Contador de películas 2017
La vida al margen del deporte (la hay)

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mangass
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Re: Contador de películas 2017

por mangass » 03 Mar 2017, 11:57

Hola, como imagino que muchos de los que véis tantas películas las descargáis...os quería preguntar sobre un tema.

Yo me hice una colección bastante guay, entre ellas bastante películas de cine clásico, recuerdo que me las descargaba con mucha facilidad con el jdowloader y pelisyonkis, creo que también con el piratebay. Estoy repasando la filmografía de Hitchcok y me encuentro con que no tengo con las Muerte en los Talones ni Los Pájaros, películas que me gustaría revisionar de nuevo. Por mi experiencia en el tema de descargar, es bastante fácil descargarse las películas de estreno, esperas a que estén en DVD y ya está, pero con películas antiguas parece que no es fácil, y más teniendo en cuenta que han desaparecido pelisyonkis, y piratebay. Sabéis de alguna página para cine clásico y de todo tipo?? Si me queréis contestar por privado, os lo agradecería.

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Espitama
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Re: Contador de películas 2017

por Espitama » 03 Mar 2017, 12:16

mangass escribió:Hola, como imagino que muchos de los que véis tantas películas las descargáis...os quería preguntar sobre un tema.

Yo me hice una colección bastante guay, entre ellas bastante películas de cine clásico, recuerdo que me las descargaba con mucha facilidad con el jdowloader y pelisyonkis, creo que también con el piratebay. Estoy repasando la filmografía de Hitchcok y me encuentro con que no tengo con las Muerte en los Talones ni Los Pájaros, películas que me gustaría revisionar de nuevo. Por mi experiencia en el tema de descargar, es bastante fácil descargarse las películas de estreno, esperas a que estén en DVD y ya está, pero con películas antiguas parece que no es fácil, y más teniendo en cuenta que han desaparecido pelisyonkis, y piratebay. Sabéis de alguna página para cine clásico y de todo tipo?? Si me queréis contestar por privado, os lo agradecería.


De Hitchcock hay películas enteras en youtube.

No sé si esas dos pero yo he visto alguna de la primera etapa colgadas.

Salve.
Que beban los pollos...

-You just kicked the shit out of an innocent man.
- Innocent? Innocent of what?

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guillermo2442
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Re: Contador de películas 2017

por guillermo2442 » 03 Mar 2017, 19:50

24-ciudad cero-8

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Город зеро (Ciudad Zero, 1988) es una película dirigida por el cineasta Karen Shakhnazarov y realizada en las vísperas de la caída de la Unión Soviética. La película, que cuenta con un argumento delirante y que se liga de lleno con el surrealismo, es también una pieza de un valor incalculable, no sólo por la originalidad de su planteamiento, sino también por las más que obvias referencias socio-políticas que incluyen y que sirven de testimonio histórico.

Ciudad zero está llena de metáforas de las que se sirve el cineasta para explicar la caída de la URSS. Evidentemente, hemos de situar al contexto del filme en su época histórica, porque sino seremos incapaces de entender lo que estamos viendo. Gorbachov ya se encontraba en el poder, y la mayoría de películas de aquella época aprovecharon la teórica libertad que se les había permitido para realizar películas que antes habrían resultado imposibles. El guion del filme toma buena nota de ello.

La película nos presenta un argumento que irá en crescendo en cuanto a sus dosis surrealistas. Un hombre de negocios, interpretado por Leonid Filatov y llamado Aleksei Varakin llega a una ciudad con el objetivo de revisar unos diseños sobre aires acondicionados y donde en un primer momento todo parece normal, hasta que empiezan a suceder cosas realmente extrañas. La primera de ellas, añade más bien un toque cómico antes que dramático (una secretaria desnuda que actúa con naturalidad). Y es que efectivamente, en la primera mitad del metraje, podemos decir que la película, salvando las distancias, tiene más en común con Amanece que no es poco (Amanece, que no es poco, 1988; realizadas ambas en el mismo año ), que con otras películas surrealistas. Pero a medida que transcurre el filme, el tono paródico se vuelve cada vez más hiriente, una arma en manos del cineasta para atacar los entresijos corruptos del sistema de aquellos años.

El filme tiene también una creatividad interesante, que se explaya en cantidad de numerosos detalles ingeniosos, originales y capaces de combinar el sarcasmo con el humor más negro. La reacción del espectador es doble, por una parte se consigue la risa en él, pero también existe un segundo nivel de reflexión mucho más profunda, que es la que diferencia al filme de otras películas puramente surrealistas, donde no hay una intención ideológica más consciente.

Metáforas más que interesantes y que son abundantes. Una de las más célebres la encontramos en la visita que realiza nuestro personaje al museo provincial, donde se le explican cantidad de historias sobre la ciudad, a pesar de que todas ellas son falsas. La parábola es evidente, el filme ridiculiza la exagerada propaganda, que no tiene reparos en mentir de cualquier forma con tal de engrandecer el nombre de la ciudad (y por ende, del país). Aunque parezca una locura, lo cierto es que esta exhibición del museo local tiene bastantes similitudes con las que continúan existiendo hoy en día en Rusia, y que cualquiera que haya visitado una ciudad provincial de dicho país sabrá reconocer. También aparece como elemento iconográfico de importancia la música Rock, que como bien es sabido provocó más que problemas en el Stablishment, quien recelaba de este tipo de música por ir en teoría en contra del sistema.

El final del filme nos presenta la decadencia y la corrupción de la URSS, con un árbol podrido al que nadie ha prestado atención durante todos estos años. Una clara referencia al propio sistema soviético. Demoledor resulta el hecho de que cuando cae una rama, toda la élite de la ciudad, que se encuentra congregada delante del árbol, corren poseídos a llevarse un pedazo. Un pedazo del pastel, que suponía la propia URSS en aquellos momentos, y que serían los nuevos ricos en un futuro. De igual manera simbólica resulta el final, cuando nuestro protagonista consigue escapar de la locura final en una barca. Pero…¿A dónde irá? El mismo rumbo desconocido que toma nuestro personajes es equiparable con el destino de la Rusia de finales de los años noventa, un país con un futuro a todas luces incierto.

Lo cierto, es que si comparamos el cine de Eisenstein con Ciudad Zero, nos daremos cuenta de lo que resultó el principio y el fin de la Unión Soviética, comparar ambas puede resultar un ejercicio más que estimulante, en cuanto ofrecen dos caras de la historia de un país y un modo de vida.

https://neokunst.wordpress.com/2017/03/ ... -zero1988/

25-Halloween II (1981)-4
26-Batman Vs Superman-5

FY Morgan
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Re: Contador de películas 2017

por FY Morgan » 03 Mar 2017, 20:37

Me apunto esa guillermel.
Últimamente me ha gustado I don't feel at home in this world anymore, sin que sea tampoco la gran cosa pero para ser ópera prima está bien. Se nota que el director ha trabajado mucho con su colegui Jeremy Saulnier
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Genjuro
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Re: Contador de películas 2017

por Genjuro » 04 Mar 2017, 11:31

97. The End of St. Petersburgo (Vsevolod Pudovkin, 1927) - 7,5

Estamos ante otra descarada muestra de propaganda cinematográfica. No hay mucha sutileza ni complejidad en el argumento de este film, básicamente la explotación del proletariado a la cual pone fin la toma del Palacio de Invierno. Mucho más interesante es la relación que propone entre capitalismo y guerra, a través de la causalidad argumental y el paralelismo visual. En todo caso, a pesar de la prédica, del maniqueísmo, el trabajo de puesta en escena y montaje es fantástico, por momentos deslumbrante. Pienso especialmente en las escenas fabriles, también en el desfile/celebración prebélico. Pero además, más allá de el esquematismo de la mayoría de los personajes, Pudovkin logra un notable clímax emocional gracias a su capacidad para retratar rostros y emociones.


