Contador de películas 2017 La vida al margen del deporte (la hay) Moderadores: Trager, andraax, Locutus, hastrakan, Roy Lichtenstein

[Bundy]

112.-El acorazado Potemkin (Sergei Eisenstein, 1925) – 8,25

Mediante una estructura teatral de cuatro actos, Eisenstein forma su propio relato de opresión y de esperanza del pueblo ruso en su revolución contra el zarismo y su posible sueño de construir su propio sueño comunista. Lo que queda para evidenciar semejante hazaña es el prodigioso montaje de Eisenstein, en el que las repeticiones de un concepto y los contrastes de posiciones (tanto por picado-contrapicado como por posición natural frente a la cámara y por cortes) sirven para evidenciar diferencias y para deconstruirlas (por ejemplo, el famoso pasaje de la tercera parte). Un prodigio de una de las primeras grandes etapas de la historia del cine (1924-1925).

113.-Hide and Seek (Moira Sweeney, 1987) – 6,25

Un relato circular alrededor de las memorias de la infancia de la niña y su adulteración, producida por la melancolía o bien por la falta de memoria, de ella. No hay mucho más misterio que el visto por las imágenes, aunque sí se puede alabar el encanto de las imágenes alentecidas (probablemente por el efecto de rodar a la mitad de fotogramas por segundos) o del juego descompasado del sonido ambiente con la imagen.

114.-Imaginary (Moira Sweeney, 1987) – 5,5

Voy perdidísimo con esta y ya no es una cuestión del trabajo enorme de cámara, del obturador de esta y de sus movimientos oscilando en el plano para generar velocidad o incluso otros efectos, sino que me parece algo imposible de abordar, aunque sí me ha parecido atrayente la idea y cómo esta se monta.

115.-Looking for the moon (Moira Sweeney, 1987) – 6,5

Ejercicio sencillo donde a través de repeticiones se acaba generando un pseudoefecto como el que precisamente alude al título de la película.

116.-Stabat Mater (Nina Danino, 1990) – 7,25

Por la imagen, la cámara balanceando y las continuas repeticiones buscando ciertos efectos, Nina Danino crea la sensación de agonía perfecta. El tema, que es lo que falta, se encuentra a través de los pasajes que la propia autora de la película narra en inglés, mientras que su hermana es la que canta canciones de sevillanas. El resultado: una película preciosa sobre la condición de la mujer y su papel de sufridora a lo largo de la historia.

117.-The garden of eating (Carole Enahoro, 1986) - 4

Me gustaría decir que el efecto de los colores y del juego a una cámara superrápida ofrecen un aire divertido y fresco a esta cinta que juega con la comida, las plantas y las velas para recrear múltiples efectos a su vez, pero la realidad es que la he acabado aborreciendo.

118.-El gatopardo (Luchino Visconti, 1963) - 8

Película más que digna que sabe muy explotar sus temas, se queda más lejos del nivel de obra maestra al que desea apuntar, en parte quizá por abrir demasiados cabos sueltos dándoles más relevancia de lo que merece. Los dos grandes conceptos de la película chocan y consiguen crear un microcosmos genial (esto es, el de la aceptación del envejecimiento y de la muerte contra los tiempos que vendrán y que cambiarán todo lo que está por venir), creando un fresco de “guepardos” y de “hienas” que ya están coexistiendo, así como también un juego interesante de colores (los amarillos cobran importancia y juegan mucho con los colores azulados) y de recursos de cámara (el acercamiento a ciertos personajes en contraposición a los primeros planos quietos o con movimientos mucho más lentos que el que los que se dedican a la juventud). Le pesa, sin embargo, ciertos cortes de montaje que no le hacen justicia a los niveles estéticos de la película y que rompen con la película, así como también ciertos repuntes de información, que acaban pareciendo más de una vez foreshadowing en vez de pedazos de narración salpicada para complementar la narración, que es lo que buscaba Visconti y que cuando lo logra.

