Un top de 2017 molón.
https://vimeo.com/245670075
Contador de películas 2017
La vida al margen del deporte (la hay)
No coincido con sus elecciones, pero hay que reconocer que sabe montar cosas así y ha creado tendencia.
Dicho esto, fuego hasta la muerte. Historia de una pasión siempre número 1
Nah, coñas aparte, me ha llamado la atención Columbus y parece que Phantom Thread pinta bien.
242.-Billy Lynn (Ang Lee, 2016) - 5,5
Tengo dos valoraciones distintas para la película, y es que para mí los puntos positivos yacen en ciertos aspectos que son muy aplaudibles y se sitúan fuera de la norma del Hollywood tradicional, pero sus defectos precisamente se sitúan dentro.
Al grano. Me gusta mucho cómo Lee arma la trama del PTSD y cómo juega con la producción, el montaje de ciertas imágenes (metáforas incluso) y la escenografía para atar el horror de la vida de Billy Lynn y de sus compañeros a la realidad. Creo que eso, junto a la parte de los soldados, deja un muy buen sabor de boca, y Lee sabe modular entre descansos, guiños irónicos y otros toques que tanto él como el guionista se han procurado trabajar a fondo. Me gusta también el uso del primer plano y el hecho de cambiar los fps a 120 (creando una imagen semidocumental que le viene bien a la trama en presente) para mostrar el impacto de una realidad que les es ajena o poco propia a los soldados, pero creo que las genialidades que se le ocurren a Lee también chocan con interpretaciones pobres (Steve Martin sobre todo), recursos repetidos y desgastados (el abuso del plano-contraplano acaba cansando, y el montaje no deja fluir la escena como debería). Al final, muy buen intento con momentos reseñables, pero una falta de talento y de pensamiento en la puesta en escena acaban lastrando el producto final.
PD: Papelón el de Hedlund. Se hace muy duro verle en ocasiones.
243.-El sacrificio de un ciervo sagrado (Yorgos Lanthimos, 2017) - 1
JAJAJAJAJAJAJAJAJAJAJA
Qué mala es. Típica película de thriller turbio con una planificación cutre, una puesta en escena random y una dirección de actores (quitando a un personaje) pésima. La trama es totalmente predecible, los cortes son randoms como ellos solos (y encima gratuitos en ocasiones) y encima, cuando Lanthimos intenta introducir humor negro, le sale como el culo. En fin, no hay nada ni remotamente salvable en esta película a parte de un actor y de un personaje.
Última edición por Bundy el 08 Dic 2017, 11:56, editado 2 veces en total.
A mí estas mierdas me gusta verlas, no porque coincida o no, si no porque saco ideas. Y si están montadas como esto, pues es un disfrute.Bundy escribió:No coincido con sus elecciones, pero hay que reconocer que sabe montar cosas así y ha creado tendencia.
Dicho esto, fuego hasta la muerte. Historia de una pasión siempre número 1
Nah, coñas aparte, me ha llamado la atención Columbus y parece que Phantom Thread pinta bien.
Y para eso están, creo, así que aprovechemosSeMpErE escribió:
A mí estas mierdas me gusta verlas, no porque coincida o no, si no porque saco ideas. Y si están montadas como esto, pues es un disfrute.
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remember CAI
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You were never really here. s.c. Era un día frío, los asientos del Golem muy cómodos , y a los 20 minutos caí en un sopor de otros 15 minutos que resultó fatal en orden a excogitar de manera criteriosa lo que la directora quería contarnos. Si la culpa del evento dañoso la tuvo el entorno o el producto es algo inextricable. Lo siento por Phoenix y el Meo Noir.
The sacrifice of the sacred deer. 8, 75. Era un día más frío aún, en los mismos asientos del Golem y a la misma hora, pero esta sí que me mantuvo despierto. Lanthimos tiene un estilo formal identificable, un laconismo expresivo, una yuxtaposición bella, como brochazos en una pintura que va ganando en capas y densidad, ya lo vimos en Lobster. Aquí cuenta con una excepcional interpretación de Farrell, contenido hasta decir basta, y una no menos antológica de Barry Keogham, siniestro, letárgico, cuasi reptil en sau encarnación del Angel Vengador. El guión construye la trama con tensión permanente, con una puesta en escena brillante ( la musica ayuda) que realza la cómica y negra metáfora de resonancias morales sutiles, hay momentos flojos pero en global estamos ante una experiencia artística de primer nivel ( y entretenida)
The sacrifice of the sacred deer. 8, 75. Era un día más frío aún, en los mismos asientos del Golem y a la misma hora, pero esta sí que me mantuvo despierto. Lanthimos tiene un estilo formal identificable, un laconismo expresivo, una yuxtaposición bella, como brochazos en una pintura que va ganando en capas y densidad, ya lo vimos en Lobster. Aquí cuenta con una excepcional interpretación de Farrell, contenido hasta decir basta, y una no menos antológica de Barry Keogham, siniestro, letárgico, cuasi reptil en sau encarnación del Angel Vengador. El guión construye la trama con tensión permanente, con una puesta en escena brillante ( la musica ayuda) que realza la cómica y negra metáfora de resonancias morales sutiles, hay momentos flojos pero en global estamos ante una experiencia artística de primer nivel ( y entretenida)
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[url]http://www.solobasket.com/blogs/remember/b-8.html[/url]
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O diario de un rebelde o the fighter. Joder, si el tio tiene algunas peliculas cojonudas, y fuera de eso tiene blockbusters de lo mas disfrutable del genero o incluso alguna comedia bastante buena como Ted.Iñigo escribió:Espero que al menos hayas visto "Boogie nights" e "Infiltrados".LSR escribió:Lo de "si sale ese tío paso de verla" a mí me ocurre con Mark Wahlberg. Pero qué puto ascazo me da el hijo de su madre. No es sólo la ingente cantidad de porquerías que ha hecho, es que me produce un profundo malestar el solo hecho de verle la careta.
Yo diria que menos la saga Transformers, el resto es como minimo decente. O al menos muchas de ellas.
192 colossal 6
193 orbita 9 4
194 spiderman home coming 8
195 transformers el ultimo caballero 4
196 proyecto lazaro 3
197 el caso sloan 8
198 el guardian invisible 5
199 smoking club 3
200 dia de patriotas 6
201 La guerra del planeta de los simios 7
202 los exiliados romanticos 5
203 Annabelle 2 creation 4
204 el sequito 5
205 abracadabra 2
206 estupido loco amor 6
207 el alcalde 6
208 lion 6
209 el cabo del miedo 9
210 28 dias despues 8
211 rocky 3 7
212 señor dame paciencia 5
213 la reina de españa 6
214 barry seal 6
215 plan de fuga 6
216 el viajante 6
217 noche de venganza 5
218 atomica 7
219 el juego de gerald 5
220 kingsman el circulo de oro 7
221 the woman 6
222 Love 7
223 Locas de alegría 6
193 orbita 9 4
194 spiderman home coming 8
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196 proyecto lazaro 3
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clorobuldo
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El remake del planeta de los simios es una de las mayores astracanadas de la historia del cine.KoRnleone escribió:O diario de un rebelde o the fighter. Joder, si el tio tiene algunas peliculas cojonudas, y fuera de eso tiene blockbusters de lo mas disfrutable del genero o incluso alguna comedia bastante buena como Ted.Iñigo escribió:Espero que al menos hayas visto "Boogie nights" e "Infiltrados".LSR escribió:Lo de "si sale ese tío paso de verla" a mí me ocurre con Mark Wahlberg. Pero qué puto ascazo me da el hijo de su madre. No es sólo la ingente cantidad de porquerías que ha hecho, es que me produce un profundo malestar el solo hecho de verle la careta.
Yo diria que menos la saga Transformers, el resto es como minimo decente. O al menos muchas de ellas.
Es curioso, porque la primera capa de lo que se quiere contar (lo relativo a la trama) es de un predecible que resultaría criticable si no fuera tan abiertamente intencionado, hasta el punto de terminar por convertirse en un punto a favor de la cinta: coger una historia mil veces contada y hacerla suya sin tratar de esconderlo; es más, enfatizando que se está jugando con unos referentes claros.remember CAI escribió:You were never really here. s.c. Era un día frío, los asientos del Golem muy cómodos , y a los 20 minutos caí en un sopor de otros 15 minutos que resultó fatal en orden a excogitar de manera criteriosa lo que la directora quería contarnos. Si la culpa del evento dañoso la tuvo el entorno o el producto es algo inextricable. Lo siento por Phoenix y el Meo Noir.
Madre mia, vengo solo para decir que Silencio es la mayor basura infecta que he visto en muchisimo tiempo. Y eso que Scorsese es mi director favorito.
Que toston mas insufrible, que tedio mas insoportable. La nada mas absoluta, como se puede alargar tanto una pelicula sin que haya absolutamente nada. Vaya misa panfletera. Que forma de no transmitir absolutamente nada, Es que estas esperando que maten a todos y se acabe eso de una vez.
Caso aparte es Garfield. A quien se la ha chupado para rodar primero con Gibson y despues con Scorsese? Dios que malo es el caratonto.
224 corazones de acero 7
225 silencio 1
Que toston mas insufrible, que tedio mas insoportable. La nada mas absoluta, como se puede alargar tanto una pelicula sin que haya absolutamente nada. Vaya misa panfletera. Que forma de no transmitir absolutamente nada, Es que estas esperando que maten a todos y se acabe eso de una vez.
Caso aparte es Garfield. A quien se la ha chupado para rodar primero con Gibson y despues con Scorsese? Dios que malo es el caratonto.
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guillermo2442
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111-El hombre del boulevard de los capuchinos-7
Человек с бульвара Капуцинов (El hombre del Bulevard de Capuchinos, 1987) es uno de los grandes éxitos del cine soviético contemporáneo. A cualquier hispanohablante el título le puede no sonar para nada, pero en su momento la película se colocó entre las más vistas y hoy en día sigue siendo una obra totalmente reconocida por cualquier habitante de Rusia. La obra, que parodia comicamente al género Western, esconde dentro de su fachada una evidente fábula moral sobre el uso del cine y sus consecuencias en la sociedad. La película contó con un reparto lleno de estrellas del cine de aquella época, entre las que sobresalen los tres protagonistas principales, interpretados por Andrei Mironov, Aleksandra Yakovleva y Nikolai Karachentsov. La película fue rodada en diversas zonas de Crimea, donde se simularon decorados similares a los del lejano oeste.