98. Beschreibung eines Sommers (Ralf Kirsten, 1963) - 7

El romance de verano entre un mujeriego empedernido y una joven casada que muestra este film de Alemania del Este descansa sobre el conflicto entre deber social y pulsión personal. Afortunadamente la ideología no aplasta a los personajes, y la condescendencia con la que el protagonista trata el idealismo socialista de sus compañeros de trabajo no le condena automáticamente en el film, que no se deja encadenar a las rigideces morales que pregonan los caracteres más ortodoxos. Es la relación que se establece entre ellos la verdadera protagonista, una batalla de sentimientos y principios en medio del bucolismo veraniego. Kirsten captura con acierto ese romanticismo estival, también la oscuridad de la habitación adúltera, mientras escudriña los rostros de los amantes. La película no les juzga, más bien se abandona a la provisionalidad tanto de las emociones como de las estaciones.


99. Fugitivos del desierto (J. Lee Thompson, 1958) - 7

Durante la Segunda Guerra Mundial, una ambulancia con tres soldados y dos enfermeras que se ha quedado cortada en medio del repliegue aliado debe llegar a Alejandría. Sencilla premisa para esta efectiva cinta, que explota su vena de thriller con los peligros del camino, y se beneficia del rodaje en localizaciones norteafricanas para hacer de la aventura una experiencia inmersiva. Quizás lo que más chirría sea el romance que de repente se ofrece, cuya falta de preparación y construcción previa provoca un claro efecto morcilla. Pero a pesar de ello todos los personajes se erigen en figuras carismáticas, y el resto de interacciones están más que logradas.


100. Unter der Lanterne (Gerhard Lamprecht, 1928) - 7,5

Este film describe la implacable caída en desgracia de una joven enamorada. Ella es víctima de una sociedad profundamente machista y, todo hay que decirlo, de una historia trufada de desventuras. Pero por alguna razón, y el artificio inherente al cine mudo siempre ayuda, no me resulta molesto ni excesivo. Sin duda influye el trabajo de puesta en escena de Lamprecht, que sin florituras visuales se revela de nuevo como un maestro de la sencillez y la imagen ajustada. Eso sí, concibe una magnífica secuencia central que rompe el relativo convencionalismo de su narrativa, un encadenado de breves escenas mostrando la rutina diaria de una mujer lujosamente mantenida sin mostrar nunca el rostro de los personajes. De hecho el film siempre refuerza la lectura universal dentro del caso particular, ya que ella es sólo otra víctima de una larga lista que ha sido y seguirá siendo.


101. Victoria (Justine Triet, 2016) - 6

Victoria es una atractiva abogada y madre soltera víctima de variadas neurosis, entre las que destaca su profundo egocentrismo que termina quemando a todo aquel que se acerca a su círculo vital. Sólo una persona parece capaz de funcionar en su ritmo vital, un joven ex-traficante que estudia leyes. En el fondo estamos ante una romanticada de estructura perfectamente convencional, aunque el film pueda jugar al despiste con algunas excentricidades argumentales. Triet fuerza en exceso ciertas situaciones, sin llegar a los niveles de La batalla de Solferino (las mujeres trabajadoras de sus films no llevan muy bien eso de la conciliación laboral y familiar), manteniéndose en un registro de comedia dramática y volviendo a demostrar su solvencia trabajando el naturalismo en la puesta en escena y dirección de actores.


102. Monpti (Helmut Käutner, 1957) - 6

Colorista y de aires naif, esta comedia romántica nos cuenta la relación que se establece en París entre un joven y bohemio artista húngaro y una chica con una marcada tendencia a mentir. El artificio se descubre desde el principio, con un narrador que dispone los elementos del film, incluido el idioma, notables dosis de comedia slapstick, otra relación paralela irónica y descaradamente artificiosa de acomodados buscavidas que contrasta y amenaza con cruzarse con la pareja principal, o también varias fugas alucinatorias con una estética que se diría sacada de un musical. Más aún, la película termina evolucionando hacia el drama, y la verdad es que la combinación de todos estos elementos no siempre me ha parecido lograda, aunque atesora un indudable encanto.


103. The Owners (Adilkhan Yerzhanov, 2014) - 5

Tres hermanos se van a vivir a la casa de un pueblo heredada de su difunta madre, pero unos lugareños con la connivencia de la policía quieren echarles y quedarse con ella. Hay una (sobre)dosis de crueldad muy evidente en este film, matizada por los apuntes surrealistas que la acercan al terreno de la farsa y por una puesta en escena distanciadora en la que predomina cierto hieratismo y se recurre al fuera de campo para las escenas más escabrosas (parece que el cine que llega de Kazajistán al circuito festivalero está irremediablemente influido por la estética bressoniana de Omirbayev). Todo ello sirve a la denuncia de un sistema corrupto que emana, por lo menos, de la transición al capitalismo tras la desmembración de la Unión Soviética. El resultado no me ha parecido demasiado estimulante, y llegado un punto me desentiendo de los personajes y sólo veo el artefacto.


104. Der Verlorene (Peter Lorre, 1951) - 7

Es curioso cómo el único film dirigido por Peter Lorre remite en algún sentido argumental y estético al que le proporcionó su papel seguramente más icónico, M. Difícil no pensar en la obra maestra de Fritz Lang según el personaje principal descubre sus pulsiones homicidas. También es un film hijo de su tiempo, claro, de una posguerra en la que resulta difícil convivir con la conciencia de las barbaridades cometidas durante el nazismo. También por la querencia por las narraciones en flash-back a la que se abona Lorre sin rubor. Los claroscuros que dominan las imágenes se sitúan en esa línea hereditaria que va del expresionismo al noir, y depara escenas poderosas, y por ello no importa demasiado que, apenas visto un tercio del metraje, tengamos una idea bastante aproximada de cómo va a terminar. Quizás se guste un poco dirigiéndose a sí mismo, pero no deja de ser un personaje interesante y lo encarna realmente bien.


105. Boris sans Béatrice (Denis Côté, 2016) - 5,5

Una fábula moral sobre un hombre egocéntrico, orgulloso y adúltero cuya querida mujer se encuentra en estado profundamente depresivo. El registro cómico de Côté suele estar bastante cerca del drama, y ésta película no es una excepción. Sí me lo parece la pulcritud de sus imágenes, poco habitual en su filmografía, quizás a juego con el elevado estatus social y económico de los personajes. Por otro lado, el bestiario típico de sus films no es aquí tan evidente, aunque viene sugerido por esa visita a un museo en el que observamos figuras antropofáunicas (valga el palabro), el reflejo artístico de sus miserias morales. En todo caso, y no sé si me habré perdido sutilezas, el conflicto interno de ese personaje se presenta y desarrolla de manera un tanto simple y moralista.


106. Die Sünderin (Willi Forst, 1951) - 6

Seguramente a Forst no le quedaban demasiadas ganas de seguir haciendo operetas una vez caído el régimen nazi, y aquí entrega una obra claramente de posguerra, en clave dramática, aunque mantiene la filiación típicamente romántica de su cine, describiéndonos la relación amorosa entre una joven prostituta y un pintor enfermo. La película no sólo recurre al inevitable flashback, que por otro lado no se entrega de manera lineal, más bien como si fuera una estructura de muñecas rusas con hasta tres saltos temporales hacia un pasado anterior que nos explica las circunstancias de esa relación y del devenir vital de la narradora. Porque, y esa es otra característica narrativa crucial, ella domina el relato no sólo con el punto de vista, sino con una omnipresente voz en off que he de admitir me ha resultado ligeramente irritante por saturación, aunque también quepa reconocer la singularidad de un recurso pocas veces explotado con esa intensidad. Dejando de lado un par de trucos visuales poco afortunados, la puesta en escena de Forst raya a gran altura, integrando movimiento y encuadre con mucha habilidad, casi musicalidad, y creo que se hubiera beneficiado de un planteamiento más ortodoxo en el que las imágenes hablasen más que la voz en off.


107. Mystère Alexina (René Féret, 1985) - 7

Una especie de Mi querida señorita en pleno siglo XIX, Alexina es una joven que que ha crecido con las monjas y que es empleada como profesora en una pequeña escuela, donde su enamoramiento de la hija de la dueña hará aflorar su verdadera condición de hombre. Un film hermoso en su relativa sencillez y serenidad. La difícil situación de su protagonista, sus circunstancias potencialmente trágicas, se tratan con pudor y constricción dramática, sin asomo de crueldad. Una puesta en escena que apunta a la esencialidad nos depara por otra parte hermosos planos, especialmente en la estancia que comparte la pareja, primorosamente iluminada.


