47.- Spider Hole.- 3,5.
La pelicula es mala con avaricia, aburrida, llena de topicos (asesino al que se puede matar y no se le remata para que pueda perserguirte) y estupideces aún mayores como encontrar restos de cadaveres en un sotano, una chica querer irse de ahí y los otros convenciendola de que no, que lo mejor es pasar la noche en dicha morada).
Va de estupidez en estupidez, hasta que llegan al último plano que es excelente y por lo que a una pelicula digna de un uno, como mucho, le pongo un tres y medio.
Contador de películas 2017
La vida al margen del deporte (la hay)
242. Lisice (Krsto Papic, 1969) - 6,5
Estamos en 1948, con Yugoslavia definiendo su papel geopolítico al dar la espalda a Stalin. El film transcurre en una recóndita aldea con un planteamiento bastante minimalista: se celebra una boda y la fiesta se ensombrece cuando hacen acto de presencia la pareja de policías locales, ante la expectativa de alguna detención inminente. El dibujo social que traza el film es demoledor, quizás hasta el exceso. Las imágenes reflejan un sentimiento atávico que resuena profundamente en el posterior devenir histórico del país. Empezando por el retrato del cabecilla, supuesto héroe durante la liberación, investido de un prestigio y un poder que recuerdan al de un jefe mafioso. En el otro extremo están las mujeres, víctimas de un machismo rampante. Y por otro lado hay una crítica implícita a la supuesta justicia del poder político, capaz de sacrificar incluso a quienes han permitido la creación de ese poder. La puesta en escena ofrece algunos momentos realmente buenos, como la secuencia introductoria, una detención resuelta sin diálogos. Después hay una preocupación por resaltar los aspectos etnográficos imbricados con la narración, pero servidos a través de imágenes más bien ásperas.
243. El cisne negro (Henry King, 1942) - 7
Tengo especial debilidad por las películas clásicas de piratas, y ésta es una notable muestra del género. El capitán que la protagoniza tiene ocasión de pasar al otro lado de la ley y servir a la autoridad, al tiempo que se enamora de la hija del anterior gobernador de Jamaica. Por tanto el film juega constantemente al contraste entre ambos modos de vida, que en el fondo tienen mucho más en común que lo que las apariencias dan a entender. También emerge poderosa la vena aventurera, un polo de atracción tan fuerte para los personajes como para el espectador. Lástima que el excelente trabajo de puesta en escena de King se vea empañado por lo evidentes y cutres que resultan las transparencias (la escena del carruaje descubierto es particularmente dolorosa a los ojos), pero en todo caso sus imágenes, la paleta de colores profundos, consigue reforzar el carácter romántico de la película.
244. Field Lilies (Elo Havetta, 1972) - 6,5
Con rebajadas dosis de surrealismo respecto a Celebration in the Botanical Garden, Havetta mantiene la vitalidad y locura de aquella en esta historia de veteranos de la Primera Guerra Mundial incapaces de readaptarse a la vida convencional. Su condición de vagabundos, incluso de pequeño-delincuentes, contrasta con la rutina laboral del mundo rural en el que se mueven. De alguna manera el film reivindica a quienes están fuera del sistema. La música cobra una gran importancia en la película, a veces definiendo personajes o situaciones, en ocasiones utilizada con ironía, y forma parte integral de una puesta en escena libérrima que da réplica al espíritu de los personajes. Havetta juega además con los cromatismos, planteando el grueso de la narración en blanco y negro y finalizando en color, mientras utiliza por el camino algunos efectos monocromáticos.
245. Nuestro hombre en La Habana (Carol Reed, 1959) - 7
Realizada justo antes del triunfo de la Revolución, de mano podría parecer algún tipo de lejano remedo caribeño de su mayor éxito, El tercer hombre, al involucrar a un hombre corriente en una situación de peligro en una pintoresca ciudad extranjera. Pero la filiación decididamente cómica de ésta deja poco espacio al paralelismo. El hombre captado por los servicios secretos británicos para realizar labores de inteligencia en Cuba, ante su incapacidad para el servicio, opta por abrazar la creatividad y se inventa todo tipo de agentes e instalaciones militares. La sutil farsa se acomoda en una obra que sugiere que el espionaje (y por extensión otras laboras de confrontación) puede acabar siendo un fin en sí mismo, generando conflictos donde quizás no haya nada. La atmósfera local está muy bien capturada por la puesta en escena de Reed, que utiliza un tono ligero para narrar situaciones que no siempre lo son.
246. La gata (Margarita Alexandre & Rafael María Torrecilla, 1956) - 6
Un drama pasional alrededor del mundo de la cría de toros de lidia, cargado de fatalidad ya desde el momento en que se dispone la estructura en flash-back. Su protagonista cuenta su relación con "la gata", la hija del administrador de un cortijo. Veo un paralelismo sexual bastante curioso entre su condición de donjuán y su hábito de torear a las reses furtivamente, lo que supone "desvirgarlas" y malearlas para la faena. Es esta segunda circunstancia la que gana fuerza narrativa según avanza el metraje, pero a veces me queda la sensación de que la película se estanca y su interés decae. No ayudan unos diálogos desiguales, a veces decididamente sosos. Por contra, su punto fuerte reside en su trabajo visual. Al parecer se trata de la primera película española rodada en Cinemascope, y sorprende todo el partido que se le saca, lo bien aprovechado que está el formato ancho, el gusto y la funcionalidad en el encuadre (excepto algún momento aislado, como por ejemplo un par de entradas de personajes por un lado del cuadro sin mayor elaboración visual). La introducción en particular me parece excelente, misteriosa y pictórica.
247. Teticka (Martin Fric, 1941) - 5,5
Una comedia bastante inofensiva sobre un rica solterona que sólo interesa a sus familiares en tanto en cuanto herederos. Tiene algunos apuntes románticos interesantes, ya que esta mujer tiene un pretendiente pero vive del recuerdo de un amor pretérito nunca concretado, y la comicidad gana enteros en todo el bloque final en su casa/mansión, cuando además la puesta en escena se hace más notoria con los ramalazos de terror escenográfico que se orquestan. En fin, que se ve con cierto agrado pero deja poco poso.
248. Nevada Smith (Henry Hathaway, 1966) - 6,5
Como tantos otros westerns, éste trata la historia de una venganza, la de un joven mestizo (interpretado por un demasiado veterano y blanco Steve McQueen) que busca a los tres hombres que mataron a sus padres. Aunque los diálogos ya se encargan de hacerlo explícito, no deja de ser interesante el proceso por el cual esta venganza y el odio que conlleva le va transformando en alguna medida en aquello mismo que pretende combatir. Es una obra bastante clásica realizada ya en el tiempo de descuento del clasicismo del género, que se va creciendo según avanza el metraje, dirigida con oficio, pero que no llega al nivel de lo más granado de Hathaway.
249. Vámonos con Pancho Villa! (Fernando Fuentes, 1936) - 6,5
Hay un extraño choque de fuerzas tonales en esta película, seguramente uno de sus valores más acusados. La historia de un grupo de valientes campesinos que se unen al ejército de Pancho Villa comienza como una comedia al borde de la farsa. Los episodios bélicos están resueltos de una manera un tanto casual, aunque puedan acarrear serias consecuencias. El contraste tragicómico se hace más evidente según avanza el metraje, hasta dejar la sonrisa totalmente congelada (todavía mucho más aún con el final adicional que finalmente se descartó). Más que desidealizar la figura del revolucionario, que también (las tropas gubernamentales salen peor paradas), pienso que el film deja constancia de crueldad implícita a la guerra. Es un conflicto resuelto con violencia y muerte, y cuanta más, más eficacia. ¿Cuál es el límite? La puesta en escena está realmente bien, sobretodo fuera del campo de batalla, y además se nota la movilización de recursos en las escenas más multitudinarias, siendo una obra que entiendo captura muy bien el espíritu popular mexicano.
250. Hotel for Strangers (Antonín Mása, 1967) - 6,5
Una narración kafkiana que va dando progresivamente paso al absurdo al reconstruir la estancia en un hotel de un hombre que es asesinado allí mismo. En realidad hay una lógica diegética en ese absurdo, ya que la reconstrucción se hace en base a unas notas mayormente incoherentes que el protagonista, poeta de vocación, ha dejado a su muerte. En todo caso, esa circunstancia narrativa pone de manifiesto la volubilidad tanto de los sentimientos como de las percepciones. El formato cuadrado que emplea Mása encaja estéticamente con una ambientación cercana al cambio de siglo, evocando en ocasiones al cine mudo sin dejar de resultar profundamente contemporánea.
Un saludo.
