Contador de películas 2017 La vida al margen del deporte (la hay) Moderadores: Trager, andraax, Locutus, hastrakan, Roy Lichtenstein

[Heidegger]

Tom of Finland (D Karukoski, 2017): totalmente prescindible. El material daba pa mucho, pero apenas habla de represion, arte y la evolucion de lo que es patologico o no en nuestra sociedad.

Se queda en la superficie y es poco valiente en su desarrollo, pero no la definiría como totalmente prescindible. El actor protagonista hace un gran papel y la forma de enfocar la doble moral de la Finlandia de posguerra es muy interesante. Fallida, en todo caso.

Ayer nos dejó el inefable Umberto Lenzi. Para celebrarlo me ha dado por ver Le porte dell'inferno e Incubo sulla città contaminata. Ver a Fernando Rabal en este segunda intentado defender un personaje indefendible tiene su cosa. Dos bodrios del copón, por cierto.

[Benny16]

... El actor protagonista hace un gran papel y la forma de enfocar la doble moral de la Finlandia de posguerra es muy interesante. Fallida, en todo caso. ...

A mi me decepciono mucho, de ahi el #momento1004, pero lo que dices es cierto y en cierta medida este tipo de biopic es necesario.

Bicos.

[Bundy]

178.-La cordillera (Santiago Mitre, 2017) - 6

Buena película de intriga política de Santiago Mitre, dividida claramente en dos mitades, una de comedia política muy sutil y negra y otra de thriller, más subterránea, que va fluyendo y cobra forma en la segunda mitad. Mitre consigue ilustrar muy bien su imagen del poder y lo hace a través de la puesta en escena, más rica todavía que un guion que bebe de vacíos narrativos y de constantes peripecias para resaltar el arco de evolución de un hombre que es más de lo que aparenta. Me falla, en todo caso, una segunda mitad mucho más plana y menos laberíntica de lo que requiere la historia (al menos a nivel de subtexto), a la que le sigue un final que se le queda un poco plano en comparación a otros momentos mucho más álgidos en que Mitre consigue encuadrar, mover e incluso tirar de la transición (aunque peor de lo que él querría en más de una ocasión) para llegar a momentos muy ingeniosos a nivel visual.

179.-La piel fría (Xavier Gens, 2017) - 5,5

Buena adaptación de Xavier Gens, que toma muchas cosas del Romanticismo y del relato fantástico de esa época para llevarlo a la pantalla. El inicio me parece demasiado arquetípico para mi gusto, pero hay un giro que mejora considerablemente la trama y la consigue derivar hacia terrenos interesantes que enriquecen la trama. Sin embargo, y pese a esos toques positivos, la película no tiene mucho fuera de lo típico o nada reseñable en lo emocional para pasar más allá del entretenimiento. Aura Garrido está sublime, por cierto.

[Genjuro]

OUFF-2017


441. Trinta lumes (Diana Toucedo, 2017) - 5,5

Una obra con una ineludible vena etnográfica al retratar la vida rural gallega, y que busca agrietar la realidad y fabular desde las ausencias, los rastros de quienes ya no están, desde un despoblamiento que irremediablemente marca el carácter de estas zonas. En el reflejo documental se alterna y combina lo comunitario, en cuidados encuadres, y lo individual, buscando mayor inmediatez visual. La entrada en escena de lo mítico, de lo mágico, me ha parecido demasiado forzada, poco orgánica y elegante. Las lucecitas, los efectos sonoros, las repeticiones, suenan un poco a formulario. Así todo hay escenas muy logradas, como la de desaparición de la chica. Lástima que las buenas ideas que asoman esporádicas no logren armar una globalidad demasiado convincente.


442. Juan Moreira (Leonardo Favio, 1973) - 7,5

Las aventuras al margen de la ley de un gaucho caído en desgracia se ofrecen en clave enunciativa más que a través de una narrativa clásica. Film de encuadres, relativamente vaciado de acción (bien apuntada en trazos mínimos, bien plasmada en pura confusión), erige una épica a través de la estética, del retrato icónico e íntimo. El héroe es víctima del poder establecido, también muñeco de opciones políticas que representan seguramente lo mismo. Que el film comience con su funeral no es azaroso, porque la muerte ronda todo un metraje dominado por sombras, por una negrura recortada de rostros en perfil, de siluetas a veces apenas intuidas o de picados amenazantes. Favio apenas da pasos en falso en su audaz apuesta visual, y de hecho me parece una obra de gran rigor en sus planteamientos, quizás aquella en la que su natural tendencia al manierismo encuentra mejor acomodo.


443. Kiss and Cry (Chloé Mahieu & Lila Pinell, 2017) - 6,5

La escena inicial de este primerizo film francés resulta a la postre de lo más elocuente: una madre explica al entrenador de patinaje de su hija, también presente, que ésta no podrá volver a competir debido a una lesión en la pelvis. Lo llamativo es que es la madre quien está al borde del llanto mientras la hija se muestra tranquila, impasible. Y es que la obsesión de los padres por las competiciones deportivas de los hijos es un tema principal en el film, el conflicto entre una adolescencia normal, con sus locuras y tonterías, y la cruel disciplina y malsana competitividad que toman el control cuando el deporte se toma demasiado en serio y convierte a los jóvenes en víctimas del ego de los adultos. En medio de ese torbellino se encuentra Sarah, también patinadora, cuya actividad determina la vida de toda su familia, con una madre obsesiva y exigente, y que entrena a las órdenes del sibilino Xavier. Me parece un acierto la manera en que está rodada la actividad deportiva, con la cámara enfocando a las patinadoras desde la barrera y la machacona voz del entrenador omnipresente aunque éste se quede fuera de campo las más de las veces, renunciando al contraplano. Además, la recreación del universo adolescente, la naturalista interacción entre las chicas, está muy lograda. También son llamativas las fugas musicales de corte casi onírico, de lograda estética y que engarzan con el argumento de manera totalmente pertinente. El único problema serio que le encuentro a esta película es la obviedad y reiteración de su mensaje. No era necesario que la protagonista verbalizara todo su conflicto en el tramo final, ni tampoco que salieran más padres exhibiendo un discurso inconscientemente hipócrita. Parece que las directoras no terminan de confiar en la inteligencia del espectador y el global se resiente un poco de ello.