108. Mutter Krausens Fahrt ins Glück (Phil Jutzi, 1929) - 7

Adaptando la misma historia que luego inspiró a Fassbinder en El viaje a la felicidad de mamá Küster (curiosamente Jutzi filmaría su versión de Berlin Alexanderplatz como también lo hiciera el malogrado icono del Nuevo Cine Alemán), estamos ante un melodrama producto de la pobreza, la historia de una madre que malvive repartiendo periódicos y sus dos hijos, una chica que se ha enamorado de un trabajador y un joven demasiado enamorado de la bebida. El film propone la lucha obrera como salida del pozo de marginación, lo cual no es sorprendente teniendo en cuenta que está producido por la Prometheus (responsable también de la notable Kuhle Wampe de Slatan Dudow). En todo caso destaca el vigor narrativo de la película, algunas propuestas visuales curiosas (como esos iniciales travellings frontales en ligero picado que tanto sentido cobran), las rimas visuales en los montajes de escenas, el aroma documentalista de algunas imágenes, pero sobretodo una dramaturgia y una galería de personajes muy bien construidas.


109. River of Grass (Kelly Reichadt, 1994) - 6,5

La ópera prima de Reichardt transcurre en su Florida natal, en un paisaje luminoso que poco tiene que ver con los escenarios del noroeste que han monopolizado el resto de su obra en el largo. Así todo tampoco se puede decir que sus imágenes sean cálidas en esta ocasión, predominando el color azul además de elementos arquitectónicos no demasiado acogedores. Todo esto resulta pertinente en la historia de Cozy, una mujer atrapada por las convenciones, por su matrimonio, por su maternidad, por su rol pasivo, por los escenarios por los que se mueve. Predomina la sensación de incomunicación producto de la puesta en escena y de la falta de interacción entre los personajes. Incluso cuando se escapa con Lee Ray después de haber disparado a un hombre fortuitamente, entre ambos no se establece ningún vínculo significativo, ninguna intimidad, porque las confesiones que se hacen no parecen encontrar interlocutor. Todavía lejos del dominio visual que ha alcanzado su cine, se trata de una obra muy interesante sobre el (posiblemente vano) intento de liberación de una mujer.


Un saludo.

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guillermo2442
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Re: Contador de películas 2017

por guillermo2442 » 05 Mar 2017, 19:33

27-La mujer y el monstruo-6

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The creature from the black lagoon (La mujer y el monstruo, 1956; libre traducción española, como podemos ver) es una película de terror dirigida por el mítico cineasta de Jack Arnold (quien tiene otros grandes títulos de serie B en su haber, como el increíble hombre menguante). La película está producida por la Universal, y fue todo un éxito en Estados Unidos, llegando a dar una secuela que se rodaría (por el mismo Jack Arnold) tan sólo un año más tarde. Cierto es también que la mujer y el monstruo es una película de monstruos, pero hemos de tener cuidado al comparar el filme con las otras dos grandes obras de la Universal como Frankestein y Drácula, porque hay algunas diferencias. Para empezar, por cronología la película de Arnold se sitúa bastante tiempo después de que en la década de los años treinta los monstruos causarán auténtica sensación. Más bien el filme de Arnold se sitúa como un híbrido entre aquellas películas y las obras rodadas en 3d que tuvieron cierto apogeo en la década de los años cincuenta. Por otra parte, La mujer y el monstruo no está basada en ninguna obra literaria, y eso para bien o para mal, se nota en el filme de Arnold, que prescinde mayoritariamente de la palabra (en ocasiones, de manera excesiva) para centrarse en el aspecto visual y terrorífico.

El argumento del filme es realmente sencillo. Un grupo de exploradores se encuentra en Brasil cuando de repente hallan una inquietante a la par que interesante pieza fosilizada que parece pertenecer a una antigua criatura. Rápidamente iniciarán una investigación por el Amazonas para saber más, pero se encontrarán con una ingrata sorpresa. Un terrible monstruo que parece un híbrido entre hombre y pez, y que no es precisamente amistoso. Como podemos ver leyendo la sinopsis, La mujer y el monstruo es un filme mucho más simple que sus hermanas pequeñas de la Universal. No es menos cierto que también tiene algún logro interesante, y es que en algunas ocasiones la película parece preceder a situaciones de filmes de terror muy posteriores, como son aquellas secuencias en las que nuestros protagonistas esperan el ataque del monstruo, encerrados en el barco, y que evocan a las del cine slasher en la que un grupo de jóvenes espera que el asesino los vaya aniquilando uno a uno.

La película se rodó en 3d y eso, por desgracia, se nota en el filme. Muchos de los planos de la película están pensados exclusivamente para que en su momento pudieran provocar ilusiones ópticas. Pero visto hoy en día es el mismo que el de multitud de películas rodadas en 3d y vistas en televisión, un auténtico sopor.

Paradójicamente, en una época donde los remakes son constantes y donde todos los monstruos clásicos han sido remakeados, el monstruo de la laguna negra sigue manteniéndose como uno de los clásicos más independientes y que ha tenido menos secuelas y remakes. Los motivos son varios, desde la propia dificultad de recrear un monstruo marino (es mucho más económico ponerle la capa a un actor de origen centroeuropeo y decir que es Drácula), pasando por las propias ideológicas que subyacen en otros monstruos (la consciencia de la creación en Frankestein, el erotismo en Drácula…un largo etcétera) hasta la suplantación del tiburón como el monstruo marino por antonomasia (además de ser mucho más cercano a nosotros en cuanto a miedo subconsciente se refiere). Lo cierto es que, sean cuales sean los motivos, la mujer y el monstruo es uno de los “clásicos” de monstruos de la Universal, que ha quedado más olvidado. Y eso, que contiene algunos planos dignos de admiración, como las secuencias submarinas, que evocan ineludiblemente el filme que Spielberg rodaría veinte años después.

Jack Arnold se sirve de la partitura que compone Joseph Gershenson para crear un hilo narrativo que tiene una importancia fundamental en el filme. Por momentos, Jack Arnold consigue una mezcla entre imagen y música sencillamente espectacular, buscando el último significado del cine. La partitura, como acostumbra a transcurrir en los años cincuenta, tiene la función de música programática y acompañamiento de las imágenes, pero en La mujer y el monstruo con una dosis adicional. Desafortunadamente, en ocasiones la música alcanza una estridencia agobiante (¿Sería eso lo que buscaban?) que más que horrorizar, martillea nuestro cerebro de manera repetitiva.

https://neokunst.wordpress.com/2017/03/ ... egra-1954/

28-Una pandilla alucinante-5
29-Logan-6

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Bundy
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Re: Contador de películas 2017

por Bundy » 05 Mar 2017, 19:47

33.-Certain Women (Kelly Reichardt, 2016)

Película dura y pesada, en el que las pequeñas acciones y la pesadez interna del relato acaba calando en los huesos. Es una historia cuya narrativa no llama la vista en un primer momento, pero cada pequeño detalle, cada pequeña construcción, cada escena, en fin, suma para el conjunto.

Hay la sensación de un total y absoluto control sobre el relato emocional que plantea Certain Women (alguno ha tirado la referencia con Hiroshi Ishikawa, aunque para eso tendría que ver sus películas primero), así como también un constante foco en los personajes usando la imagen con una sobriedad absoluta. Los pequeños detalles de los diálogos cuentan tanto para sus protagonistas como Reichardt hace contar la información dentro del cuadro, y aquí no hablo solo de partes del cuerpo que desaparecen o elementos elididos que permiten enfocar otros aspectos de mayor importancia en el relato; aquí también cuenta mucho la forma en cómo Reichardt filma a sus protagonistas, cómo las sigue y cómo estas quedan encuadradas en el medio de la imagen, así como también el trabajo notorio sobre los planos en exteriores tanto diurnos como nocturnos. No sé, necesito revisarla de nuevo, pero me parece una joya en sí misma.

Le doy un 8'75.

