FICX-2017
490. El futuro que viene (Constanza Novick , 2017) - 5,5
Hay un momento que me parece muy definitorio de la dinámica argumental de este film: dos niñas adolescentes recrean el diálogo de una telenovela en el que se sobreentiende un conflicto de competitividad entre dos amigas. La película nos lleva al futuro de esa relación de amistad, especialmente de sus problemas, en dos saltos temporales en los que se va materializando, no sólo el contenido del diálogo, el paternalismo y la frustración de un supuesto fracaso, sino además el tono culebronero de ciertos pasajes, empezando con la discusión fuera de campo de los padres de una de las chicas, que se diría salida de un televisor. Así, la mirada se decanta hacia la comedia al observar el teatro de las interacciones humanas. La estructura apunta a la circularidad, en relaciones que parecen abocadas a la fricción competitiva, celosa, y que apuntan a propagarse intergeneracionalmente.
491. The First Lap (Kim Dae-hwan, 2017) - 6,5
Otra obra de dinámicas relacionales que resuenan de generación en generación, la pareja protagonista de este film, tras siete años juntos, afronta un momento crucial en su relación ante un posible embarazo. Sendas visitas a los padres de cada uno dibujan unas perspectivas muy poco halagüeñas, como si la pareja fuese un ente condenado a la erosión, pero de alguna manera un estadio vital tan inevitable como el acto de comer que inunda el metraje. Hay un exceso de cálculo en algunos elementos argumentales, como la complementariedad de los respectivos progenitores, o la insistencia en mostrar a los protagonistas perdidos en coche o incluso caminando, un recurso un tanto obvio para reflejar el estado de desorientación en el que se encuentran, pero no terminan de ahogar la película por su tono de comedia y su naturalista puesta en escena. Kim utiliza mayormente un plano por escena con una reposada cámara en mano, una apuesta por la sencillez que conjuga en el mismo cuadro estas criaturas "condenadas" a compartir sus vidas.
492. A Man of Integrity (Mohammad Rasoulof, 2017) - 6
Es imposible separar el contenido de este film de la situación personal de Rasoulof, un cineasta condenado en Irán por su obra cinematográfica. Es evidente que la odisea de su protagonista, un hombre que intenta sacar su vida adelante de manera honrada en un contexto de profunda corrupción generalizada, institucional y social, resuena en su propia historia personal. Lo cierto es que la película amenaza con convertirse en una maniquea proposición de víctima y verdugos, y termina transformándose en un thriller moral, todo ello quizás demasiado evidente, con una intención excesivamente diáfana. El fuerte de la película reside en su puesta en escena, en las composiciones en panorámico, en el ritmo y engarce de planos, en la articulación de escenas a base de pequeñas elipsis. Y si bien el contenido no termina de ser satisfactorio, al menos a nivel visual sí que me pareció una obra estimulante.
493. Scary Mother (Ana Urushadze, 2017) - 6,5
La opresión a la mujer es la fuerza motriz de este film, el detonante que hace estallar artísticamente a una madre de familia creando una novela de clara inspiración autobiográfica pero destructiva con sus allegados. La puesta en escena refuerza la sensación de opresiva alienación, de control, a través de encuadres muy precisos que utilizan la deshumanizada arquitectura para aprisionar a la protagonista, de unos tonos predominantemente grises y oscuros, cuya alternativa vital es un rojo muy poco tranquilizador. La dimensión metaficcional va creciendo según avanza el metraje y nos ofrece una obra muy jugosa, aunque amenace por momentos con ahogarse en su férreo planteamiento conceptual.
494. The Practice of Love (Valie Export, 1985) - 6,5
La creadora experimental Valie Export también ensayó un cine más estándar, como este largometraje en forma de thriller, que así todo conserva retazos vanguardistas. Su protagonista, una periodista que investiga una muerte acaecida en extrañas circunstancias, se debate al mismo tiempo entre el amor de dos hombres que resultan relacionados en alguna manera con los hechos. Entiendo que el film expone las dificultades para mantener una relación de amor de igual a igual en una sociedad de dominio masculino, lo que ya se barrunta en el inicio, cuando la protagonista realiza un reportaje sobre los peep shows. Aunque a veces pueda parecer una obra relativamente convencional para lo que sería esperable, Export ofrece algunas soluciones de puesta en escena muy creativas, jugando con espejos, apuntando quizás a esa jerarquía social insoslayable que se esconde detrás de cada relación.
496. En attendant les barbares (Eugène Green, 2017) - 3,5
Green estrenaba mundialmente en Gijón su última película, y viéndola se entiende que tal cosa haya sido posible. Hablamos casi de un esbozo de film, surgido a raíz de un taller de actuación. Con mínimos elementos, se trata de una obra que, con sentido del humor (no especialmente fino), rechaza la obnubilación tecnológica y reivindica el arte como antídoto ante los males de nuestra sociedad contemporánea. No deja de ser Green en estado puro, que confía ciegamente en el poder demiúrgico de la palabra, en una propuesta tan desnuda que personalmente me resultó sosa y muy aburrida.
497. L'Indomptée (Caroline Deruas, 2016) - 6
Para su primer film Deruas regresaba a la Villa Medicis, donde ella misma había sido becaria, para poner el foco en dos jóvenes mujeres que afrontan de diferente manera un mundo eminentemente masculino. Aunque la principal protagonista, escritora casada con un célebre y mucho mayor autor, está inspirada al parecer en Elsa Morante y en su tormentosa relación con Alberto Moravia, es difícil no pensar en la propia relación de Deruas con Philippe Garrel. El caso es que los personajes masculinos salen bastante mal parados, hasta casi el exceso maniqueo. Más interesante me parece la cualidad espectral que se intuye en la otra chica, explícita respecto a sus experiencias en el lugar (puede ver los fantasmas de los habitantes pasados), y que junto a la ficcionalización de un supuesto cierre del lugar, consigue darle una pátina melancólica a la película.
498. Les fantômes d'Ismaël (Arnaud Desplechin, 2017) - 6
El último film de Desplechin se despliega torrencialmente a lo largo de más de dos horas de metraje, en una exuberancia narrativa muy característica de su cine. Varias capas se combinan alrededor de Ismaël, un director de cine enfrascado en una recreación fabulada de la vida de su hermano mientras su vida personal da un vuelco cuando su mujer, que se había marchado sin dejar rastro dos décadas atrás, regresa. Son sus fantasmas, claro, no siempre igual de bien imbricados en el devenir del film aunque sirvan para denotar sus traumas y psicosis, para dibujar una frágil realidad en permanente estado de disolución. Es bastante jugoso el triángulo sentimental que se produce entre el protagonista, su mujer reaparecida y su novia actual, al tiempo que no parece saber muy bien qué hacer con la subtrama del hermano, entre la realidad y la ficción. Y es que el film empieza fuerte pero se termina diluyendo al ritmo de las crisis del personaje encarnado por el inevitable Mathieu Amalric.