444. Harmony (Lidia Sheinin , 2017) - 5,5

Tres generaciones de una familia rusa comparten el angosto espacio de la vivienda de una abuela enferma, para cuyo cuidado ha llegado su hija, y con ella los cuatro nietos pequeños. El espacio precisamente es un elemento crucial de este documental, en la concreción de su principal línea narrativa, la posible venta de un piano que estorba por su tamaño, pero también en términos genéricos, en la relación que tienen los habitantes del piso con el mismo y, muy especialmente, con los objetos que lo pueblan. Desde el cariz sentimental de la abuela, la necesidad práctica de la hija y el espíritu lúdico de los nietos, todo se transforma según quien interaccione con ellos. Una obra muy interesante que de todas formas está lejos de enamorarme por el desaliño visual de la misma.


445. La Flor: Primera Parte (Mariano Llinás, 2016) - 5,5

Ocho años después de la monumental Historias extraordinarias Llinás ofrece, más que la primera parte, un jugoso adelanto de su ambicioso siguiente proyecto (al parecer, una vez La Flor esté completa se mostrará como una única obra indivisible), seis historias de diferente cariz en las que las mismas cuatro actrices interpretan diferentes papeles. Seguimos constatando, por tanto, la querencia del argentino por los juegos narrativos y su vocación fabuladora, su gusto por intrigar, atrapar y descolocar al espectador. Los dos segmentos adelantados siguen un patrón similar, en tanto en cuanto revelan su juego, sus claves argumentales, poco a poco, con retardo respecto a la acción que vemos, y una vez el espectador dispone de todos los elementos importantes, se le sustrae la resolución. Está presente también un cierto carácter pastiche, más evidente en su cuestionable banda sonora (esa recreación hitchcockiana o esos remedos de Pimpinela del segundo segmento), pero también presente en el juego con los géneros. La primera historia es una suerte de serie B, con una momia incluida, mientras que la segunda, bastante más elaborada e interesante, mezcla el drama sentimental bajo el manto musical con el thriller de misterio. Realmente los argumentos en sí, de lo más peregrinos, son mucho menos estimulantes que el juego narrativo, algo que ya sucedía en su obra anterior. La puesta en escena, bastante desaliñada en el primer segmento, algo más sofisticada en el segundo, recurre con obsesión al primerísimo plano, jugando con el desenfoque del fondo de la imagen. Pregunté al director por su intención y me adujo unas razones técnicas que no me convencieron demasiado. Sí diría que en el primer episodio sirve para crear todo un fuera de campo (fuera de rostro) que resulta bastante útil, y en el segundo quizás se puede argumentar que subraya el diferente punto de vista de los personajes. En todo caso potencia la importancia del reparto y de las cuatro actrices principales en particular. Pero en fin, esta primera parte o este adelanto, a la espera de ver la obra completa, aunque creciente en interés, me resultó muy decepcionante viniendo de Llinás y tras una espera tan larga. No terminé de entrar en su juego, no me cautivaron sus historias más que a ratos muy esporádicos.


446. Mi último fracaso (Cecilia Kang, 2016) - 5

Un documental sobre coreanos emigrados a Argentina, que explora las dificultades para adaptarse a su situación. Incluso para aquellos nacidos en Argentina, con perfecto acento porteño y una gestualidad llamativamente latina, subsiste una sensación de extrañeza, de no pertenencia, el sentimiento de saberse (o creerse) diferente arraigado en ellos y sus familias, atrapados entre dos culturas y sus respectivas costumbres. Todo está mostrado con naturalidad, enfocando lo cotidiano, de hecho con una aparente falta de elaboración visual. Un propuesta modesta en sus modos que se hace un poco sosa en el resultado.


Un saludo.

[oladoctornick]

Propuesta: la película semanal de ACB
¿Qué os parecería si nos organizásemos para elegir una película semanalmente para verla y comentarla todos los usuarios del foro?
. A mí me parece una idea perfecta, pero tengo la sensación de que tendría un seguimiento muy limitado por parte del foro. Por eso abro este hilo, a ver qué os parece en general a todos.

[Bundy]

Propuesta: la película semanal de ACB
¿Qué os parecería si nos organizásemos para elegir una película semanalmente para verla y comentarla todos los usuarios del foro?
. A mí me parece una idea perfecta, pero tengo la sensación de que tendría un seguimiento muy limitado por parte del foro. Por eso abro este hilo, a ver qué os parece en general a todos.

Se intentó con un grupo más grande de gente y no se logró. Dudo mucho que ahora haya mejor resultado.

Yo no participaría.

[hoeman]

Quizá una al mes sería más factible, aunque supongo que no tendría gran afluencia de parroquianos.