34.-Batman: La LEGO película (Chris McKay, 2017)

Una película cuyo mayor mérito reside en su habilidad de parodiar la saga Batman y en crear una subtrama más o menos interesante que en todo el resto. La animación raya un gran nivel, pero si haces un personaje protagonista que da auténtico asco, le metes subrayado a cascoporro para que nadie se pierda y encima gran parte de tus guiños cómicos están en la primera parte pos da asco. El principal problema es que el mensaje de la película, además de sentirse un tanto trasnochado, se nota aún más cuando lo pones al lado de un Batman que roza la caricatura y la svbnormalidad a pasos agigantados.

Sabía que no me perdía gran cosa y se confirma.

Le doy un 2.
Última edición por Bundy el 12 Mar 2017, 23:25, editado 1 vez en total.
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Zona+1
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Re: Contador de películas 2017

por Zona+1 » 06 Mar 2017, 11:47

1.- Tropic Thunder (2008) Acción, comedia. 107 minutos. Dirigida por Ben Stiller. 5/10.
2.- Letters from Iwo Jima (2006). Bélica, historia, drama. 141 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 6/10.
3.- Escuadrón Suicida (Suicide Squad) 2016. Acción, comedia, superhéroes. 135 m. Dirigida por David Ayer. 7,5/10 (R).
4.- La autopsia de Jane Doe (2016) Terror. 86 minutos. Dirigida por André Øvredal. 7,5/10.
5.- Sully (2016). Biografía, drama. 96 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 7/10.
6.- Tarde para la ira (2016). Drama, thriller. 92 minutos. Dirigida por Raúl Arévalo. 7/10.
7.- El Clan (2015) Biografía, drama, crimen. 108 minutos. Dirigida por Pablo Trapero. 5/10.[/b]
8.- Sausage Party (2016) Animación, aventuras, comedia. 89 minutos. Dirigida por Greg Tiernan y Conrad Vernon. 5/10.[/b]
9.- ARQ (2016). Ciencia-ficción, thriller. 88 minutos. Dirigida por Tony Elliot. 5,5/10.
10.- Doctor Strange (2016). Acción, aventuras, superhéroes. 115 minutos. Dirigida por Scott Derrickson. 7,5/10.[/b]
11.- Ugly (2013) Crimen, drama, misterio. 128 minutos. Dirigida por Anurag Kashyap. 8/10.[/b]
12.- Hacksaw Ridge (Hasta el último hombre) 2016. Bélica, biografía, drama. 139 minutos. Dirigida por Mel Gibson. 7,5/10.[/b]

13.- Logan (2017). Acción, drama, sci-fi. 137 minutos. Dirigida por James Mangold. 8/10.

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Gran despedida del personaje que durante 17 años ha interpretado Hugh Jackman. Asumiendo que a pesar de los comentarios, no se trataba de llevar el cómic de Mark Millar al cine, la película es redonda salvo por un par de detalles. Partiendo de la idea de un Lobezno viejuno en un futuro distópico donde no existen los X-Men, el road-trip, etc.. cambia todo aquello que no se podía llevar del cómic al cine por la presencia de la niña, que sin duda es todo un acierto de casting. Entretenida, distinta, emocionante, para mí lo único que falla son los diálogos (un poco absurdos por momentos) y algo que no diré por aquello de los spoilers. También creo que, como casi siempre, pierde bastante por culpa del doblaje, pero seguramente la veré en V.O. para comprobarlo.

Salu2
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guillermo2442
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Re: Contador de películas 2017

por guillermo2442 » 10 Mar 2017, 12:36

Más mediometraje que película pero bueno, me apetecía más hablar sobre ella que otras.

30-Hubert Robert: Una vida afortunada-6

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Sokurov es uno de los maestros del nuevo cine ruso (aunque atención, sus primeros trabajos se remontan ni más ni menos que a los años setenta, con la URSS en pleno auge). No en vano, fue tomado por el propio Tarkovsky como su sucesor. Y es cierto que en el cine del primero encontramos trazas ineludibles de la huella del maestro soviético, pero no lo es menos, que la filmografía de Sokurov se ha convertido en una de las más sólidas, tanto por calidad como por diversidad, del cine internacional. La única pena es el poco presupuesto con el que han contado el noventa y nueve por ciento de sus películas, a excepción quizá, de la más célebre (si hablamos de eco internacional), como fue рускии ковчег (El arca rusa, 2002), donde el cineasta, en un ejercicio de estilo (el más acentuado de toda su carrera, lo que ya es decir) nos presentaba una singular historia del Hermitage y por ende, de San Petersburgo y Rusia, tomado en un único plano secuencia. Y eso, que el filme, duraba tan sólo la friolera de tres horas. Pues bien, la película o mejor dicho, el mediometraje que comentamos hoy, tiene una relación con el Arca Rusa, en cuanto nos presenta un documental sobre una de las figuras artísticas que se expone en el museo, como es el pintor de origen francés, Robert Hubert. El documental, titulado, робер счастливая жизнь (Hubert Robert, una vida afortunada, 1996) nos presenta de manera muy sui generis, la vida y obra de este pintor, que consiguió sobrevivir a la revolución francesa prácticamente de milagro.

Y es que Soukorov tiene una larga dilata experiencia con el género documental. Gran parte de su carrera está cimentada precisamente en numerosos documentales que con una visión poética, están centradas en la cultura e historia Rusa.

El argumento del filme es bastante sencillo, y se divide en dos vías. Por una parte, el cineasta nos presenta una historia personal, un acto de teatro clásico japonés al que asiste. Por otra, se dedica a rodar diversos planos del Hermitage y cuadros de Robert Hubert, mientras con su propia voz en off como narrador, nos explica sus propias sensaciones sobre la obra del artista francés. Lejos de un relato historicista o académico (los datos biográficos son los justos y necesarios) ,la historia se centra más en las propias impresiones personales del cineasta sobre la obra de Hubert. De una manera muy comedida pero en la que se intuye la propia pasión del director por el arte de Hubert se disecciona, con imágenes, la obra del francés. Lo más interesante sin duda son los detalles en los que se explaya el director, con planos detalle de sus obras, y de las que Sokurov muestra un ojo clínico.

Por ejemplo, el cineasta nos presenta repetidamente un plano que capta un pequeño autorretrato del propio Hubert, tumbado mientras dibuja y observa las ruinas romanas. No es casualidad, y este plano tiene una significación especial, además de ser uno de los temas de la película. El propio Hubert, se autorretrató magníficamente con asombro ante lo que estaba ante sus ojos (la grandiosidad romana) y que en realidad puede aludir tanto al cineasta como al propio espectador, absorto ante el arte.

Leyendo entre líneas, no es difícil reconocer el porqué Hubert es el pintor favorito del siglo XVIII de Sokurov, como él mismo reconoce. El propio cineasta utiliza el documental con un tono más que sobrio para plasmar sus difusos pensamientos sobre el pintor, algo que es más que un síntoma. El neoclasicismo de Hubert, pero también sus fantasías en las que se anticipaba un incipiente romanticismo (fijémonos sino en como retrata la arquitectura romana, como dice el propio Sokurov, engrandeciedola de manera fantasiosa, porque nunca existió así) son una de las marcas del estilo del filme.

Quizá, el único pego que se le puede poner a la pieza es la poca conexión que presentan ambas partes con las que juega el filme. La pieza de teatro japonés y las pinturas de Robert Hubert van por dos caminos totalmente opuestos, y aunque al final si consiguen unirse, es cierto que al principio resulta ciertamente desconcertante la presentación

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Genjuro
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Re: Contador de películas 2017

por Genjuro » 11 Mar 2017, 11:54

110. Der Apfel ist ab (Helmut Käutner, 1948) - 3

Una obra de posguerra que huye conscientemente y a ojos vista del Trümmerfilm hacia los terrenos de la fantasía alegórica. La razón por la cual Adán está al borde del suicidio tendría que ver con el horror nazi que acaba de suceder, pero el film utiliza a dos mujeres, su esposa y su primer amor, como metáfora de su desventura y acaba en un centro psiquiátrico para reponerse, donde tiene un sueño en el que las referencias al Génesis, que ya están presentes desde el primer momento, toman control absoluto. Y la verdad es que me cuesta sobrellevar tanto decorado y espíritu naif, no le termino de ver la gracia. Y además la historia pretende banalizar y difuminar el mal de manera bastante grosera. Que en otro lugar o momento histórico no pasa nada, incluso puede tener su aquel, pero con los hornos todavía humeantes queda feo.