499. Lucky (John Carroll Lynch, 2017) - 6,5
Harry Dean Stanton fallecía antes del estreno de esta su última película, interpretando precisamente a un personaje que ya siente la cercanía de la muerte y que necesita asumir que sus días están contados. El proceso de sus miedos y dudas la convierte de alguna manera en una obra existencialista. La mirada del debutante John Carroll Lynch es calurosa y humanista, refugiándose en la comedia para poner buena cara ante el final inevitable. No creo que la localización sea azarosa, ese pequeño pueblo del suroeste americano, en sí mismo un ecosistema crepuscular, un escenario en el que explorar el vacío a dejar por el protagonista. La película queda así enraizada geográfica y culturalmente, y de paso nos regala una escena musical verdaderamente emotiva. Lástima que algunos trucos de guión (los crucigramas y el término realismo, pero especialmente el relato sobre la niña budista que reverbera en el final) afeen un poco el resultado final.
500. Until the Birds Return (Karim Moussaoui, 2017) - 6
Tres historias cruzadas trazan un retrato de la Argelia de hoy, de sus problemas y miserias. Confrontan cuestiones como la violencia y la degeneración ética, la situación de la mujer, o las heridas no restañadas de una cruel guerra civil. Hay una preocupación por soterrar las acciones más dramáticas y violentas, por no mostrarlas en primer plano, dejarlas fuera del campo visual o al menos no pasar de su enunciación. La puesta en escena está cuidada, e intenta ser una herramienta para la sugerencia, aunque a veces se le escapa algunos tics ampulosos a juego con su globalizador planteamiento. Se agradece la fuga musical con la que culmina el segundo episodio, que hace pensar en Carax, pero también hay detalles un poco obvios.
501. Grandeza y decadencia de un pequeño comercio de cine (Jean-Luc Godard, 1986) - 6
Un capítulo de la Serie Negra de la televisión francesa recuperado para la proyección cinematográfica, su filiación noir o polar es más un pretexto que real. Godard emprende un responso por una manera de entender la artesanía cinematográfica, el cine de las pequeñas productoras. Como tantas obras suyas, se mueve entre lo lírico, lo cómico y lo ensayístico, con momentos extrañamente fascinantes como esa larga secuencia en la que una sucesión de extras reconstruye, palabra a palabra, una frase de (creo) Faulkner. Así todo, la deteriorada estética videográfica me resultó bastante molesta, como si a la obra le faltase la nobleza del celuloide, y ni siquiera el trabajo de una grande de la fotografía como Caroline Champetier lo puede remediar.
502. Frost (Sharunas Bartas, 2017) - 5,5
Una mirada al conflicto ucraniano desde el desconcierto y desconocimiento del extraño, la última película de Bartas se configura como una road movie hacia la guerra en la que se quiere marcar la diferencia entre en conflicto visto de fuera y desde dentro, quizás simbolizando también lo fácil que puede ser entrar (o desencadenarlo) y lo difícil que es salir (o resolverlo). También destaca Bartas la comodidad de la posición extranjera, de quienes influyen desde el exterior sin sufrir las consecuencias más inmediatas y dramáticas, a través de esa larga escena central en un hotel "demasiado lujoso". Me decepcionó un poco la puesta en escena, que utiliza el primer plano como como recurso básico. Cuando finalmente la cámara comienza a tomar distancia, a utilizar la geografía y el espacio, también coincide con cierta gratuidad en el desarrollo argumental, y culmina en un último plano deudor de (o quizás homenaje a) Tarkovski que solemniza una obra que hasta el momento intentaba escapar a ello.
503. Contactos (Paulino Viota, 1970) - 5,5
Primera incursión en el largometraje de Viota, con estética amateur producto de la llamativa falta de medios. Con muy pocos elementos dentro del encuadre, combina la historia de amor de dos compañeros de pensión con una insinuada actividad en la clandestinidad de él. En realidad el film está vaciado de clímax, prácticamente de acciones trascendentales, que quedan elididas para centrarse en los intersticios de las mismas. Igualmente es una obra que juega con el fuera de campo, con el uso de las puertas, y que apenas se permite unos travellings laterales como todo movimiento de cámara, en una puesta en evidencia de la sintaxis cinematográfica. Hablamos de una obra principalmente formalista, a pesar de la tosquedad resultante de ínfimo nivel de producción, que a nivel emocional no me termina de llegar.
504. Destinos (Stephan Komandarev, 2017) - 5,5
No me parece muy diferente el espíritu que anida en esta obra del de Until the Birds Return. Varias historias, en este caso siempre desarrolladas siempre en taxis, se cruzan para ofrecernos la visión global de un país, aquí Bulgaria, con un ánimo eminentemente crítico. Y es que el escenario que dibuja Komandarev difícilmente podría ser más pesimista, una sociedad golpeada por la pobreza, la corrupción y una general falta de valores éticos. Eso sí, para hacerlo recurre a elementos a veces demasiado efectistas, y pienso especialmente en el segmento entre la conductora y su muy antiguo novio, que apunta de manera más que facilona a la hipocresía de las élites que emanaron del poder político en el anterior régimen. En general la sutileza no es el fuerte de este film. La figura gramatical dominante es el plano secuencia con cámara en mano, que le da una pátina de realismo e inmediatez a la puesta en escena, pero eventualmente puede resultar forzado y artificioso, en realidad a juego con su contenido.
505. Jeannette, l'enfance de Jeanne d'Arc (Bruno Dumont, 2017) - 5
Dumont parece estar en una fase de su carrera en la que ha vuelto su atención a los géneros para violentar algunos de sus elementos: El pequeño Quinquin en el thriller de asesinatos en serie, La bahía en la comedia y ahora esta excéntrica mirada a la infancia de Juana de Arco afrontada desde el musical en modo metálico en el que no faltan sus dosis de headbanging. Con mínimos elementos escénicos, de hecho los arenosos de Pas-de-Calais tan habituales es la filmografía de Dumont, y apenas cuatro personajes de entidad en dos grandes bloques temporales, en el seno de la película anida la fricción entre esa austeridad y su exuberancia musical o la heterodoxia de algunas coreografías, siguiendo la lógica de choque que también observamos con la plasmación visual de la inspiración divina a través de un estilo musical asociado más bien a registros demoníacos. La propuesta, que tiene su gracia, pienso que se agota pronto. La puesta en escena se Dumont, basada en planos generales, tampoco creo que dé demasiado juego, y el drama vital de la protagonista queda un poco enterrado por el dispositivo.