La película nos presenta un argumento singular, que es una abierta parodia (pero también homenaje) al cine Western. Sí, al cine Western, aunque la película sea soviética (lo que sin duda le da un toque de exótico a la película que la hace irresistible) . Hay diversos guiños al Western clásico e incluso al Spagetti. Seguramente el más reconocible sea las lineas de guión que hacen referencia a “este es mi bistec” y la célebre película de John Ford, The man who shot Libety Valance (El hombre que mató a Liberty Valance, 1960). Nos encontramos con el siguiente desarrollo: Johny First, intrepretado por Andrei Mironov, es un proyector de cine ambulante, que llega al típico poblado Western que tantas veces hemos visto en el cine norteamericano. Ahí se encuentra con una sociedad totalmente salvaje (representada con una pelea típica de Western en el saloon, donde las sillas vuelan de manera amenazadora) y que intentará cambiar con el cine. Y a fe que lo conseguirá, sólo hay que ver el cambio que el cine produce en el personaje de Karachentsov, un vaquero que parece beber más del spagetti e incluso de las películas de Bud Spencer y Terence Hill que del cine clásico (un personaje rudo pero con una evidente vis cómica, que reparte graciosamente diversas toñinas) y que cambiará sus modales gracias a las películas de Chaplin entre otras obras. Sin embargo, en el tercio final las cosas parecen desmoronarse, y la película opta por una salida que rompe con el tono feliz que llevaba la película hasta el momento, por uno que al final no deja de ser más lógico con el tema que pretendía desarrollar el filme.
Es también una evidente metáfora de como el cine se convirtió y pasó de ser un arte a un simple negocio. Es algo que la película hace evidente, y ni siquiera hace falta que hablemos de metáfora o algo parecido. Nuestro protagonista, que en realidad bebe mucho de la propia historia real y de todos aquellos proyeccionistas que iban de pueblo en pueblo mostrando las maravillas del nuevo cinematográfo, es en realidad un idealista. Un idealista que a la vez es el mismo director o guionista. Un idealista que cree que el cine puede tener una misión pedagógica. En nuestro caso, la película nos muestra como el cine puede transformar a una sociedad, haciéndola más educada. Evidentemente no es sólo el hecho de que el guión de la película pretenda
Los actores son uno de los elementos claves de la película, y sobre la que hay que destacar el gran nivel interpretativo que consiguen. La película incluye además diversos números musicales, que ayudan al empaque de la producción.
También hay que decir, que si en algo no funciona la película es en su tono declaradamente naif. La película es consciente de ello, pero no por eso en algunos momentos hay una excesiva ingenuidad que recorre tanto el argumento como a los personajes. La relación de amor por ejemplo, resulta demasiado blanca, así como poco creíble, pero especialmente las intenciones del cineasta ambulante de convertir a la sociedad resultan un tanto ingenuas. Más allá incluso, nos encontramos con un final resuelto de manera demasiada apresuarada (los habitantes de la ciudad convirtiendose otra vez en seres sin educación al caer en las manos del cine comercial que ha traído este segundo proyector ambulante), que a pesar de ser más o menos realista con lo que sucedió realmente con el uso del cine, no acaba de estar demasiado bien resuelto.
112-Los substitutos-5
113-Taxi Teherán-6
114-Batman VS Dos caras-6
115-Abracadabra-7
116-Ferrari. Carrera a la inmortalidad-8
117-Kingsman. El círculo de oro-4
118-Matilda (2017)-3
119-La decisión del rey-5
Человек с бульвара Капуцинов (El hombre del Bulevard de Capuchinos, 1987) es uno de los grandes éxitos del cine soviético contemporáneo. A cualquier hispanohablante el título le puede no sonar para nada, pero en su momento la película se colocó entre las más vistas y hoy en día sigue siendo una obra totalmente reconocida por cualquier habitante de Rusia. La obra, que parodia comicamente al género Western, esconde dentro de su fachada una evidente fábula moral sobre el uso del cine y sus consecuencias en la sociedad. La película contó con un reparto lleno de estrellas del cine de aquella época, entre las que sobresalen los tres protagonistas principales, interpretados por Andrei Mironov, Aleksandra Yakovleva y Nikolai Karachentsov. La película fue rodada en diversas zonas de Crimea, donde se simularon decorados similares a los del lejano oeste.
La película nos presenta un argumento singular, que es una abierta parodia (pero también homenaje) al cine Western. Sí, al cine Western, aunque la película sea soviética (lo que sin duda le da un toque de exótico a la película que la hace irresistible) . Hay diversos guiños al Western clásico e incluso al Spagetti. Seguramente el más reconocible sea las lineas de guión que hacen referencia a “este es mi bistec” y la célebre película de John Ford, The man who shot Libety Valance (El hombre que mató a Liberty Valance, 1960). Nos encontramos con el siguiente desarrollo: Johny First, intrepretado por Andrei Mironov, es un proyector de cine ambulante, que llega al típico poblado Western que tantas veces hemos visto en el cine norteamericano. Ahí se encuentra con una sociedad totalmente salvaje (representada con una pelea típica de Western en el saloon, donde las sillas vuelan de manera amenazadora) y que intentará cambiar con el cine. Y a fe que lo conseguirá, sólo hay que ver el cambio que el cine produce en el personaje de Karachentsov, un vaquero que parece beber más del spagetti e incluso de las películas de Bud Spencer y Terence Hill que del cine clásico (un personaje rudo pero con una evidente vis cómica, que reparte graciosamente diversas toñinas) y que cambiará sus modales gracias a las películas de Chaplin entre otras obras. Sin embargo, en el tercio final las cosas parecen desmoronarse, y la película opta por una salida que rompe con el tono feliz que llevaba la película hasta el momento, por uno que al final no deja de ser más lógico con el tema que pretendía desarrollar el filme.
Es también una evidente metáfora de como el cine se convirtió y pasó de ser un arte a un simple negocio. Es algo que la película hace evidente, y ni siquiera hace falta que hablemos de metáfora o algo parecido. Nuestro protagonista, que en realidad bebe mucho de la propia historia real y de todos aquellos proyeccionistas que iban de pueblo en pueblo mostrando las maravillas del nuevo cinematográfo, es en realidad un idealista. Un idealista que a la vez es el mismo director o guionista. Un idealista que cree que el cine puede tener una misión pedagógica. En nuestro caso, la película nos muestra como el cine puede transformar a una sociedad, haciéndola más educada. Evidentemente no es sólo el hecho de que el guión de la película pretenda
Los actores son uno de los elementos claves de la película, y sobre la que hay que destacar el gran nivel interpretativo que consiguen. La película incluye además diversos números musicales, que ayudan al empaque de la producción.
También hay que decir, que si en algo no funciona la película es en su tono declaradamente naif. La película es consciente de ello, pero no por eso en algunos momentos hay una excesiva ingenuidad que recorre tanto el argumento como a los personajes. La relación de amor por ejemplo, resulta demasiado blanca, así como poco creíble, pero especialmente las intenciones del cineasta ambulante de convertir a la sociedad resultan un tanto ingenuas. Más allá incluso, nos encontramos con un final resuelto de manera demasiada apresuarada (los habitantes de la ciudad convirtiendose otra vez en seres sin educación al caer en las manos del cine comercial que ha traído este segundo proyector ambulante), que a pesar de ser más o menos realista con lo que sucedió realmente con el uso del cine, no acaba de estar demasiado bien resuelto.
112-Los substitutos-5
113-Taxi Teherán-6
114-Batman VS Dos caras-6
115-Abracadabra-7
116-Ferrari. Carrera a la inmortalidad-8
117-Kingsman. El círculo de oro-4
118-Matilda (2017)-3
119-La decisión del rey-5
The Shape of Water (Guillermo del Toro, 2017): Una maravilla. Cuento de hadas cargado de referencias cinefilas y discurso social, contado con la sensibilidad e imaginacion que caracterizan al mejor Guillermo del Toro. Sally Hawkins esta fenomenal.
The bad seed (Mervyn LeRoy, 1956): A pesar de los cambios con respecto a la novela y a algunas actuaciones, que son tan exageradas y afectadas que parecen parodicas, es un muy buen thriller. El momento "post The End" (que es, imagino, puro reflejo de la epoca) me parecio tan interesante como extraño.
The bad seed (Mervyn LeRoy, 1956): A pesar de los cambios con respecto a la novela y a algunas actuaciones, que son tan exageradas y afectadas que parecen parodicas, es un muy buen thriller. El momento "post The End" (que es, imagino, puro reflejo de la epoca) me parecio tan interesante como extraño.
Cuando tienes 17 años, de André Techiné - 6,5
Irregular, con ciertas dosis de melodrama -aunque en todo momento bien rodado y sin caer la gratuidad-, algunos momentos brillantes, pretende ahondar en la falsa (o incompleta) apertura de mente de la sociedad con respecto a la homosexualidad. Resulta llamativo los impedimentos que surgen entre los protagonistas, condicionados por sus familias, educación, contexto, etc., para dejarse llevar por su atracción y sexualidad. Incluso a la madre "moderna", en un principio, le choca enterarse y reaccionar a la noticia de la homosexualidad de su hjo. Desde otra vertiente, también resulta interesante cómo muestra las contradicciones de los adolescentes y cómo muchas veces no tienen claro afrontar sus sentimientos.
Irregular, con ciertas dosis de melodrama -aunque en todo momento bien rodado y sin caer la gratuidad-, algunos momentos brillantes, pretende ahondar en la falsa (o incompleta) apertura de mente de la sociedad con respecto a la homosexualidad. Resulta llamativo los impedimentos que surgen entre los protagonistas, condicionados por sus familias, educación, contexto, etc., para dejarse llevar por su atracción y sexualidad. Incluso a la madre "moderna", en un principio, le choca enterarse y reaccionar a la noticia de la homosexualidad de su hjo. Desde otra vertiente, también resulta interesante cómo muestra las contradicciones de los adolescentes y cómo muchas veces no tienen claro afrontar sus sentimientos.
244-Musume dojoji (Kon Ichikawa, 1946) - 6,5
Película breve adaptada a cine de marionetas. Ichikawa adaptó una obra de kabuki famosa que, por desgracia, tuvo la mala fortuna de toparse con la censura a destiempo (Ichikawa terminó el corto antes de que la guerra terminara, y la censura estadounidense obligaba a revisión previa de los guiones antes de rodaje, además de que los estadounidenses no veían con buen ojo a las películas tradicionales japonesas). Pese a que la película originalmente debía ser en animación stop-motion, Ichikawa ya muestra sus recursos: el encuadre como narrador de una historia cuasi muda (a excepción de los cantos kabuki), el juego entre planos largos contrastados con primerísimos primeros planos y planos detalle y el juego con las luces, además de otros juegos abstractos que aprovechan al máximo el montaje frenético que Ichikawa realiza durante la película. No siempre tiene toda la efectividad que se quisiera y la claridad por momentos es confusa sin necesidad (sobre todo por las intenciones del director nipón en hacer una adaptación abstracta de la obra), pero cuando es clara y explota sus recursos, lo hace con una belleza inusitada.