111. Temporada de patos (Fernando Eimbcke, 2004) - 5,5

La ópera prima de Eimbcke ya muestra los rasgos principales de lo que será su cine: el minimalismo formal, aquí exacerbado por la unidad espacial y la aparente falta de progresión en la acción; y el tratamiento de adolescencia en lo temático, el despertar sexual o las conflictivas relaciones paternofiliales. Los cuatro personajes que se juntan en un piso, dos amigos una vecina y un repartidor de pizzas, tienen algo de huérfanos cada unos, así como algo que ofrecer al resto para mitigar ese sentimiento. Es una obra agradable en su dibujo de personajes, que se abona al plano fijo (y que también abusa de los fundidos a negro), pero que en su voluntad por ser pequeña se me queda un poco... pequeña.


112. Homeland (Iraq Year Zero) (Abbas Fahdel, 2015) - 6,5

Una obra que documenta la vida en Iraq inmediatamente antes y después de la invasión liderada por Estados Unidos en 2003. Fahdel filma sobretodo a su familia, hermanos, cuñados, sobrinos, y también toma el pulso a la calle. De la resignación y los preparativos de un pueblo acostumbrado a experiencias bélicas, pasamos al caos posterior, el miedo y la inseguridad, a la espiral de odio que se genera por los agravios de sangre, y que se superponen a los innumerables ya existentes de tiempos de Saddam, una figura retratada a través de su permanente y ridícula deificación televisiva. La acción queda fuera de campo, y la palabra toma protagonismo, el testimonio y el relato; también su sobrino Hiyam, que sabemos de mano que morirá durante la ocupación norteamericana, y que se adueña de la pantalla con su expresividad y elocuencia. La puesta en escena tiene la fuerza de la inmediatez, de la ausencia de filtros estetizantes.


113. Der verzauberte Tag (Peter Pewas, 1944) - 6

Una película profundamente romántica rodada en tiempos del Tercer Reich que nos ofrece las aventuras y desventuras sentimentales de dos chicas, una más formal y soñadora y la otra más alocada y pragmática, planteamiento que Pewas repetiría ajustado a los tiempos de posguerra en Street Acquaintances. El film abusa en mi opinión del montaje en paralelo de lo que va sucediendo con ambas jóvenes. Tampoco me parece afortunada la elección del galán de turno, un sosías de Miguel Marías para quien se hacen escasas las dos décadas de edad que le saca a su partenaire. Y sin embargo atesora cierto poder de fascinación, el de una obra sobre ensoñaciones y desencantos (excelente por cierto la escena onírica de la anestesia), la carga de fatalidad y la fuerza del destino que también realza la estructura en flashback, y todo ello plasmado con un infatigable ritmo narrativo.


114. Desheredados (Gerhard Lamprecht, 1925) - 7

La casualidad me ha llevado a ver otra película basada en una obra de Heinrich Zille, al igual que Mutter Krausens Fahrt in Glück, y de hecho hace un cameo en la primera escena para dar él mismo paso a la historia. Se puede rastrear su preocupación por la clase baja, por el círculo vicioso que produce la pobreza, el desempleo, el alcohol y la marginación, una temática que también frecuentaría Lamprecht en su filmografía. La historia de un ingeniero de familia acomodada que tras cumplir condena por perjurio es abandonado por sus allegados y termina cayendo en los bajos fondos nos muestra un ecosistema cruel en el que, por otra parte, también podemos encontrar amabilidad y camaradería. La galería de personajes es muy interesante, muy poco maniquea, y Lamprecht conjuga todos los elementos con aparente sencillez.


115. Fanfare (Bert Haanstra, 1958) - 6,5

Simpática, entrañable e inofensiva comedia que relata el conflicto que se establece en un pintoresco pueblo cuando la banda municipal se divide a raíz del enfrentamiento entre dos hosteleros rivales. Es un clásico de la cinematografía holandesa, de espíritu popular y aires bucólicos, dirigida con total solvencia por un Haanstra que era principalmente documentalista.


116. El viajante (Asghar Farhadi, 2016) - 6

La construcción dramática de la última obra de Farhadi es bastante típica de su cine: un hecho trágico fuera de pantalla, en elipsis, da pie a un proceso dramático bastante concentrado a nivel espacial y temporal en el que vamos descubriendo las diferentes caras de los protagonistas, para crear seres complejos con sus debilidades y en conflicto, pero cuya conducta está justificada en alguna medida. Algo así sucede con la pareja de actores protagonista tras la agresión que sufre ella mientras se duchaba en su nuevo piso. Quizás la mayor novedad provenga de las referencias artísticas a las que recurre Farhadi, que no recordaba (o identificaba) en películas precedentes suyas. La más evidente, la obra que representan los protagonistas, La muerte de un viajante, cuya historia evoca algunos rasgos del film. Pero también Gaav, el clásico del cine iraní que el hombre proyecta a sus alumnos (también es profesor de instituto), y en el que el dueño de una vaca enloquece cuando ésta desaparece, buscándola sin descanso y "transformándose" en vaca él mismo, lo cual se puede asociar a la dinámica víctima-verdugo que se genera en el film de Farhadi. En todo caso, en esta ocasión el resultado está por debajo de lo esperable. Al desarrollo dramático le termina faltando sutileza, y especialmente todo el tramo final flojea mucho con algunos recursos facilones de impacto para el espectador.


117. Das Stahltier (Willy Zielke, 1935) - 6

Una verdadera celebración del ferrocarril rodada con motivo del centenario de la primera línea de tren alemana, este singular y heterodoxo film oscila entre la recreación histórica y la vanguardia estética, con un tono predominantemente cómico. El repaso a diferentes hitos de la historia ferroviaria se complementa con secuencias de puro montaje en las que rieles y bielas se conjugan rítmicamente, con mucho lo mejor de la función, que representa el triunfo del ingenio y el emprendimiento humano. Zielke se siente más incómodo en las escenas más convencionales con personajes y diálogo. De hecho es una película marcadamente desigual, aunque el global sea positivo.


118. Nachts auf den Strassen (Rudolf Jugert, 1952) - 6,5

Entre el cine negro y el drama romántico, esta película cuenta cómo un camionero afable y honesto se ve tentado por el dinero ajeno y el adulterio en una circunstancia quizás de debilidad tras el matrimonio de su hija. Afortunadamente no se trata de hacer moralina de todo ello; como mucho se apunta a un orden vital que se estaría violentando. Pero la preocupación principal del film es explorar los sentimientos, los lazos afectivos que se mantienen o generan entre el veterano matrimonio y con la chica objeto de tentación. Una obra sólida en todos los aspectos que tampoco impresiona por nada en particular.


119. A Colt Is My Passport (Takashi Nomura, 1967) - 6,5

Joe "mofletes" Shishido vuelve a encarnar al típico tipo duro, un asesino a sueldo de élite que ve cómo se complica el procedimiento de evasión tras cumplir un contrato. Es otra de las meritorias muestras de cine negro que producía la Nikkatsu por entonces, sin la estilización de un Suzuki, pero con un sólido acabado formal. El film trata de ser relativamente minucioso en la descripción de alguna de las tareas preparatorias de este hombre, al tiempo que mantiene un muy alto ritmo narrativo. Nomura tira un poco de estereotipo, no se trabaja en demasía las relaciones entre personajes, pero el resultado es disfrutable.


120. Carrie (William Wyler, 1952) - 6,5

Hay una descoordinación permanente entre el estado vital de los personajes y sus circunstancias en este film. La protagonista Carrie se encuentra fuera de lugar cuando sale del nido familiar para llegar por primera vez a Chicago, y vive engañada en alguna manera durante todo el metraje. Igualmente George está atrapado en un matrimonio infernal, y su salida de la alta sociedad le resulta mucho más traumática de lo que él anticipaba. Los lapsos de felicidad se producen a costa de los demás o de las penalidades futuras. Todo esto viene servido por Wyler con el empaque habitual de sus dramas, y roza la excelencia en el último acto, pero tengo que admitir que Jennifer Jones me resulta bastante cargante.


