería más bien un Bottom Gun, de hecho). Y por otro lado, uno de ellos tiene una enorme dependencia del otro, que viene a ser el principal foco de atención de la película, la dinámica física y psicológica de ese vínculo tan poderoso. La película está rodada con planos que a menudo son muy cerrados sobre los personajes, en un estilo intimista, como si buscara una mirada impresionista y subjetiva, sin demasiadas referencias, ni siquiera temporales, ya que hasta el mismo final en el que aparece un teléfono móvil pareciera que estuviera ambientada varias décadas atrás. De todas maneras, no me convenció demasiado ese estilo visual, demasiado caótico, por ejemplo con cambios de eje, que entiendo responden a una necesidad de transmitir la incomodidad de unos personajes en tensión ya que el lugar donde se encuentran sólo les puede llevar a la separación a largo plazo (y no sé si se tratará de una veladísima metáfora de las tensiones rusas con los países colindantes, Ucrania principalmente).
481. Sicilia! (Danièle Huillet & Jean-Marie Straub, 1999) - 6,5
Siempre me ha costado disfrutar a fondo el estilo straubiano, y este film no es una excepción aunque sí que resulte más agradecido que otras obras suyas. Tomando una obra de Elio Vittorini como material argumental de partida, la película nos muestra el regreso de un hombre a su pueblo siciliano después de muchos años de ausencia en América. Su reencuentro con la tierra natal, con la gente y muy en particular con su madre, supone un shock, una revelación de una serie de cuestiones de las que no parecía consciente, relativas a la vida pasada, a la pobreza, a las relaciones de sus padres, como una manera de penetrar en una realidad escondida a la vista. Por supuesto tenemos el brutal naturalismo propio de los lugares auténticos, de los interpretes no profesionales y lugareños, tan característicos del cine de la pareja. Como también el estilo declamativo tan poco naturalista, bastante distanciador, y que pone un gran énfasis en la palabra. E igualmente un trabajo visual tan sencillo en apariencia, tan esencial como cuidado, aquí en blanco y negro, consiguiendo planos de notable belleza que parten más bien desde la desnudez estética.
482. A Woman's Vengeance (Zoltan Korda, 1948) - 6
Adaptación de un relato de Aldous Huxley que, al menos reflejado en pantalla, resulta bastante machista. De mano parecería que el malo de la función es el protagonista interpretado por Charles Boyer, siempre tan apropiado para personajes un tanto turbios, esposo mujeriego cuyo matrimonio con una mujer enferma se ha deteriorado, que flirtea con la mejor amiga de ésta, enamorada de él, y que al mismo tiempo mantiene una relación extramatrimonial con una chica muy joven. Cuando la esposa muere de un ataque, él acaba siendo acusado. Aunque siempre se puede interpretar que su comportamiento y los usos sociales son la causa subyacente de buena parte de la problemática que desarrolla el argumento, tampoco deja de ser cierto que las mujeres que se mueven a su alrededor tiene todas un cariz muy negativo, sea por amargadas, rencorosas, vengativas o sacrificadas, mientras un doctor ejerce de personaje lúcido. La película tiene buenos momentos, como el de la tormenta, buen ejemplo de su notable acabado visual, en buena medida gracias a la estupenda fotografía de Russell Metty que saca mucho partido de las sombras. Pero precisamente la construcción de personajes hace que se resienta un tanto el resultado final. En particular, no me termina de encajar la visita de la amiga de la fallecida a la prisión, donde muestra un espíritu vengativo que se contradice un tanto con su comportamiento en todas las escenas que hemos visto hasta entonces, como si fuera una morcilla, aunque en sí misma esté bastante lograda.
483. La blessure (Nicolas Klotz, 2004) - 7
Dentro de una obra preocupada por aquellos que quedan fuera del sistema, o que son víctimas del mismo, la inmigración ocupa un lugar privilegiado en la filmografía de Nicolas Klotz (y su pareja Élisabeth Perceval, que aquí firma el guión). En este film nos acerca al drama de unos inmigrantes congoleses detenidos a su llegada al aeropuerto Charles de Gaulle, un material muy peligroso a nivel dramático y emocional, pero resuelto con una admirable combinación de brutalidad y pudor para poder impactar al espectador sin explotar a los personajes. El film se vale de la oscuridad, del rigor de los encuadres, del fuera de campo y del relato oral (el método de narración para todo aquello que queda fuera de las fronteras francesas) para acercarnos la odisea de sus criaturas. Hay algo en su retrato, sobre todo en la segunda mitad del film, que las emparenta en alguna medida con el cine de Pedro Costa, esa condición de sombras en el sistema, de zombis en la marginalidad, quizás no de una dimensión tan épica como en el cine del portugués, pero igualmente de gran estatura humana.