Estamos en 1948, con Yugoslavia definiendo su papel geopolítico al dar la espalda a Stalin. El film transcurre en una recóndita aldea con un planteamiento bastante minimalista: se celebra una boda y la fiesta se ensombrece cuando hacen acto de presencia la pareja de policías locales, ante la expectativa de alguna detención inminente. El dibujo social que traza el film es demoledor, quizás hasta el exceso. Las imágenes reflejan un sentimiento atávico que resuena profundamente en el posterior devenir histórico del país. Empezando por el retrato del cabecilla, supuesto héroe durante la liberación, investido de un prestigio y un poder que recuerdan al de un jefe mafioso. En el otro extremo están las mujeres, víctimas de un machismo rampante. Y por otro lado hay una crítica implícita a la supuesta justicia del poder político, capaz de sacrificar incluso a quienes han permitido la creación de ese poder. La puesta en escena ofrece algunos momentos realmente buenos, como la secuencia introductoria, una detención resuelta sin diálogos. Después hay una preocupación por resaltar los aspectos etnográficos imbricados con la narración, pero servidos a través de imágenes más bien ásperas.
243. El cisne negro (Henry King, 1942) - 7
Tengo especial debilidad por las películas clásicas de piratas, y ésta es una notable muestra del género. El capitán que la protagoniza tiene ocasión de pasar al otro lado de la ley y servir a la autoridad, al tiempo que se enamora de la hija del anterior gobernador de Jamaica. Por tanto el film juega constantemente al contraste entre ambos modos de vida, que en el fondo tienen mucho más en común que lo que las apariencias dan a entender. También emerge poderosa la vena aventurera, un polo de atracción tan fuerte para los personajes como para el espectador. Lástima que el excelente trabajo de puesta en escena de King se vea empañado por lo evidentes y cutres que resultan las transparencias (la escena del carruaje descubierto es particularmente dolorosa a los ojos), pero en todo caso sus imágenes, la paleta de colores profundos, consigue reforzar el carácter romántico de la película.
244. Field Lilies (Elo Havetta, 1972) - 6,5
Con rebajadas dosis de surrealismo respecto a Celebration in the Botanical Garden, Havetta mantiene la vitalidad y locura de aquella en esta historia de veteranos de la Primera Guerra Mundial incapaces de readaptarse a la vida convencional. Su condición de vagabundos, incluso de pequeño-delincuentes, contrasta con la rutina laboral del mundo rural en el que se mueven. De alguna manera el film reivindica a quienes están fuera del sistema. La música cobra una gran importancia en la película, a veces definiendo personajes o situaciones, en ocasiones utilizada con ironía, y forma parte integral de una puesta en escena libérrima que da réplica al espíritu de los personajes. Havetta juega además con los cromatismos, planteando el grueso de la narración en blanco y negro y finalizando en color, mientras utiliza por el camino algunos efectos monocromáticos.
245. Nuestro hombre en La Habana (Carol Reed, 1959) - 7
Realizada justo antes del triunfo de la Revolución, de mano podría parecer algún tipo de lejano remedo caribeño de su mayor éxito, El tercer hombre, al involucrar a un hombre corriente en una situación de peligro en una pintoresca ciudad extranjera. Pero la filiación decididamente cómica de ésta deja poco espacio al paralelismo. El hombre captado por los servicios secretos británicos para realizar labores de inteligencia en Cuba, ante su incapacidad para el servicio, opta por abrazar la creatividad y se inventa todo tipo de agentes e instalaciones militares. La sutil farsa se acomoda en una obra que sugiere que el espionaje (y por extensión otras laboras de confrontación) puede acabar siendo un fin en sí mismo, generando conflictos donde quizás no haya nada. La atmósfera local está muy bien capturada por la puesta en escena de Reed, que utiliza un tono ligero para narrar situaciones que no siempre lo son.
246. La gata (Margarita Alexandre & Rafael María Torrecilla, 1956) - 6
Un drama pasional alrededor del mundo de la cría de toros de lidia, cargado de fatalidad ya desde el momento en que se dispone la estructura en flash-back. Su protagonista cuenta su relación con "la gata", la hija del administrador de un cortijo. Veo un paralelismo sexual bastante curioso entre su condición de donjuán y su hábito de torear a las reses furtivamente, lo que supone "desvirgarlas" y malearlas para la faena. Es esta segunda circunstancia la que gana fuerza narrativa según avanza el metraje, pero a veces me queda la sensación de que la película se estanca y su interés decae. No ayudan unos diálogos desiguales, a veces decididamente sosos. Por contra, su punto fuerte reside en su trabajo visual. Al parecer se trata de la primera película española rodada en Cinemascope, y sorprende todo el partido que se le saca, lo bien aprovechado que está el formato ancho, el gusto y la funcionalidad en el encuadre (excepto algún momento aislado, como por ejemplo un par de entradas de personajes por un lado del cuadro sin mayor elaboración visual). La introducción en particular me parece excelente, misteriosa y pictórica.
247. Teticka (Martin Fric, 1941) - 5,5
Una comedia bastante inofensiva sobre un rica solterona que sólo interesa a sus familiares en tanto en cuanto herederos. Tiene algunos apuntes románticos interesantes, ya que esta mujer tiene un pretendiente pero vive del recuerdo de un amor pretérito nunca concretado, y la comicidad gana enteros en todo el bloque final en su casa/mansión, cuando además la puesta en escena se hace más notoria con los ramalazos de terror escenográfico que se orquestan. En fin, que se ve con cierto agrado pero deja poco poso.
248. Nevada Smith (Henry Hathaway, 1966) - 6,5
Como tantos otros westerns, éste trata la historia de una venganza, la de un joven mestizo (interpretado por un demasiado veterano y blanco Steve McQueen) que busca a los tres hombres que mataron a sus padres. Aunque los diálogos ya se encargan de hacerlo explícito, no deja de ser interesante el proceso por el cual esta venganza y el odio que conlleva le va transformando en alguna medida en aquello mismo que pretende combatir. Es una obra bastante clásica realizada ya en el tiempo de descuento del clasicismo del género, que se va creciendo según avanza el metraje, dirigida con oficio, pero que no llega al nivel de lo más granado de Hathaway.
249. Vámonos con Pancho Villa! (Fernando Fuentes, 1936) - 6,5
Hay un extraño choque de fuerzas tonales en esta película, seguramente uno de sus valores más acusados. La historia de un grupo de valientes campesinos que se unen al ejército de Pancho Villa comienza como una comedia al borde de la farsa. Los episodios bélicos están resueltos de una manera un tanto casual, aunque puedan acarrear serias consecuencias. El contraste tragicómico se hace más evidente según avanza el metraje, hasta dejar la sonrisa totalmente congelada (todavía mucho más aún con el final adicional que finalmente se descartó). Más que desidealizar la figura del revolucionario, que también (las tropas gubernamentales salen peor paradas), pienso que el film deja constancia de crueldad implícita a la guerra. Es un conflicto resuelto con violencia y muerte, y cuanta más, más eficacia. ¿Cuál es el límite? La puesta en escena está realmente bien, sobretodo fuera del campo de batalla, y además se nota la movilización de recursos en las escenas más multitudinarias, siendo una obra que entiendo captura muy bien el espíritu popular mexicano.
250. Hotel for Strangers (Antonín Mása, 1967) - 6,5
Una narración kafkiana que va dando progresivamente paso al absurdo al reconstruir la estancia en un hotel de un hombre que es asesinado allí mismo. En realidad hay una lógica diegética en ese absurdo, ya que la reconstrucción se hace en base a unas notas mayormente incoherentes que el protagonista, poeta de vocación, ha dejado a su muerte. En todo caso, esa circunstancia narrativa pone de manifiesto la volubilidad tanto de los sentimientos como de las percepciones. El formato cuadrado que emplea Mása encaja estéticamente con una ambientación cercana al cambio de siglo, evocando en ocasiones al cine mudo sin dejar de resultar profundamente contemporánea.
Un saludo.
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clorobuldo
- Mensajes: 60334
- Registrado: 17 Jul 2006, 10:59
Genjuro ¿ Has visto la mujer pirata, de Tourneaur?
Para mi es la mejor.
Para mi es la mejor.
Sí, está muy bien. Es muy difícil que una película de Tourneur no deje un buen sabor de boca.
Un saludo.
Un saludo.
Seguimos para bingo. En primer lugar, con una mala película, "The Shallows", dirigida por Jaume Collet-Serra. Parte de la crítica la ha definido como un thriller minimalista que sabe jugar con el espacio y el suspense. A mí me ha parecido un video-clip alargado que, más allá del preciosismo estético de algunos encuadres, satura por lo absurdo del relato. El final es un absoluto disparate. Mala.
Tiene tela también "Albert Nobbs", de Rodrigo García. Lo que pretende ser un estudio de personajes se queda en un constante quiero y no puedo. El guión no funciona y la película camina hacia ninguna parte, sin establecer en ningún momento qué se pretende contar. Floja, por mucho empeño que le ponga Glenn Close.
Y ahora, la gran decepción: "Trois souvenirs de ma jeunesse", de Arnaud Desplechin. Tras una espera de varios meses por fin llegó a la cartelera. Motivado por sus excelentes críticas y las buenas puntuaciones de mis contactos de FA, fui a verla. Y no. En términos puramente fílmicos ha sido una de las experiencias más agotadoras de los últimos meses. No solo por la imprecisa estructura del relato, que deja a la película sin definir (drama familiar? película de espías? iniciación al amor adolescente?), sino por lo aborrecibles que son todos y cada uno de los personajes. El trabajo desarrollado por Mathieu Amalric me ha irritado profundamente. Un horror.