121. Der Raub der Mona Lisa (Géza von Bolváry, 1931) - 6

Una muy libre recreación del famoso robo de la Mona Lisa que se produjo a principios del siglo XX a cargo de un italiano llamado Vincenzo Peruggia. En el juicio alegó que había sido por razones patrióticas, para devolver el cuadro a Italia, pero la película opta por fabular un motivo romántico, el realizar un acto extraordinario por la chica de la que se enamora. Bastante sencilla en su puesta en escena, un poco tosca puntualmente, también algo naif en algún momento, es harto interesante el tramo final de la película. Ese alegato patriótico sirve para un discurso en términos fascistas de un líder político italiano. Yo lo entiendo como una crítica, como una manera de explotar un suceso que de hecho es de otra naturaleza, como sabemos los espectadores. Pero si la película fuera posterior a 1933 tampoco me hubiera sorprendido.


122. El jardín del diablo (Henry Hathaway, 1954) - 7

Un extraño western con mucho de aventura y sus dosis de misterio. Ya desde el extraordinario tramo inicial, el forzado alto en un pueblo costero mexicano en la travesía marina de unos aventureros hacia el oro californiano, la atmósfera es poco habitual en el género. Pero aún se rarifica más cuando una mujer les contrata para ayudarla a rescatar a su marido accidentado en una mina de oro y les conduce a través de interminables jornadas a caballo hasta el lugar. Ella tiene sus altas dosis de femme fatale, no siempre conscientes, mientras que resulta muy curiosa la dinámica que se establece entre los personajes interpretados por Gary Cooper y Richard Widmark, que sugiere un substrato vagamente homosexual. Por otro lado, el peligro se hace latente, pero tarda en visualizarse, y aun así se queda siempre en el fondo del plano, manteniendo un relativo grado de abstracción para dar fuerza a la sensación de que se encuentran en territorio maldito. Uno de los puntos a favor este film es el tratamiento visual de la geografía (algún plano es simplemente espectacular). Y aunque adolezca de momentos de cuestionable coherencia argumental y en el comportamiento de los personajes, siempre permanece un cierto grado de fascinación.


Un saludo.

hoeman
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Re: Contador de películas 2017

por hoeman » 12 Mar 2017, 23:01

39. El pájaro de la felicidad (Pilar Miró, 1993) - 7,75

Drama épico individual de una mujer madura que en cierta forma se replantea su existencia, una mujer que no encaja en la sociedad y "que abraza la soledad". Muy bien rodado, transmite perfectamente el carácter y los sentimientos de la protagonista, interpretada fenomenalmente por Mercedes Samprieto.

40. El quinto poder (The Fifth Estate; Bill Condon; 2013) - 4

La versión de Wikileaks y Julian Assange de Daniel Domscheit, así que tenemos un relato muy sesgado donde nos pintan a Assange como un sociópata joputa. ¿Hasta que punto es verdad? No lo sé, pero siempre se agradecen contrapuntos. Entretenida.

41. Licencia para matar (The Eiger Sanction; Clint Eastwood; 1975) - 3,5

Film de acción-amistad entretenido aunque con muchos tópicos y bastante simplona. Entretenida.

42. Los edukadores (The Edukators (Die fetten jahre sind vorbei); Hans Weingartner; 2004) - 7,5

Notable film que mezcla con acierto idealismo y realismo, sabe mantener la tensión en todo momento y el juego que establece entre los "revolucionarios" y la burguesía es exquisito; además refleja muy bien la relación afectuosa que se establece entre los protagonistas. El final es inmejorable.

KoRnleone
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Re: Contador de películas 2017

por KoRnleone » 14 Mar 2017, 19:47

hasta el ultimo hombre 6
la dama de oro 5
pastel de pera con lavanda 6
equals 4
contratiempo 7

magnifica trama, con truco, pero aun asi magnifica. Una pena que el protagonista sea dis...digo que tenga problemas de dicción.

criando ratas 5
morgan 6

Mejor de los esperado. Pelicula de Sci-fi sobre la IA. Con un buen final.

marte 9

reviosionando esta estupenda pelicula.

que dios nos perdone 10

Brutal, en todos los sentidos. Dramatica, dura, unos actores en estado de gracia, un gran guion...

los hombres libres de jones 5
la adopcion 5

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Dezsö Kosztolányi
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Re: Contador de películas 2017

por Dezsö Kosztolányi » 15 Mar 2017, 07:50

Dr. Strange: no sé cuántas veces he dicho lo mismo: "enésima película de superheroes con el mismo patrón", pero el caso es que sigo viéndolas. Bien el bueno de Benedict en un papel que ya sabíamos que le iba a ir como anillo al dedo, bien los efectos especiales aunque pueden llegar a ser un tanto repetitivos. De cualquier manera, una película con Rachel McAdams siempre merece la pena ser vista :amor:

Hacksaw Ridge: fantasmada del copón, con personaje principal que no hay quien se lo crea (no me meto tanto con Garfield como actor sino con la caracterización tremendamente infantil y tonta del personaje), unos secundarios que están muy bien (Hugo Weaving debería de haber ganado algún premio como secundario) salvo VV (al que no soporto en su papel estereotipado de sargento gritón), y unas escenas bélicas que seguramente sean lo mejor del Siglo XXI en este tema.

Arrival: tenía muchas ganas de ver esta película, y me ha gustado bastante. La trama está muy bien llevada, las actuaciones son correctas (me cuesta ver a Renner y a Whitaker en sus personajes, pero me valen) y me creo toda la historia. El único pero son los últimos diez minutos finales, que son un subrayado absurdo e innecesario. Es la primera película que veo de este director y me da esperanzas para la nueva versión de Dune.

Hell or High Water: normalmente suelo ver las películas dobladas a castellano, pero he hecho una excepción en esta y creo que ha merecido la pena. Gran película. Ben Foster va camino de ser un muy buen actor. Contenida, sencilla, sobria, directa... de lo mejor que he visto últimamente.

Julieta: he hecho de tripas corazón y me he atrevido a ver la nueva de Almodovar, pero es que no puedo con este director. Todo es un drama siempre, cada escena, cada... "todo" es siempre una tragedia, y los personajes se mueven a base de dramas exagerados. Si esta historia la pillaran los Coen, como en Llewyn Davis, y la hicieran más mundana, quedaría genial, pero no puedo con el rollo del manchego. Es superior a mí. Tampoco creo que la actuación de Emma Suárez sea precisamente memorable, pero imagino que no hay muchos papeles decentes para actrices en el mercado español.

Kuro y las cuerdas mágicas: ni fu ni fa. Da la sensación de que el tema asiático está muy de moda, pero veo esta película muy del montón.

La fiesta de las salchichas: una mierda tremenda. Que una patina de "crítica" a la religión no esconda la tremenda bazofia que es.

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guillermo2442
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Re: Contador de películas 2017

por guillermo2442 » 15 Mar 2017, 19:59

31-El zar-6

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Царь (el zar, 2009) se trata de una película rusa dirigida en el año 2009 por Pavel Lungin. La película está directamente relacionada con la película que previamente a esta dirigió el cineasta, Остров (Exorcismo, 2006). No sólo porque ambas comparten actor principal, Pyotr Mamonov, sino porque tienen un trasfondo ideológico muy parecido, puesto que ambas película discuten el fervor religioso y su sitio (tanto pasado como actual) en la sociedad rusa.

El argumento utiliza una base histórica, como es el gobierno de Iván IV de Rusia, apodado con el sobrenombre de terrible, y se centra en un historia desconocida para el público español, como es la relación entre el metropolit (cargo religioso de la Rusia zarista) Filipo y el Zar. La película sigue más o menos el argumento histórico real, es decir, la llamada de Filipo a la capital de entonces, Moscú, para servir como líder religioso. Pero a pesar de la amistad inicial entre ambos personajes, pronto empezarán las hostilidades, debido a las obvias diferencias ideológicas entre ambos.