506. I Am Not a Witch (Rungano Nyoni, 2017) - 6,5
Al parecer inspirado por auténticos campos de brujas, espacios donde se confinan a las mujeres acusadas de tales en África, este film cuenta la historia de una niña que sufre ese mismo destino. Un planteamiento peligroso del que la película sale más que airosa gracias a las abundantes dosis de humor con el que está aderezado, convirtiéndose en una tragicomedia que no necesita recurrir a la explotación sentimental de lo que nos cuenta. Es de hecho un film elegante y pudoroso, más humilde de lo que nos hace suponer esa entrada con música de Vivaldi, y cuya cuidad puesta en escena consigue extraer belleza de circunstancias poco propicias para ello.
507. How to Talk to Girls at Parties (John Cameron Mitchell, 2017) - 6
Lo que podría ser un clásico relato coming-of-age exageradamente fijado en un tiempo, lugar y cultura, el Londres punk de la segunda mitad de los sesenta, se ve alterado por la aparición de un delirante grupo de extraterrestres de turismo por la capital inglesa en esta adaptación de un relato corto del prestigioso Neil Gaiman. No he podido evitar asociarla mentalmente a Colega, ¿dónde está mi coche?, pero creo que nos encontramos ante un film un poco más "noble". Me parece bastante jugosa la filiación de estos visitantes con ciertos movimientos artísticos y musicales, así como el tratamiento de las relaciones sexuales, en las que se sublima esa condición de desconocimiento y descubrimiento de la adolescencia. Es cierto que el metraje avanza a baches, que da la impresión de mercantilizar su estética (la puesta en escena de las dos actuaciones musicales es demasiado videoclipera, por ejemplo), pero no deja de ser una película francamente divertida.
508. Good Luck (Ben Russell, 2017) - 6,5
Documental escindido en dos partes sobre el trabajo de minería, la primera en un pozo en Serbia del que se extrae cobre y la segunda en un pueblo de Surinam en donde buscan oro. El film se centra especialmente en la rutina diaria de los trabajadores, y ocasionalmente recaba sus opiniones sobre su situación, sus vidas y sus esperanzas. Destaca en particular el trabajo fotográfico, la negrura de la mina lacerada por los haces de las lámparas de los mineros (es un escenario que se presta a estos efectos, como se vio por ejemplo en Viejo calavera), o la calidez de la luz africana del segundo segmento, con una tendencia hacia los largos plano secuencia que apunta hacia una búsqueda de rigor formal y expositivo de la realidad. Difícil no pensar en precedentes como Workingman's Death, pero creo que es una obra capaz de labrar su propia mirada e identidad, realmente interesante y de una atractiva factura formal.
509. Patti Cake$ (Geremy Jasper, 2017) - 4
La historia de una chica blanca con sobrepeso que sueña con convertirse en una estrella del hip hop termina cayendo en los típicos clichés del indie norteamericano, la superación personal, el buenrollismo y utilitarismo interétnico, o la catarsis maternofilial. Es un poco molesta la estética videoclipera que a veces se impone, aunque también es cierto que en otros momentos se hace muy simpática. Me parece un pasatiempo que no termina de dejar un poso significativo.
510. 24 Frames (Abbas Kiarostami, 2017) - 5
El film póstumo de Abbas Kiarostami parece una suerte de reformulación de Five, multiplicando el número de planos/escenas en duraciones más cortas. El director iraní partía de fotografías para "animarlas" videográfricamente con la presencia animal y de diversos fenómenos atmosféricos, principalmente. El resultado me parece más decorativo que sugerente. Entre el férreo enmarcado y la utilización de efectos digitales se ahoga hasta cierto punto la capacidad de las imágenes de sugerir y trascender los márgenes entre los que se mueven. Al final queda una sensación de artefacto, muy lejos de las conquistas minimalistas de Five, de aquella capacidad para dejar que la realidad circundante armase un relato que, ahora, parece impuesto. Por otro lado, quizás he querido buscar una película que no estaba ahí, y no he sabido apreciar lo que Kiarostami pretendía ofrecer.
511. Les sept déserteurs ou La guerre en vrac (Paul Vecchiali, 2017) - 7
Punto álgido en la reciente carrera de Vecchiali, este film anti-bélico reúne a siete desertores es un indeterminado lugar, entre las ruinas y la naturaleza, en medio del fragor bélico, siempre fuera de campo. Allí se sucede el gran teatro humano, en otro alarde del espíritu lúdico del cine de Vecchiali, un vals de historias personales, mentiras, amores y rencillas. Pero es un lugar que se revelará virtual en el espléndido final del film (no es un spoiler significativo, creo), poniendo la responsabilidad en el espectador, y el propio Vecchiali en sí mismo como demiurgo, al respecto del mantenimiento de esa virtualidad. La libertad deviene quizás en el tema mayor de la película, libertad en nuestra sociedad, pero también en la concepción cinematográfica.
512. Did You Wonder Who Fired the Gun? (Travis Wilkerson, 2017) - 6,5
Wilkerson indaga en el oscuro pasado familiar, en un bisabuelo que mató en su establecimiento a un hombre negro, seguramente sin ninguna justificación. Por el camino traza un inquietante semblante del racismo en el Sur de los Estados Unidos, y al mismo tiempo cuestiona la manera de reflejarlo, desde cómo lo hace una obra canónica como es Matar a un ruiseñor, a su propia labor en este documental, indefectiblemente asociada a la culpa inherente a ser parte de una familia con semejantes antecedentes. Obviamente es una manera de explorar la culpa y la responsabilidad de todo un país con una tragedia que reverbera en nuestros días.
513. Nothingwood (Sonia Kronlund, 2016) - 5,5
Semblanza de Salim Shaheen, hombre orquesta en el cine afgano, autor de más de un centenar de films realizados en precario, de calidad artística y técnica más que dudosa, pero aparentemente una figura muy popular en su país. Lo cierto es que el personaje en cuestión parece una imitación chanante, un tipo extrovertido y arrollador, con una troupe pintoresca en medio de un país devastado por la guerra y mediatizado por su estado sociocultural. Entiendo que buena parte del objetivo del film es hablar de ese problemático trasfondo, que también se plasma en la figura protagónica, un hombre con sus propias contradicciones. Interesante, divertida a ratos, tengo la impresión de que sea desaprovechado el potencial intertextual que presentaba la obra de Shaheen.
Un saludo.
Contador de películas 2017
La vida al margen del deporte (la hay)
"Call me by your name" (Luca Guadagnino, 2017): historia de amor de verano entre un adolescente y un adulto; contada con gusto, pausa, delicadeza y sensibilidad. A mi me ha encantao.