Tiene tela también "Albert Nobbs", de Rodrigo García. Lo que pretende ser un estudio de personajes se queda en un constante quiero y no puedo. El guión no funciona y la película camina hacia ninguna parte, sin establecer en ningún momento qué se pretende contar. Floja, por mucho empeño que le ponga Glenn Close.
Y ahora, la gran decepción: "Trois souvenirs de ma jeunesse", de Arnaud Desplechin. Tras una espera de varios meses por fin llegó a la cartelera. Motivado por sus excelentes críticas y las buenas puntuaciones de mis contactos de FA, fui a verla. Y no. En términos puramente fílmicos ha sido una de las experiencias más agotadoras de los últimos meses. No solo por la imprecisa estructura del relato, que deja a la película sin definir (drama familiar? película de espías? iniciación al amor adolescente?), sino por lo aborrecibles que son todos y cada uno de los personajes. El trabajo desarrollado por Mathieu Amalric me ha irritado profundamente. Un horror.
1.- Tropic Thunder (2008) Acción, comedia. 107 minutos. Dirigida por Ben Stiller. 5/10.
2.- Letters from Iwo Jima (2006). Bélica, historia, drama. 141 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 6/10.
3.- Escuadrón Suicida (Suicide Squad) 2016. Acción, comedia, superhéroes. 135 m. Dirigida por David Ayer. 7,5/10 (R).
4.- La autopsia de Jane Doe (2016) Terror. 86 minutos. Dirigida por André Øvredal. 7,5/10.
5.- Sully (2016). Biografía, drama. 96 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 7/10.
6.- Tarde para la ira (2016). Drama, thriller. 92 minutos. Dirigida por Raúl Arévalo. 7/10.
7.- El Clan (2015) Biografía, drama, crimen. 108 minutos. Dirigida por Pablo Trapero. 5/10.
8.- Sausage Party (2016) Animación, aventuras, comedia. 89 minutos. Dirigida por Greg Tiernan y Conrad Vernon. 5/10.
9.- ARQ (2016). Ciencia-ficción, thriller. 88 minutos. Dirigida por Tony Elliot. 5,5/10.
10.- Doctor Strange (2016). Acción, aventuras, superhéroes. 115 minutos. Dirigida por Scott Derrickson. 7,5/10.
11.- Ugly (2013) Crimen, drama, misterio. 128 minutos. Dirigida por Anurag Kashyap. 8/10.
12.- Hacksaw Ridge (Hasta el último hombre) 2016. Bélica, biografía, drama. 139 minutos. Dirigida por Mel Gibson. 7,5/10.
13.- Logan (2017). Acción, drama, sci-fi. 137 minutos. Dirigida por James Mangold. 8/10.
14.- Elle (2016). Crimen, drama, thriller. 130 minutos. Dirigida por Paul Verhoeven. 5/10.
15.- Passengers (2016). Drama, romance, sci-fi. 116 minutos. Dirigida por Morten Tyldum. 7/10.
16.- Resident Evil: The final chapter (2016). Acción, sci-fi, terror. 106 minutos. Dirigida por Paul W.S. Anderson. 5,5/10.
17.- Kong: Skull Island (2017). Acción, aventuras, fantasía. 118 minutos. Dirigida por Jordan Vogt-Roberts. 6,5/10.
18.- Split (Múltiple) 2016. Terror, thriller. 117 minutos. Dirigida por M.Night Shyamalan. 7/10.
19.- Rogue One (2016). Acción, aventuras, sci-fi. 133 minutos. Dirigida por Gareth Edwards. (R) V.O. 8,5/10.
20.- The Guardians (Zashchitniki) 2017. Acción, aventuras, sci-fi. 88 min. Dirigida por Sarik Andreasyan. 4/10.
21.- Guardians of the Galaxy Vol.2 (2017). Acción, aventuras, sci-fi. 136 min. Dirigida por James Gunn. 7,9/10.
22.- Hell or High Water (Comanchería) 2016. Crimen, drama, thriller. 102 min. Dirigida por David MacKenzie. 7,8/10.
23.- Bone Tomahawk (2015). Western, drama, terror. 132 minutos. Dirigida por S. Craig Zahler. 7/10.
24.- Now you see me 2 (2016). Acción, aventuras, comedia. 129 min. Dirigida por Jon M. Chu. 6/10.
Me gustó la primera pero no esperaba gran cosa de la segunda parte. Sigue en la misma linea y se deja ver, entretenida.
25.- Get Out (2017). Terror, misterio. 104 minutos. Dirigida por Jordan Peele. 6,5/10.
Si el cine va de transmitir sensaciones al espectador, "Déjame salir" sin duda lo consigue. Desde el principio capta la atención y da muy mal rollo de una forma distinta. Parte del mérito es, sin duda, de un reparto que cumple a la perfección con sus distintos roles. Desde un Daniel Kaluuya con un papel a su medida hasta la sorprendente Allison Williams, pasando por los veteranos Keener y Whitford. También tiene mérito el trabajo de Jordan Peele: para ser su primer largometraje está muy bien rodada y para ser de terror tiene varios momentos cómicos muy de agradecer.
26.- The Good Neighbor (2016) Crimen, drama, thriller. 98 minutos. Dirigida por Kasra Farahani. 6/10.
Enésimo "found footage" del género de terror. Un par de chavales hace un experimento grabando 24h en vídeo a su vecino, con pinta de cascarrabias, mientras le ponen aparatos en su casa para acojonar un poco. Normalita salvo por el giro final, que me gustó bastante.
27.- John Wick Chapter 2 (2017). Acción, thriller. 122 minutos. Dirigida por Chad Stahelski. 7,7/10.
Empezamos aparcando el dicho de "segundas partes nunca fueron buenas". No solo es buena, sino que seguramente es mejor que la primera. Por un lado porque tiene más medios, pero también porque sigue cuidando los detalles de la anterior (escenas de acción realistas y muy trabajadas) y además la mejora en varios aspectos (gran guión, profundizando en la mitología de los asesinos a sueldo en general y del personaje de John Wick en particular). A título curioso, me resultó interesante ver juntos a Neo y Morfeo años después y en papeles tan distintos.
28.- Life (Vida) 2017. Terror, sci-fi, thriller. 104 minutos. Dirigida por Daniel Espinosa. 7,9/10.
Empezando por lo negativo, no vamos a negar que el parecido con "Alien" va más allá de unas pocas referencias. Y las interpretaciones, a pesar de los actores de renombre, tampoco son su plato fuerte. Pero a pesar de todo eso, a mí me ha gustado mucho por la capacidad para generar tensión en las escenas clave. Hay un par de momentos en los que te hace saltar de la silla. Y el final también me ha gustado mucho. En mi opinión, infravalorada por crítica y público.
29.- Dope (2015) Comedia, crimen, drama. 103 minutos. Dirigida por Rick Famuyiwa. 6,2/10.
Un nerd al que le gusta la música rap de los 90 se ve metido en un jaleo con unos narcos. Original y muy divertida.
30.- Mars Attacks! (1996) Comedia, sci-fi. 106 minutos. Dirigida por Tim Burton. 6/10.
No recuerdo si la vi entera en su día y la tenía bajada hace tiempo para recordarla. Divertida y con los típicos guiños estrafalarios del cine de Burton, pero bastante lejos del nivel de sus mejores pelis.
Salu2
2.- Letters from Iwo Jima (2006). Bélica, historia, drama. 141 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 6/10.
3.- Escuadrón Suicida (Suicide Squad) 2016. Acción, comedia, superhéroes. 135 m. Dirigida por David Ayer. 7,5/10 (R).
4.- La autopsia de Jane Doe (2016) Terror. 86 minutos. Dirigida por André Øvredal. 7,5/10.
5.- Sully (2016). Biografía, drama. 96 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 7/10.
6.- Tarde para la ira (2016). Drama, thriller. 92 minutos. Dirigida por Raúl Arévalo. 7/10.
7.- El Clan (2015) Biografía, drama, crimen. 108 minutos. Dirigida por Pablo Trapero. 5/10.
8.- Sausage Party (2016) Animación, aventuras, comedia. 89 minutos. Dirigida por Greg Tiernan y Conrad Vernon. 5/10.
9.- ARQ (2016). Ciencia-ficción, thriller. 88 minutos. Dirigida por Tony Elliot. 5,5/10.
10.- Doctor Strange (2016). Acción, aventuras, superhéroes. 115 minutos. Dirigida por Scott Derrickson. 7,5/10.
11.- Ugly (2013) Crimen, drama, misterio. 128 minutos. Dirigida por Anurag Kashyap. 8/10.
12.- Hacksaw Ridge (Hasta el último hombre) 2016. Bélica, biografía, drama. 139 minutos. Dirigida por Mel Gibson. 7,5/10.