[Zona+1]

1.- Tropic Thunder (2008) Acción, comedia. 107 minutos. Dirigida por Ben Stiller. 5/10.
2.- Letters from Iwo Jima (2006). Bélica, historia, drama. 141 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 6/10.
3.- Escuadrón Suicida (Suicide Squad) 2016. Acción, comedia, superhéroes. 135 m. Dirigida por David Ayer. 7,5/10 (R).
4.- La autopsia de Jane Doe (2016) Terror. 86 minutos. Dirigida por André Øvredal. 7,5/10.
5.- Sully (2016). Biografía, drama. 96 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 7/10.
6.- Tarde para la ira (2016). Drama, thriller. 92 minutos. Dirigida por Raúl Arévalo. 7/10.
7.- El Clan (2015) Biografía, drama, crimen. 108 minutos. Dirigida por Pablo Trapero. 5/10.
8.- Sausage Party (2016) Animación, aventuras, comedia. 89 minutos. Dirigida por Greg Tiernan y Conrad Vernon. 5/10.
9.- ARQ (2016). Ciencia-ficción, thriller. 88 minutos. Dirigida por Tony Elliot. 5,5/10.
10.- Doctor Strange (2016). Acción, aventuras, superhéroes. 115 minutos. Dirigida por Scott Derrickson. 7,5/10.
11.- Ugly (2013) Crimen, drama, misterio. 128 minutos. Dirigida por Anurag Kashyap. 8/10.
12.- Hacksaw Ridge (Hasta el último hombre) 2016. Bélica, biografía, drama. 139 minutos. Dirigida por Mel Gibson. 7,5/10.
13.- Logan (2017). Acción, drama, sci-fi. 137 minutos. Dirigida por James Mangold. 8/10.
14.- Elle (2016). Crimen, drama, thriller. 130 minutos. Dirigida por Paul Verhoeven. 5/10.
15.- Passengers (2016). Drama, romance, sci-fi. 116 minutos. Dirigida por Morten Tyldum. 7/10.
16.- Resident Evil: The final chapter (2016). Acción, sci-fi, terror. 106 minutos. Dirigida por Paul W.S. Anderson. 5,5/10.
17.- Kong: Skull Island (2017). Acción, aventuras, fantasía. 118 minutos. Dirigida por Jordan Vogt-Roberts. 6,5/10.
18.- Split (Múltiple) 2016. Terror, thriller. 117 minutos. Dirigida por M.Night Shyamalan. 7/10.
19.- Rogue One (2016). Acción, aventuras, sci-fi. 133 minutos. Dirigida por Gareth Edwards. (R) V.O. 8,5/10.
20.- The Guardians (Zashchitniki) 2017. Acción, aventuras, sci-fi. 88 min. Dirigida por Sarik Andreasyan. 4/10.
21.- Guardians of the Galaxy Vol.2 (2017). Acción, aventuras, sci-fi. 136 min. Dirigida por James Gunn. 7,9/10.
22.- Hell or High Water (Comanchería) 2016. Crimen, drama, thriller. 102 min. Dirigida por David MacKenzie. 7,8/10.
23.- Bone Tomahawk (2015). Western, drama, terror. 132 minutos. Dirigida por S. Craig Zahler. 7/10.
24.- Now you see me 2 (2016). Acción, aventuras, comedia. 129 min. Dirigida por Jon M. Chu. 6/10.
25.- Get Out (2017). Terror, misterio. 104 minutos. Dirigida por Jordan Peele. 6,5/10.
26.- The Good Neighbor (2016) Crimen, drama, thriller. 98 minutos. Dirigida por Kasra Farahani. 6/10.
27.- John Wick Chapter 2 (2017). Acción, thriller. 122 minutos. Dirigida por Chad Stahelski. 7,7/10.
28.- Life (Vida) 2017. Terror, sci-fi, thriller. 104 minutos. Dirigida por Daniel Espinosa. 7,9/10.
29.- Dope (2015) Comedia, crimen, drama. 103 minutos. Dirigida por Rick Famuyiwa. 6,2/10.
30.- Mars Attacks! (1996) Comedia, sci-fi. 106 minutos. Dirigida por Tim Burton. 6/10.
31.- Captain Fantastic (2016) Comedia, drama. 118 minutos. Dirigida por Matt Ross. 6,8/10.
32.- The Searchers (Centauros del Desierto) 1956. Western. 119 minutos. Dirigida por John Ford. 8,5/10.
33.- Wonder Woman (2017) Acción, aventuras, superhéroes. 141 minutos. Dirigida por Patty Jenkins. 7,7/10.
34.- The man who shot Liberty Valance (1962) Western. 123 minutos. Dirigida por John Ford. 8/10.
35.- Pulp Fiction (1994) Crimen, drama. 154 minutos. Dirigida por Quentin Tarantino. 9,5/10.
36.- Hasta que llegó su hora (Once upon a time in west) 1968. Western. 164 minutos. Dirigida por Sergio Leone. 8/10.
37.- Baby Driver (2017). Acción, crimen. 112 minutos. Dirigida por Edgar Wright. 7,6/10.
38.- Spider-Man Homecoming (2017). Acción, aventuras, superhéroes. 133 minutos. Dirigida por Jon Watts. 7,5/10.
39.- Clown (2014) Terror, thriller. 100 minutos. Dirigida por Jon Watts. 5/10.
40.- Alien Covenant (2017). Terror, sci-fi, thriller. 122 minutos. Dirigida por Ridley Scott. 7/10.
41.- Dentro del laberinto (1986). Aventuras, familiar, fantasía. 101 minutos. Dirigida por Jim Henson. 5/10.
42.- King Arthur: Legend of the sword (2017) Acción, aventuras, fantasía. 126 min. Dirigida por Guy Ritchie. 7,8/10.
43.- Hidden: Terror en Kingsville (2015) Terror, thriller. 84 minutos. Dirigida por los hermanos Duffer. 6/10.