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clorobuldo
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Me da que este año te ha parecido algo flojo el festival gijonés, Genjuro.
Ésta la vi en el Fancine de Málaga hace menos de un mes. Yo añadiría que el trasfondo "cósmico", por así decir, la alegoría política, resulta un tanto estomagante y resta interés a la parte final del metraje, pero coincido plenamente con tu valoración y nota. Yo había leído que la crítica vapuleó la cinta desde su estreno en Cannes y, aunque entiendo que se centraran en los aspectos que menciono, mi impresión al verla fue que obviar lo mucho que funciona como gamberrada punk es muestra de cortedad de miras, cuando no de intelectualismo vacuo. El viaje resulta muy disfrutable, ¿qué diablos importa el significado que hayan querido darle si no resulta particularmente invasivo?Genjuro escribió:507. How to Talk to Girls at Parties (John Cameron Mitchell, 2017) - 6
Lo que podría ser un clásico relato coming-of-age exageradamente fijado en un tiempo, lugar y cultura, el Londres punk de la segunda mitad de los sesenta, se ve alterado por la aparición de un delirante grupo de extraterrestres de turismo por la capital inglesa en esta adaptación de un relato corto del prestigioso Neil Gaiman. No he podido evitar asociarla mentalmente a Colega, ¿dónde está mi coche?, pero creo que nos encontramos ante un film un poco más "noble". Me parece bastante jugosa la filiación de estos visitantes con ciertos movimientos artísticos y musicales, así como el tratamiento de las relaciones sexuales, en las que se sublima esa condición de desconocimiento y descubrimiento de la adolescencia. Es cierto que el metraje avanza a baches, que da la impresión de mercantilizar su estética (la puesta en escena de las dos actuaciones musicales es demasiado videoclipera, por ejemplo), pero no deja de ser una película francamente divertida.
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Titus Pullo
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- Ubicación: Ajusticiando con Paul Kersey
Me gusta mucho la línea que ha tomado, pero el nivel de las películas me pareció flojete. Precisamente algunos de los nombres más sonoros venían con películas menores. Pero el nuevo director del festival apenas ha tenido medio año para prepararlo, así que no me parecería justo sacar conclusiones tan pronto. También es verdad que competir con Sevilla ahora en una línea similar de programación es complicado (la cagada de echar a Cienfuegos se recordará durante décadas). Por otro lado, tengo la impresión de que este año cinematográfico está siendo bastante mediocre.clorobuldo escribió:Me da que este año te ha parecido algo flojo el festival gijonés, Genjuro.
Un saludo.
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clorobuldo
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- Registrado: 17 Jul 2006, 10:59
Es que lo de Cienfuegos clamaba al cielo que era un error.
Lo triste es que fue por temas politicos en lugar de por temas profesionales.
Así le va a Sevilla, cada año superandose.
Lo triste es que fue por temas politicos en lugar de por temas profesionales.
Así le va a Sevilla, cada año superandose.
237.-Noche y niebla (Alain Resnais, 1955) - 8
Documental de Resnais en el que la visión política se une a una forma de rodar que sabe moverse entre finos toques de ironia (siempre dirigidos hacia los nazis y el entorno en particular), la poética y el drama puro y duro de la imagen desnuda. Resnais toma una voz en off y tres formas distintas de mostrar: la primera, simples planos de movimientos de cámara que sirven para mostrar los edificios y su entorno, único rastro que queda de los campos; luego, tomas de archivo o incluso ¿rodadas? (parece, como las piezas de reconstrucción ficcionadas de un documental) de casi toda la temática; y luego, una más frontal y directa, la de las fotografías, recurso que utilizará el asistente de dirección Chris Marker para rodar La jetée. Al final, toda la ironía deja paso al drama de las víctimas y al horror del entorno, para luego, en su último minuto, dejar un mensaje de responsabilidad para evitar que una tragedia similar suceda de nuevo.
238.-Las puertas de la noche (Marcel Carné, 1946) - 8
239.-Lumière, la aventura comienza (Thierry Fremaux, 2017) - 6
El actual director del festival de Cannes toma 150 cortos de los hermanos Lumière y de los realizadores que envió alrededor del mundo para mostrar no solo algunos de los motivos por los cuales el cinematógrafo acabó ganándose un espacio en el arte, sino también que da una auténtica lección a cinéfilos de muchas de las proezas artísticas y cómicas de muchos de estos pioneros del séptimo arte.
240.-Millenium Mambo (Hou Hsiao-Hsien, 2001) - 7,5
La película tiene dos mitades muy claras atadas al (des)amor y a los vicios. Ambas partes comparten planos muy cerrados, juegos con el desenfoque para mostrar puntos de vista distintos y realzar la amenaza de un personaje hacia el otro y juegos de composiciones en el que las puertas u otros espacios encierran todavía más a sus protagonistas. A Hou le encanta rodar planos muy cerrados y llenos de movimiento, y también reencuadrar, tanto en escenas de baile como en desencuentros amorosos o peleas. Al final, todos esos recursos sirven para mostrar una primera mitad de relación de Vicky con un maltratador (y drogadicto) para, a mitad de película, introducir el alcohol, sembrando así la semilla de la destrucción de la segunda mitad. Al final, la película cierra con un epílogo distinto, en el que la voz en off y algún plano aislado de la protagonista conectan toda la historia de principio a fin.
241.-Metaphor: King Vidor meets with Andrew Wyeth (King Vidor, 1980)
Último trabajo (si es que se puede decir así) del director, realizado dos años antes de su muerte, en el cual Vidor y un pintor fascinado por su película "El gran desfile" comparten impresiones sobre el arte, la capacidad de sintetizar la metáfora audiovisual (sobre todo en Vidor) y muchos detalles de producción y de entre bastidores que explican curiosidades sobre la película en sí y sobre las metáforas que hay ocultas en "El gran desfile".
Documental de Resnais en el que la visión política se une a una forma de rodar que sabe moverse entre finos toques de ironia (siempre dirigidos hacia los nazis y el entorno en particular), la poética y el drama puro y duro de la imagen desnuda. Resnais toma una voz en off y tres formas distintas de mostrar: la primera, simples planos de movimientos de cámara que sirven para mostrar los edificios y su entorno, único rastro que queda de los campos; luego, tomas de archivo o incluso ¿rodadas? (parece, como las piezas de reconstrucción ficcionadas de un documental) de casi toda la temática; y luego, una más frontal y directa, la de las fotografías, recurso que utilizará el asistente de dirección Chris Marker para rodar La jetée. Al final, toda la ironía deja paso al drama de las víctimas y al horror del entorno, para luego, en su último minuto, dejar un mensaje de responsabilidad para evitar que una tragedia similar suceda de nuevo.