Como decía, tanto el zar como Exorcismo, deben verse como una dupla del cineasta, quien trata conjuntamente el tema de la obsesión religiosa. De hecho, y a pesar del título, el protagonista de el zar podría ser perfectamente el personaje de Metropolit que interpreta Oleg Yankovskiy. La cara y la cruz de una moneda. Ambas obras diseccionan el corazón de la ortodoxia rusa, y se adentran en los problemas y contradicciones de dicho movimiento.

La secuencia inicial está realmente bien pensada, y la utiliza el cineasta para construir un eje principal que continuará hasta el final de la película. En una celda, un hombre que reza desesperadamente nos muestra la pasión religiosa más exacerbada. Viste como un pordiosero, lo que hace confundir al espectador, que lo toma precisamente por el personaje de Filipo. Sin embargo, la sorpresa es mayúscula, cuando nos enteramos que en realidad se trata del zar. De hecho, gran parte del metraje se centrará sobre este debate, es decir, donde reside la auténtica fe. Por más que nuestro rey se dedique en cuerpo y alma en la búsqueda de un Dios, y su voluntad esté totalmente dirimida a este propósito, las acciones del zar contradicen totalmente sus pensamientos. Aquí, el cineasta nos presenta elegantemente la dicotomía entre el poder y la religión. ¿A quién servir? ¿Puede el poder seguir la moral cristiana? Continuamente se nos presenta a nuestro protagonista abusando de su poder político, aunque esto vaya en contra de su moral cristiana. La película nos dibuja a un zar enfermizo, inseguro e incapaz de actuar por su cuenta, obligado siempre, por sus propios instintos y las necesidades del poder, a tomar decisiones horribles. Por el lado contrario tenemos al personaje que interpreta Oleg Yankovskiy, el metropolit que a pesar de su inquebrantable fe, nunca se muestra presuntuoso. La comparación entre los dos personajes es más que evidente, mientras uno actúa con la falsa palabra, el otro lo hace con los hechos. La película se convierte pues en una elegante parábola, que culmina en un final tan trágico como ineludible a tenor de lo que propone la propia película, esto es, el poder y el mal están continuamente asociados y forman una pareja indisociable, mientras que el bien se encuentra precisamente en los detalles más mundanos, como nos muestra el personaje de la niña. De paso, el guión tiene también la sensibilidad de presentarnos los horrores de la guerra (la violencia, en el fondo, no deja de ser uno de los pilares que tiene el poder para legitimarse, véase si no la secuencia de la tortura a los presos, o la lucha contra el oso), a pesar de que la batalla está realmente mal filmada, todo sea dicho.

La ambientación está bastante bien cuidada, y no tiene reparos en compararse con otras superproducciones. La reconstrucción del Moscú del S.XVI resulta sorprendente no por la magnificencia, sino precisamente por la realidad austera con la que el cineasta la retrata, y que se acerca bastante a la realidad de lo que por aquel entonces debería ser Moscú. Lo mismo se puede decir de la corte que rodea al monarca, los personajes de la Oprichina (la sociedad que creó Iván IV a modo de poder que fuera capaz de contrarrestar la autoridad de los boyardos)

Por cierto, a diferencia de Exorcismo, Tsar es una película mucho más abierta para el resto del mundo occidental. Los debates que presenta la película son mucho más comprensibles que los que encontrábamos en el filme anterior, Exorcismo, una película mucho más hermética y encerrada en sí misma.

https://neokunst.wordpress.com/2017/03/ ... 1%8C-2009/

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Re: Contador de películas 2017

por SiCkO! » 15 Mar 2017, 20:59

Bundy, ¿fuíste a la premiere de ''Incerta glòria''?

Núria Prims está espectacular. Oriol Plà también me gustó mucho. Lástima que con la de cuota de pantalla que se come Marcel Borràs, no se pueda decir lo mismo.
Me parecieron un poco atropellados los movimientos de cámara de la primera parte de la película. Quizás era por mi posición en la sala, pero me distraían mucho la atención.

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Re: Contador de películas 2017

por Bundy » 15 Mar 2017, 21:12

SiCkO! escribió:Bundy, ¿fuíste a la premiere de ''Incerta glòria''?

Núria Prims está espectacular. Oriol Plà también me gustó mucho. Lástima que con la de cuota de pantalla que se come Marcel Borràs, no se pueda decir lo mismo.
Me parecieron un poco atropellados los movimientos de cámara de la primera parte de la película. Quizás era por mi posición en la sala, pero me distraían mucho la atención.


Nope, no me mandaron siquiera pase, aunque la acabaré viendo por mi cuenta.
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Re: Contador de películas 2017

por Bundy » 17 Mar 2017, 14:45

No me mola mucho el doblepost, pero vamos allá.

35.-Crudo (Julia Ducornau, 2016)

Alegoría descarnada de la sexualidad dentro de la mujer y trasladada también a la familia. En este caso, toda la sexualidad se sustituye por la carne, el sexo es sustituido por el gore e incluso lo contamina y el rollo vegetariano-canibalismo sirve de telón de superficie para hablar de la represión sexual y la liberación absoluta posterior, en tanto que los personajes principales de la familia son más sujetos de deseo que objetos. La inversión en este caso cuaja cuando se llega a la parte final, en la que se redimensiona el concepto de la historia. El concepto no deja de ser interesante así como el juego con la música, la actuación y la dirección, en tanto que sin hacer mucho Ducornau sabe resaltar muy bien el deseo de alimentarse de la protagonista. Le falla, sin embargo, una ramplonería videoclipera en algunos aspectos (supongo que para resaltar el tono de la locura juvenil trasladado a una fase bizarra) que la lastra, pero vamos, está justificado su hype...aunque no sea de la manera esperada.

Le doy un 6'25.
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Re: Contador de películas 2017

por zeratul » 17 Mar 2017, 17:49

Un repaso en profundidad que he escrito acerca de la trayectoria en salas internacionales de TRUMAN de Cesc Gay, que se estrena dentro de en unas semanas en EEUU y ha viajado bien por el exterior (por cierto, está nominada a Mejor Peli Europea en los Donatello italianos de final de este mes). También abordo un poco el caso de 'Cien años de perdón':

http://cinemania.elmundo.es/noticias/ex ... -uu-abril/



Os recuerdo lo del post de la votación del cine mudo, por si queréis aprovechar y ver cosas. No sé cuándo lo pondré en marcha pero será durante la primavera.


En taro adun
VAMPYR - Diario online de cine: http://www.cinevampyr.com

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Genjuro
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Re: Contador de películas 2017

por Genjuro » 18 Mar 2017, 12:14

123. Der Haupmann von Köpenick (Richard Oswald, 1931) - 6,5

Basado en un suceso real ocurrido a principios de siglo, cuando un zapatero se hizo pasar por capitán y mandó arrestar a un alcalde y un tesorero, estremece la lucidez de la historia en vísperas de lo que estaba por llegar. El film pone en solfa a un país cuadriculado, rendido a las reglas y la burocracia administrativa, al militarismo y la jerarquía, en el cual se cumplen órdenes sin cuestionar su pertinencia, coherencia o justificación. Eso sí, quizás le falte cierta fluidez estética, como a Der Raub der Mona Lisa, con la que guarda curiosos paralelismos, producto seguramente de su año de producción.


124. El príncipe de los zorros (Henry King, 1949) - 7

La Italia renacentista, la de la ebullición artística y la del triunfo de las tesis maquiavélicas, es el escenario de este film de poso romántico. El contexto político cobra mucha importancia en la aventura personal de su protagonista, un arribista al servicio de César Borgia y, como su señor, dispuesto a todo con tal de ganar poder y dinero. Un guión ingenioso sin resultar cargante ni pesado, un abanico tonal manejado con mucha habilidad de la comedia al drama, una puesta en escena sencilla y elegante que se beneficia del rodaje en escenarios reales italianos, o un trabajo actoral muy sólido (a pesar de la competición de enarcamiento de cejas que entablan Orson Welles y Everett Sloane), dan como resultado una notable película.