PD: Habría que ver si Visconti debe a cineastas como Ozu o McCarey (Dejad paso al mañana, sobre todo con la parte final del vals) ciertas cosillas, pero hay dejes que surgen que no sé si tienen nada que ver y le han salido ciertos detalles que recuerdan levemente a esos dos directores.

[Zona+1]

1.- Tropic Thunder (2008) Acción, comedia. 107 minutos. Dirigida por Ben Stiller. 5/10.
2.- Letters from Iwo Jima (2006). Bélica, historia, drama. 141 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 6/10.
3.- Escuadrón Suicida (Suicide Squad) 2016. Acción, comedia, superhéroes. 135 m. Dirigida por David Ayer. 7,5/10 (R).
4.- La autopsia de Jane Doe (2016) Terror. 86 minutos. Dirigida por André Øvredal. 7,5/10.
5.- Sully (2016). Biografía, drama. 96 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 7/10.
6.- Tarde para la ira (2016). Drama, thriller. 92 minutos. Dirigida por Raúl Arévalo. 7/10.
7.- El Clan (2015) Biografía, drama, crimen. 108 minutos. Dirigida por Pablo Trapero. 5/10.
8.- Sausage Party (2016) Animación, aventuras, comedia. 89 minutos. Dirigida por Greg Tiernan y Conrad Vernon. 5/10.
9.- ARQ (2016). Ciencia-ficción, thriller. 88 minutos. Dirigida por Tony Elliot. 5,5/10.
10.- Doctor Strange (2016). Acción, aventuras, superhéroes. 115 minutos. Dirigida por Scott Derrickson. 7,5/10.
11.- Ugly (2013) Crimen, drama, misterio. 128 minutos. Dirigida por Anurag Kashyap. 8/10.
12.- Hacksaw Ridge (Hasta el último hombre) 2016. Bélica, biografía, drama. 139 minutos. Dirigida por Mel Gibson. 7,5/10.
13.- Logan (2017). Acción, drama, sci-fi. 137 minutos. Dirigida por James Mangold. 8/10.
14.- Elle (2016). Crimen, drama, thriller. 130 minutos. Dirigida por Paul Verhoeven. 5/10.
15.- Passengers (2016). Drama, romance, sci-fi. 116 minutos. Dirigida por Morten Tyldum. 7/10.
16.- Resident Evil: The final chapter (2016). Acción, sci-fi, terror. 106 minutos. Dirigida por Paul W.S. Anderson. 5,5/10.
17.- Kong: Skull Island (2017). Acción, aventuras, fantasía. 118 minutos. Dirigida por Jordan Vogt-Roberts. 6,5/10.
18.- Split (Múltiple) 2016. Terror, thriller. 117 minutos. Dirigida por M.Night Shyamalan. 7/10.
19.- Rogue One (2016). Acción, aventuras, sci-fi. 133 minutos. Dirigida por Gareth Edwards. (R) V.O. 8,5/10.
20.- The Guardians (Zashchitniki) 2017. Acción, aventuras, sci-fi. 88 min. Dirigida por Sarik Andreasyan. 4/10.
21.- Guardians of the Galaxy Vol.2 (2017). Acción, aventuras, sci-fi. 136 min. Dirigida por James Gunn. 7,9/10.
22.- Hell or High Water (Comanchería) 2016. Crimen, drama, thriller. 102 min. Dirigida por David MacKenzie. 7,8/10.
23.- Bone Tomahawk (2015). Western, drama, terror. 132 minutos. Dirigida por S. Craig Zahler. 7/10.
24.- Now you see me 2 (2016). Acción, aventuras, comedia. 129 min. Dirigida por Jon M. Chu. 6/10.
25.- Get Out (2017). Terror, misterio. 104 minutos. Dirigida por Jordan Peele. 6,5/10.
26.- The Good Neighbor (2016) Crimen, drama, thriller. 98 minutos. Dirigida por Kasra Farahani. 6/10.
27.- John Wick Chapter 2 (2017). Acción, thriller. 122 minutos. Dirigida por Chad Stahelski. 7,7/10.
28.- Life (Vida) 2017. Terror, sci-fi, thriller. 104 minutos. Dirigida por Daniel Espinosa. 7,9/10.
29.- Dope (2015) Comedia, crimen, drama. 103 minutos. Dirigida por Rick Famuyiwa. 6,2/10.
30.- Mars Attacks! (1996) Comedia, sci-fi. 106 minutos. Dirigida por Tim Burton. 6/10.