Más info: http://nishikataeiga.blogspot.com.es/20 ... -1945.html
245.-The Day After (Hong Sang-Soo, 2017) - 8
Lo tuyo y tú era una película que hablaba de la necesidad de abstraerse de las exigencias y de las promesas para hablar de verdad, y escondía un drama precioso en medio de situaciones cómicas a cada cual más rocambolesca; En la playa sola de noche resulta un retrato existencial con una mujer descreída en un amor que le es imposible amar, y esta película toma un cariz existencial en torno a la idea del amor (en tanto que este es un ideal que al ser humano le resulta acceder y que por ende acaba destruido); luego, pasamos a La Cámara de Claire, que es más una película coyuntural en cuanto a la idea del tiempo transformando las relaciones y sirviendo de película coyuntural. ¿Y por qué coyuntural? Porque muchos de los elementos de estas tres películas toman una nueva dirección en The Day After.
De todas las películas mencionadas (y otras anteriores desde Hill of Freedom), The Day After es la más arisca y a la vez la más sencilla. Siguen existiendo los zooms y la escena vehicular que verticula todas sus historias, pero esta vez Hong se hace servir de las puertas o de pequeños cortes para reorientar o para echar la mirada hacia atrás, intentando cerrar incógnitas más que abriéndolas, haciendo que los personajes se enfrenten entre ellos y contra su propia mediocridad, y dejando que el personaje central de la cinta, el único cuerdo de la manada, sea quien sepa distanciarse de todo ello y mostrar uno de los mejores planos de la carrera del director, y uno de los más sencillos también. A priori, la película más sencilla para con el espectador, y a la vez la más honesta junto a lo Lo tuyo y tú, e igual de melancólica y árida que los compases duros de En la playa de noche.
246.-A Study in Coreography for Camera (Maya Deren, 1945, C) - 7
Tal como suena. Maya Deren quería hiperbolizar el movimiento de los cuerpos hacia la danza: volverlos ingrávidos, más aún incluso que lo que se hizo en Entreacto, utilizar los cuerpos en la dirección, con el espacio y usando el montaje para realzar la belleza de la danza. Quitando alguna parte, aquí se puede apreciar no solo lo bien que Deren sabe captar la danza en sí, sino también cómo reflejar el cine (como hace en otras películas) a través del montaje.
247.-Camarada (Roberto Rossellini, 1946) - 8,75
Una colección de 2 horas de múltiples cortos y mediometrajes en los que la incomunicación entre italianos y estadounidenses sobre las ruinas y las miserias de la Italia después de la Segunda Guerra son los ejes comunes. Rossellini consigue sorprender porque, ante todo, intenta hablar de la humanidad, no sin antes guardarse un giro irónico que muestra las heridas de su propia nación y la incapacidad de los de su país para entender sus miserias. Los dos últimos cortos ofrecen un cierre espléndido: uno, en clave cómica e ingenua, mostrando lo mejor de la humanidad; en el otro, igual o más breve que el resto, pero más intenso, la crudeza de la guerra y el lado más horrible de esta, pero sin recrearse en exceso, como si Rossellini se hubiese inspirado en las fotografías de Capa durante la Guerra Civil Española.
248.-Rose Hobart (Joseph Cornwell, 1936) - 9
Dicen que el montaje es el único y exclusivo patrimonio del cine y esto se demuestra en esta película surrealista. El autor inserta en el disco original una serie de temas de Nestor Amaral y altera el contenido visual para que se disocie y se asocie (siempre de forma juguetona y aleatoria, como si fuesen fragmentos de un sueño) la música del contenido visual. Es quizá la primera gran película que se sirve de material original de una película muda y lo edita, excluyendo todo el material salvo aquel en el que está Rose Hobart. Una auténtica ida de olla, en el mejor sentido de la palabra.
249.-El crimen del señor Lange (Jean Renoir, 1936) - 8
De sorpresa en sorpresa...y tiro porque me toca. El crimen del señor Lange tiene muy poco que envidiar a sus obras maestras de los años 50, en tanto que personajes totalmente repugnantes llegan a hacerse atractivos, y su línea se difumina a través del buen hacer de los diálogos y del juego con los picados y las posiciones de los personajes, evidenciando la pantomima y la farsa de una historia que arranca en presente y se desvía hacia el flashback. El patetismo es clave en gran parte de los personajes, sin renunciar tampoco a la belleza estética del encuadre y a la desfachatez sexual. Al final, la farsa se transforma en sueño idealista, y este, en un último giro, se precipita hacia un final que mezcla ambos con la tragedia del sacrificio profetizado desde los inicios de la película. Le falla, no obstante, que el juego que establece con la empresa una vez desaparecido el empresario sea un tanto ingenuo, apuntando más hacia la crueldad del empresario sin escrúpulos que hacia otra cosa.
250.-Star Wars: El último Jedi (Rian Johnson, 2017) - 2,5
Lo siento mucho, pero la película no se sostiene por ningún lado.
Entiendo la base. Rian Johnson quiere crear una especie de película-espectáculo en la que haya una trama de corte humanista (esto es, lo del equilibrio). Sin embargo, todo se estropea en base de una bombástica sin propósito alguno en lo que todo es una acumulación de situaciones que llevan siempre a la misma conclusión, anudando todo alrededor de las mismas mecánicas. No hay una puesta en escena salvo en pocas escenas (quizá las que tienen Kylo y Rey hasta la escena clave), y esa falta de planificación no solo existe en la dirección o en la fotografía (el rayito de luz antes de que aparezca la "esperanza" es MUY LOLESCO), pero es que encima esas subtramas se las cargan más adelante con giros de deus ex machina o bien con giros no lo suficientemente justificados a través del matiz que hace que, se quiera o no, acaba cargando una mochila de bulto que se dirige hacia la nada. Está muy bien crear espectáculo y clímax intensos unos tras otros, pero hay un problema gordo cuando todas las escenas se resuelven siempre de forma muy similar. Premio aparte, eso sí, a la escena homenaje a "Alas" de William A. Wellman y a los juegos de montaje entre Kylo y Rey.
251.-Valse brillante de Chopin (Max Ophüls, 1936) - 6
Ophüls filma en 5 minutos un vals de Chopin en el que varios movimientos largos en diagonal, planos detalles y juegos de montaje sutiles forman un trabajo decente.
252.-Priest of Darkness (Sadao Yamanaka, 1936) - 6,5
No tan brillante como Humanidad y globos de papel, pero aun así sigue siendo una película sólida que contiene todo lo que vendrá después en su tercera película (con veintitantos años, lo cual es más impresionante y duro de tragar -algo similar sucedió, supongo, en Taiwán con la muerte de Edward Yang). En Priest of Darkness, varias historias se van entrelazando desde la comedia hasta un apelotonamiento de dramas, uno superior al anterior, en donde los dramas, sin embargo, toman tiempo en desarrollarse y dejan consecuencias durísimas sobre sus protagonistas, no sin que estas también tejan relaciones que solo se verán cortadas de raíz hacia un final tan abrupto como incierto. Por cierto, sorprendente la actuación por entonces de una jovencísima Setsuko Hara.
253.-Master will Shakespeare (Jacques Tourneur, 1936) - 5,5
Reportaje (o publirreportaje) de la vida y obra de William Shakespeare, en donde Tourneur filma con una brillantez indiscutible. Su trabajo con luces y sombras es admirable, pero es aquí, en este tipo de cosas, en donde se nota la diferencia entre cineastas grandes como él y otros enormes como Carl Theodor Dreyer.
254.-Soigne ton Gauche (René Clement, 1936) - 7
Clement y Tati trabajando juntos solo podía significar un juego inteligentísimo con la cámara rápida y una sucesión constante de momentos a cual más ridículo que el posterior. Tati contribuye también, eclipsando aun así el trabajo de Clement, aunque se nota que aún les faltaba algo para pulir, pues aunque hay construcción y oficio de la escena y un claro afán para dejar clara la acción, los efectos cómicos no son tan potentes como tocarían. Hay algo que falla y está precisamente en que toda la construcción y la coreografía de la acción no está tan atada como Tati y Clement querrían. Aun así, corto más que gracioso.
255.-El hijo único (Yasujiro Ozu, 1936) - 8,25 (R)
Película breve adaptada a cine de marionetas. Ichikawa adaptó una obra de kabuki famosa que, por desgracia, tuvo la mala fortuna de toparse con la censura a destiempo (Ichikawa terminó el corto antes de que la guerra terminara, y la censura estadounidense obligaba a revisión previa de los guiones antes de rodaje, además de que los estadounidenses no veían con buen ojo a las películas tradicionales japonesas). Pese a que la película originalmente debía ser en animación stop-motion, Ichikawa ya muestra sus recursos: el encuadre como narrador de una historia cuasi muda (a excepción de los cantos kabuki), el juego entre planos largos contrastados con primerísimos primeros planos y planos detalle y el juego con las luces, además de otros juegos abstractos que aprovechan al máximo el montaje frenético que Ichikawa realiza durante la película. No siempre tiene toda la efectividad que se quisiera y la claridad por momentos es confusa sin necesidad (sobre todo por las intenciones del director nipón en hacer una adaptación abstracta de la obra), pero cuando es clara y explota sus recursos, lo hace con una belleza inusitada.
Más info: http://nishikataeiga.blogspot.com.es/20 ... -1945.html
245.-The Day After (Hong Sang-Soo, 2017) - 8
Lo tuyo y tú era una película que hablaba de la necesidad de abstraerse de las exigencias y de las promesas para hablar de verdad, y escondía un drama precioso en medio de situaciones cómicas a cada cual más rocambolesca; En la playa sola de noche resulta un retrato existencial con una mujer descreída en un amor que le es imposible amar, y esta película toma un cariz existencial en torno a la idea del amor (en tanto que este es un ideal que al ser humano le resulta acceder y que por ende acaba destruido); luego, pasamos a La Cámara de Claire, que es más una película coyuntural en cuanto a la idea del tiempo transformando las relaciones y sirviendo de película coyuntural. ¿Y por qué coyuntural? Porque muchos de los elementos de estas tres películas toman una nueva dirección en The Day After.
De todas las películas mencionadas (y otras anteriores desde Hill of Freedom), The Day After es la más arisca y a la vez la más sencilla. Siguen existiendo los zooms y la escena vehicular que verticula todas sus historias, pero esta vez Hong se hace servir de las puertas o de pequeños cortes para reorientar o para echar la mirada hacia atrás, intentando cerrar incógnitas más que abriéndolas, haciendo que los personajes se enfrenten entre ellos y contra su propia mediocridad, y dejando que el personaje central de la cinta, el único cuerdo de la manada, sea quien sepa distanciarse de todo ello y mostrar uno de los mejores planos de la carrera del director, y uno de los más sencillos también. A priori, la película más sencilla para con el espectador, y a la vez la más honesta junto a lo Lo tuyo y tú, e igual de melancólica y árida que los compases duros de En la playa de noche.
246.-A Study in Coreography for Camera (Maya Deren, 1945, C) - 7
Tal como suena. Maya Deren quería hiperbolizar el movimiento de los cuerpos hacia la danza: volverlos ingrávidos, más aún incluso que lo que se hizo en Entreacto, utilizar los cuerpos en la dirección, con el espacio y usando el montaje para realzar la belleza de la danza. Quitando alguna parte, aquí se puede apreciar no solo lo bien que Deren sabe captar la danza en sí, sino también cómo reflejar el cine (como hace en otras películas) a través del montaje.