Un saludo.
131.-Away with words (Cristopher Doyle, 1999) – 10
Una película fascinante del director de fotografía entre otros de Wong Kar-Wai. En este caso, Away with words es una especie de dietario de experiencias libres con muchas de las técnicas del cineasta y de otros que había ido aprendiendo, pero la libertad de su estructura y el enfoque en los personajes tan caóticos como distintos permite a Doyle generar ese estilo totalmente caótico en donde la manipulación de los fotogramas por segundo y el uso de los colores y de la voz en off le da una estructura tan caótica como libre y creativa.
132.-Endless Flâunering (Isao Yamada, 2016) – 7
La cineasta japonesa filma y edita un diario de sus experiencias en Berlín hilando música clásica, efectos de sonido e imágenes con muy buena plasticidad a la hora de conectar visualmente ciertos momentos con cosas muy distintivas. Divertido y curiosete, aunque se haga un poco coñazo a ratos.
133.-The talented Mr Ripley (Anthony Mingella, 1999) – 6,5
Vamos a decirlo claro: me ha sorprendido. Pensaba que iba a ser el típico peñazo con uno o dos momentos, y oye, resulta que es una película sólida de los años 90. No es solo ya el material de base de Patricia Highsmith (que tiene ciertos puntos algo modificados), sino también cómo Mingella entiende el material original, y esto se entiende en momentos como la escena final, en donde se remarca la constante ambivalencia y la situación sin salida del personaje de Ripley. Cierto es que un trabajo con un conflicto y unos personajes tan potentes poco tiene que hacer para resaltarlo, y cuando lo hace funciona bien, pues da mucho espacio a los silencios y pausas, además de jugar bien con trucos manidos pero efectivos (como esos planos tan cercanos y el uso que a veces se hace de ellos para representar dualidades y dinámicas en relaciones). Mi única pena es que creo que si bien creo que la dinámica principal -bastante homoerótica, a todo esto- de Ripley con los dos hombres funciona muy bien, el resto es algo que no me cuaja tanto y me aburre bastante más.
134.-A Short Story (Bi Gan, 2022) – 6
Fábula de un gato filmada con bastante ingenio y minimalismo, utilizando un marco muy pequeño que permite encuadres muy cerrados los cuales permiten un mejor uso de las panorámicas y un mayor juego con la ilusión del espacio al concentrar ciertos objetos en el medio del encuadre y así poder ir modificando el espacio y la perspectiva. Es un corto bastante ingenioso en ese sentido, y centrarlo en un gato permite a la vez alejarlo de cualquier punto real pese a usar paisajes reales.
135.-L’enfer (Claude Chabrol, 1994) – 5,5
Película de Chabrol con guion póstumo de Henri-Georges Clouzot (era un proyecto inacabado de Clouzot debido a un infarto que tuvo durante la realización de su guion en los años 60, y Chabrol le compró el guion a la viuda de Clouzot dos años antes de la realización del proyecto en 1992), aunque si acaso lo que más noto es la inspiración Hitchcockiana y la semilla de los celos en la emulación más cercana al delirio y a la pesadilla. Es quizá uno de los trabajos que más que celos es sobre el maltrato en sí, y se juega sobre todo tirando de planos y contraste entre los diferentes relieves (los primeros planos versus lo que sucede en el fondo) y el juego con los cortes. Sin embargo, es una de esas películas en donde la idea se ve, pero la ejecución está a medias, y gran parte del problema es que todo el ritmo y concisión que tiene en su primer tercio se va a tomar viento conforme pasan los minutos. Al acentuar el delirio y las paranoias del personaje sin saber encadenar las fases del descenso a los infiernos del protagonista pasado el “primer episodio”, la película se alarga en vez de ir acelerando marchas aprovechando ese mismo delirio. Si fuese otra película con un ritmo más pausado, las ideas de Chabrol acabarían cuajando sobre el conjunto (y más con el dúo actoral), pero la realidad es que la película va con la quinta, acelera poniendo la sexta y va quedándose a medio gas desde la mitad hacia adelante. El sin fin y la parte final es lo que salva todo, aunque ese montaje en el clímax final es un rato bastante bochornoso y epatante, y como solución, mejorable. Una pena, porque creo que daba para mucho más, aunque la película me haya gustado y hay algunos momentos muy incómodos.