31.- Captain Fantastic (2016) Comedia, drama. 118 minutos. Dirigida por Matt Ross. 6,8/10.

A medio camino entre la comedia y el drama, narra la historia de una familia liderada por Viggo Mortensen que vive bajo sus propias reglas, en el bosque, educando y entrenando a sus hijos fuera del sistema. El problema llega cuando la madre se pone enferma y muere, lo que desencadenará un reencuentro con el resto de la familia, que tratará de quitarle la custodia de sus hijos. Por momentos muy divertida y por momentos triste, una de esas películas que te hacen reflexionar y a la vez entretiene.

32.- The Searchers (Centauros del Desierto) 1956. Western. 119 minutos. Dirigida por John Ford. 8,5/10.

Me gusta el género y he decidido ver unos cuantos clásicos, empezando por esta de John Ford. John Wayne es un veterano de guerra que vuelve a casa con la familia de su hermano. Cuando los indios atacan la casa y se llevan a su sobrina, empieza una búsqueda que le tendrá años tratando de recuperarla. Una obra maestra, con planos que quedan grabados en la retina del espectador.

33.- Wonder Woman (2017) Acción, aventuras, superhéroes. 141 minutos. Dirigida por Patty Jenkins. 7,7/10.

La historia de la princesa Diana de Themyscira, presentación del personaje de DC antes de la película de la Liga de la Justicia. Nos cuenta el origen de la amazona, desde que era niña. Muy bien ambientada y entretenida gracias a la primera batalla (la mejor de la película) y al papel de Robin Wright. Luego la parte cómica, sustentada en el personaje de Chris Pine, también está bastante bien; pero lo mejor de la película es la escena del frente gracias al innegable carisma de Gal Gadot, que como ya se pudo comprobar en "BvS", se ha hecho con el personaje. Mención especial para la española Elena Anaya, que está muy bien como villana. Por contra, va de más a menos y el final es bastante soso, siendo el climax de la película la escena antes comentada. El desarrollo del personaje principal es prácticamente inexistente, lo cual es una pena porque la interpretación de Gadot queda desaprovechada. DC y Warner siguen empeñadas en terminar las películas con batallas nocturnas a mamporro limpio. Y como siempre, el doblaje resta calidad a la película y estoy seguro que en V.O. ganará bastante. En resumen, está bastante bien pero no tanto como podía parecer por las críticas tan positivas. ¿La mejor película de superhéroes de DC? De las recientes ("Batman VS Superman" y "Escuadrón Suicida") seguramente si. Personalmente me parece peor que "Man of Steel" y de comparar con las más grandes (el Batman de Nolan o la más reciente "Logan") como algunos querían hacer, mejor ni hablamos. Para mí la comparación más acertada (y obvia) sería con "Capitán América: el primer vengador".

34.- The man who shot Liberty Valance (1962) Western. 123 minutos. Dirigida por John Ford. 8/10.

Otro western del maestro John Ford. En esta ocasión nos cuenta una historia desde el punto de vista del personaje de James Stewart, que cuando era jóven llegó a un pueblo justo después de acabar sus estudios de derecho. Nada más llegar, se encuentra con el bandido local, Liberty Valance, que le da una paliza. Su intención de resolver los problemas de forma civilizada choca con la realidad local, en la que los fuertes (el propio Valance y el personaje de John Wayne) lo son gracias a su dominio de las armas. Otro clásico en mayúsculas.