247.-Camarada (Roberto Rossellini, 1946) - 8,75
Una colección de 2 horas de múltiples cortos y mediometrajes en los que la incomunicación entre italianos y estadounidenses sobre las ruinas y las miserias de la Italia después de la Segunda Guerra son los ejes comunes. Rossellini consigue sorprender porque, ante todo, intenta hablar de la humanidad, no sin antes guardarse un giro irónico que muestra las heridas de su propia nación y la incapacidad de los de su país para entender sus miserias. Los dos últimos cortos ofrecen un cierre espléndido: uno, en clave cómica e ingenua, mostrando lo mejor de la humanidad; en el otro, igual o más breve que el resto, pero más intenso, la crudeza de la guerra y el lado más horrible de esta, pero sin recrearse en exceso, como si Rossellini se hubiese inspirado en las fotografías de Capa durante la Guerra Civil Española.
248.-Rose Hobart (Joseph Cornwell, 1936) - 9
Dicen que el montaje es el único y exclusivo patrimonio del cine y esto se demuestra en esta película surrealista. El autor inserta en el disco original una serie de temas de Nestor Amaral y altera el contenido visual para que se disocie y se asocie (siempre de forma juguetona y aleatoria, como si fuesen fragmentos de un sueño) la música del contenido visual. Es quizá la primera gran película que se sirve de material original de una película muda y lo edita, excluyendo todo el material salvo aquel en el que está Rose Hobart. Una auténtica ida de olla, en el mejor sentido de la palabra.
249.-El crimen del señor Lange (Jean Renoir, 1936) - 8
De sorpresa en sorpresa...y tiro porque me toca. El crimen del señor Lange tiene muy poco que envidiar a sus obras maestras de los años 50, en tanto que personajes totalmente repugnantes llegan a hacerse atractivos, y su línea se difumina a través del buen hacer de los diálogos y del juego con los picados y las posiciones de los personajes, evidenciando la pantomima y la farsa de una historia que arranca en presente y se desvía hacia el flashback. El patetismo es clave en gran parte de los personajes, sin renunciar tampoco a la belleza estética del encuadre y a la desfachatez sexual. Al final, la farsa se transforma en sueño idealista, y este, en un último giro, se precipita hacia un final que mezcla ambos con la tragedia del sacrificio profetizado desde los inicios de la película. Le falla, no obstante, que el juego que establece con la empresa una vez desaparecido el empresario sea un tanto ingenuo, apuntando más hacia la crueldad del empresario sin escrúpulos que hacia otra cosa.
250.-Star Wars: El último Jedi (Rian Johnson, 2017) - 2,5
Lo siento mucho, pero la película no se sostiene por ningún lado.
Entiendo la base. Rian Johnson quiere crear una especie de película-espectáculo en la que haya una trama de corte humanista (esto es, lo del equilibrio). Sin embargo, todo se estropea en base de una bombástica sin propósito alguno en lo que todo es una acumulación de situaciones que llevan siempre a la misma conclusión, anudando todo alrededor de las mismas mecánicas. No hay una puesta en escena salvo en pocas escenas (quizá las que tienen Kylo y Rey hasta la escena clave), y esa falta de planificación no solo existe en la dirección o en la fotografía (el rayito de luz antes de que aparezca la "esperanza" es MUY LOLESCO), pero es que encima esas subtramas se las cargan más adelante con giros de deus ex machina o bien con giros no lo suficientemente justificados a través del matiz que hace que, se quiera o no, acaba cargando una mochila de bulto que se dirige hacia la nada. Está muy bien crear espectáculo y clímax intensos unos tras otros, pero hay un problema gordo cuando todas las escenas se resuelven siempre de forma muy similar. Premio aparte, eso sí, a la escena homenaje a "Alas" de William A. Wellman y a los juegos de montaje entre Kylo y Rey.
251.-Valse brillante de Chopin (Max Ophüls, 1936) - 6
Ophüls filma en 5 minutos un vals de Chopin en el que varios movimientos largos en diagonal, planos detalles y juegos de montaje sutiles forman un trabajo decente.
252.-Priest of Darkness (Sadao Yamanaka, 1936) - 6,5
No tan brillante como Humanidad y globos de papel, pero aun así sigue siendo una película sólida que contiene todo lo que vendrá después en su tercera película (con veintitantos años, lo cual es más impresionante y duro de tragar -algo similar sucedió, supongo, en Taiwán con la muerte de Edward Yang). En Priest of Darkness, varias historias se van entrelazando desde la comedia hasta un apelotonamiento de dramas, uno superior al anterior, en donde los dramas, sin embargo, toman tiempo en desarrollarse y dejan consecuencias durísimas sobre sus protagonistas, no sin que estas también tejan relaciones que solo se verán cortadas de raíz hacia un final tan abrupto como incierto. Por cierto, sorprendente la actuación por entonces de una jovencísima Setsuko Hara.
253.-Master will Shakespeare (Jacques Tourneur, 1936) - 5,5
Reportaje (o publirreportaje) de la vida y obra de William Shakespeare, en donde Tourneur filma con una brillantez indiscutible. Su trabajo con luces y sombras es admirable, pero es aquí, en este tipo de cosas, en donde se nota la diferencia entre cineastas grandes como él y otros enormes como Carl Theodor Dreyer.
254.-Soigne ton Gauche (René Clement, 1936) - 7
Clement y Tati trabajando juntos solo podía significar un juego inteligentísimo con la cámara rápida y una sucesión constante de momentos a cual más ridículo que el posterior. Tati contribuye también, eclipsando aun así el trabajo de Clement, aunque se nota que aún les faltaba algo para pulir, pues aunque hay construcción y oficio de la escena y un claro afán para dejar clara la acción, los efectos cómicos no son tan potentes como tocarían. Hay algo que falla y está precisamente en que toda la construcción y la coreografía de la acción no está tan atada como Tati y Clement querrían. Aun así, corto más que gracioso.
255.-El hijo único (Yasujiro Ozu, 1936) - 8,25 (R)
Última edición por Bundy el 19 Dic 2017, 01:13, editado 5 veces en total.
522. A Touch of Zen (King Hu, 1971) - 7
Mítico título de artes marciales a cargo del referente taiwanés del género, King Hu. La película se recrea al introducirnos los actores principales del conflicto que se sucede, entre el poder establecido y unos proscritos injustamente perseguidos. Hay un punto misterioso y sobrenatural con el que se juega durante el metraje, y que culmina en un final de corte místico-religioso quizás pasado de vueltas. A pesar de la belicosidad inherente al género, que no se escatima, el film aboga por la no violencia (la escena en la que el protagonista descubre el resultado de la batalla es más que elocuente). De todas maneras, el fuerte de la película es su puesta en escena, su trabajo visual. Ya de mano se trata de una obra en la que los personajes están desplazándose continuamente, y es que el movimiento domina la imagen, con planos de duración limitada en los que abundan todo tipo de travellings, panorámicas, uso de grúas o incluso zooms. Pero no por ello se descuida la composición de los mismo, ni la luz, ambos aspectos tratados con verdadero mimo. Es verdad que por momentos el film se vuelve un poco estridente y que sufre excesos de montaje (por ejemplo, ráfagas de planos-contraplanos sin diálogo ni información añadida), pero también hay numerosas escenas que lucen esplendorosas.
523. Nido familiar (Bela Tarr, 1979) - 6,5
El problema del acceso a la vivienda en la Hungría de los años setenta es la espoleta argumental de la ópera prima de Tarr, que recurre a la estética documentalista para retratarnos las tensiones que se producen en el seno de una familia y que denotan problemas más profundos y arraigados en la sociedad. En las conflictivas relaciones que observamos se percibe una brecha generacional, quizás un cambio de valores, pobremente gestionados por todas las partes. Ni unos están preparados para dar lecciones, ni los otros parecen tener madurez para aceptarlas, lo cual se acentúa por la imposibilidad de acceder a una independencia vital, y dentro de una sociedad hipócrita, racista y machista. De hecho, quizás resultan excesivos ciertos episodios que evidencian las miserias de sus personajes. Tarr los muestra a través de primeros planos tomados desde cierta distancia, evitando la típica dinámica de plano-contraplano, de manera que tenemos la impresión de observarles desde fuera, sin que el dispositivo cinematográfico se interponga entre ellos, buscando una impresión hiperrealista.
524. Déjame salir (Jordan Peele, 2017) - 5,5
La subversión de los lugares comunes asociados a la representación racial y al racismo me parece la gran aportación y la gran baza de esta película. Hay mucha ironía implícita en el hecho de que (SPOILER) en esencia los blancos de la película, en lugar de ser el esperable grupúsculo con un objetivo supremacista, lo que terminen haciendo sea convertirse en negros debido a sus superiores cualidades físicas. También tiene su gracia la sugerencia del enamoramiento como un estado de hipnosis. El problema de la película radica en que su plasmación fílmica, asociada al género del terror y con no pocas dosis humorísticas, sí que termina cayendo en cierta convención y rutina propias del mismo.
525. Dead Landscape (István Gaál, 1972) - 6,5
El sentimiento de ausencia y extrañeza, de alienación, que generaba en Sodrásban la desaparición de uno de los personajes se multiplica en este film en el que un pueblo entero se va despoblando hasta que sólo queda un matrimonio residiendo en el mismo. En concreto es ella, la única habitante permanente, el punto focal de esa carga emocional, puesto que su marido decide irse a trabajar fuera todos los días. El vacío y la angustia soterrada van emergiendo conforme avanza el metraje, con elementos fatalistas (los familiares de Canadá que poco menos que huyen tras su visita, los gitanos de paso que ni hacen ademán de detenerse o las casas que se desmoronan), en una historia de psicología individual que se levanta sobre toda una tendencia de disolución del tejido social rural. A pesar de la utilización del zoom, Gaál entrega una sólida puesta en escena que hace empequeñecerse progresivamente a su protagonista.
526. La película de nuestra vida (Enrique Baró Ubach, 2016) - 6,5
Memoria y representación son quizás las dos cuestiones claves de esta obra tan íntima que nunca abandona los límites de una casa familiar, y en la que Enrique Baró Ubach recupera películas caseras rodadas en dicho escenario por sus antepasados para hacerlas dialogar con un presente que, si bien parece dar continuidad a liturgias y tradiciones recreativas, también muestra un trabajo de reconstrucción que abonaría la vertiente crepuscular del film. Los encuadres fijos de Baró (no siempre logrados, de hecho el uso ocasional de dos emplazamientos para la misma escena, quizás rodada con doble cámara, no me terminó de convencer) contrastan con la espontaneidad del material recuperado, al tiempo que también juguetea con el simulacro de un rodaje o reconstruye imágenes del pasado con tres modelos. Todo el film mantiene una vocación lúdica y un tono ligero que soterran el latente potencial evocador del material.
Un saludo.