44.- Stagecoach (La Diligencia) 1939. Western. Dirigida por John Ford. 7,5/10.
45.- Midnight Special (2016) Drama, ciencia-ficción. Dirigida por Jeff Nichols. 7,7/10.
46.- Anacleto (2015) Comedia, acción. Dirigida por Javier Ruiz Caldera. 4,5/10.
47.- Live by night (2016) Acción, drama. Dirigida por Ben Affleck. 6/10.
48.- Cold Eyes (Gam-Si-Ja-deul) 2013. Acción, crimen, thriller. 6/10.
49.- A most violent year (2014). Crimen, drama. Dirigida por J.C.Chandor. 6/10.
50.- The good, the bad & the ugly (1966) Western. Dirigida por Sergio Leone. 7,9/10.
51.- Entourage (El séquito) 2015. Comedia. Dirigida por Doug Ellin. 6,5/10.
52.- The Wild Bunch (1969) Western. Dirigida por Sam Peckinpah. 8/10.
53.- Pirates of Caribbean Dead Men tell no tales (2017). Aventuras. 5/10.
54.- Slow West (2015) Western, drama. Dirigida por John Maclean. 7,5/10.
55.- Highlander (Los Inmortales) 1986. Aventuras, ciencia-ficción. Dirigida por Russell Mulcahy. 5,5/10.
56.- War for the planet of the apes (2017). Acción, ciencia-ficción. Dirigida por Matt Reeves. 5,5/10.
57.- Fate of the Furious (2017). Acción. Dirigida por F. Gary Gray. 6/10.
58.- BayWatch (2017). Acción, comedia. Dirigida por seth Gordon. 5,5/10.
59.- Fat City (1972) Drama. Dirigida por John Huston. 5/10.
60.- Kingsman The Golden Circle (2017) Acción, aventuras, comedia. Dirigida por Matthew Vaughn. 6,5/10.

Salu2

[Bundy]

180.-Alas (Larissa Shepitko, 1966) - 8,25

Gran película rusa que sabe jugar bien al contraste entre la vida rutinaria de la protagonista y su pasado de éxito y de romance como aviadora durante la Segunda Guerra Mundial. Shepitko sabe dibujar muy bien esa línea y tiene momentos realmente inspiradores, pero es el guion el que hace mantener ese conjunto durante sus subidas y bajadas, mostrando así también el papel de la mujer durante la URSS en su época. Dan ganas de volverla a ver porque no la película no se queda en los dualismos en la puesta en escena, sino que hay una gradación evidente de matices que modulan a la perfección el tono de la obra (el juego con los interiores, la forma de encadenar pasado y presente, el juego con las exhibiciones de la obra, el juego de los planos aéreos en plano/contraplano del cielo, los primeros planos y cómo la cámara se mueve de un lado al otro usando incluso el rostro de la protagonista como eje...). En fin, que es una película melancólica y poderosa con un final espléndido.

181.-El pintor y la ciudad (Manoel de Oliveira, 1956, C) - 6,25

Documental de apariencia increíblemente moderna en la que el director luso muestra la relación de un pintor ficticio con su arte, con lo que su profesión causaba a su alrededor y con la (im)posibilidad de pintar el paisaje a su alrededor. Hay muchos matices y momentos en la puesta en escena increíblemente imaginativos, pero no me ha entrado más que por los ojos.

182.-Ligeramente escarlata (Allan Dwan, 1956) - 7,5

Thriller con bastantes tintes de melodrama que Dwan sabe hacer navegar muy bien. El guion es complejísimo e impredecible hasta la parte final, y es por los muchos elementos que hay y por cómo Dwan sabe colarlos e integrarlos muy bien: el papel de Dorothy como falsa femme fatale, el dualismo dinero-amor de Ben Grace, que cada escena ayude a dibujar nuevos perfiles de los personajes, el dilema amoroso de June... En dirección también hay puntos realmente currados que permiten sortear la deriva. Dicen que esta película es como si Douglas Sirk dirigiese un noir, pero se me escapa si Dirk es tan sutil e inteligente en la puesta de escena como Dwan. Espero que sí, porque tela con lo que se maneja en algunos tramos. Por desgracia, ojalá hubiese seguido así hasta el final, porque creo que el gran defecto de la película es jugar más a saltarse la peripecia cliché que a centrarse en crear una estructura dramática distinta a la habitual del género noir.

183.-El niño y el perro (William A. Wellman, 1956) - 8,5

Niño huérfano de la América profunda se topa con un perro, se encariña de él y lo convierte en un cazador de aves. La trama es sencilla a más no poder hasta el final. ¿Qué es, pues, lo que la hace una película tan maravillosa? La respuesta se encuentra, como siempre, en el contorno de la película más que en la trama principal: la forma en cómo Wellman encuadra los juegos de perspectiva entre el huérfano y su padrino, así como los momentos que comparten ambos entre sí y con el viejo Dave, son lo que realmente constituye el caldo de cultivo para la trama de madurez que sufre el chico, no exenta tampoco de simbolismos obvios, pero poco chillones (el café, por ejemplo) a gran escala. Pequeña joya que me hace entender por qué a Wellman se le ha comparado en su forma de dirigir a John Ford.

184.-Siempre habrá un mañana (Douglas Sirk, 1956) - 9

Sirk estuvo haciendo más de un remake de películas de los años 30 y esta no es una excepción. Sin embargo, Sirk sabía crear muy bien personajes que ayudasen a crear subtramas ricas. Los primeros 10 minutos son un auténtico alarde en todos los niveles: un personaje masculino particular, un juego de perspectivas jugoso y una puesta en escena tan espectacular como efectiva, pues sabe cómo crear el mayor impacto a través del encuadre y de la constante fijación de la cámara. El resultado es una película poderosa que viene a desarrollar el tema de la familia y el matrimonio y cómo la rutina puede llegar a atrapar a algunos seres humanos. La secuencia con el robot saliendo fuera del encuadre es fabulosa, aunque quizá la película necesitaba un poco más de metraje para algunos de los hijos de la familia, un poco desdibujados en comparación a los 4-5 personajes que sustentan toda la película.