13.- Logan (2017). Acción, drama, sci-fi. 137 minutos. Dirigida por James Mangold. 8/10.
14.- Elle (2016). Crimen, drama, thriller. 130 minutos. Dirigida por Paul Verhoeven. 5/10.
15.- Passengers (2016). Drama, romance, sci-fi. 116 minutos. Dirigida por Morten Tyldum. 7/10.
16.- Resident Evil: The final chapter (2016). Acción, sci-fi, terror. 106 minutos. Dirigida por Paul W.S. Anderson. 5,5/10.
17.- Kong: Skull Island (2017). Acción, aventuras, fantasía. 118 minutos. Dirigida por Jordan Vogt-Roberts. 6,5/10.
18.- Split (Múltiple) 2016. Terror, thriller. 117 minutos. Dirigida por M.Night Shyamalan. 7/10.
19.- Rogue One (2016). Acción, aventuras, sci-fi. 133 minutos. Dirigida por Gareth Edwards. (R) V.O. 8,5/10.
20.- The Guardians (Zashchitniki) 2017. Acción, aventuras, sci-fi. 88 min. Dirigida por Sarik Andreasyan. 4/10.
21.- Guardians of the Galaxy Vol.2 (2017). Acción, aventuras, sci-fi. 136 min. Dirigida por James Gunn. 7,9/10.
22.- Hell or High Water (Comanchería) 2016. Crimen, drama, thriller. 102 min. Dirigida por David MacKenzie. 7,8/10.
23.- Bone Tomahawk (2015). Western, drama, terror. 132 minutos. Dirigida por S. Craig Zahler. 7/10.
24.- Now you see me 2 (2016). Acción, aventuras, comedia. 129 min. Dirigida por Jon M. Chu. 6/10.
Me gustó la primera pero no esperaba gran cosa de la segunda parte. Sigue en la misma linea y se deja ver, entretenida.
25.- Get Out (2017). Terror, misterio. 104 minutos. Dirigida por Jordan Peele. 6,5/10.
Si el cine va de transmitir sensaciones al espectador, "Déjame salir" sin duda lo consigue. Desde el principio capta la atención y da muy mal rollo de una forma distinta. Parte del mérito es, sin duda, de un reparto que cumple a la perfección con sus distintos roles. Desde un Daniel Kaluuya con un papel a su medida hasta la sorprendente Allison Williams, pasando por los veteranos Keener y Whitford. También tiene mérito el trabajo de Jordan Peele: para ser su primer largometraje está muy bien rodada y para ser de terror tiene varios momentos cómicos muy de agradecer.
26.- The Good Neighbor (2016) Crimen, drama, thriller. 98 minutos. Dirigida por Kasra Farahani. 6/10.
Enésimo "found footage" del género de terror. Un par de chavales hace un experimento grabando 24h en vídeo a su vecino, con pinta de cascarrabias, mientras le ponen aparatos en su casa para acojonar un poco. Normalita salvo por el giro final, que me gustó bastante.
27.- John Wick Chapter 2 (2017). Acción, thriller. 122 minutos. Dirigida por Chad Stahelski. 7,7/10.
Empezamos aparcando el dicho de "segundas partes nunca fueron buenas". No solo es buena, sino que seguramente es mejor que la primera. Por un lado porque tiene más medios, pero también porque sigue cuidando los detalles de la anterior (escenas de acción realistas y muy trabajadas) y además la mejora en varios aspectos (gran guión, profundizando en la mitología de los asesinos a sueldo en general y del personaje de John Wick en particular). A título curioso, me resultó interesante ver juntos a Neo y Morfeo años después y en papeles tan distintos.
28.- Life (Vida) 2017. Terror, sci-fi, thriller. 104 minutos. Dirigida por Daniel Espinosa. 7,9/10.
Empezando por lo negativo, no vamos a negar que el parecido con "Alien" va más allá de unas pocas referencias. Y las interpretaciones, a pesar de los actores de renombre, tampoco son su plato fuerte. Pero a pesar de todo eso, a mí me ha gustado mucho por la capacidad para generar tensión en las escenas clave. Hay un par de momentos en los que te hace saltar de la silla. Y el final también me ha gustado mucho. En mi opinión, infravalorada por crítica y público.
29.- Dope (2015) Comedia, crimen, drama. 103 minutos. Dirigida por Rick Famuyiwa. 6,2/10.
Un nerd al que le gusta la música rap de los 90 se ve metido en un jaleo con unos narcos. Original y muy divertida.
30.- Mars Attacks! (1996) Comedia, sci-fi. 106 minutos. Dirigida por Tim Burton. 6/10.
No recuerdo si la vi entera en su día y la tenía bajada hace tiempo para recordarla. Divertida y con los típicos guiños estrafalarios del cine de Burton, pero bastante lejos del nivel de sus mejores pelis.
Salu2
La Caverna del Murcielago. Reseñas de cine, series TV, cómics...
GRACIAS POR TODO. ENTRENADOR, MAMBA. NUNCA OS OLVIDAREMOS.
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guillermo2442
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54-Black Dynamite-5
En el año 2015 se estrenaba por Internet un proyecto que si bien para el común de los mortales le podía sonar a chino, para los adictos al cine más ochentero, friki y punkie les colmó enormemente. Kung Fury (Kung Fury, 2015) se trataba de una autoparodia continua que hacía gala de su posmodernidad como elemento principal. La película nos escupía a la cara un relato en el que el mensaje era meridiano y secundario. Qué la película carecía de cualquiera interés narrativo era evidente. Sin embargo, la propia Kung Fury no era ni mucho menos una pionera en mezclar géneros y parodiarlos para el público que ya conoce estos códigos (cabe decir, que no demasiado sofisticados). En el 2009 ya había aparecido una película independiente (muy independiente, teniendo en cuenta el escaso presupuesto con el que se filmó), Black Dynamite (Black Dynamite, 2009) que utilizaba el mismo tono que Kung Fury, pero esta vez parodiando el subgénero de blaxploitation.
Efectivamente, Black Dynamite es una parodia con patas de lo que fue aquel subgénero que tenía a los protagonistas afroamericanos como personajes principales y que estaba precisamente dedicado a aquellas audiencias. Shaft (Las noches rojas del Harlem, 1971) y otras películas son las que hace continua alusión el filme. El filme de Scott Sanders (por cierto, ¿Se imaginan que habría pasado si el director de la película no hubiera sido afroamericano?) recopila escena por escena (de hecho, uno de los mayores problemas es que la película está demasiado fragmentada, porque el hilo es en realidad una sucesión de gags) todos los códigos y citas del subgénero.
El guión tiene numerosos problemas. Normal por otra parte, si tenemos en cuenta que se preparó en unas tres semanas. ¿El resultado? Un producto de fanservice que recopila los momentos más célebres del subgénero, pero que es incapaz de insuflarles una vida propia. Como enciclopedia la película funciona, pero como obra autónoma es incapaz de crear camino. Tenemos a las referencias sexuales, tan explícitas ( o más) como eran aquellas obras de los setenta, tenemos a nuestro protagonista, una caricatura del héroe de color, tenemos a Vietnam e incluso a Nixon, tenemos persecuciones e incluso citas al cine de acción oriental…Todo en una sóla cinta.
El problema principal es que Black Dynamite se cree más lista de lo que en realidad es. El romper con un eje narrativo normal, en definitiva, que el gag se imponga a la historia, condiciona totalmente la película. De igual manera sucedía con películas como Airplane! (Aterriza como puedas, 1980) o Top Secret! (Top Secret!, 1984), sólo que entonces había una diferencia crucial, y es que esas películas funcionaban porque tenían buenos gags, que hacían reír. En Black Dynamite se reconoce la ironía y el juego metacinematográfico, pero no acaba de funcionar como comedia. En cada secuencia el espectador va asimilando los diferentes referentes que el guión va colocando, pero no acaban de encajar, ni consiguen hacer sonreír al espectador más que en momentos contados. Porque una cosa es la carcajada y otra la mueca de sonrisa ante el reconocimiento de algo que ya tenemos interiorizado. Además, a la película se la nota artificial y forzada, en busca del meme fácil (el fast food del internet, y lo consiguió no en vano el lema de Black Dynamite que se repite aparece en ocasiones en algunos rincones de la red) sin más complejidades detrás. Una auténtica lástima.
Michael Jal White interpreta al actor principal, quien desde luego acapara el absoluto protagonismo de la función. No en vano, el filme es directamente una oda al arquetipo “Shaft”. Un James Bond a lo afro, que es capaz de conseguir absolutamente todo lo que se propone.
Donde si acierta el filme es en los aspectos técnicos. La fotografía de la película está rodada pensada exclusivamente para recrear el mismo ambiente de las películas de bajo presupuesto de los años setenta, y ahí está la cámara Super 16 Kodak con la que se ideó todo. El pego se nota, y ahí si es donde podemos decir que la película consigue el efecto de inmersión que deseaba el cineasta, pero se queda en global como una pieza manca.