Mítico título de artes marciales a cargo del referente taiwanés del género, King Hu. La película se recrea al introducirnos los actores principales del conflicto que se sucede, entre el poder establecido y unos proscritos injustamente perseguidos. Hay un punto misterioso y sobrenatural con el que se juega durante el metraje, y que culmina en un final de corte místico-religioso quizás pasado de vueltas. A pesar de la belicosidad inherente al género, que no se escatima, el film aboga por la no violencia (la escena en la que el protagonista descubre el resultado de la batalla es más que elocuente). De todas maneras, el fuerte de la película es su puesta en escena, su trabajo visual. Ya de mano se trata de una obra en la que los personajes están desplazándose continuamente, y es que el movimiento domina la imagen, con planos de duración limitada en los que abundan todo tipo de travellings, panorámicas, uso de grúas o incluso zooms. Pero no por ello se descuida la composición de los mismo, ni la luz, ambos aspectos tratados con verdadero mimo. Es verdad que por momentos el film se vuelve un poco estridente y que sufre excesos de montaje (por ejemplo, ráfagas de planos-contraplanos sin diálogo ni información añadida), pero también hay numerosas escenas que lucen esplendorosas.
523. Nido familiar (Bela Tarr, 1979) - 6,5
El problema del acceso a la vivienda en la Hungría de los años setenta es la espoleta argumental de la ópera prima de Tarr, que recurre a la estética documentalista para retratarnos las tensiones que se producen en el seno de una familia y que denotan problemas más profundos y arraigados en la sociedad. En las conflictivas relaciones que observamos se percibe una brecha generacional, quizás un cambio de valores, pobremente gestionados por todas las partes. Ni unos están preparados para dar lecciones, ni los otros parecen tener madurez para aceptarlas, lo cual se acentúa por la imposibilidad de acceder a una independencia vital, y dentro de una sociedad hipócrita, racista y machista. De hecho, quizás resultan excesivos ciertos episodios que evidencian las miserias de sus personajes. Tarr los muestra a través de primeros planos tomados desde cierta distancia, evitando la típica dinámica de plano-contraplano, de manera que tenemos la impresión de observarles desde fuera, sin que el dispositivo cinematográfico se interponga entre ellos, buscando una impresión hiperrealista.
524. Déjame salir (Jordan Peele, 2017) - 5,5
La subversión de los lugares comunes asociados a la representación racial y al racismo me parece la gran aportación y la gran baza de esta película. Hay mucha ironía implícita en el hecho de que (SPOILER) en esencia los blancos de la película, en lugar de ser el esperable grupúsculo con un objetivo supremacista, lo que terminen haciendo sea convertirse en negros debido a sus superiores cualidades físicas. También tiene su gracia la sugerencia del enamoramiento como un estado de hipnosis. El problema de la película radica en que su plasmación fílmica, asociada al género del terror y con no pocas dosis humorísticas, sí que termina cayendo en cierta convención y rutina propias del mismo.
525. Dead Landscape (István Gaál, 1972) - 6,5
El sentimiento de ausencia y extrañeza, de alienación, que generaba en Sodrásban la desaparición de uno de los personajes se multiplica en este film en el que un pueblo entero se va despoblando hasta que sólo queda un matrimonio residiendo en el mismo. En concreto es ella, la única habitante permanente, el punto focal de esa carga emocional, puesto que su marido decide irse a trabajar fuera todos los días. El vacío y la angustia soterrada van emergiendo conforme avanza el metraje, con elementos fatalistas (los familiares de Canadá que poco menos que huyen tras su visita, los gitanos de paso que ni hacen ademán de detenerse o las casas que se desmoronan), en una historia de psicología individual que se levanta sobre toda una tendencia de disolución del tejido social rural. A pesar de la utilización del zoom, Gaál entrega una sólida puesta en escena que hace empequeñecerse progresivamente a su protagonista.
526. La película de nuestra vida (Enrique Baró Ubach, 2016) - 6,5
Memoria y representación son quizás las dos cuestiones claves de esta obra tan íntima que nunca abandona los límites de una casa familiar, y en la que Enrique Baró Ubach recupera películas caseras rodadas en dicho escenario por sus antepasados para hacerlas dialogar con un presente que, si bien parece dar continuidad a liturgias y tradiciones recreativas, también muestra un trabajo de reconstrucción que abonaría la vertiente crepuscular del film. Los encuadres fijos de Baró (no siempre logrados, de hecho el uso ocasional de dos emplazamientos para la misma escena, quizás rodada con doble cámara, no me terminó de convencer) contrastan con la espontaneidad del material recuperado, al tiempo que también juguetea con el simulacro de un rodaje o reconstruye imágenes del pasado con tres modelos. Todo el film mantiene una vocación lúdica y un tono ligero que soterran el latente potencial evocador del material.
Un saludo.
Me descojono, y lo digo con buena fe, cuando veo las cifras de Genjuro este año. Además dejando aquí impresiones de todas y cada una, eso es pasión y lo demás son tonterías.
Road to 600.
Road to 600.
Yo, él y Raquel (Alfonso Gómez-Rejón) - 8,5
Bajo el barniz del humor y la excentricidad se esconde una tragedia cotidiana que trasciende todas las posibles fallas y etiquetas que se le puedan poner a la película. Transmite, llega, las lágrimas salían solas de mis órbitas. Y el director es un cabón, cómo nos engaña, pero qué buena peli ha hecho.
Una pastelería en Tokio (Naomi Kawase) - 6
Sencilla pero bella, nos muestra hasta qué punto puede llegar la estupidez de la sociedad, y al mismo tiempo, ¿qué hacemos por disfrutar de las pequeñas cosas del mundo? ¿cuándo apreciamos la belleza de la naturaleza?
Bajo el barniz del humor y la excentricidad se esconde una tragedia cotidiana que trasciende todas las posibles fallas y etiquetas que se le puedan poner a la película. Transmite, llega, las lágrimas salían solas de mis órbitas. Y el director es un cabón, cómo nos engaña, pero qué buena peli ha hecho.
Una pastelería en Tokio (Naomi Kawase) - 6
Sencilla pero bella, nos muestra hasta qué punto puede llegar la estupidez de la sociedad, y al mismo tiempo, ¿qué hacemos por disfrutar de las pequeñas cosas del mundo? ¿cuándo apreciamos la belleza de la naturaleza?
Vamos con la última actualización antes de ver "Los últimos Jedi"...
1.- Tropic Thunder (2008) Acción, comedia. 107 minutos. Dirigida por Ben Stiller. 5/10.
2.- Letters from Iwo Jima (2006). Bélica, historia, drama. 141 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 6/10.
3.- Escuadrón Suicida (Suicide Squad) 2016. Acción, comedia, superhéroes. 135 m. Dirigida por David Ayer. 7,5/10 (R).
4.- La autopsia de Jane Doe (2016) Terror. 86 minutos. Dirigida por André Øvredal. 7,5/10.
5.- Sully (2016). Biografía, drama. 96 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 7/10.
6.- Tarde para la ira (2016). Drama, thriller. 92 minutos. Dirigida por Raúl Arévalo. 7/10.
7.- El Clan (2015) Biografía, drama, crimen. 108 minutos. Dirigida por Pablo Trapero. 5/10.
8.- Sausage Party (2016) Animación, aventuras, comedia. 89 minutos. Dirigida por Greg Tiernan y Conrad Vernon. 5/10.
9.- ARQ (2016). Ciencia-ficción, thriller. 88 minutos. Dirigida por Tony Elliot. 5,5/10.
10.- Doctor Strange (2016). Acción, aventuras, superhéroes. 115 minutos. Dirigida por Scott Derrickson. 7,5/10.
11.- Ugly (2013) Crimen, drama, misterio. 128 minutos. Dirigida por Anurag Kashyap. 8/10.
12.- Hacksaw Ridge (Hasta el último hombre) 2016. Bélica, biografía, drama. 139 minutos. Dirigida por Mel Gibson. 7,5/10.
13.- Logan (2017). Acción, drama, sci-fi. 137 minutos. Dirigida por James Mangold. 8/10.
14.- Elle (2016). Crimen, drama, thriller. 130 minutos. Dirigida por Paul Verhoeven. 5/10.
15.- Passengers (2016). Drama, romance, sci-fi. 116 minutos. Dirigida por Morten Tyldum. 7/10.
16.- Resident Evil: The final chapter (2016). Acción, sci-fi, terror. 106 minutos. Dirigida por Paul W.S. Anderson. 5,5/10.
17.- Kong: Skull Island (2017). Acción, aventuras, fantasía. 118 minutos. Dirigida por Jordan Vogt-Roberts. 6,5/10.
18.- Split (Múltiple) 2016. Terror, thriller. 117 minutos. Dirigida por M.Night Shyamalan. 7/10.
19.- Rogue One (2016). Acción, aventuras, sci-fi. 133 minutos. Dirigida por Gareth Edwards. (R) V.O. 8,5/10.
20.- The Guardians (Zashchitniki) 2017. Acción, aventuras, sci-fi. 88 min. Dirigida por Sarik Andreasyan. 4/10.
21.- Guardians of the Galaxy Vol.2 (2017). Acción, aventuras, sci-fi. 136 min. Dirigida por James Gunn. 7,9/10.
22.- Hell or High Water (Comanchería) 2016. Crimen, drama, thriller. 102 min. Dirigida por David MacKenzie. 7,8/10.
23.- Bone Tomahawk (2015). Western, drama, terror. 132 minutos. Dirigida por S. Craig Zahler. 7/10.
24.- Now you see me 2 (2016). Acción, aventuras, comedia. 129 min. Dirigida por Jon M. Chu. 6/10.
25.- Get Out (2017). Terror, misterio. 104 minutos. Dirigida por Jordan Peele. 6,5/10.
26.- The Good Neighbor (2016) Crimen, drama, thriller. 98 minutos. Dirigida por Kasra Farahani. 6/10.
27.- John Wick Chapter 2 (2017). Acción, thriller. 122 minutos. Dirigida por Chad Stahelski. 7,7/10.
28.- Life (Vida) 2017. Terror, sci-fi, thriller. 104 minutos. Dirigida por Daniel Espinosa. 7,9/10.
29.- Dope (2015) Comedia, crimen, drama. 103 minutos. Dirigida por Rick Famuyiwa. 6,2/10.
30.- Mars Attacks! (1996) Comedia, sci-fi. 106 minutos. Dirigida por Tim Burton. 6/10.
31.- Captain Fantastic (2016) Comedia, drama. 118 minutos. Dirigida por Matt Ross. 6,8/10.
32.- The Searchers (Centauros del Desierto) 1956. Western. 119 minutos. Dirigida por John Ford. 8,5/10.
33.- Wonder Woman (2017) Acción, aventuras, superhéroes. 141 minutos. Dirigida por Patty Jenkins. 7,7/10.
34.- The man who shot Liberty Valance (1962) Western. 123 minutos. Dirigida por John Ford. 8/10.
35.- Pulp Fiction (1994) Crimen, drama. 154 minutos. Dirigida por Quentin Tarantino. 9,5/10.