35.- Pulp Fiction (1994) Crimen, drama. 154 minutos. Dirigida por Quentin Tarantino. 9,5/10.

Casualmente recordé que estos días la han vuelto a poner en cines y en V.O. Poco que decir a estas alturas de la que para mí posiblemente sea la mejor película que he visto. Una obra maestra de principio a fin que gana cada vez que la veo.

Salu2

[guillermo2442]

58-Rusalochka-7
59-El regreso de los muertos vivientes-4
60-El brazo de diamantes-6
61-Ivan Vasilievich cambia de profesión-6
62-La balada del soldado-8



Баллада о солдате (La balada del soldado,1959) dirigida por Grigori Chukhrai, se trata de una de las películas más icónicas de la Segunda Guerra Mundial del bando soviético, por la nueva perspectiva que ofreció, desde una posición que abandonaba el heroísmo de la época stalinista, para adentrarse en una visión mucho más intimista. De hecho, aunque se engloba a la obra dentro del género bélico, chirría bastante dicha clasificación, en cuanto todas las historias que nos cuenta la película rehuyen absolutamente de la narración de hechos bélicos, a excepción de unos pocos minutos iniciales. El deshielo se había iniciado hacia cuatro años antes, con la muerte de Stalin y una apertura que bajaba la presión impuesta años antes quedaba patente en todas las artes, incluida el cine.

La película se divide claramente en tres actos más un intenso prólogo. Ya podemos diferenciar al filme de otras películas con una narrativa más tradicional en lo que a contar historias bélicas se refiere. Lo importante en el filme no es el inicio y el final (de hecho, en el magnífico prólogo en el que vemos a la madre del soldado anunciar el no regreso de su hijo en la Guerra, ya se nos cuenta lo que es el desenlace del mismo) sino las tres historias que hay en el camino, y el sentido que cada uno de estos fragmentos ejerce sobre la historia principal.

Por una parte, tenemos la introducción. Se nos presenta la historia de nuestro personaje principal, un soldado soviético de la Segunda Guerra Mundial, que como nos cuenta su madre, falleció durante el conflicto. Después de esto, vemos a nuestro soldado en la que será la única escena de acción que contiene la película y que es a todas luces atípica dentro de lo que es el género bélico. Nuestro protagonista se enfrenta a dos tanques en lo que parece una secuencia sacada de una película cómica (con un plano grúa prácticamente imposible), y donde evidentemente al cineasta le interesa imprimir un tono de surrealismo y de parodia, que seguramente no habría sido posible realizar años antes durante el mandato de Stalin. Después de la hazaña bélica, a nuestro protagonista se le conceden días de permiso para que vaya a ver a su madre, y el eje narrativo de la película consistirá en el viaje que emprende nuestro protagonista hacia su pueblo.

El filme utiliza este recurso narrativo para contar las tres historias (que le sucederán al protagonista durante el viaje). La primera de ellas es la del soldado mutilado, al que parece que la suerte le ha abandonado y que en un primer momento renuncia a encontrar a su mujer de nuevo porque tiene miedo al rechazo. La Balada del soldado es una película que rehuye de las grandes historias y hazañas para centrarse en las historias bélicas más cotidianas. El tacto y la sensibilidad con la que se cuentan las historias es sin duda una de las huellas positivas que diferencian al filme de otras películas bélicas y somos testigos en este primer encontronazo. No es de extrañar que la segunda historia que se nos cuente sea precisamente una anécdota tan anti-heroica como real y cotidiana. En esta segunda historia se nos cuenta lo que sucede en las trincheras cuando el hombre parte a la guerra, y se trata de una historia de infidelidad de la que nuestro protagonista es testigo directo (dirigiéndose a dar saludos de un soldado del frente, se encuentra con que la mujer de este esta con otro, en una sutil secuencia en la que sólo oímos la voz del amante). Otro enfoque poco habitual en este tipo de filmes.