55-John Wick-4
En el año 2015 se estrenaba por Internet un proyecto que si bien para el común de los mortales le podía sonar a chino, para los adictos al cine más ochentero, friki y punkie les colmó enormemente. Kung Fury (Kung Fury, 2015) se trataba de una autoparodia continua que hacía gala de su posmodernidad como elemento principal. La película nos escupía a la cara un relato en el que el mensaje era meridiano y secundario. Qué la película carecía de cualquiera interés narrativo era evidente. Sin embargo, la propia Kung Fury no era ni mucho menos una pionera en mezclar géneros y parodiarlos para el público que ya conoce estos códigos (cabe decir, que no demasiado sofisticados). En el 2009 ya había aparecido una película independiente (muy independiente, teniendo en cuenta el escaso presupuesto con el que se filmó), Black Dynamite (Black Dynamite, 2009) que utilizaba el mismo tono que Kung Fury, pero esta vez parodiando el subgénero de blaxploitation.
Efectivamente, Black Dynamite es una parodia con patas de lo que fue aquel subgénero que tenía a los protagonistas afroamericanos como personajes principales y que estaba precisamente dedicado a aquellas audiencias. Shaft (Las noches rojas del Harlem, 1971) y otras películas son las que hace continua alusión el filme. El filme de Scott Sanders (por cierto, ¿Se imaginan que habría pasado si el director de la película no hubiera sido afroamericano?) recopila escena por escena (de hecho, uno de los mayores problemas es que la película está demasiado fragmentada, porque el hilo es en realidad una sucesión de gags) todos los códigos y citas del subgénero.
El guión tiene numerosos problemas. Normal por otra parte, si tenemos en cuenta que se preparó en unas tres semanas. ¿El resultado? Un producto de fanservice que recopila los momentos más célebres del subgénero, pero que es incapaz de insuflarles una vida propia. Como enciclopedia la película funciona, pero como obra autónoma es incapaz de crear camino. Tenemos a las referencias sexuales, tan explícitas ( o más) como eran aquellas obras de los setenta, tenemos a nuestro protagonista, una caricatura del héroe de color, tenemos a Vietnam e incluso a Nixon, tenemos persecuciones e incluso citas al cine de acción oriental…Todo en una sóla cinta.
El problema principal es que Black Dynamite se cree más lista de lo que en realidad es. El romper con un eje narrativo normal, en definitiva, que el gag se imponga a la historia, condiciona totalmente la película. De igual manera sucedía con películas como Airplane! (Aterriza como puedas, 1980) o Top Secret! (Top Secret!, 1984), sólo que entonces había una diferencia crucial, y es que esas películas funcionaban porque tenían buenos gags, que hacían reír. En Black Dynamite se reconoce la ironía y el juego metacinematográfico, pero no acaba de funcionar como comedia. En cada secuencia el espectador va asimilando los diferentes referentes que el guión va colocando, pero no acaban de encajar, ni consiguen hacer sonreír al espectador más que en momentos contados. Porque una cosa es la carcajada y otra la mueca de sonrisa ante el reconocimiento de algo que ya tenemos interiorizado. Además, a la película se la nota artificial y forzada, en busca del meme fácil (el fast food del internet, y lo consiguió no en vano el lema de Black Dynamite que se repite aparece en ocasiones en algunos rincones de la red) sin más complejidades detrás. Una auténtica lástima.
Michael Jal White interpreta al actor principal, quien desde luego acapara el absoluto protagonismo de la función. No en vano, el filme es directamente una oda al arquetipo “Shaft”. Un James Bond a lo afro, que es capaz de conseguir absolutamente todo lo que se propone.
Donde si acierta el filme es en los aspectos técnicos. La fotografía de la película está rodada pensada exclusivamente para recrear el mismo ambiente de las películas de bajo presupuesto de los años setenta, y ahí está la cámara Super 16 Kodak con la que se ideó todo. El pego se nota, y ahí si es donde podemos decir que la película consigue el efecto de inmersión que deseaba el cineasta, pero se queda en global como una pieza manca.
55-John Wick-4
Así que todo el jaleo con Moonlight es porque va de un negro gay. OK.
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clorobuldo
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Hoy en movistar estrenos echan que dios nos perdone.
Mañana ya os haré una pequeña reseña. Tengo ganas de verla.
Espero que no me pase como con tarde para la ira, a la que también le tenía ganas y me defraudó.
Mañana ya os haré una pequeña reseña. Tengo ganas de verla.
Espero que no me pase como con tarde para la ira, a la que también le tenía ganas y me defraudó.
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clorobuldo
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48.- Que dios nos perdone.- 6.
Me gustó la pelicula pese sus fallos y que le sobran veinte minutos centrales que no ayudan nada a que fluya la pelicula.
Lo mejor su primera media hora,pasa en un suspiro y te mete muy bien en la historía.
Lo peor la relación entre el personaje de Antonio de la Torre y la limpiadora, no hay quien se la crea, está contada de manera apresurada y encima es inverosimil tras lo sucedido cuando ella le lleva gazpacho a su casa.
Para mostrar la cara del villano por primera vez a media hora de acabar la pelicula yo la hubiera mostrado desde el principio y hubiera desarrollado más su personaje, eliminando la historia de Antonio de la Torre y la chica.
El final lo vi algo apresurado pero no me disgustó, aunque el final de, para mi, inferior Tarde para la ira es mejor.
La pelicula tiene el defecto del cine negro español actual y es que intenta coger lo que se estila en el cine negro américano (aunque siendo sinceros eso ha parado siempre) cogiendo un poco de todos con lo que la sensación que te queda viendo el producto es de pelicula deshilvanada pero por otra parte tiene la virtud de que puede llegar a los limites que no se atreven a llegar en América sobretodo en lo concerniente a que el psicopata viole y mate ancianas y se vean los cuerpos desnudos de estas.
La escena de de la Torre con el pijo cuando se le cae la pistola es una calamidad.
Para concluir decir que no sé que tiene el actor ese que ya salía en celda 211 para que sea contratado, no actua nada, simplemente se limita a repetir como un loro su texto, no respeta ni las comas ni los puntos, todo seguido.
No he visto cosa igual en mi vida.
Pero la pelicula no está nada mal, la pena es que esos veinte minutos perdidos en la fase central no se hubieran dedicado más a definir el personaje del psicopata que de la manera que se ha hecho no deja de parecer un villano "random" de mentes criminales, cuando daba para más y el que hace de él lo hace bien.
Me gustó la pelicula pese sus fallos y que le sobran veinte minutos centrales que no ayudan nada a que fluya la pelicula.
Lo mejor su primera media hora,pasa en un suspiro y te mete muy bien en la historía.
Lo peor la relación entre el personaje de Antonio de la Torre y la limpiadora, no hay quien se la crea, está contada de manera apresurada y encima es inverosimil tras lo sucedido cuando ella le lleva gazpacho a su casa.
Para mostrar la cara del villano por primera vez a media hora de acabar la pelicula yo la hubiera mostrado desde el principio y hubiera desarrollado más su personaje, eliminando la historia de Antonio de la Torre y la chica.
El final lo vi algo apresurado pero no me disgustó, aunque el final de, para mi, inferior Tarde para la ira es mejor.
La pelicula tiene el defecto del cine negro español actual y es que intenta coger lo que se estila en el cine negro américano (aunque siendo sinceros eso ha parado siempre) cogiendo un poco de todos con lo que la sensación que te queda viendo el producto es de pelicula deshilvanada pero por otra parte tiene la virtud de que puede llegar a los limites que no se atreven a llegar en América sobretodo en lo concerniente a que el psicopata viole y mate ancianas y se vean los cuerpos desnudos de estas.
La escena de de la Torre con el pijo cuando se le cae la pistola es una calamidad.
Para concluir decir que no sé que tiene el actor ese que ya salía en celda 211 para que sea contratado, no actua nada, simplemente se limita a repetir como un loro su texto, no respeta ni las comas ni los puntos, todo seguido.
No he visto cosa igual en mi vida.
Pero la pelicula no está nada mal, la pena es que esos veinte minutos perdidos en la fase central no se hubieran dedicado más a definir el personaje del psicopata que de la manera que se ha hecho no deja de parecer un villano "random" de mentes criminales, cuando daba para más y el que hace de él lo hace bien.
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clorobuldo
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49.- Bienvenidos al Norte.- 5.
Ligerisima comedia con espectacular e inverosimil exito comercial , el cual propició que salieran subproductos como ocho apellido vascos por ejemplo y que no pasa de mero entretenimiento que hubiera suspendido de no ser porque la he visto en versión doblada con lo cual me hago cargo que por la tematica de la pelicula me he perdido muchos gags basados en acentos y localismos que al verla doblada no te das cuenta (de ahí que le ponga un punto más, para compensar).