36.- Hasta que llegó su hora (Once upon a time in west) 1968. Western. 164 minutos. Dirigida por Sergio Leone. 8/10.
37.- Baby Driver (2017). Acción, crimen. 112 minutos. Dirigida por Edgar Wright. 7,6/10.
38.- Spider-Man Homecoming (2017). Acción, aventuras, superhéroes. 133 minutos. Dirigida por Jon Watts. 7,5/10.
39.- Clown (2014) Terror, thriller. 100 minutos. Dirigida por Jon Watts. 5/10.
40.- Alien Covenant (2017). Terror, sci-fi, thriller. 122 minutos. Dirigida por Ridley Scott. 7/10.
41.- Dentro del laberinto (1986). Aventuras, familiar, fantasía. 101 minutos. Dirigida por Jim Henson. 5/10.
42.- King Arthur: Legend of the sword (2017) Acción, aventuras, fantasía. 126 min. Dirigida por Guy Ritchie. 7,8/10.
43.- Hidden: Terror en Kingsville (2015) Terror, thriller. 84 minutos. Dirigida por los hermanos Duffer. 6/10.
44.- Stagecoach (La Diligencia) 1939. Western. Dirigida por John Ford. 7,5/10.
45.- Midnight Special (2016) Drama, ciencia-ficción. Dirigida por Jeff Nichols. 7,7/10.
46.- Anacleto (2015) Comedia, acción. Dirigida por Javier Ruiz Caldera. 4,5/10.
47.- Live by night (2016) Acción, drama. Dirigida por Ben Affleck. 6/10.
48.- Cold Eyes (Gam-Si-Ja-deul) 2013. Acción, crimen, thriller. 6/10.
49.- A most violent year (2014). Crimen, drama. Dirigida por J.C.Chandor. 6/10.
50.- The good, the bad & the ugly (1966) Western. Dirigida por Sergio Leone. 7,9/10.
51.- Entourage (El séquito) 2015. Comedia. Dirigida por Doug Ellin. 6,5/10.
52.- The Wild Bunch (1969) Western. Dirigida por Sam Peckinpah. 8/10.
53.- Pirates of Caribbean Dead Men tell no tales (2017). Aventuras. 5/10.
54.- Slow West (2015) Western, drama. Dirigida por John Maclean. 7,5/10.
55.- Highlander (Los Inmortales) 1986. Aventuras, ciencia-ficción. Dirigida por Russell Mulcahy. 5,5/10.
56.- War for the planet of the apes (2017). Acción, ciencia-ficción. Dirigida por Matt Reeves. 5,5/10.
57.- Fate of the Furious (2017). Acción. Dirigida por F. Gary Gray. 6/10.
58.- BayWatch (2017). Acción, comedia. Dirigida por seth Gordon. 5,5/10.
59.- Fat City (1972) Drama. Dirigida por John Huston. 5/10.
60.- Kingsman The Golden Circle (2017) Acción, aventuras, comedia. Dirigida por Matthew Vaughn. 6,5/10.
61.- Atomic Blonde (2017) Acción, thriller. Dirigida por David Leitch. 7,7/10.
62.- Thor: Ragnarok (2017) Aventuras, comedia, superhéroes. Dirigida por Taika Waititi. 7,9/10.
63.- Young Ones (2014) Ciencia-ficción, drama. Dirigida por Jake Paltrow. 7,5/10.
64.- It (2017) Terror. Dirigida por Andrés Muschietti. 6/10.
65.- The Dark Tower (2017). Ciencia-ficción, fantástica. Dirigida por Nikolaj Arcel. 6/10.
66.- Wind River (2017). Crimen, thriller. Dirigida por Taylor Sheridan. 8,2/10.
67.- Have a nice day (2017) Animación, crimen. Dirigida por Jian Liu. 3,5/10.
68.- Valerian and the City of a Thousand Planets (2017). Aventuras, sci-fi. Dirigida por Luc Besson. 8/10.
69.- Lucky (2017) Drama. Dirigida por John Carroll Lynch. 7/10.
70.- Posoki (Destinos) 2017. Dirigida por Stephan Komandarev. 7,6/10.
Una de esas películas que hacen que merezca la pena ir al FICX. Al tratarse de distintas historias cortas, unas pueden gustar más que otras, pero el resultado final es muy interesante. Un retrato de la sociedad búlgara (aunque resulta curioso ver como en España tenemos cosas en común con ellos) sin salir de los taxis y con distintas formas de afrontar la crisis tanto económica como social. A pesar del tono pesimista y por momentos violento, hay momentos para la esperanza e incluso la risa.
71.- Patti Cake$ (2017) Dirigida por Geremy Jasper. 6,3/10.
Funciona bien como comedia, gracias al tramo central, donde los personajes y la banda sonora cumplen en ese sentido. Como drama se puede resumir en que es básicamente "8 millas" si Eminem fuera una chica con sobrepeso. Todo lo que tiene de divertida, no lo tiene de original. Mención especial a las canciones compuestas por el director para la banda sonora.
72.- T2. Trainspotting 2 (2017) Dirigida por Danny Boyle. 7,5/10.
Tardé en verla porque la crítica la ponía fatal y no sé si por ir con bajas expectativas pero me gustó bastante. Si llegar al nivel de la primera, creo que es una digna secuela, con identidad propia, entretenida y se disfruta.
73.- Justice League (2017) Dirigida por Zack Snyder. 7,3/10.
Mejor que "BVS" pero sigue sin llegarle a la suela de los zapatos al cine superheroico de Marvel. Es difícil repartir las culpas después de la tragedia de Snyder y el poco margen que ha tenido Whedon, pero lo que está claro es que mientras unos tienen un plan y se ciñen a él, otros parece que van improvisando sobre la marcha sin tener muy claro a donde quieren ir.
74.- Murder on the Orient Express (2017) Dirigida por Kenneth Branagh. 7,5/10.
Como casi siempre, no entro a valorarla como adaptación. Como película, muy entretenida y con dos grandes aciertos en mi opinión. El primero, más general, la profundidad del reparto. No tanto por los grandes nombres (Depp pasaba por allí y nuestra Pe ni fu ni fa) sino por la galería de secundarios o el trabajo de veteranos como Dench, Jacobi o Pfeiffer. Y el segundo, en particular, la interpretación de Poirot que firma Branagh, brillante mezclando carisma y sentido del humor.
75.- Dunkirk (2017) Dirigida por Christopher Nolan. 7,6/10.
Esta tenía ganas de haberla visto en pantalla grande. Es un Nolan distinto. Una película visualmente impresionante y que consigue transmitir la crueldad de la guerra. Lo peor, la banda sonora es muy cargante, de esas que por momentos te saca de la película. Mejor que "Interstellar" pero peor que las del mejor Nolan.
Salu2
1.- Tropic Thunder (2008) Acción, comedia. 107 minutos. Dirigida por Ben Stiller. 5/10.
2.- Letters from Iwo Jima (2006). Bélica, historia, drama. 141 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 6/10.
3.- Escuadrón Suicida (Suicide Squad) 2016. Acción, comedia, superhéroes. 135 m. Dirigida por David Ayer. 7,5/10 (R).
4.- La autopsia de Jane Doe (2016) Terror. 86 minutos. Dirigida por André Øvredal. 7,5/10.
5.- Sully (2016). Biografía, drama. 96 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 7/10.
6.- Tarde para la ira (2016). Drama, thriller. 92 minutos. Dirigida por Raúl Arévalo. 7/10.
7.- El Clan (2015) Biografía, drama, crimen. 108 minutos. Dirigida por Pablo Trapero. 5/10.
8.- Sausage Party (2016) Animación, aventuras, comedia. 89 minutos. Dirigida por Greg Tiernan y Conrad Vernon. 5/10.
9.- ARQ (2016). Ciencia-ficción, thriller. 88 minutos. Dirigida por Tony Elliot. 5,5/10.
10.- Doctor Strange (2016). Acción, aventuras, superhéroes. 115 minutos. Dirigida por Scott Derrickson. 7,5/10.
11.- Ugly (2013) Crimen, drama, misterio. 128 minutos. Dirigida por Anurag Kashyap. 8/10.
12.- Hacksaw Ridge (Hasta el último hombre) 2016. Bélica, biografía, drama. 139 minutos. Dirigida por Mel Gibson. 7,5/10.
13.- Logan (2017). Acción, drama, sci-fi. 137 minutos. Dirigida por James Mangold. 8/10.
14.- Elle (2016). Crimen, drama, thriller. 130 minutos. Dirigida por Paul Verhoeven. 5/10.
15.- Passengers (2016). Drama, romance, sci-fi. 116 minutos. Dirigida por Morten Tyldum. 7/10.
16.- Resident Evil: The final chapter (2016). Acción, sci-fi, terror. 106 minutos. Dirigida por Paul W.S. Anderson. 5,5/10.
17.- Kong: Skull Island (2017). Acción, aventuras, fantasía. 118 minutos. Dirigida por Jordan Vogt-Roberts. 6,5/10.
18.- Split (Múltiple) 2016. Terror, thriller. 117 minutos. Dirigida por M.Night Shyamalan. 7/10.
19.- Rogue One (2016). Acción, aventuras, sci-fi. 133 minutos. Dirigida por Gareth Edwards. (R) V.O. 8,5/10.
20.- The Guardians (Zashchitniki) 2017. Acción, aventuras, sci-fi. 88 min. Dirigida por Sarik Andreasyan. 4/10.
21.- Guardians of the Galaxy Vol.2 (2017). Acción, aventuras, sci-fi. 136 min. Dirigida por James Gunn. 7,9/10.
22.- Hell or High Water (Comanchería) 2016. Crimen, drama, thriller. 102 min. Dirigida por David MacKenzie. 7,8/10.
23.- Bone Tomahawk (2015). Western, drama, terror. 132 minutos. Dirigida por S. Craig Zahler. 7/10.
24.- Now you see me 2 (2016). Acción, aventuras, comedia. 129 min. Dirigida por Jon M. Chu. 6/10.
25.- Get Out (2017). Terror, misterio. 104 minutos. Dirigida por Jordan Peele. 6,5/10.
26.- The Good Neighbor (2016) Crimen, drama, thriller. 98 minutos. Dirigida por Kasra Farahani. 6/10.
27.- John Wick Chapter 2 (2017). Acción, thriller. 122 minutos. Dirigida por Chad Stahelski. 7,7/10.
28.- Life (Vida) 2017. Terror, sci-fi, thriller. 104 minutos. Dirigida por Daniel Espinosa. 7,9/10.
29.- Dope (2015) Comedia, crimen, drama. 103 minutos. Dirigida por Rick Famuyiwa. 6,2/10.
30.- Mars Attacks! (1996) Comedia, sci-fi. 106 minutos. Dirigida por Tim Burton. 6/10.
31.- Captain Fantastic (2016) Comedia, drama. 118 minutos. Dirigida por Matt Ross. 6,8/10.
32.- The Searchers (Centauros del Desierto) 1956. Western. 119 minutos. Dirigida por John Ford. 8,5/10.