238.-Las puertas de la noche (Marcel Carné, 1946) - 8
239.-Lumière, la aventura comienza (Thierry Fremaux, 2017) - 6
El actual director del festival de Cannes toma 150 cortos de los hermanos Lumière y de los realizadores que envió alrededor del mundo para mostrar no solo algunos de los motivos por los cuales el cinematógrafo acabó ganándose un espacio en el arte, sino también que da una auténtica lección a cinéfilos de muchas de las proezas artísticas y cómicas de muchos de estos pioneros del séptimo arte.
240.-Millenium Mambo (Hou Hsiao-Hsien, 2001) - 7,5
La película tiene dos mitades muy claras atadas al (des)amor y a los vicios. Ambas partes comparten planos muy cerrados, juegos con el desenfoque para mostrar puntos de vista distintos y realzar la amenaza de un personaje hacia el otro y juegos de composiciones en el que las puertas u otros espacios encierran todavía más a sus protagonistas. A Hou le encanta rodar planos muy cerrados y llenos de movimiento, y también reencuadrar, tanto en escenas de baile como en desencuentros amorosos o peleas. Al final, todos esos recursos sirven para mostrar una primera mitad de relación de Vicky con un maltratador (y drogadicto) para, a mitad de película, introducir el alcohol, sembrando así la semilla de la destrucción de la segunda mitad. Al final, la película cierra con un epílogo distinto, en el que la voz en off y algún plano aislado de la protagonista conectan toda la historia de principio a fin.
241.-Metaphor: King Vidor meets with Andrew Wyeth (King Vidor, 1980)
Último trabajo (si es que se puede decir así) del director, realizado dos años antes de su muerte, en el cual Vidor y un pintor fascinado por su película "El gran desfile" comparten impresiones sobre el arte, la capacidad de sintetizar la metáfora audiovisual (sobre todo en Vidor) y muchos detalles de producción y de entre bastidores que explican curiosidades sobre la película en sí y sobre las metáforas que hay ocultas en "El gran desfile".
Última edición por Bundy el 06 Dic 2017, 01:20, editado 4 veces en total.
Toni Erdmann, de Maren Ade - 8
Para mí no es comedia, pese a las partes hilarantes, sino drama. La intro de 50 minutos es sobresaliente; un poco a lo Shame, se centra en la vida de una supuesta triunfadora, y lleva a preguntarnos qué estaríamos dispuestos a hacer en nombre de la Ambición. También introduce la incmprensión y soledad de su padre.
A partir de entonces el giro es inesperado, entra en escena Toni Erdmann propiamente dicho, dándose situaciones excéntricas pero con poso: ¿con el trabajo no hemos olvidado de vivir? ¿La adultez quiere decir que ya no cabe espacio para el ridículo inofensivo o el humor a la manera personas de cada uno? ¿Cómo las decisiones que tomamos pueden afectar a los otros? ¿Por qué nos importa tanto lo que piensen los demás?
Predomina una atmósfera triste y derrotada.
Moonlight, de Barry Jenkins - 7,5
Cuidada, bella, minimalista, sencilla, excesivamente lírica -¿subrayadora?-. Con apenas unos retazos de la vida del protagonista logra que empaticemos con él y sintamos su angustia vital. Triste y dura. Te deja con ganas de más.
Para mí no es comedia, pese a las partes hilarantes, sino drama. La intro de 50 minutos es sobresaliente; un poco a lo Shame, se centra en la vida de una supuesta triunfadora, y lleva a preguntarnos qué estaríamos dispuestos a hacer en nombre de la Ambición. También introduce la incmprensión y soledad de su padre.
A partir de entonces el giro es inesperado, entra en escena Toni Erdmann propiamente dicho, dándose situaciones excéntricas pero con poso: ¿con el trabajo no hemos olvidado de vivir? ¿La adultez quiere decir que ya no cabe espacio para el ridículo inofensivo o el humor a la manera personas de cada uno? ¿Cómo las decisiones que tomamos pueden afectar a los otros? ¿Por qué nos importa tanto lo que piensen los demás?
Predomina una atmósfera triste y derrotada.
Moonlight, de Barry Jenkins - 7,5
Cuidada, bella, minimalista, sencilla, excesivamente lírica -¿subrayadora?-. Con apenas unos retazos de la vida del protagonista logra que empaticemos con él y sintamos su angustia vital. Triste y dura. Te deja con ganas de más.
Perfectos desconocidos 7.5 Teatral puesta en escena de la crudeza de la verdad con todos sus matices (diversión,drama ...)Me ha gustado la película y me ha sorprendido porque escapa al estudio “de la Iglesia”.Lo Primero la puesta en escena me ha recordado sobre todo la primera media hora a una obra de teatro .Usando algo que parece tan banal pero que en la película explora muy bien que hasta el más mínimo mensaje por inocente que sea tiene sus connotaciones.
Por otro lado la interpretación,para mí remarcable Eduard Fernández y Alterio,Costa por otro lado me ha parecido que le ha dado un matiz sobradamente histrionico a su personaje pero luego he pensado que podía ser un guiño al “estilo De la Iglesia “.
Por último llega un momento donde parece que llega el “estilo De la Iglesia “ con ese humor macabro pero ahí da una vuelta interesante que además da un toque a la película interesante y que para mí abre una reflexión y una pregunta ....
como anécdota,fui a ver la película q una sesión de Las cuatro de la tarde aprovechando la siesta de mi hija y había una anciana que debía haber pasado hace algún año la barrera de los 90.Al acabar la película le dice a su hija “quiero ir a ver más películas de este señor y su hija le responde “alex De la Iglesia “ y la nonagenaria dice “pues eso quiero ver más películas del sacerdote este “,genial la señora.
Por otro lado la interpretación,para mí remarcable Eduard Fernández y Alterio,Costa por otro lado me ha parecido que le ha dado un matiz sobradamente histrionico a su personaje pero luego he pensado que podía ser un guiño al “estilo De la Iglesia “.
Por último llega un momento donde parece que llega el “estilo De la Iglesia “ con ese humor macabro pero ahí da una vuelta interesante que además da un toque a la película interesante y que para mí abre una reflexión y una pregunta ....
como anécdota,fui a ver la película q una sesión de Las cuatro de la tarde aprovechando la siesta de mi hija y había una anciana que debía haber pasado hace algún año la barrera de los 90.Al acabar la película le dice a su hija “quiero ir a ver más películas de este señor y su hija le responde “alex De la Iglesia “ y la nonagenaria dice “pues eso quiero ver más películas del sacerdote este “,genial la señora.
-"I won't tell him he'll be the next Ernie Davis, because there'll never be another Ernie Davis."