Ligerisima comedia con espectacular e inverosimil exito comercial , el cual propició que salieran subproductos como ocho apellido vascos por ejemplo y que no pasa de mero entretenimiento que hubiera suspendido de no ser porque la he visto en versión doblada con lo cual me hago cargo que por la tematica de la pelicula me he perdido muchos gags basados en acentos y localismos que al verla doblada no te das cuenta (de ahí que le ponga un punto más, para compensar).
clorobuldo escribió:48.- Que dios nos perdone.- 6.
La pelicula tiene el defecto del cine negro español actual y es que intenta coger lo que se estila en el cine negro américano (aunque siendo sinceros eso ha parado siempre) cogiendo un poco de todos con lo que la sensación que te queda viendo el producto es de pelicula deshilvanada pero por otra parte tiene la virtud de que puede llegar a los limites que no se atreven a llegar en América sobretodo en lo concerniente a que el psicopata viole y mate ancianas y se vean los cuerpos desnudos de estas.
La escena de de la Torre con el pijo cuando se le cae la pistola es una calamidad.
Para concluir decir que no sé que tiene el actor ese que ya salía en celda 211 para que sea contratado, no actua nada, simplemente se limita a repetir como un loro su texto, no respeta ni las comas ni los puntos, todo seguido.
Pues es una pena, porque precisamente el nuevo cine español hizo bastantes películas de cine negro.
En cuanto a la segunda negrita, ¿hablamos de Roberto Álamo?
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clorobuldo
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Bundy escribió:
En cuanto a la segunda negrita, ¿hablamos de Roberto Álamo?
No, ese hace muy buena interpretación.
Me refiero a uno que hacía de preso toxicomano en celda 211, con acento gallego, y que cuando le oyes actuar ves que solo recita el texto, de seguido, sin respetar ni pausas dramáticas ni signos de puntuación.
En esta hace de uno de los dos policias que le pide perdón al personaje de Antonio de la Torre.
Pues a mí Luis Zahera me parece un puto crack. Uno de los actores más singulares del cine español y con mucho talento desaprovechado. No he visto 'Que Dios nos perdone' todavía pero en 'Celda 211' estaba muy bien (era un papel muy alejado a su estilo habitual, eso sí) y en general siempre es un robaescenas.
En taro adun
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VAMPYR - Diario online de cine: http://www.cinevampyr.com
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clorobuldo
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zeratul escribió:Pues a mí Luis Zahera me parece un puto crack. Uno de los actores más singulares del cine español y con mucho talento desaprovechado. No he visto 'Que Dios nos perdone' todavía pero en 'Celda 211' estaba muy bien (era un papel muy alejado a su estilo habitual, eso sí) y en general siempre es un robaescenas.
En taro adun
¿No te da la sensación de que actua como si lo estuviera leyendo todo de un"telepronter"?
A mi no me gusta nada.
Pues estaré yo equivocado, porque dices que en Celda 211 estaba muy bien. Pues en esta lo hace mejor y me parece muy mala actuación igualmente.
Tiene un estilo peculiar pero no lo veo para nada en esa línea de estar leyendo o no dar expresividad. Al contrario, me parece un tipo que consigue darle a sus frases mucha personalidad y narratividad. A mí me crea mucha empatía pero supongo que es cuestión de gustos o de que le he visto en varias cosas.
En taro adun
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98.-Prem Sanyas (Franz Osten y Himansu Rai, 1925)
Película muda a caballo entre India y Alemania que se abre como un viaje que sirve de prólogo para contar la historia de un profeta en clave cuasi mitológica. Gautama es (o eso parece) la historia reinventada de Buda desde la luz de un autor británico, y eso se nota mucho en ciertas partes donde el guion, lejos de inspirarse en su vida, tira de parajes más cercanos a lo mesiánico (o evangélico, como es la escena final). Sin embargo, lo interesante reside en esas transiciones y juegos de composiciones en la pantalla usando estas en las escenas de sueño, así como también algunos primeros planos que sirven a esa especie de relato cercano a lo profético (o de leyenda, por decirlo de alguna manera) que alejan a la película de algo que podría ser una película ramplona y simplista.
Le doy un 6'75.
99.-Varieté (Ewald André Dupont, 1925)
Expresionismo alemán en estado puro donde se le da una vuelta al crimen pasional de turno emplazando toda la trama alrededor del arte y del espectáculo circense. En una historia arquetípica y con momentos algo ridículos del guion, es la dirección de Dupont lo que transforma un producto genérico y aburrido en algo mucho más enormes. Dupont recurre al uso de los picados y contrapicados no solo para encontrar puntos de vista o espacios de superioridad/inferioridad, sino que también busca eso en otros espacios. A ello, también cabe añadir cierto control del espacio muy notorio en escenas de grupo o en los espacios circenses, donde Dupont conduce la acción con varios planos subjetivos que se repiten además en instantes posteriores; todos estos, por supuesto, se deben a los avances que Karl Freund hizo con la cámara (creando un modelo capaz de poder moverse sin necesidad de trípode), y es curioso ver cuánto Dupont explota técnicas en 1925 que a día de hoy no solo son estándar, sino que también están mejor empleadas que en la actualidad. En su contra, un guion flojo y arquetípico, y unos tics que deslucen el excelente trabajo del director.
Le doy un 8.
100.-El último (F.W. Murnau, 1924)
Una película más del expresionismo alemán que debe su evolución no solo gracias a la cámara de Karl Freund, sino también al ingenio de Murnau para sobreponerse a las dificultades de su encargo, empezando por un final añadido por la industria que en mi opinión hace deslucir una más que notable primera hora y pico de metraje. Murnau aquí realiza una película sobre la vejez y las imposibilidades de esta para volver a ser lo que se ha sido. Para eso, el director alemán no solo usa el uniforme como simbolismo de ese no retorno una vez le cambian de trabajo, sino que también carga las tintas en un tono irónico el cual usa como contraste entre el orgullo/imaginación en Emil Jennings (el sueño es un ejemplo, pero también sus reacciones en otros compases del filme) en contraposición con los personajes que ven lo que está sucediendo e incluso se burlan de él. Murnau realza esa perspectiva deformando la imagen o jugando sobre todo con el rodaje de las puertas o cristaleras, donde en muchas ocasiones sitúa la cámara en el otro lado de donde se encuentran los personajes. Lo demás ya es un fruto del expresionismo alemán made in Murnau, como los primeros planos en donde remarca tanto la actuación o esos juegos de claroscuros que remiten en parte a lo que él ya rodó en "Nosferatu". El conjunto en sí es muy enriquecedor, pero el final obligado por la industria no tiene sentido alguno más que para darle una palmadita en la espalda al espectador.
Le doy un 8'5.
Película muda a caballo entre India y Alemania que se abre como un viaje que sirve de prólogo para contar la historia de un profeta en clave cuasi mitológica. Gautama es (o eso parece) la historia reinventada de Buda desde la luz de un autor británico, y eso se nota mucho en ciertas partes donde el guion, lejos de inspirarse en su vida, tira de parajes más cercanos a lo mesiánico (o evangélico, como es la escena final). Sin embargo, lo interesante reside en esas transiciones y juegos de composiciones en la pantalla usando estas en las escenas de sueño, así como también algunos primeros planos que sirven a esa especie de relato cercano a lo profético (o de leyenda, por decirlo de alguna manera) que alejan a la película de algo que podría ser una película ramplona y simplista.
Le doy un 6'75.
99.-Varieté (Ewald André Dupont, 1925)
Expresionismo alemán en estado puro donde se le da una vuelta al crimen pasional de turno emplazando toda la trama alrededor del arte y del espectáculo circense. En una historia arquetípica y con momentos algo ridículos del guion, es la dirección de Dupont lo que transforma un producto genérico y aburrido en algo mucho más enormes. Dupont recurre al uso de los picados y contrapicados no solo para encontrar puntos de vista o espacios de superioridad/inferioridad, sino que también busca eso en otros espacios. A ello, también cabe añadir cierto control del espacio muy notorio en escenas de grupo o en los espacios circenses, donde Dupont conduce la acción con varios planos subjetivos que se repiten además en instantes posteriores; todos estos, por supuesto, se deben a los avances que Karl Freund hizo con la cámara (creando un modelo capaz de poder moverse sin necesidad de trípode), y es curioso ver cuánto Dupont explota técnicas en 1925 que a día de hoy no solo son estándar, sino que también están mejor empleadas que en la actualidad. En su contra, un guion flojo y arquetípico, y unos tics que deslucen el excelente trabajo del director.
Le doy un 8.