185.-Un condenado a muerte se ha escapado (Robert Bresson, 1956) - 8

Bresson suele armar historias sencillas con montajes concisos y actuaciones lánguidas. Aquí, la técnica le sale casi perfecta afianzando una relación cómplice del protagonista con el espectador a través de la voz en off, haciendo partícipe al último de la trama y creando la intriga incluso sobre si Fontaine logra su escape o no. Todo ello se afianza, además, por una división de escenas en base de cortinillas que sirven para saltar en el tiempo del relato, a lo cual se suma también el uso del plano detalle para recrearse en la prudencia y en la minuciosidad del personaje principal. Más allá de eso, pero, hay pocas más grandezas que otorgarle, pero no por ello se le debe menoscabar al director galo su enorme habilidad por la puesta en escena simple y milimétrica

186.-La rebeldía de la señora Stover (Raoul Walsh, 1956) - 8

Película mucho más inteligente de lo que a priori parece sobre un relato de amor y de codicia a través de la puesta en escena que ofrece Walsh y de los continuos bamboleos de la cámara. Sin embargo, no le favorece para nada al relato la ambientación en el mundo de las prostitutas y menos en el año 1941, sobre todo por lo limpia que parece toda la ambientación en Honolulu; me resulta más honesta, por poner, un ejemplo, la vestimenta sucia y el ambiente denigrante de los prostíbulos de La calle de la vergüenza, y eso le lastra mucho.

187.-Physical Responses (Robert Todd, 2016) - 8,75

Mariposas en el estómago. Una pena que algunos recursos acaben quedando más cutres sobre otros, pero el resultado final es brillante. Mis dies.

188.-Té y simpatía (Vincente Minnelli, 1956) - 10

JO-DER.

Vayamos por partes. La estructura a día de hoy es resabidísima por todo el mundo y eso es lo que menos importa, por suerte; es más, esa simplicidad en la estructura (llegando a ser incluso simplona) ayuda a que el resto pueda explotar a gusto. Basada en una obra de teatro, lo importante es cómo Minnelli estructura la puesta en escena y la reordena a través del encuadre y del reencuadre para que la información necesaria quede siempre resaltada o destacada en un primer plano. En la pelicula ya se explotan con inteligencia (a través de los diálogos y de los roles, pero también de la dirección) los temas que orbitan alrededor de la masculinidad, y es sorprendente ver que la visceralidad de los actores en su gran mayoría ayudan enormemente a un arte de color rosa, generando una sensación agridulce que se potencia hasta el máximo con uno de los mejores finales a nivel de dirección del cine convencional. En fin, una auténtica genialidad.

189.-Morir...dormir...tal vez soñar (Manuel Mur Oti, 1976) - 8,5

Joya escondida del cine patrio, esta última película de Mur Oti tiene dos partes muy diferenciadas que tienen paralelismos evidentes con películas como "Visita, memorias y confesiones" de Manoel de Oliveira. En este caso, la primera parte es una que permite ligar todos los recuerdos del protagonista hasta su final, con la cámara moviéndose por las estancias y sirviendo de marco para los recuerdos que a posteriori se filman con una luz más viva y con un retrato cándido e incluso en ocasiones naíf, para luego volver. siendo ese recurso del plano subjetivo como el punto de ancla (voz en off poética inclusive) para toda la historia. El otro no tiene más, son recuerdos que vienen sueltos sobre momentos felices, casi melancólicos hasta el último tramo, cuando lo que se insinúa se vuelve evidente y coge un poso más amargo sobre la historia de alguien encerrado en su propia prisión.

190.-Chaparrón (Mikio Naruse, 1956) - 7,5

Con Naruse el matrimonio y el peso de la mujer sobre las cargas familiares son dos temas básicos de su filmografía, y en Chaparrón se tratan ambos al poner en contraste a una esposa tan amable como cínica (Setsuko Hara) con su marido, un japonés chapado a la antigua. Las miserias de ambos irán cogiendo cuerpo a medida que las distintas peripecias que se suceden a su alrededor provocan un replanteamiento de la relación entre los dos casados.

191.-Más poderoso que la vida (Nicholas Ray, 1956) - 7,5

Ray retrata aquí la locura a través de la figura de un profesor amable y nada idiota que acaba perdiendo la cordura a través de la ingesta de cortisona para recuperarse de una enfermedad, sobre todo a través del juego sutil de luces y de sombras y de planos que juegan muchísimo con la profundidad de campo. A medida que se va descubriendo el pastel al espectador (que no a los personajes), ambos recursos técnicos se acrecentan y toman forma, mientras que Lou acaba también, a su vez, cogiendo las riendas de la casa. Como en todo melodrama de gran nivel, la ironía está muy presente y aquí el director se ensaña a muerte con la familia nuclear y con los valores tradicionales, sin dejar tampoco títere sin cabeza.

[Genjuro]

447. Nobody's Daughter (László Ranódy & Gyula Mészáros, 1976) - 7,5

No me suelen gustar las películas con un planteamiento argumental tan maniqueo, con una víctima tan frágil como lo es una niña huérfana adoptada sucesivamente por familias que rivalizan en crueldad, hasta el paroxismo. Sin embargo me ha parecido una obra hermosa, cuya puesta en escena saca partido a los espacios abiertos, al medio natural al que la protagonista pertenece, con imágenes bañadas por una luz mágica en su naturalismo. Por otro lado, no hay subrayados dramáticos, no hay explotación sentimental; el film se mueve en una coordenadas de sobriedad más que oportunas en este caso. Situada en algún pasado inidentificado, la intención política es clara, mostrar una sociedad prisionera de las servidumbres de la propiedad privada, podrida por la avaricia y la explotación, un orden de las cosas que es necesario purgar y rehacer.