136.-La novelista y su película (Hong Sang-Soo, 2022) – 9
Uno de los estrenos más preciosos del año y es por la continuación (y para mí aquí sí acierta más que en Delante de ti) del tema en el cual Sang-Soo quiere filmar lo bello de la forma más sencilla. Lo hace con un personaje incordioso -para bien- y creo que funciona porque hay un equilibrio entre el control minimalista de muchas escenas, la poca seriedad de las mismas (por lo parco de la puesta en escena, por cómo deja que elementos se introduzcan dentro de la misma y por lo poco que hace zoom, como muchos de esos zooms podrían pasar por ser caseros), y creo que capta muy bien el enamoramiento de un tipo de arte, la necesidad de mostrar la belleza tal como es en vez de embellecer un actor o una situación. Me fascina solo por eso y creo que acumula las virtudes de sus dos trabajos anteriores de una forma que me ha llegado, la verdad.
Sobre lo que más me ha gustado de este año, iría así:
El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920)
Cops! (Buster Keaton, 1922)
Le quai des brumes (Marcel Carné, 1938)
Fort Apache (John Ford, 1948)
Ruby Gentry (King Vidor, 1952)
Nathalie Granger (Marguerite Duras, 1972)
La mamá y la **** (Jean Eustache, 1973)
Le navire night (Marguerite Duras, 1979)
17 reasons why (Nathaniel Dorsky, 1987)
¡Átame! (Pedro Almodóvar, 1989)
La belle noiseuse (Jacques Rivette, 1991)
El valle de Abraham (Manoel de Oliveira, 1993)
Body snatchers (Abel Ferrara, 1993)
Deseret (James Benning, 1995)
Away with words (Cristopher Doyle, 1999)
The visitation (Nathaniel Dorsky, 2002)
Atrápame si puedes (Steven Spielberg, 200x)
Threnody (Nathaniel Dorsky, 2004)
Volver (Pedro Almodóvar, 2006) - diría que por ahora es mi favorita de Almodóvar
Bagatelle I (Nathaniel Dorsky, 2018)
Limbo (Soi Cheang, 2021)
Qué vemos cuando miramos al cielo (Alexander Koberidze, 2021)
Drive my car (Ryuusuke Hamaguchi, 2021)
Pacifiction (Albert Serra, 2022)
La novelista y su película (Hong Sang-Soo, 2022)
Una película fascinante del director de fotografía entre otros de Wong Kar-Wai. En este caso, Away with words es una especie de dietario de experiencias libres con muchas de las técnicas del cineasta y de otros que había ido aprendiendo, pero la libertad de su estructura y el enfoque en los personajes tan caóticos como distintos permite a Doyle generar ese estilo totalmente caótico en donde la manipulación de los fotogramas por segundo y el uso de los colores y de la voz en off le da una estructura tan caótica como libre y creativa.
132.-Endless Flâunering (Isao Yamada, 2016) – 7
La cineasta japonesa filma y edita un diario de sus experiencias en Berlín hilando música clásica, efectos de sonido e imágenes con muy buena plasticidad a la hora de conectar visualmente ciertos momentos con cosas muy distintivas. Divertido y curiosete, aunque se haga un poco coñazo a ratos.
133.-The talented Mr Ripley (Anthony Mingella, 1999) – 6,5
Vamos a decirlo claro: me ha sorprendido. Pensaba que iba a ser el típico peñazo con uno o dos momentos, y oye, resulta que es una película sólida de los años 90. No es solo ya el material de base de Patricia Highsmith (que tiene ciertos puntos algo modificados), sino también cómo Mingella entiende el material original, y esto se entiende en momentos como la escena final, en donde se remarca la constante ambivalencia y la situación sin salida del personaje de Ripley. Cierto es que un trabajo con un conflicto y unos personajes tan potentes poco tiene que hacer para resaltarlo, y cuando lo hace funciona bien, pues da mucho espacio a los silencios y pausas, además de jugar bien con trucos manidos pero efectivos (como esos planos tan cercanos y el uso que a veces se hace de ellos para representar dualidades y dinámicas en relaciones). Mi única pena es que creo que si bien creo que la dinámica principal -bastante homoerótica, a todo esto- de Ripley con los dos hombres funciona muy bien, el resto es algo que no me cuaja tanto y me aburre bastante más.