"Quién pensara que con un equipo de suplentes no íbamos a ganar es que aún no nos conoce "
No se yo si va a ser muy adecuado parasalud de esa señora que le pongan El Día de la Bestia...epiplon escribió: ....
como anécdota,fui a ver la película q una sesión de Las cuatro de la tarde aprovechando la siesta de mi hija y había una anciana que debía haber pasado hace algún año la barrera de los 90.Al acabar la película le dice a su hija “quiero ir a ver más películas de este señor y su hija le responde “alex De la Iglesia “ y la nonagenaria dice “pues eso quiero ver más películas del sacerdote este “,genial la señora.
salu2
¿Acaso estás insinuando alguna intención al llevarla a ver una película de Alex De la Iglesia ??andraax escribió:No se yo si va a ser muy adecuado parasalud de esa señora que le pongan El Día de la Bestia...epiplon escribió: ....
como anécdota,fui a ver la película q una sesión de Las cuatro de la tarde aprovechando la siesta de mi hija y había una anciana que debía haber pasado hace algún año la barrera de los 90.Al acabar la película le dice a su hija “quiero ir a ver más películas de este señor y su hija le responde “alex De la Iglesia “ y la nonagenaria dice “pues eso quiero ver más películas del sacerdote este “,genial la señora.
salu2
-"I won't tell him he'll be the next Ernie Davis, because there'll never be another Ernie Davis."
"Quién pensara que con un equipo de suplentes no íbamos a ganar es que aún no nos conoce "
514. Le tombeau d'Alexandre (Chris Marker, 1993) - 7
Marker compone un film-carta dedicado al por entonces recientemente fallecido Alexandr Medvedkin, el prestigioso autor de La felicidad, que sirve tanto para celebrar su obra como, muy especialmente, trazar el semblante desencantado del cine soviético y de la propia historia del régimen. Marker se mueve entre lo personal y el retrato de una época con total fluidez y la gran lucidez a la que nos tenía acostumbrados.
515. Good Time (Ben & Joshua Safdie, 2017) - 6,5
Los hermanos Safdie entregan un nuevo periplo humano, otra huida hacia adelante de un personaje al borde de la marginalidad en los escenarios neoyorquinos. Se trata de un ladrón obsesionado con llevarse a su hermano, que sufre deficiencia psíquica. Así todo hay novedades en su cine, como la presencia protagónica de una estrella cinematográfica como es Robert Pattinson, o ese matiz de thriller que la película muestra en muchos momentos. La imagen sigue incansable a los personajes, cámara en mano en planos a menudo muy cercanos a los mismos, pero se ha perdido parte del desaliño, de la estética de guerrilla, también del espíritu más callejero de su cine. En la nueva noche de los Safdie se realzan los colores, dando sensación de extrañeza y de una lisergia que la banda sonora electrónica también refuerza, e incluso hay espacio para los planos cenitales. Se puede haber perdido un poco de autenticidad por el camino, pero la vidas que retratan siguen latiendo en sus planos.
516. Cold Days (András Kovács, 1966) - 7
Estamos en 1946, cuando cuatro personajes rememoran en prisión las tres infames jornadas en las que se desarrolló la masacre de Novi Sad a cargo del ejército húngaro durante la Segunda Guerra Mundial. La excusa dramática es el destino que sufrió la mujer de uno de ellos, desaparecida durante esos días. Es muy interesante cómo se plasma la cuestión de la responsabilidad, un concepto huidizo que siempre parece recaer en otro, pero la esencia misma del film. Por supuesto podemos dudar de esos recuerdos, al menos en lo que afectan al grado real de involucración de cada uno, a pesar de que las imágenes evocadas en ese crisol de memorias nunca se llegan a contradecir. Hay algún tic un poco maniqueo (en el personaje del capitán), y algún recurso dramático forzadillo (en más de una ocasión alguno de los personajes grita horrorizado por el alud de recuerdos, para retomar el hilo tranquilamente segundos después). A nivel de puesta en escena, Kovács maneja el scope con sobriedad, con predominio del plano medio que compone hábilmente con varios personajes en cuadro, cambiando al plano general cuando se avecina un despliegue del horror más cerca de la insinuación que de la enfatización.
517. American Torso (Gábor Bódy, 1975) - 5,5
Un excéntrico film que nos lleva a los estertores de la Guerra de Secesión norteamericana, donde un topógrafo húngaro trabaja junto a otros compatriotas para la causa unionista. Una variada fuente literaria sirve a Bódy para construir el relato y reconstrir los personajes, en el fondo sombras errantes de un pasado bélico europeo. El film busca una estética démodé con un blanco y negro poco contrastado y la pantalla cuadrada de bordes redondeados, al tiempo que introduce elementos extradiégeticos para precarizar imagen y sonido, un recurso que de obvio me ha parecido bastante gratuito. La técnica, eso sí, es parte del film, que utiliza teleobjetivos para dar réplica al trabajo topográfico. Hay un contraste evidente entre el orden científico-técnico de éste y el caos que transpira el paisaje bélico-militar, pero tampoco me quedó muy claro el sentido y la intención del film.
518. The Witness (Péter Bacsó, 1969) - 7
Una sátira del estalinismo, esta comedia cuenta las desventuras de un sencillo trabajador, vigilante de una presa, con un pasado antifascista en la guerra, que tras esconder y matar ilegalmente a un cerdo se ve envuelto en los tejemanejes del régimen, hasta el punto de verse forzado a ser testigo instruido en un (simulacro de) proceso judicial. El film adopta su punto de vista, de manera que su periplo más parece una aventura kafkiana, aunque el espectador es perfectamente consciente de los mecanismos de poder que rigen su vida. La crítica es tremendamente ácida y muy divertida, mientras que la puesta en escena mantiene una elegante funcionalidad.
519. Cantata (Miklós Jancsó, 1963) - 7
Una de las primeras obras de prestigio de este gran referente del cine húngaro, también es una de las escasísimas de ambientación contemporánea de las que llevo vistas de ese país. El film sigue los pasos de un joven y arrogante doctor, que entra en crisis emocional cuando una operación de un veterano colega al borde de la jubilación le baja los humos. Su peregrinar entre amigos, amores y familia le hace experimentar un sentimiento de culpa, en una deriva poco menos que existencialista. Su arribismo profesional, su intrusismo sentimental (se relaciona con una mujer casada), el sacrificio de sus allegados para que pudiera culminar sus estudios, son todos ellos elementos que pueden deslegitimar su posición. Quizás incluso sea posible hacer una lectura alegórica respecto al país, también porque el film termina mostrando un amplio espectro social, desde el humilde campesinado hasta una élite profesional, pasando por el gremio artístico. Jancsó ya deja entrever retazos del estilo que llevará al paroxismo en su obra subsiguiente, esos coreográficos planos-secuencia que aquí aparecen esporádicamente, dentro de una puesta en escena muy estilizada.