448. People on the Alps (István Szöts, 1942) - 7

Un clásico del cine húngaro, la fractura vital que produce en un grupo de montañeros con fuerte sentido comunitario la llegada de una compañía maderera reclamando la propiedad de la zona (en principio libre) anticipa planteamientos argumentales del posterior cine socialista. Sin embargo, hay un fuerte sentido religioso, tanto explícito como subyacente, que recorre el film. Que la introducción, cuando los padres presentan el mundo a su recién nacido e incluso reciben regalos de pastores amigos, hace referencia a la Sagrada Familia queda en evidencia al cerrarse la película con un Belén viviente. Igualmente la oferta de trabajo que recibe el padre del jefe de la compañía tiene las trazas de una tentación diabólica. Destaca sobremanera el trabajo fotográfico, el contrastado blanco y negro que saca todo el partido de los escenarios naturales, empezando por ese hermoso arranque en clave bucólica. Hay ternura en la mirada de Szöts, que incluso deja fuera de campo los momentos más escabrosos. Si no es una obra redonda pienso que es debido a que el argumento que pierde algo de interés en la segunda mitad del metraje.


449. Fotográfia (Pál Zolnay, 1973) - 7

Difícil pensar que Zolnay no se haya inspirado en Pictures of the Old World, realizada un año antes por el eslovaco Dusan Hanák, para concebir este documental en el que unos fotógrafos se ofrecen a retratar a gente del mundo rural, mayormente ancianos, que a veces comparten detalles de sus biografías personales. El resultado es muy notable en todo caso y tiene entidad propia. Hay una preocupación por resaltar la subjetividad del punto de vista, por confrontar personajes, y a ellos mismos con sus propias fotografías, resultando en la dificultad para asumir la realidad individual (y para salirse de los cánones estéticos dominantes). Bellamente fotografiado en blanco y negro, la puesta en escena está muy elaborada, recurriendo a planos a menudo de mucha distancia focal, de cierta coreografía de rostros y personajes que rompe con la estética documental, incluso a través de su curiosa banda sonora, canciones que comentan en alguna manera los testimonios y que parecen ofrecerse diegéticamente.


450. The Upthrown Stone (Sándor Sára, 1969) - 7

Sándor Sára pasa por ser el responsable de fotografía de algunos de los más bellos films húngaros, como pueden ser Padre, Sodrásban, Nobody's Daughter, Szindbád o Ten Thousand Days, de la cual The Upthrown Stone es por cierto heredera directa. Compartiendo similar equipo artístico (guionistas, incluyendo a Ferenc Kósa, compositor, algunos actores y por supuesto fotógrafo), la dimensión histórica vuelve a adquirir capital importancia en una obra más focalizada en el proceso de colectivización agraria, como ejemplo de la "traición" y la represión a la población de la primera etapa del socialismo bajo los auspicios estalinistas. El trabajo visual vuelve a ser sobresaliente, las composiciones en panorámico tan atractivas como significativas, tanto en el retrato humano en primer plano como en el paisajismo o el reflejo comunal del gran plano general. El desequilibrio en esas composiciones visuales alimenta la incomodidad de su protagonista, ese joven cuyo padre ha sido encarcelado por una tontería, que sufre represalias por ello y que es testigo de un sistema de poder en el que resulta tentador cobijarse. El film es de hecho un llamamiento a la responsabilidad individual frente a la injusticia institucional. La crítica es demoledora, e incluso algunas imágenes evocan (no sé si voluntariamente) lo peor de la Guerra Mundial recién terminada, mientras que en un último giro autorreferencial, el acto de fotografiar y filmar se revela como un estadio subversivo de necesidad vital.


451. A kis Valentinó (András Jeles, 1979) - 6

Un retrato nada complaciente de la sociedad húngara a través de un par de jornadas en la vida de un joven que acaba de robar una cantidad importante de dinero y se dedica a gastarlo despreocupadamente. Si bien se trata de un personaje poco edificante y simpático, sus episódicos encuentros no hablan mucho mejor de aquellos con los que interactúa. Hay una mirada desconcertada en el film, desde una puesta en escena que por momentos se acerca al documentalismo a través de una fotografía de grises sin aparente iluminación artificial en la mayoría de escenas, y con una cámara a veces vacilante que busca a los personajes. Hay cuestiones como la sobreimpresión de algunos diálogos que no me gustaron en especial, y en general tampoco es que me apasione su planteamiento, pero es una obra interesante.


Un saludo.

[KoRnleone]

180 imperium 6
181 wonder woman 6

Esperaba mas, aunque no deja de ser entretenida.

182 al filo de los diecisiete 6
183 el dia mas hermoso 6
184 la momia 4
185 felices sueños 5
186 john wick 2 6

Al nivel de la primera.

187 crudo 7

Me ha sorprendido mucho. Me ha gustado bastante. La vi sin tener ni idea de que iba, sin ningun conocimiento y claro, estaba viendo una pelicula...y de repente PUM me dejo con el culo torcío. Imagino que verla con pretensiones o cierto conocimiento te puede arruinar la pelicula. Pero para mi ha sido un descubrimiento.

188 el patron radiografia de un crimen 5
189 es por tu bien 7

Bastante buena comedia. Muy estereotipados los personajes, pero de eso se trata. Me reí sobre todo con Roberto Alamo.

190 florence foster jenkins 4
Un coñazo

191 la chica del tren 6
192 colossal 6

Tb me sorprendío pq no sabia de que iba, pero creo que la falta ir mas allá.