134.-A Short Story (Bi Gan, 2022) – 6
Fábula de un gato filmada con bastante ingenio y minimalismo, utilizando un marco muy pequeño que permite encuadres muy cerrados los cuales permiten un mejor uso de las panorámicas y un mayor juego con la ilusión del espacio al concentrar ciertos objetos en el medio del encuadre y así poder ir modificando el espacio y la perspectiva. Es un corto bastante ingenioso en ese sentido, y centrarlo en un gato permite a la vez alejarlo de cualquier punto real pese a usar paisajes reales.
135.-L’enfer (Claude Chabrol, 1994) – 5,5
Película de Chabrol con guion póstumo de Henri-Georges Clouzot (era un proyecto inacabado de Clouzot debido a un infarto que tuvo durante la realización de su guion en los años 60, y Chabrol le compró el guion a la viuda de Clouzot dos años antes de la realización del proyecto en 1992), aunque si acaso lo que más noto es la inspiración Hitchcockiana y la semilla de los celos en la emulación más cercana al delirio y a la pesadilla. Es quizá uno de los trabajos que más que celos es sobre el maltrato en sí, y se juega sobre todo tirando de planos y contraste entre los diferentes relieves (los primeros planos versus lo que sucede en el fondo) y el juego con los cortes. Sin embargo, es una de esas películas en donde la idea se ve, pero la ejecución está a medias, y gran parte del problema es que todo el ritmo y concisión que tiene en su primer tercio se va a tomar viento conforme pasan los minutos. Al acentuar el delirio y las paranoias del personaje sin saber encadenar las fases del descenso a los infiernos del protagonista pasado el “primer episodio”, la película se alarga en vez de ir acelerando marchas aprovechando ese mismo delirio. Si fuese otra película con un ritmo más pausado, las ideas de Chabrol acabarían cuajando sobre el conjunto (y más con el dúo actoral), pero la realidad es que la película va con la quinta, acelera poniendo la sexta y va quedándose a medio gas desde la mitad hacia adelante. El sin fin y la parte final es lo que salva todo, aunque ese montaje en el clímax final es un rato bastante bochornoso y epatante, y como solución, mejorable. Una pena, porque creo que daba para mucho más, aunque la película me haya gustado y hay algunos momentos muy incómodos.
136.-La novelista y su película (Hong Sang-Soo, 2022) – 9
Uno de los estrenos más preciosos del año y es por la continuación (y para mí aquí sí acierta más que en Delante de ti) del tema en el cual Sang-Soo quiere filmar lo bello de la forma más sencilla. Lo hace con un personaje incordioso -para bien- y creo que funciona porque hay un equilibrio entre el control minimalista de muchas escenas, la poca seriedad de las mismas (por lo parco de la puesta en escena, por cómo deja que elementos se introduzcan dentro de la misma y por lo poco que hace zoom, como muchos de esos zooms podrían pasar por ser caseros), y creo que capta muy bien el enamoramiento de un tipo de arte, la necesidad de mostrar la belleza tal como es en vez de embellecer un actor o una situación. Me fascina solo por eso y creo que acumula las virtudes de sus dos trabajos anteriores de una forma que me ha llegado, la verdad.
Sobre lo que más me ha gustado de este año, iría así:
El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920)
Cops! (Buster Keaton, 1922)
Le quai des brumes (Marcel Carné, 1938)
Fort Apache (John Ford, 1948)
Ruby Gentry (King Vidor, 1952)
Nathalie Granger (Marguerite Duras, 1972)
La mamá y la **** (Jean Eustache, 1973)
Le navire night (Marguerite Duras, 1979)
17 reasons why (Nathaniel Dorsky, 1987)
¡Átame! (Pedro Almodóvar, 1989)
La belle noiseuse (Jacques Rivette, 1991)
El valle de Abraham (Manoel de Oliveira, 1993)
Body snatchers (Abel Ferrara, 1993)
Deseret (James Benning, 1995)
Away with words (Cristopher Doyle, 1999)
The visitation (Nathaniel Dorsky, 2002)
Atrápame si puedes (Steven Spielberg, 200x)
Threnody (Nathaniel Dorsky, 2004)
Volver (Pedro Almodóvar, 2006) - diría que por ahora es mi favorita de Almodóvar
Bagatelle I (Nathaniel Dorsky, 2018)
Limbo (Soi Cheang, 2021)
Qué vemos cuando miramos al cielo (Alexander Koberidze, 2021)
Drive my car (Ryuusuke Hamaguchi, 2021)
Pacifiction (Albert Serra, 2022)
La novelista y su película (Hong Sang-Soo, 2022)
Última edición por Bundy el 01 Ene 2023, 13:37, editado 1 vez en total.