100.-El último (F.W. Murnau, 1924)
Una película más del expresionismo alemán que debe su evolución no solo gracias a la cámara de Karl Freund, sino también al ingenio de Murnau para sobreponerse a las dificultades de su encargo, empezando por un final añadido por la industria que en mi opinión hace deslucir una más que notable primera hora y pico de metraje. Murnau aquí realiza una película sobre la vejez y las imposibilidades de esta para volver a ser lo que se ha sido. Para eso, el director alemán no solo usa el uniforme como simbolismo de ese no retorno una vez le cambian de trabajo, sino que también carga las tintas en un tono irónico el cual usa como contraste entre el orgullo/imaginación en Emil Jennings (el sueño es un ejemplo, pero también sus reacciones en otros compases del filme) en contraposición con los personajes que ven lo que está sucediendo e incluso se burlan de él. Murnau realza esa perspectiva deformando la imagen o jugando sobre todo con el rodaje de las puertas o cristaleras, donde en muchas ocasiones sitúa la cámara en el otro lado de donde se encuentran los personajes. Lo demás ya es un fruto del expresionismo alemán made in Murnau, como los primeros planos en donde remarca tanto la actuación o esos juegos de claroscuros que remiten en parte a lo que él ya rodó en "Nosferatu". El conjunto en sí es muy enriquecedor, pero el final obligado por la industria no tiene sentido alguno más que para darle una palmadita en la espalda al espectador.
Le doy un 8'5.
Última edición por Bundy el 22 Jun 2017, 06:43, editado 1 vez en total.
251. ¿Quién puede matar a un niño? (Narciso Ibáñez Serrador, 1976) - 6,5
Un clásico del cine de terror español que subvierte el papel habitual de los niños. De víctimas propiciatorias, como se encarga la película de recordarnos en los cortes documentales sobre conflictos bélicos que se ofrecen en el arranque, a verdugos inmisericordes que matan como si de un juego se tratase. Solamente ensombrecida por algunos de los momentos más explícitos, la puesta en escena raya a gran altura. Sobretodo en el estupendo arranque durante la fiesta mayor de un pueblo mediterráneo, cuyo bullicio contrasta vivamente con el vacío de la isla a la que la pareja inglesa protagonista acude de vacaciones.
252. The House in Montevideo (Curt Goetz & Valerie von Martens, 1951) - 7
Curt Goetz es el indudable epicentro de este film, al tiempo co-director, autor de la obra en que está basada, co-guionista y protagonista absoluto. Se trata de una comedia que satiriza el conservadurismo moral, poniendo en hilarantes situaciones a un inflexible profesor, padre de doce hijos, que recibe en herencia una propiedad en Montevideo de su hermana, quien al parecer hizo fortuna tras ser expulsada de la familia a instancias suyas por tener un hijo sin haberse casado. La moraleja de la función es evidente, y la sutilidad no es su mayor fuerte, pero el ritmo no decae en ningún momento, el libreto es francamente divertido y las interpretaciones dan buena cuenta del mismo. No hay duda de que al Goetz-director le encanta el Goetz-actor, y le da manga ancha para explayarse, pero redunda en beneficio de la película. Su galería de manierismos y afectaciones encaja perfectamente con el personaje, con su rigidez e hipocresía, y la voluntad de ridiculizarlas. Sorprende quizás la solvencia en la puesta en escena, dado que la pareja protagónica es la misma que se pone tras las cámaras. Cierto que igual no encontramos grandes hallazgos visuales, pero el film consigue hacernos olvidar el referente teatral sin renunciar a la unidad escénica. Predominan los planos largos, la multiplicidad de personajes en pantalla, pero sin rigideces visuales.
253. Atentát (Jiri Sequens, 1965) - 6,5
Minuciosa reconstrucción del atentado más importante contra el régimen nazi, el que le costó la vida al Reichsprotektor Heydrich, que no deja de ser un acontecimiento presente de manera más o menos tangencial en muchas películas checoslovacas, pero aquí se aborda centralmente, quizás con la voluntad de realizar la obra canónica al respecto. El film describe los preparativos, la ejecución y la persecución posterior, también las luchas de poder en la cúpula del mando en el Protectorado. Me parece una película bien narrada, muy pulcra en el acabado visual (de un atractivo blanco y negro), sin altisonancias en el tratamiento de la historia y los personajes. Pero igual también le faltaba un poco más de personalidad y arrojo. Su carácter coral le impide desarrollar apropiadamente a los personajes, pero tampoco apuesta a fondo por la austeridad de la pura acción. Resta una obra más estimable que apasionante.
254. El capitán King (Henry King, 1953) - 6,5
Un western colonial, podríamos definirlo, con su caballería, el típico fuerte e incluso indios... asiáticos, claro está (bueno, más bien pakistaníes). La problemática relación entre potencia colonial y población colonizada queda en evidencia en el personaje del capitán King, un mestizo lugareño bajo los rasgos de Tyronne Power que sufre estoicamente el sutil racismo de su entorno social y castrense al tiempo que tiene la obligación de combatir a quienes en cierta manera también son sus compatriotas. En este sentido se mueve tanto su relación amorosa con la hija del estoico comandante al mando de la plaza como el conflicto militar con un líder que resulta ser un amigo de la infancia. Sólida realización de King, que abunda en el formato scope con una realización en la que el plano general toma notable protagonismo.
255. Mysterious Skin (Greg Araki, 2004) - 5,5
Uno de los más señeros representantes del queer cinema abordaba un espinoso tema, la pederastia, a través de dos personajes que reaccionan a lo largo de los años de manera opuesta, pero igual de traumática, a la misma. Creo que es un acierto el acercamiento que propone Araki al hecho en sí, su manera de plantear su exposición y revelación. Sin embargo traiciona estas buenas intenciones con la sordidez y violencia de otros momentos posteriores, como si no pudiera evitar golpear al espectador. Ocasionalmente hay una cierta cualidad irreal en la puesta en escena, también reflejo de las construcciones mentales de sus protagonistas para asimilar el trauma. En alguna de las escenas explícitas, el límite de lo mostrable (por muy indie que sea respeta ciertas convenciones) entorpece la fluidez visual, quizás porque Araki tampoco sabe encontrar soluciones alternativas. Es un film apreciable pero finalmente un poco decepcionante.
256. Escenas en el mar (Takeshi Kitano, 1991) - 7
Un joven se obsesiona con el surf y su novia le acompaña en su pasión. No hay mucho más que contar de este film de Kitano. El minimalismo llega hasta el punto de hacer a sus personajes sordomudos, lo que redunda en una enorme economía de diálogos (hablados, pero también incluso gestuales). Sin embargo el film se construye en buena medida sobre el plano-contraplano. La comunicación la establecen los personajes con su entorno o entre ellos, pero a través principalmente de la mirada. Imágenes frontales, de espaldas estilo Ozu, o laterales cuando se registran desplazamientos, la sobriedad expresiva es la nota dominante en un film luminoso en el que predominan los buenos sentimientos.
257. Noche de circo (Ingmar Bergman, 1953) - 7,5
Bergman lleva hasta el existencialismo la vida circense, la condición de parias y bufones dentro de la sociedad, incluida la del espectáculo, de aquellos que la practican, un precio a pagar por una vida muy poco convencional. En esta historia sobre el jefe de un circo ruinoso que llega al pueblo de su acomodada mujer, a la que no ve desde hace tres años, hay lugar para la comedia y el drama, la crueldad y también la ternura. Las fuerzas contradictorias que definen a los personajes generan un patetismo lleno de matices que la puesta en escena explora sorteando el clasicismo más típico.
258. Anatahan (Joseph von Sternberg, 1953) - 7
Una obra que parece nacida de la extrañeza, de la muestra de una cultura ajena pero al mismo tiempo con unos mecanismos de comportamiento reconocibles. Durante la Segunda Guerra Mundial un grupo de marineros terminan naufragando en una isla semi-desierta en la que encuentran a una pareja. La presencia de la mujer potencia las dinámicas de poder que se desarrollan entre ellos. La mayor excentricidad del film reside en el hecho de que está enteramente narrado con una voz en off que se superpone a los diálogos, como si fuera un documental sobre el comportamiento humano, cuando de hecho es una película rodada en estudio. El efecto no puede ser el mismo sobre el espectador de la época, que en esencia no tendría experiencia con la cinematografía japonesa, y el actual. El factor exótico está muy superado, y emerge una sensación de irrealidad que explota en el cierre del film. Pero por el camino la voz de von Sternberg amenaza intrusismo, ya que no deja de interponerse entre el espectador y la acción, bordeando en ocasiones la prédica. Eventualmente el resultado es estimulante, pero resta la duda de saber cómo funcionaría la película sin el voiceover.
Un saludo.
Un clásico del cine de terror español que subvierte el papel habitual de los niños. De víctimas propiciatorias, como se encarga la película de recordarnos en los cortes documentales sobre conflictos bélicos que se ofrecen en el arranque, a verdugos inmisericordes que matan como si de un juego se tratase. Solamente ensombrecida por algunos de los momentos más explícitos, la puesta en escena raya a gran altura. Sobretodo en el estupendo arranque durante la fiesta mayor de un pueblo mediterráneo, cuyo bullicio contrasta vivamente con el vacío de la isla a la que la pareja inglesa protagonista acude de vacaciones.