125. Liebe '47 (Wolfgang Liebeneier, 1949) - 6

De todos los Trümmerfilms que llevo vistos dudo que alguno sea más oscuro y pesadillesco que éste. Incluso la nota positiva y optimista con la que inevitablemente se cierran estos films es mucho más discreta que de costumbre. No es de extrañar considerando su argumento, el de dos personas que se conocen cuando están a punto de suicidarse y se cuentan el uno al otro sus vivencias. Más allá de las muy dolorosas pérdidas de seres queridos, en ella pesa la mercantilización de toda la realidad que conoce, mientras que él no consigue aligerar la carga de la conciencia por los soldados que llevó a la muerte. Son llamativas las escenas que visualizan las pesadillas de él, una fantasía tétrica que hace de su vida un infierno. Sin duda es una obra interesante, pero se entrega al patetismo peligrosamente.


126. Siempre hace buen tiempo (Gene Kelly & Stanley Donen, 1955) - 5

El retorno de la guerra ofrece en este musical un curioso contraste con la película anterior, como si los tres inseparables soldados llegaran de un alegre picnic. La decepción viene después, cuando al reunirse diez años más tarde toman conciencia de lo que ha cambiado sus vidas y les ha separado. La tercera asociación entre Gene Kelly y Stanley Donen da lugar a una obra muy irregular, cuyo hilo dramático no resulta especialmente estimulante, a pesar de la sátira que hace de la televisión, y cuyos números musicales van de lo excelente (Kelly en patines) a lo insoportable (la bochornosa adaptación de El Danubio Azul), aunque he de admitir que no soy un gran amante del género.


127. Muchachas de Viena (Willi Forst, 1949) - 6,5

Aquí encontramos al Forst más festivo, que celebra la música vienesa y la sociedad del cambio de siglo a través de una especie de biopic "operetizado" del compositor Karl Michael Ziehrer, reconocido autor de valses y, claro está, de sus queridas operetas. Comedia y romance se dan la mano en esta obra colorista, en permanente movimiento, y con un sentimiento de grandeza que quizás se le va un poco de la mano en la culminación con la batalla de las bandas.


128. A 23 pasos de Baker Street (Henry Hathaway, 1954) - 7

Londres es quizás la gran protagonista de esta intriga criminal. Muchos de sus elementos más icónicos están presentes, edificios, el Támesis, los buses, las cabinas telefónicas, los pubs, incluso esa niebla que da un aspecto fantasmal al paisaje. De hecho, dentro del excelente trabajo visual que disfruta el film, que saca partido de su formato scope, hay planos del río con bruma y el sol tendido que parecen evocar la pintura de Turner. Es lo más disfrutable de una obra muy efectiva por lo demás, protagonizada por un dramaturgo norteamericano enfadado con el mundo y con la vida por haberse quedado ciego, pero que por azar escucha una conversación de unos previsibles criminales.


129. Misterios de un alma (G.W. Pabst, 1926) - 5,5

Film menor de la excelente etapa muda de Pabst, que explota argumentalmente la temática psicoanalista. Un hombre felizmente casado desarrolla la incapacidad patológica de coger cuchillos y además siente impulsos homicidas hacia su querida mujer. El elemento central del film es un sueño en el que emergen sus temores subconscientes, y también a nivel estético supone el punto de mayor interés gracias a su despliegue expresionista, aunque tampoco me ha parecido especialmente brillante. El film se hace repetitivo por la necesidad que siente Pabst de volver a ofrecer casi lo que hemos visto en su primera mitad durante la terapia psicoanalítica, además de la inevitable simplificación de ésta. Tampoco juega a favor de la película los típicos desmanes con las edades de los personajes: la pareja en la ficción creció junta desde pequeños pero el actor le saca 15 años nada disimulados (más bien al contrario) a ella. De hecho la actriz que encarna a la madre del protagonista le saca sólo ocho años al actor que interpreta a su propio hijo, una cercanía generacional más que evidente en pantalla.


130. An Actor's Revenge (Masahiro Makino, 1959) - 6,5

Adaptación poco conocida de la obra de Otokichi Mikami, llevada a la pantalla grande al menos media docena de veces, cuenta la venganza de un actor kabuki sobre los hombres responsables de la muerte de sus padres. Lejos del cuidado estético y la intensidad dramática de la versión de Ichikawa, la más popular, Makino aporta su estilo habitual, la ligereza y armonía de su narración, el muy medido tono que alterna comedia y drama, también en este caso el sentido comunal de algunos de sus films, que encuentran en el colectivo casi que hasta un sentido existencial. Así todo se hecha de menos alguno de los momentos mágicos que nos regalan sus mejores películas.


131. Adiós, Mr. Chips (Sam Wood, 1939) - 6,5

La historia de un profesor que pasa más de seis décadas enseñando en un colegio de rancio abolengo, convertido en toda una institución querida por todos que, como se encarga de mostrarnos su estructura en flash-back, tuvo unos comienzos difíciles dado su carácter tímido, incluso un poco pusilánime. El film busca la complicidad del espectador a veces con demasiada evidencia, especialmente explotando su vena sentimental, pero se mantiene siempre elegante en las formas, y en la dirección de Wood apenas queda rastro del acartonamiento que en otras ocasiones sí me ha parecido percibir.


132. El asesino en la sombra (Arthur Maria Rabenalt, 1961) - 6,5

Un policíaco rodado en Viena en el que seguimos las investigación del asesinato de una empresaria textil. Destaca el tono sutilmente cómico, casi como de farsa, que proporciona sobretodo el investigador principal del crimen con su aparente ligereza y causticidad, pero que incluso está presente de manera muy obvia en ese escaso presente diegético que introduce el flash-back del pasado inmediato. El film avanza con excelente ritmo narrativo y ciertas dosis de ingenio hacia una suerte de whodunit, y se erige en una obra disfrutable.


133. Innocence (Lucile Hadzihalilovic, 2004) - 7

Es curioso comprobar cómo la opera prima de Hadzihalilovic anticipa tantas cosas de su reciente Evolution, y en mi opinión de manera más lograda. De nuevo nos adentramos en un microcosmos con unas extrañas reglas de comportamiento, sin figura paterna, aquí de hecho sin presencia masculina física en casi la totalidad del film, pero seguramente sí en espíritu, en el rígido patrón reglamentario que deben seguir las niñas que pasan su infancia en una misteriosa institución apartadas del mundo. Entiendo el film como una metáfora de la sociedad, de los patrones de comportamiento que la han ido construyendo, aquí reformulados y descontextualizados para destacar el absurdo de la situación. El sentimiento de amenaza y la sexualidad son dos fuerzas latentes que se entrecruzan por momentos. La película se abona a la metáfora de la mariposa, quizás con demasiado descaro, desde una óptica en parte entomológica. Y es que los planos cenitales no son azarosos, sino la observación externa de un orden social y faunístico. Es una de las características de una puesta en escena muy cuidada, de planos elegantes y equilibrados, ordenados al igual que la dinámica de la institución que retrata, que alterna perfectamente el acercamiento naturalista a las niñas, a menudo luminoso, con la sensación de extrañamiento de las escenas más inquietantes, y que trabaja el color con sentido (los lazos cuyo color identifica el estadio en el que se encuentra cada niña resaltan vivamente sobre fondos habitualmente más neutros). Por supuesto se le puede achacar a la película que ponga su discurso y su esquema argumental por encima de los personajes, cuya importancia individual corre el riesgo de relativizarse, pero creo que el global merece la pena.

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Re: Contador de películas 2017

por sniper » 18 Mar 2017, 13:16

Anoche vi Logan, me pareció un poco sobrevalorada, incluso he leido por ahi que es la mejor peli de superheroes :roll: :roll:

Es diferente, original, un road movie, pero le falta chicha, la veo muy plana
igual esperaba un sacrificio mas heroico del bueno de Logan

Xavier bueno, ahí está, una fuerte poco memorable para lo que significaba el personaje
Eche en falta algun flashback o explicación de como se extinguieron los mutantes
Muy repetitivo el dejar claro que logan es un borracho y un viejo cascarrabias que se estaba muriendo, aqui podria haber metido que se estaba muriendo de cancer o de intoxicacion de adamantiun o algo...

Con decir que la escena que mas me gusto fue la del giro de la X...

Le doy un 6
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