33.- Wonder Woman (2017) Acción, aventuras, superhéroes. 141 minutos. Dirigida por Patty Jenkins. 7,7/10.
34.- The man who shot Liberty Valance (1962) Western. 123 minutos. Dirigida por John Ford. 8/10.
35.- Pulp Fiction (1994) Crimen, drama. 154 minutos. Dirigida por Quentin Tarantino. 9,5/10.
36.- Hasta que llegó su hora (Once upon a time in west) 1968. Western. 164 minutos. Dirigida por Sergio Leone. 8/10.
37.- Baby Driver (2017). Acción, crimen. 112 minutos. Dirigida por Edgar Wright. 7,6/10.
38.- Spider-Man Homecoming (2017). Acción, aventuras, superhéroes. 133 minutos. Dirigida por Jon Watts. 7,5/10.
39.- Clown (2014) Terror, thriller. 100 minutos. Dirigida por Jon Watts. 5/10.
40.- Alien Covenant (2017). Terror, sci-fi, thriller. 122 minutos. Dirigida por Ridley Scott. 7/10.
41.- Dentro del laberinto (1986). Aventuras, familiar, fantasía. 101 minutos. Dirigida por Jim Henson. 5/10.
42.- King Arthur: Legend of the sword (2017) Acción, aventuras, fantasía. 126 min. Dirigida por Guy Ritchie. 7,8/10.
43.- Hidden: Terror en Kingsville (2015) Terror, thriller. 84 minutos. Dirigida por los hermanos Duffer. 6/10.
44.- Stagecoach (La Diligencia) 1939. Western. Dirigida por John Ford. 7,5/10.
45.- Midnight Special (2016) Drama, ciencia-ficción. Dirigida por Jeff Nichols. 7,7/10.
46.- Anacleto (2015) Comedia, acción. Dirigida por Javier Ruiz Caldera. 4,5/10.
47.- Live by night (2016) Acción, drama. Dirigida por Ben Affleck. 6/10.
48.- Cold Eyes (Gam-Si-Ja-deul) 2013. Acción, crimen, thriller. 6/10.
49.- A most violent year (2014). Crimen, drama. Dirigida por J.C.Chandor. 6/10.
50.- The good, the bad & the ugly (1966) Western. Dirigida por Sergio Leone. 7,9/10.
51.- Entourage (El séquito) 2015. Comedia. Dirigida por Doug Ellin. 6,5/10.
52.- The Wild Bunch (1969) Western. Dirigida por Sam Peckinpah. 8/10.
53.- Pirates of Caribbean Dead Men tell no tales (2017). Aventuras. 5/10.
54.- Slow West (2015) Western, drama. Dirigida por John Maclean. 7,5/10.
55.- Highlander (Los Inmortales) 1986. Aventuras, ciencia-ficción. Dirigida por Russell Mulcahy. 5,5/10.
56.- War for the planet of the apes (2017). Acción, ciencia-ficción. Dirigida por Matt Reeves. 5,5/10.
57.- Fate of the Furious (2017). Acción. Dirigida por F. Gary Gray. 6/10.
58.- BayWatch (2017). Acción, comedia. Dirigida por seth Gordon. 5,5/10.
59.- Fat City (1972) Drama. Dirigida por John Huston. 5/10.
60.- Kingsman The Golden Circle (2017) Acción, aventuras, comedia. Dirigida por Matthew Vaughn. 6,5/10.
61.- Atomic Blonde (2017) Acción, thriller. Dirigida por David Leitch. 7,7/10.
62.- Thor: Ragnarok (2017) Aventuras, comedia, superhéroes. Dirigida por Taika Waititi. 7,9/10.
63.- Young Ones (2014) Ciencia-ficción, drama. Dirigida por Jake Paltrow. 7,5/10.
64.- It (2017) Terror. Dirigida por Andrés Muschietti. 6/10.
65.- The Dark Tower (2017). Ciencia-ficción, fantástica. Dirigida por Nikolaj Arcel. 6/10.
66.- Wind River (2017). Crimen, thriller. Dirigida por Taylor Sheridan. 8,2/10.
67.- Have a nice day (2017) Animación, crimen. Dirigida por Jian Liu. 3,5/10.
68.- Valerian and the City of a Thousand Planets (2017). Aventuras, sci-fi. Dirigida por Luc Besson. 8/10.
69.- Lucky (2017) Drama. Dirigida por John Carroll Lynch. 7/10.
70.- Posoki (Destinos) 2017. Dirigida por Stephan Komandarev. 7,6/10.
Una de esas películas que hacen que merezca la pena ir al FICX. Al tratarse de distintas historias cortas, unas pueden gustar más que otras, pero el resultado final es muy interesante. Un retrato de la sociedad búlgara (aunque resulta curioso ver como en España tenemos cosas en común con ellos) sin salir de los taxis y con distintas formas de afrontar la crisis tanto económica como social. A pesar del tono pesimista y por momentos violento, hay momentos para la esperanza e incluso la risa.
71.- Patti Cake$ (2017) Dirigida por Geremy Jasper. 6,3/10.
Funciona bien como comedia, gracias al tramo central, donde los personajes y la banda sonora cumplen en ese sentido. Como drama se puede resumir en que es básicamente "8 millas" si Eminem fuera una chica con sobrepeso. Todo lo que tiene de divertida, no lo tiene de original. Mención especial a las canciones compuestas por el director para la banda sonora.
72.- T2. Trainspotting 2 (2017) Dirigida por Danny Boyle. 7,5/10.
Tardé en verla porque la crítica la ponía fatal y no sé si por ir con bajas expectativas pero me gustó bastante. Si llegar al nivel de la primera, creo que es una digna secuela, con identidad propia, entretenida y se disfruta.
73.- Justice League (2017) Dirigida por Zack Snyder. 7,3/10.
Mejor que "BVS" pero sigue sin llegarle a la suela de los zapatos al cine superheroico de Marvel. Es difícil repartir las culpas después de la tragedia de Snyder y el poco margen que ha tenido Whedon, pero lo que está claro es que mientras unos tienen un plan y se ciñen a él, otros parece que van improvisando sobre la marcha sin tener muy claro a donde quieren ir.
74.- Murder on the Orient Express (2017) Dirigida por Kenneth Branagh. 7,5/10.
Como casi siempre, no entro a valorarla como adaptación. Como película, muy entretenida y con dos grandes aciertos en mi opinión. El primero, más general, la profundidad del reparto. No tanto por los grandes nombres (Depp pasaba por allí y nuestra Pe ni fu ni fa) sino por la galería de secundarios o el trabajo de veteranos como Dench, Jacobi o Pfeiffer. Y el segundo, en particular, la interpretación de Poirot que firma Branagh, brillante mezclando carisma y sentido del humor.
75.- Dunkirk (2017) Dirigida por Christopher Nolan. 7,6/10.
Esta tenía ganas de haberla visto en pantalla grande. Es un Nolan distinto. Una película visualmente impresionante y que consigue transmitir la crueldad de la guerra. Lo peor, la banda sonora es muy cargante, de esas que por momentos te saca de la película. Mejor que "Interstellar" pero peor que las del mejor Nolan.
Salu2
La Caverna del Murcielago. Reseñas de cine, series TV, cómics...
GRACIAS POR TODO. ENTRENADOR, MAMBA. NUNCA OS OLVIDAREMOS.
GRACIAS POR TODO. ENTRENADOR, MAMBA. NUNCA OS OLVIDAREMOS.
527. Rosa la rose, fille publique (Paul Vecchiali, 1986) - 7,5
A mí entender, un film mayor en la filmografía de Vecchiali, es curioso que coincida en el mismo año con otra cumbre de otro de los directores asociados al grupo Diagonale, Jean-Claude Guiguet con su Faubourg St Martin, con la que comparte similitudes temáticas y algunas tonales. Entre la variopinta galería de prostitutas, chulos y puteros que retrata, casi una familia humana en sí misma, la protagonista es Rosa, una profesional despampanante y exitosa, cuyos problemas comienzan cuando se enamora. Todos los personajes tienen su entereza humana y no hay juicios morales por parte del cineasta. Su vitalidad y ligereza tampoco es óbice para que asomen rasgos fatalistas. Muy especialmente es una obra de espíritu musical, ya desde una puesta en escena más bien colorista que fluye con los suaves desplazamientos de cámara y con el ritmo de los diálogos, pero que además se recrea en su banda sonora incluso con algunas canciones de espíritu popular. Hay escenas memorables, como la fiesta de cumpleaños o mismamente el fabuloso plano de cierre, que culmina el excelente trabajo cromático del film.
528. The Lovers (Elyer Ishmukhamedov, 1970) - 6,5
El director uzbeko retomaba el tema de los amoríos que ya había explorado en la episódica y coral Tenderness, aquí con una línea argumental más dominante, la del amor del joven bombero de pozos petrolíferos Rodin por la arqueóloga Tanya, pero como la otra, una narración en la que se puede apreciar una sutil circularidad. El film amplía su rango de relaciones a las de amistad o las familiares, que como en el caso de las sentimentales, se crean o destruyen en función de múltiples factores. La amargura y la melancolía siempre pueden ser el preludio de nuevos horizontes, de un renacer. Se agradece de nuevo la vena luminosa de Ishmukhamedov, la nobleza de su galería de personajes, aunque estilísticamente me parece una obra más deslavazada.
529. Constellation of the Virgo (Zbynek Brynych, 1966) - 6
Las tres películas que he visto de Brynych parecen trazar un camino hacia la comedia desde la inevitable gravedad en la que desemboca Transport from Paradise, pasando por el humor un tanto surrealista y kafkiano de The Fifth Horseman Is Fear para llegar a una obra que me parece entronca con una de las tendencias de la Nova Vlna, encabezada por Forman, que mira al mundo desde el realismo para observar sus excentricidades con cierta voluntad vitriólica. Creo que es el tono dominante en esta pequeña historia sobre unos soldados que cuelan a una chica en la base aérea en la que están destinados para que pueda verla su novio, a quien le han denegado un permiso. No es raro en este tipo de films poner en solfa la seriedad de las instituciones, y aquí es muy evidente, jugando a una relativa subversión. Por otro lado, y aunque no se profundiza en exceso, también son interesantes los apuntes sobre las relaciones amorosas, sobre el deseo y las convenciones. La puesta en escena, a pesar del formato panorámico, tiende a cerrar los planos sobre los personajes aún manteniendo cierta distancia focal, sin prestar demasiada atención al contexto escénico, y abunda en panorámicas incluso un poco forzadas, unas formas visuales que pueden potenciar la sensación realista, y quizás dar una impresión de espionaje y seguimiento.