520. Two Half-Times in Hell (Zoltán Fábri, 1961) - 6,5
Claro precedente de Evasión o victoria, este film nos cuenta la disputa de un partido de fútbol para celebrar el cumpleaños de Hitler, entre un equipo de soldados alemanes y otro de prisioneros húngaros. Como es habitual en el cine bélico magiar, la pugna entre el individualismo y el compromiso en la lucha antifascista termina siendo el principal elemento discursivo. Es una obra eficaz, de sólida puesta en escena, e incluso las escenas deportivas no desentonan.
521. Mephisto (István Szabó, 1981) - 6,5
Con una estética no muy alejada del Cabaret de Bob Fosse (comparten espacio temporal, físico y punto de vista artístico), Mephisto nos cuenta la trayectoria en la carrera de un actor de izquierdas que reniega de sus convicciones políticas a cambio del éxito cuando los nazis llegan al poder. La película es muy clara y evidente en sus intenciones, e incluso el protagonista alcanza la fama interpretando a Mefistófeles. Igualmente los personajes son muy transparentes, pero afortunadamente se evitan subrayados maniqueos. Visualmente está lograda, y consigue esquivar cualquier atisbo de academicismo con un diseño de planos y montaje muy dinámico.
Un saludo.
Marker compone un film-carta dedicado al por entonces recientemente fallecido Alexandr Medvedkin, el prestigioso autor de La felicidad, que sirve tanto para celebrar su obra como, muy especialmente, trazar el semblante desencantado del cine soviético y de la propia historia del régimen. Marker se mueve entre lo personal y el retrato de una época con total fluidez y la gran lucidez a la que nos tenía acostumbrados.
515. Good Time (Ben & Joshua Safdie, 2017) - 6,5
Los hermanos Safdie entregan un nuevo periplo humano, otra huida hacia adelante de un personaje al borde de la marginalidad en los escenarios neoyorquinos. Se trata de un ladrón obsesionado con llevarse a su hermano, que sufre deficiencia psíquica. Así todo hay novedades en su cine, como la presencia protagónica de una estrella cinematográfica como es Robert Pattinson, o ese matiz de thriller que la película muestra en muchos momentos. La imagen sigue incansable a los personajes, cámara en mano en planos a menudo muy cercanos a los mismos, pero se ha perdido parte del desaliño, de la estética de guerrilla, también del espíritu más callejero de su cine. En la nueva noche de los Safdie se realzan los colores, dando sensación de extrañeza y de una lisergia que la banda sonora electrónica también refuerza, e incluso hay espacio para los planos cenitales. Se puede haber perdido un poco de autenticidad por el camino, pero la vidas que retratan siguen latiendo en sus planos.
516. Cold Days (András Kovács, 1966) - 7
Estamos en 1946, cuando cuatro personajes rememoran en prisión las tres infames jornadas en las que se desarrolló la masacre de Novi Sad a cargo del ejército húngaro durante la Segunda Guerra Mundial. La excusa dramática es el destino que sufrió la mujer de uno de ellos, desaparecida durante esos días. Es muy interesante cómo se plasma la cuestión de la responsabilidad, un concepto huidizo que siempre parece recaer en otro, pero la esencia misma del film. Por supuesto podemos dudar de esos recuerdos, al menos en lo que afectan al grado real de involucración de cada uno, a pesar de que las imágenes evocadas en ese crisol de memorias nunca se llegan a contradecir. Hay algún tic un poco maniqueo (en el personaje del capitán), y algún recurso dramático forzadillo (en más de una ocasión alguno de los personajes grita horrorizado por el alud de recuerdos, para retomar el hilo tranquilamente segundos después). A nivel de puesta en escena, Kovács maneja el scope con sobriedad, con predominio del plano medio que compone hábilmente con varios personajes en cuadro, cambiando al plano general cuando se avecina un despliegue del horror más cerca de la insinuación que de la enfatización.
517. American Torso (Gábor Bódy, 1975) - 5,5
Un excéntrico film que nos lleva a los estertores de la Guerra de Secesión norteamericana, donde un topógrafo húngaro trabaja junto a otros compatriotas para la causa unionista. Una variada fuente literaria sirve a Bódy para construir el relato y reconstrir los personajes, en el fondo sombras errantes de un pasado bélico europeo. El film busca una estética démodé con un blanco y negro poco contrastado y la pantalla cuadrada de bordes redondeados, al tiempo que introduce elementos extradiégeticos para precarizar imagen y sonido, un recurso que de obvio me ha parecido bastante gratuito. La técnica, eso sí, es parte del film, que utiliza teleobjetivos para dar réplica al trabajo topográfico. Hay un contraste evidente entre el orden científico-técnico de éste y el caos que transpira el paisaje bélico-militar, pero tampoco me quedó muy claro el sentido y la intención del film.
518. The Witness (Péter Bacsó, 1969) - 7
Una sátira del estalinismo, esta comedia cuenta las desventuras de un sencillo trabajador, vigilante de una presa, con un pasado antifascista en la guerra, que tras esconder y matar ilegalmente a un cerdo se ve envuelto en los tejemanejes del régimen, hasta el punto de verse forzado a ser testigo instruido en un (simulacro de) proceso judicial. El film adopta su punto de vista, de manera que su periplo más parece una aventura kafkiana, aunque el espectador es perfectamente consciente de los mecanismos de poder que rigen su vida. La crítica es tremendamente ácida y muy divertida, mientras que la puesta en escena mantiene una elegante funcionalidad.
519. Cantata (Miklós Jancsó, 1963) - 7
Una de las primeras obras de prestigio de este gran referente del cine húngaro, también es una de las escasísimas de ambientación contemporánea de las que llevo vistas de ese país. El film sigue los pasos de un joven y arrogante doctor, que entra en crisis emocional cuando una operación de un veterano colega al borde de la jubilación le baja los humos. Su peregrinar entre amigos, amores y familia le hace experimentar un sentimiento de culpa, en una deriva poco menos que existencialista. Su arribismo profesional, su intrusismo sentimental (se relaciona con una mujer casada), el sacrificio de sus allegados para que pudiera culminar sus estudios, son todos ellos elementos que pueden deslegitimar su posición. Quizás incluso sea posible hacer una lectura alegórica respecto al país, también porque el film termina mostrando un amplio espectro social, desde el humilde campesinado hasta una élite profesional, pasando por el gremio artístico. Jancsó ya deja entrever retazos del estilo que llevará al paroxismo en su obra subsiguiente, esos coreográficos planos-secuencia que aquí aparecen esporádicamente, dentro de una puesta en escena muy estilizada.