[guillermo2442]

101-Regreso al planeta de los simios-4
102-Gaslight (1940)-5



Gaslight (Gaslight, 1940) es una producción británica realizada en plena Segunda Guerra Mundial y dirigida por Thorold Dickinson, conocido más por ser el primer profesor universitario que impartió la asignatura de cine que no por sus propias películas. Es posible que a más de uno le suene el título, y es que efectivamente la película está basada en la obra de teatro de Patrick Hamilton, que cuatro años más tarde retomaría el director George Cukor para hacer su propia versión, y que desde luego es más conocida que esta pieza.

Siendo honestos tengo la versión de Cukor demasiado difuminada en la memoria como para poder realizar comparaciones sólidas. Sin embargo, los defectos de versión saltan a la vista sin ser especialmente críticos (en el sentido peyorativo de la palabra). El argumento, conocido por muchos es el siguiente: Una pareja se muda a una casa de lujo, donde años atrás hubo un cruento asesinato. Mientras se instalan, parece como que la mujer empieza a perder la cabeza, escondiendo cosas de las que a priori parece no recordar nada. En realidad, se trata de una treta del marido, que pretende que su mujer pierda la cabeza para poderse quedar él sólo con toda sus posesiones.

Los problemas de Gaslight son más que evidentes. No hay ni una sola escena en términos de puesta en escena que sea remarcable, y la imaginación de los responsables de la factura carece de gracia. Las escenas que en principio deberían causar un impacto emocional están francamente mal llevadas. El cineasta abusa de una dirección teatral, que da todo el peso a la interpretación de los actores. Está claro que pesa que al fin y al cabo sea una adaptación de una pieza de teatro,

Si por algo resulta interesante Gaslight, es por la magistral interpretación que realizan dos de sus actores. Me refiero concretamente al que actúa como protagonista masculino Anton Wallbrook por un lado, y por el otro Cathleen Cordell como Nancy en el papel de criada. Wallbrook realiza una interpretación notable, sobre la que se asienta toda la película. Está claro que la puesta en escena, que está construida siguiendo fielmente el cánon del teatro en el que se basa la obra ayuda a que el actor resplandezca, pero también él pone de su parte. No sólo con su entonación, sino especialmente con su gestualidad, que consigue casi sin pronunciar demasiadas palabras definirnos a su personaje: Un hombre sin escrúpulos, que resulta totalmente odiable al espectador porque sólo tiene un objetivo en mente: hacerse rico. La película alcanza cotas de gran cine precisamente cuando el actor se compenetra con Cathleen Cordell, quien como decía interpreta el papel de criada. La película entonces, muestra una carga erótica sin igual, teniendo en cuenta el año de producción de la cinta, inicios de la década de los años cuarenta. El flirteo que realiza el personaje a espaldas de su mujer está perfectamente llevado por ambos actores, por una parte el galán que abusa de su situación social y privilegiada, y Nancy por su parte utiliza su innegable atractivo para cautivar a su “amo” y que traga con todo con tal de escalar en el escalafón social. En definitiva, al ser una película que bebe excesivamente del mundo teatral, funciona casi exclusivamente cuando se producen estas secuencias de química.

Pero si esta dupla resulta el lado positivo el filme, por el otro nos encontramos con la decepcionante interpretación de la protagonista principal, Bella, interpretada por Diana Wynyward, así como secundarios como el investigador. Wynyward es incapaz de transmitir las auténticas sensaciones de locura e inestabilidad mental que requieren el personaje. Más bien, en su peripatético viaje hacia la locura, se nos regalan escenas inesperadamente cómicas. Por otra parte, el personaje del investigador es el contrapunto del erotismo citado. Más bien, se trata de un personaje dibujado de manera pseudocómica, con tal de tratar de aliviantar carga dramática, pero sin resultados efectivos.

En definitiva, una película que podría haber sido mucho más notable de haber contado con un reparto mejor y un director a la altura. Pero para ello ya tenemos la versión de Cukor, claro.

102-Fe de Etarras-6

Pues a mi me ha parecido una película muy interesante. Analiza los últimos estertores de ETA de una manera cómica y con humor negro que deja en evidencia el absurdo del nacionalismo (cualquiera). Me quedo con un detalle, cuando se presenta el vecino racista, los terroristas se rien de él, pero en ningún momento le acusan de racista, más bien al contrario (el personaje de Julían López pidiendo explosivos).

[guillermo2442]

Propuesta: la película semanal de ACB
¿Qué os parecería si nos organizásemos para elegir una película semanalmente para verla y comentarla todos los usuarios del foro?
. A mí me parece una idea perfecta, pero tengo la sensación de que tendría un seguimiento muy limitado por parte del foro. Por eso abro este hilo, a ver qué os parece en general a todos.

Ya lo intenté, pero para ser francos me falló mi propia vagancia de seguir organizando.

Pero oye, me vi una película japonesa (dos ahora que recuerdo) que nunca habría visto de otra forma. Por mi adelante.

[LSR]

Qué guay está A Ghost Story ¿no? Verla achos.

[antonio1004]

Qué guay está A Ghost Story ¿no? Verla achos.

No se estrena en casi ningún cine, la distribuidora invita a que todo el mundo la descargue. Triste.

[heaviermelero]

Qué guay está A Ghost Story ¿no? Verla achos.

No se estrena en casi ningún cine, la distribuidora invita a que todo el mundo la descargue. Triste.

en el kinepolist de ciudad de la imagen la echan en vo, para los posibles interesados.

[Espitama]

Qué guay está A Ghost Story ¿no? Verla achos.

No se estrena en casi ningún cine, la distribuidora invita a que todo el mundo la descargue. Triste.

Ilegalmente, entiendo.

Salve.