252. The House in Montevideo (Curt Goetz & Valerie von Martens, 1951) - 7
Curt Goetz es el indudable epicentro de este film, al tiempo co-director, autor de la obra en que está basada, co-guionista y protagonista absoluto. Se trata de una comedia que satiriza el conservadurismo moral, poniendo en hilarantes situaciones a un inflexible profesor, padre de doce hijos, que recibe en herencia una propiedad en Montevideo de su hermana, quien al parecer hizo fortuna tras ser expulsada de la familia a instancias suyas por tener un hijo sin haberse casado. La moraleja de la función es evidente, y la sutilidad no es su mayor fuerte, pero el ritmo no decae en ningún momento, el libreto es francamente divertido y las interpretaciones dan buena cuenta del mismo. No hay duda de que al Goetz-director le encanta el Goetz-actor, y le da manga ancha para explayarse, pero redunda en beneficio de la película. Su galería de manierismos y afectaciones encaja perfectamente con el personaje, con su rigidez e hipocresía, y la voluntad de ridiculizarlas. Sorprende quizás la solvencia en la puesta en escena, dado que la pareja protagónica es la misma que se pone tras las cámaras. Cierto que igual no encontramos grandes hallazgos visuales, pero el film consigue hacernos olvidar el referente teatral sin renunciar a la unidad escénica. Predominan los planos largos, la multiplicidad de personajes en pantalla, pero sin rigideces visuales.
253. Atentát (Jiri Sequens, 1965) - 6,5
Minuciosa reconstrucción del atentado más importante contra el régimen nazi, el que le costó la vida al Reichsprotektor Heydrich, que no deja de ser un acontecimiento presente de manera más o menos tangencial en muchas películas checoslovacas, pero aquí se aborda centralmente, quizás con la voluntad de realizar la obra canónica al respecto. El film describe los preparativos, la ejecución y la persecución posterior, también las luchas de poder en la cúpula del mando en el Protectorado. Me parece una película bien narrada, muy pulcra en el acabado visual (de un atractivo blanco y negro), sin altisonancias en el tratamiento de la historia y los personajes. Pero igual también le faltaba un poco más de personalidad y arrojo. Su carácter coral le impide desarrollar apropiadamente a los personajes, pero tampoco apuesta a fondo por la austeridad de la pura acción. Resta una obra más estimable que apasionante.
254. El capitán King (Henry King, 1953) - 6,5
Un western colonial, podríamos definirlo, con su caballería, el típico fuerte e incluso indios... asiáticos, claro está (bueno, más bien pakistaníes). La problemática relación entre potencia colonial y población colonizada queda en evidencia en el personaje del capitán King, un mestizo lugareño bajo los rasgos de Tyronne Power que sufre estoicamente el sutil racismo de su entorno social y castrense al tiempo que tiene la obligación de combatir a quienes en cierta manera también son sus compatriotas. En este sentido se mueve tanto su relación amorosa con la hija del estoico comandante al mando de la plaza como el conflicto militar con un líder que resulta ser un amigo de la infancia. Sólida realización de King, que abunda en el formato scope con una realización en la que el plano general toma notable protagonismo.
255. Mysterious Skin (Greg Araki, 2004) - 5,5
Uno de los más señeros representantes del queer cinema abordaba un espinoso tema, la pederastia, a través de dos personajes que reaccionan a lo largo de los años de manera opuesta, pero igual de traumática, a la misma. Creo que es un acierto el acercamiento que propone Araki al hecho en sí, su manera de plantear su exposición y revelación. Sin embargo traiciona estas buenas intenciones con la sordidez y violencia de otros momentos posteriores, como si no pudiera evitar golpear al espectador. Ocasionalmente hay una cierta cualidad irreal en la puesta en escena, también reflejo de las construcciones mentales de sus protagonistas para asimilar el trauma. En alguna de las escenas explícitas, el límite de lo mostrable (por muy indie que sea respeta ciertas convenciones) entorpece la fluidez visual, quizás porque Araki tampoco sabe encontrar soluciones alternativas. Es un film apreciable pero finalmente un poco decepcionante.
256. Escenas en el mar (Takeshi Kitano, 1991) - 7
Un joven se obsesiona con el surf y su novia le acompaña en su pasión. No hay mucho más que contar de este film de Kitano. El minimalismo llega hasta el punto de hacer a sus personajes sordomudos, lo que redunda en una enorme economía de diálogos (hablados, pero también incluso gestuales). Sin embargo el film se construye en buena medida sobre el plano-contraplano. La comunicación la establecen los personajes con su entorno o entre ellos, pero a través principalmente de la mirada. Imágenes frontales, de espaldas estilo Ozu, o laterales cuando se registran desplazamientos, la sobriedad expresiva es la nota dominante en un film luminoso en el que predominan los buenos sentimientos.
257. Noche de circo (Ingmar Bergman, 1953) - 7,5
Bergman lleva hasta el existencialismo la vida circense, la condición de parias y bufones dentro de la sociedad, incluida la del espectáculo, de aquellos que la practican, un precio a pagar por una vida muy poco convencional. En esta historia sobre el jefe de un circo ruinoso que llega al pueblo de su acomodada mujer, a la que no ve desde hace tres años, hay lugar para la comedia y el drama, la crueldad y también la ternura. Las fuerzas contradictorias que definen a los personajes generan un patetismo lleno de matices que la puesta en escena explora sorteando el clasicismo más típico.
258. Anatahan (Joseph von Sternberg, 1953) - 7
Una obra que parece nacida de la extrañeza, de la muestra de una cultura ajena pero al mismo tiempo con unos mecanismos de comportamiento reconocibles. Durante la Segunda Guerra Mundial un grupo de marineros terminan naufragando en una isla semi-desierta en la que encuentran a una pareja. La presencia de la mujer potencia las dinámicas de poder que se desarrollan entre ellos. La mayor excentricidad del film reside en el hecho de que está enteramente narrado con una voz en off que se superpone a los diálogos, como si fuera un documental sobre el comportamiento humano, cuando de hecho es una película rodada en estudio. El efecto no puede ser el mismo sobre el espectador de la época, que en esencia no tendría experiencia con la cinematografía japonesa, y el actual. El factor exótico está muy superado, y emerge una sensación de irrealidad que explota en el cierre del film. Pero por el camino la voz de von Sternberg amenaza intrusismo, ya que no deja de interponerse entre el espectador y la acción, bordeando en ocasiones la prédica. Eventualmente el resultado es estimulante, pero resta la duda de saber cómo funcionaría la película sin el voiceover.
Un saludo.
Genjuro escribió:
253. Atentát (Jiri Sequens, 1965) - 6,5
Minuciosa reconstrucción del atentado más importante contra el régimen nazi, el que le costó la vida al Reichsprotektor Heydrich, que no deja de ser un acontecimiento presente de manera más o menos tangencial en muchas películas checoslovacas, pero aquí se aborda centralmente, quizás con la voluntad de realizar la obra canónica al respecto. El film describe los preparativos, la ejecución y la persecución posterior, también las luchas de poder en la cúpula del mando en el Protectorado. Me parece una película bien narrada, muy pulcra en el acabado visual (de un atractivo blanco y negro), sin altisonancias en el tratamiento de la historia y los personajes. Pero igual también le faltaba un poco más de personalidad y arrojo. Su carácter coral le impide desarrollar apropiadamente a los personajes, pero tampoco apuesta a fondo por la austeridad de la pura acción. Resta una obra más estimable que apasionante.
Hablan de su formacion en inglaterra?
Nobody survives when I got my steel up
Throwing my shit up pulling the trigga
What the fuck you lookin' at nigga
RakdØs escribió:Genjuro escribió:
253. Atentát (Jiri Sequens, 1965) - 6,5
Minuciosa reconstrucción del atentado más importante contra el régimen nazi, el que le costó la vida al Reichsprotektor Heydrich, que no deja de ser un acontecimiento presente de manera más o menos tangencial en muchas películas checoslovacas, pero aquí se aborda centralmente, quizás con la voluntad de realizar la obra canónica al respecto. El film describe los preparativos, la ejecución y la persecución posterior, también las luchas de poder en la cúpula del mando en el Protectorado. Me parece una película bien narrada, muy pulcra en el acabado visual (de un atractivo blanco y negro), sin altisonancias en el tratamiento de la historia y los personajes. Pero igual también le faltaba un poco más de personalidad y arrojo. Su carácter coral le impide desarrollar apropiadamente a los personajes, pero tampoco apuesta a fondo por la austeridad de la pura acción. Resta una obra más estimable que apasionante.
Hablan de su formacion en inglaterra?
Sí, de hecho quizás la escena que menos me gusta es precisamente una de entrenamiento en Inglaterra, que entre la puesta en escena y el acompañamiento musical casi parece sacada de una comedia. Según acabé la película leí información sobre el atentado y me queda la sensación de que se intentó ser todo lo fiel posible a los hechos reales.
Que por cierto, hace poco vi otra película que trataba el mismo tema, realizada en Estados Unidos en 1943 (Hitler's Madman de Douglas Sirk), y es muy curioso cómo utiliza elementos reales al tiempo que se toma múltiples libertades. Me pregunto si fue una cuestión de falta de información, de uso controlado de la misma (la guerra no había terminado), o simplemente de libertad artística.
Un saludo.
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Fecha actual 25 Abr 2024, 18:59