520. Two Half-Times in Hell (Zoltán Fábri, 1961) - 6,5
Claro precedente de Evasión o victoria, este film nos cuenta la disputa de un partido de fútbol para celebrar el cumpleaños de Hitler, entre un equipo de soldados alemanes y otro de prisioneros húngaros. Como es habitual en el cine bélico magiar, la pugna entre el individualismo y el compromiso en la lucha antifascista termina siendo el principal elemento discursivo. Es una obra eficaz, de sólida puesta en escena, e incluso las escenas deportivas no desentonan.
521. Mephisto (István Szabó, 1981) - 6,5
Con una estética no muy alejada del Cabaret de Bob Fosse (comparten espacio temporal, físico y punto de vista artístico), Mephisto nos cuenta la trayectoria en la carrera de un actor de izquierdas que reniega de sus convicciones políticas a cambio del éxito cuando los nazis llegan al poder. La película es muy clara y evidente en sus intenciones, e incluso el protagonista alcanza la fama interpretando a Mefistófeles. Igualmente los personajes son muy transparentes, pero afortunadamente se evitan subrayados maniqueos. Visualmente está lograda, y consigue esquivar cualquier atisbo de academicismo con un diseño de planos y montaje muy dinámico.
Un saludo.
Acabo de ver Song to song, de Terrence Malick. El norteamericano pretende hacer poesía en cada toma, filmando los cuerpos como si de formas volátiles se tratara. Las disposición de los mismos, en el plano, es siempre la misma: figura inmóvil, figura que corta el estatismo. Todo con gran angular y mucha plasticidad. La historia da igual, solo es la cáscara de una reflexión profunda y sesuda sobre el significado del amor, las relaciones humanas y la trascendencia a través de arte. La voz en off está presente a lo largo de todo el metraje. "Me he enamorado de tu alma", dice uno de los personajes. Peroratas de todo a cien para forrar carpetas de adolescentes: la película es insufrible, no va a ningún sitio, se copia a sí misma hasta la náusea y las líneas de texto producen vergüenza ajena. La peor película que jamás haya hecho Malick, un absoluto bodrio.
Tu descripción encaja perfectamente con El árbol de la vida. ¡Basta ya de autoplagiarse!Heidegger escribió:Acabo de ver Song to song, de Terrence Malick. El norteamericano pretende hacer poesía en cada toma, filmando los cuerpos como si de formas volátiles se tratara. Las disposición de los mismos, en el plano, es siempre la misma: figura inmóvil, figura que corta el estatismo. Todo con gran angular y mucha plasticidad. La historia da igual, solo es la cáscara de una reflexión profunda y sesuda sobre el significado del amor, las relaciones humanas y la trascendencia a través de arte. La voz en off está presente a lo largo de todo el metraje. "Me he enamorado de tu alma", dice uno de los personajes. Peroratas de todo a cien para forrar carpetas de adolescentes: la película es insufrible, no va a ningún sitio, se copia a sí misma hasta la náusea y las líneas de texto producen vergüenza ajena. La peor película que jamás haya hecho Malick, un absoluto bodrio.
Yo en El árbol de la vida sí veo una querencia por el relato y la innovación narrativa. Más allá de las simpatías que pueda despertar el mensaje místico-cristiano de Malick, la estructura de la cinta responde a un objetivo concreto. Es coherente, plantea soluciones visuales arrolladoras y sobredimensiona la experiencia en una sala de cine. En esta película no hay nada de eso: es puro postureo al servicio de la nada, una concatenación de escenas inconexas, vacías, sin garra ni sentido. La escena final es de lo más lamentable que haya podido ver en años, por cierto.hoeman escribió: Tu descripción encaja perfectamente con El árbol de la vida. ¡Basta ya de autoplagiarse!
Han salido antes de hora las listas de Sight and Sound y de Cahiers du Cinema. A ver qué os parece:
Esta es la de Cahiers:
Y esta, la de Sight and Sound: http://www.bfi.org.uk/features/best-films-2017/
Esta es la de Cahiers:
Y esta, la de Sight and Sound: http://www.bfi.org.uk/features/best-films-2017/
Enjoy.1.-Get Out (Jordan Peele)
2.-Twin Peaks: the Return (David Lynch)
3.-Call me by your name (Luca Guadagino)
4.-Zama (Lucrecia Martel)
5.-Western (Valeska Grisebach)
6.-Faces Places (Agnès Varda)
7.-Good Time (Josh y Benny Safdie)
8.-Loveless (Andrey Zyvagintsev)
9.-Dunkirk (Cristopher Nolan)
9.-The Florida Project (Sean Baker)
11.-A Ghost Story (David Lowery)
12.-Lady Macbeth (William Oldroyd)
12.-120 Battlements per minute (Robin Campillo)
12.-You were never really here (Lynne Ramsay)
15.-God's own country (Francis Lee)
16.-Personal Shopper (Olivier Assayas)
16.-La forma del agua (Guillermo del Toro)
16.-Strong Island (Yance Ford)
19.-I Am not your Negro (Raoul Peck)
19.-Lady Bird (Greta Gerwig)
19.-Let the sunshine in (Claire Denis)
19.-Moonlight (Barry Jenkins)
19.-Mother! (Darren Aronofsky)
19.-Mudbound (Dee Res)
25.-The other side of hope (Aki Kaurismäki)
25.-Silence (Martin Scorsese)
Jacky en el top 10? Alucino.
The other side of hope (Aki Kaurismäki, 2017): Kaurismäki nos habla de la crisis de refugiados desde el punto de vista del que busca asilo; y lo hace con seriedad (a pesar del tono 'ligero' de la pelicula) y sentido del humor. Excelente y muy, muy recomendable.
God's Own Country (Francis Lee, 2017): historia de amor, decepcion y esperanza entre dos jovenes trabajando en una granja. Recuerda por momentos a Brokeback Mountain, por la delicadeza y la poesia, aunque trata el tema desde otro punto de vista, mas mundano y realista aunque en cierta medida menos probable. Como la de arriba: excelente y muy, muy recomendable.
God's Own Country (Francis Lee, 2017): historia de amor, decepcion y esperanza entre dos jovenes trabajando en una granja. Recuerda por momentos a Brokeback Mountain, por la delicadeza y la poesia, aunque trata el tema desde otro punto de vista, mas mundano y realista aunque en cierta medida menos probable. Como la de arriba: excelente y muy, muy recomendable.
¿Os imagináis a una lista de mejores series del año (¿hay algo así 
?) metiendo películas? Se les va de las manos ya.
?) metiendo películas? Se les va de las manos ya.
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Fecha actual 24 Abr 2024, 04:42