[Genjuro]

452. ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Mike Nichols, 1966) - 4,5

Trasposición fílmica de una prestigiosa obra de teatro que expone los restos del naufragio de un matrimonio a través de una noche alcohólica con otra pareja mucho más joven. La progresión dialéctica va descubriendo las miserias de unos personajes bastante desagradables, en un formato que no oculta su origen teatral, de hecho dominado por la declamación como si los actores estuvieran ante una platea, en un ejercicio de histerismo que en mi opinión deja la tramoya de sus actuaciones al descubierto, con el soporte de una poco inspirada puesta en escena que busca su lucimiento.


453. Szerelmes biciklisták (Péter Bacsó, 1965) - 6

Un trío de jóvenes se va de vacaciones veraniegas y uno de ellos, a punto de iniciar su carrera laboral como profesor, tontea con una joven. En esta agradable película, que examina personajes y estados de ánimo con ligereza, más cerca de la comedia que del drama, el tránsito hacia la vida adulta se antoja esencial. La consciencia de estar acabando un estadio vital produce la necesidad de abandonarse a él en primera instancia, para finalmente dejar un poso de melancolía. Correcta factura para uno de las escasísimas películas ambientadas en presente de este ciclo de cine húngaro que me estoy regalando.


454. Wings (Larisa Shepitko, 1966) - 7,5

La crisis vital de una mujer de mediana edad, heroína de guerra como piloto de aviación, directora de una escuela en presente, marca el tono de esta película, que avanza hacia la ensoñación y la melancolía con una poderosa fuerza evocadora. Y es que las imágenes de Shepitko se hacen progresivamente ingrávidas, según el torrente emocional de esta mujer, que de mano pudiera parecer de hierro, se filtra a través de las mismas. Quizás quepa una lectura política en esa incapacidad que muestra la protagonista para conectar con los jóvenes de los que es o ha sido responsable, su hijastra o sus alumnos, puede que resentidos o temerosos de su dureza, mientras ella se ha convertido en una pieza de museo viviente, la encarnación de una autoridad que vive de glorias pasadas pero quizás deslegitimada en el ejercicio presente de su poder. Siempre resulta tentador sacar lecturas de los films realizados en el bloque socialista, pero sea o no pertinente ésta, la historia y los personajes nunca se sienten prisioneros de ulteriores intenciones.


455. The Meyerowicz Stories (Noah Baumbach, 2017) - 6

El clásico planteamiento de una familia que se reúne con algún motivo importante, como puede ser en este caso el de la enfermedad del padre, sirviendo para exorcizar demonios y buscar la catarsis vital, es justo lo que ofrece este film. La constante argumental de Baumbach al respecto de personajes inmaduros (o en tránsito a la madurez) vuelve a repetirse aquí con tres hermanos adultos cuya problemática infancia como hijos de un orgulloso y olvidado escultor les habría limitado a la hora de desarrollar una vida normal y emocionalmente equilibrada. De hecho el film transita de cierta incomodidad, en el abrupto montaje (que ni siquiera permite que las escenas finalicen) o unos caóticos diálogos entre personajes desconectados hablando de cosas diferentes, a una mayor armonía tanto narrativa (entrada de fundidos, por ejemplo) como entre los miembros de la familia. El talento de Baumbach para armar escenas y dibujar personajes sigue estando ahí, pero en esta ocasión no me ha parecido tan divertido ni tan emocionante como en otras ocasiones.


456. 80 Hussars (Sándor Sára, 1978) - 7

Film bélico que cuenta la historia de un grupo de húsares destinados en Polonia como fuerza ocupante del Imperio Austrohúngaro que, durante la revolución húngara de mediados del XIX, decide desertar para volver a sus hogares. Resulta evidente el alegato nacionalista y antiimperialista del film, que se va adentrando según avanza su metraje en la aventura física. Sára vuelve a brillar en su doble condición de director y responsable de la fotografía, haciendo del paisaje montañoso y atmosférico otro elemento dramático. Es en esas escenas y particularmente en aquellas que más tienden a la abstracción, donde más brilla el film.


Un saludo.

[Bundy]

454. Wings (Larisa Shepitko, 1966) - 7,5

La crisis vital de una mujer de mediana edad, heroína de guerra como piloto de aviación, directora de una escuela en presente, marca el tono de esta película, que avanza hacia la ensoñación y la melancolía con una poderosa fuerza evocadora. Y es que las imágenes de Shepitko se hacen progresivamente ingrávidas, según el torrente emocional de esta mujer, que de mano pudiera parecer de hierro, se filtra a través de las mismas. Quizás quepa una lectura política en esa incapacidad que muestra la protagonista para conectar con los jóvenes de los que es o ha sido responsable, su hijastra o sus alumnos, puede que resentidos o temerosos de su dureza, mientras ella se ha convertido en una pieza de museo viviente, la encarnación de una autoridad que vive de glorias pasadas pero quizás deslegitimada en el ejercicio presente de su poder. Siempre resulta tentador sacar lecturas de los films realizados en el bloque socialista, pero sea o no pertinente ésta, la historia y los personajes nunca se sienten prisioneros de ulteriores intenciones.

Totalmente de acuerdo. Su juego de contrastes sobre la mujer, sobre todo esto, puesto además a la par con los problemas de su propia condición de mujer en Rusia (aunque tratado con bonanza, como las dos escenas del bar) hacen de esta una película muy gozosa.

¿Has podido ver la película de Manuel Mur Oti?

[Genjuro]

¿Has podido ver la película de Manuel Mur Oti?

La vi el año pasado en la Filmoteca española gracias al aviso de 1004. Parece que el pase televisivo ya ha posibilitado que empiece a circular por la red. Era de justicia.

Un saludo.