Cierro con la estadística de todos los años.
Películas vistas por décadas:
20s 17
30s 41
40s 70
50s 48
60s 43
70s 46
80s 49
90s 17
00s 7
10s 13
20s 132
Países con más películas vistas:
1. Estados Unidos: 113
2. Francia: 68
3. Alemania: 46 (incluyendo 21 de la RFA y 3 de la RDA)
4. Japón: 30
5. Reino Unido: 24
6a. Italia: 16
6b. España: 16
8. Filipinas: 15
9. URSS: 14
10. India: 13
Directores con más películas vistas:
1. Rudolph Thome: 13
2. Hugo Fregonese: 8
3. Anthony Asquith: 6
4a. Frank Borzage: 5
4b. Guy Gilles: 5
6a. Henry Hathaway: 4
6b. Yasuzô Masumura: 4
6c. Edmond T. Gréville: 4
6d. Govindan Aravindan: 4
6e. Robert Siodmak: 4
6f. Jaime Humberto Hermosillo: 4
6g. Marilou Diaz-Abaya: 4
6h. Claude Sautet: 4
6i. Frank Capra: 4
Top-10 películas vistas este año:
01. O movimento das coisas (Manuela Serra, 1985)
02. Blue Black Permanent (Margaret Tait, 1992)
03. Duminica la ora 6 (Lucian Pintilie, 1965)
04. Goodbye Winter (Helke Misselwitz, 1989)
05. Aftersun (Charlotte Wells, 2022)
06. Licorice Pizza (Paul Thomas Anderson, 2021)
07. Passionelle (Edmond T. Gréville, 1947)
08. Queen Kelly (Erich Von Stroheim, 1929)
09. L'Hirondelle et la Mésange (André Antoine, 1924)
10. Chidambaram (Govindan Aravindan, 1985)
Un saludo.
Películas vistas por décadas:
20s 17
30s 41
40s 70
50s 48
60s 43
70s 46
80s 49
90s 17
00s 7
10s 13
20s 132
Países con más películas vistas:
1. Estados Unidos: 113
2. Francia: 68
3. Alemania: 46 (incluyendo 21 de la RFA y 3 de la RDA)
4. Japón: 30
5. Reino Unido: 24
6a. Italia: 16
6b. España: 16
8. Filipinas: 15
9. URSS: 14
10. India: 13
Directores con más películas vistas:
1. Rudolph Thome: 13
2. Hugo Fregonese: 8
3. Anthony Asquith: 6
4a. Frank Borzage: 5
4b. Guy Gilles: 5
6a. Henry Hathaway: 4
6b. Yasuzô Masumura: 4
6c. Edmond T. Gréville: 4
6d. Govindan Aravindan: 4
6e. Robert Siodmak: 4
6f. Jaime Humberto Hermosillo: 4
6g. Marilou Diaz-Abaya: 4
6h. Claude Sautet: 4
6i. Frank Capra: 4
Top-10 películas vistas este año:
01. O movimento das coisas (Manuela Serra, 1985)
02. Blue Black Permanent (Margaret Tait, 1992)
03. Duminica la ora 6 (Lucian Pintilie, 1965)
04. Goodbye Winter (Helke Misselwitz, 1989)
05. Aftersun (Charlotte Wells, 2022)
06. Licorice Pizza (Paul Thomas Anderson, 2021)
07. Passionelle (Edmond T. Gréville, 1947)
08. Queen Kelly (Erich Von Stroheim, 1929)
09. L'Hirondelle et la Mésange (André Antoine, 1924)
10. Chidambaram (Govindan Aravindan, 1985)
Un saludo.
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