530. La brigada suicida (Anthony Mann, 1947) - 6
Uno de los varios títulos de notable factura que Mann rodó dentro del género negro antes de entregar su celebrado ciclo de westerns con James Stewart, relata el trabajo de la brigada del Tesoro para capturar a una banda criminal especializada en la falsificación de moneda. La película funcionaría con total solvencia si no fuera por la querencia hagiogråfica sobre la labor gubernamental, profusa y detalladamente descrita por una voz en off explicativa a todas luces excesiva e intrusiva en la atmósfera del film. Por lo demás se trata de una obra cuidadosamente puesta en escena, plena de sombras, de figuras recortadas, y de escenarios que invitan a la incomodidad. Me parece una oportunidad perdida para completar un muy notable noir.
531. In the Fields of Dreams (Teuvo Tulio, 1940) - 7
Melodrama a cargo del gran especialista finés en el género, un Tulio quizás todavía no tan desaforado como mostraría posteriormente en su carrera. Cuenta la historia de una humilde chica que entra a trabajar en una familia de terratenientes y se enamora de uno de los hermanos propietarios, que sufre tendencias ludópatas. Por las pocas películas suyas que he visto se diría que el tema de la inocencia femenina y juvenil malograda por el apetito de los hombres es recurrente en su filmografía. El tono del film parte de un luminoso y bucólico romance pastoril para ir oscureciéndose según penetra en el drama. Tulio se maneja con soltura en ambos registros, y ofrece algunas soluciones de puesta en escena realmente brillantes en momentos cruciales del argumento.
532. El ferroviario (Pietro Germi, 1956) - 7
Notable muestra del neorrealismo tardío, que como tantas obras de dicha corriente, apuesta por el humanismo en el retrato de sus personajes. Destaca especialmente el de su protagonista, cómo no, un maquinista cuyos modos patriarcales le ponen en conflicto con sus hijos y que viene interpretado por el propio Germi. El film recurre en cierta medida al punto de vista infantil para hacernos llegar esta gama de claroscuros perfectamente dispuestos, buscando quizás una mirada de inocencia que han perdido el resto de desgastadas relaciones familiares. Me parecen un acierto las decisiones sobre qué mostrar y qué elidir o dejar fuera de campo, en un notable trabajo de dirección de Germi, que se luce a ambos lados de la cámara.
533. Coco (Lee Unkrich, 2017) - 5,5
Nueva entrega de la factoría Pixar, con todo su brillante despliegue de medios al que nos tiene habituados. La historia se ambienta en México durante el día de los muertos, y viene protagonizada por un niño de familia de zapateros que quiere ser músico y que termina viviendo una aventura en el más allá, en la ciudad de los muertos. El film pone en valor la importancia de la familia y la memoria, y su factura es impecable, pero no me terminó de llegar. Su humor no me pareció especialmente inspirado, y quizás se reblandece más de lo normal en su tramo final. La verdad es que el planteamiento es ocurrente, pero en el fondo quizás no estamos lejos de cierta fórmula de espectacularización un poco cansina.
534. Embarazados (Juana Macías, 2016) - 2,5
Comedia romántica de diseño que traspone modelos norteamericanos añadiendo características más típicamente domésticas (como esa tendencia de la comedia española mainstream blanda de virar hacia la dramedia). En la crisis que vive una pareja que se aproxima a la cuarentena cuando deciden tener un hijo in vitro hay generoso espacio al cansino guiño generacional, incluso al product placement. Previsible, complaciente y formularia, todo suena a prefabricado en esta película.
Un saludo.
A mí entender, un film mayor en la filmografía de Vecchiali, es curioso que coincida en el mismo año con otra cumbre de otro de los directores asociados al grupo Diagonale, Jean-Claude Guiguet con su Faubourg St Martin, con la que comparte similitudes temáticas y algunas tonales. Entre la variopinta galería de prostitutas, chulos y puteros que retrata, casi una familia humana en sí misma, la protagonista es Rosa, una profesional despampanante y exitosa, cuyos problemas comienzan cuando se enamora. Todos los personajes tienen su entereza humana y no hay juicios morales por parte del cineasta. Su vitalidad y ligereza tampoco es óbice para que asomen rasgos fatalistas. Muy especialmente es una obra de espíritu musical, ya desde una puesta en escena más bien colorista que fluye con los suaves desplazamientos de cámara y con el ritmo de los diálogos, pero que además se recrea en su banda sonora incluso con algunas canciones de espíritu popular. Hay escenas memorables, como la fiesta de cumpleaños o mismamente el fabuloso plano de cierre, que culmina el excelente trabajo cromático del film.
528. The Lovers (Elyer Ishmukhamedov, 1970) - 6,5
El director uzbeko retomaba el tema de los amoríos que ya había explorado en la episódica y coral Tenderness, aquí con una línea argumental más dominante, la del amor del joven bombero de pozos petrolíferos Rodin por la arqueóloga Tanya, pero como la otra, una narración en la que se puede apreciar una sutil circularidad. El film amplía su rango de relaciones a las de amistad o las familiares, que como en el caso de las sentimentales, se crean o destruyen en función de múltiples factores. La amargura y la melancolía siempre pueden ser el preludio de nuevos horizontes, de un renacer. Se agradece de nuevo la vena luminosa de Ishmukhamedov, la nobleza de su galería de personajes, aunque estilísticamente me parece una obra más deslavazada.
529. Constellation of the Virgo (Zbynek Brynych, 1966) - 6
Las tres películas que he visto de Brynych parecen trazar un camino hacia la comedia desde la inevitable gravedad en la que desemboca Transport from Paradise, pasando por el humor un tanto surrealista y kafkiano de The Fifth Horseman Is Fear para llegar a una obra que me parece entronca con una de las tendencias de la Nova Vlna, encabezada por Forman, que mira al mundo desde el realismo para observar sus excentricidades con cierta voluntad vitriólica. Creo que es el tono dominante en esta pequeña historia sobre unos soldados que cuelan a una chica en la base aérea en la que están destinados para que pueda verla su novio, a quien le han denegado un permiso. No es raro en este tipo de films poner en solfa la seriedad de las instituciones, y aquí es muy evidente, jugando a una relativa subversión. Por otro lado, y aunque no se profundiza en exceso, también son interesantes los apuntes sobre las relaciones amorosas, sobre el deseo y las convenciones. La puesta en escena, a pesar del formato panorámico, tiende a cerrar los planos sobre los personajes aún manteniendo cierta distancia focal, sin prestar demasiada atención al contexto escénico, y abunda en panorámicas incluso un poco forzadas, unas formas visuales que pueden potenciar la sensación realista, y quizás dar una impresión de espionaje y seguimiento.
530. La brigada suicida (Anthony Mann, 1947) - 6
Uno de los varios títulos de notable factura que Mann rodó dentro del género negro antes de entregar su celebrado ciclo de westerns con James Stewart, relata el trabajo de la brigada del Tesoro para capturar a una banda criminal especializada en la falsificación de moneda. La película funcionaría con total solvencia si no fuera por la querencia hagiogråfica sobre la labor gubernamental, profusa y detalladamente descrita por una voz en off explicativa a todas luces excesiva e intrusiva en la atmósfera del film. Por lo demás se trata de una obra cuidadosamente puesta en escena, plena de sombras, de figuras recortadas, y de escenarios que invitan a la incomodidad. Me parece una oportunidad perdida para completar un muy notable noir.
531. In the Fields of Dreams (Teuvo Tulio, 1940) - 7
Melodrama a cargo del gran especialista finés en el género, un Tulio quizás todavía no tan desaforado como mostraría posteriormente en su carrera. Cuenta la historia de una humilde chica que entra a trabajar en una familia de terratenientes y se enamora de uno de los hermanos propietarios, que sufre tendencias ludópatas. Por las pocas películas suyas que he visto se diría que el tema de la inocencia femenina y juvenil malograda por el apetito de los hombres es recurrente en su filmografía. El tono del film parte de un luminoso y bucólico romance pastoril para ir oscureciéndose según penetra en el drama. Tulio se maneja con soltura en ambos registros, y ofrece algunas soluciones de puesta en escena realmente brillantes en momentos cruciales del argumento.
532. El ferroviario (Pietro Germi, 1956) - 7
Notable muestra del neorrealismo tardío, que como tantas obras de dicha corriente, apuesta por el humanismo en el retrato de sus personajes. Destaca especialmente el de su protagonista, cómo no, un maquinista cuyos modos patriarcales le ponen en conflicto con sus hijos y que viene interpretado por el propio Germi. El film recurre en cierta medida al punto de vista infantil para hacernos llegar esta gama de claroscuros perfectamente dispuestos, buscando quizás una mirada de inocencia que han perdido el resto de desgastadas relaciones familiares. Me parecen un acierto las decisiones sobre qué mostrar y qué elidir o dejar fuera de campo, en un notable trabajo de dirección de Germi, que se luce a ambos lados de la cámara.
533. Coco (Lee Unkrich, 2017) - 5,5
Nueva entrega de la factoría Pixar, con todo su brillante despliegue de medios al que nos tiene habituados. La historia se ambienta en México durante el día de los muertos, y viene protagonizada por un niño de familia de zapateros que quiere ser músico y que termina viviendo una aventura en el más allá, en la ciudad de los muertos. El film pone en valor la importancia de la familia y la memoria, y su factura es impecable, pero no me terminó de llegar. Su humor no me pareció especialmente inspirado, y quizás se reblandece más de lo normal en su tramo final. La verdad es que el planteamiento es ocurrente, pero en el fondo quizás no estamos lejos de cierta fórmula de espectacularización un poco cansina.
534. Embarazados (Juana Macías, 2016) - 2,5
Comedia romántica de diseño que traspone modelos norteamericanos añadiendo características más típicamente domésticas (como esa tendencia de la comedia española mainstream blanda de virar hacia la dramedia). En la crisis que vive una pareja que se aproxima a la cuarentena cuando deciden tener un hijo in vitro hay generoso espacio al cansino guiño generacional, incluso al product placement. Previsible, complaciente y formularia, todo suena a prefabricado en esta película.
Un saludo.
-
Jaroslav Skala
- Mensajes: 957
- Registrado: 19 Sep 2014, 16:06
Solo dejar constancia de mi admiración por el cine de Germi, un olvidado de nuestro tiempo. Un tipo seco, adusto, independiente, pero brillante escribiendo y dirigiendo, incluso con una presencia física muy marcada que le daba siempre empaque a sus actuaciones como protagonista.Genjuro escribió: 532. El ferroviario (Pietro Germi, 1956) - 7
Notable muestra del neorrealismo tardío, que como tantas obras de dicha corriente, apuesta por el humanismo en el retrato de sus personajes. Destaca especialmente el de su protagonista, cómo no, un maquinista cuyos modos patriarcales le ponen en conflicto con sus hijos y que viene interpretado por el propio Germi. El film recurre en cierta medida al punto de vista infantil para hacernos llegar esta gama de claroscuros perfectamente dispuestos, buscando quizás una mirada de inocencia que han perdido el resto de desgastadas relaciones familiares. Me parecen un acierto las decisiones sobre qué mostrar y qué elidir o dejar fuera de campo, en un notable trabajo de dirección de Germi, que se luce a ambos lados de la cámara.
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Fecha actual 18 Abr 2024, 03:25