Y la tercera, tiene que ver con nuestro propio soldado, y la relación de afecto que se establece entre él y una polizona que se cuela junto a él en el tren militar, y de la que rápidamente nuestro protagonista queda prendado. Sin duda la historia más intensa de las tres, y que también está ligada con la segunda, en tanto en cuando la polizona en realidad ya tiene a un hombre que le espera. Nuestro protagonista se debate también internamente entre sus instintos más primarios y el deber (él mismo se muere de dolor al ver la infidelidad de la segunda historia, y no quiere en realidad convertirse en lo mismo que ha presenciado). Finalmente, la película opta por un desenlace que más que trágico, podríamos definir como totalmente natural. Seguramente en una película mediocre ambos serían felices y vivirían juntos hasta el final de sus días, pero aquí se busca el realismo antes que la epicidad.

Por comentar, uno de los planos más impresionantes que podemos observar durante el metraje es preparado por el cineasta a fuego lento. Se trata de la escena del tullido, del que no se da nunca la información básica (ha perdido una pierna en la guerra). Se nos presenta su drama, y es evidente que se trata de un tullido de guerra, aunque inteligentemente nunca se nos enseña sus heridas. La rabia y la frustración que nos presenta el personaje es capaz de llegar también al espectador y finalmente, es en un plano poético en el que la cámara capta la invalidez del protagonista, donde se nos muestra la unión final de la pareja, mientras les vemos avanzar, a duras penas, pero juntos finalmente.

[Heidegger]

Vista "Colossal", de Vigalondo. Hay que ser muy valiente -o muy inconsciente- para mezclar en una misma película comedia, traumas de la infancia, malos tratos, superación de los miedos privados y Kaiju Eiga. El resultado no deja lugar a las dudas: o aceptas la película como lo que es, un punto de partida tan radical como innovador, en el que lo fantástico sirve para analizar el pasado -y presente- de los protagonistas del film, o estás perdido. A partir de ahí, una historia muy bien contada y disfrutable. El único pero, la indefinición de la película, que pasa del chiste al drama sin perfilar bien la interacción estilística. La Hathaway está estupenda, con guiño a sus haters de internet incluido. Como poco, interesante.

[Engrudo]

62-La balada del soldado-8

Buena reseña, y aún mejor película. La vi hace bastante pero recuerdo con nitidez las historias del soldado tullido y el encuentro con la hermosa joven en el vagón del tren. Y es una película triste, pero es que la vida es así de triste y no digamos entonces.

[Dezsö Kosztolányi]

XXX 3: Reactivado: Quizá sea la peor película de acción que he visto en mucho tiempo. Aviso que no vi la 2, de la que se dice que es peor. Es una sucesión de secuencias de acción absurdas para lucimiento de los extras, con un guión que parece de chiste y un Vin Diesel al que se le ve mayorzote para estas lides. Vale que "Los Mercenarios" es la misma mierda, pero al menos se tomaba a cachondeo.

Paterson: Si esta película sirve para que todos los fracasados de la generación X y millenial se sientan mejor, y crean que su vida tiene un valor del que carece, pues bienvenida. Tiene todo lo que una película hipster tiene que tener: una loca, poesía tipo Redry y hasta un japonés. Más allá de eso, ver a un tarugo con su novia borderline buscar no sentirse miserables en la vida me ha parecido de poco interés. La dirección monótona va acorde a la película, eso sí. Es la primera película que he visto de Jim Jarmusch; veré alguna otra (quizás la "Only lovers...") más adelante a ver qué tal.

[TeN_tE]

The Lost City of Z / Z. La ciudad perdida: cine con mayúsculas. James Gray recoge el testigo de Coppola y Werner Herzog, y le añade su sensibilidad, sutileza y elegancia. El cine nunca se desgastará en la representación del hombre contra la naturaleza y contra su propia naturaleza. La superioridad moral occidental, la ambición, la obsesión y la jerarquía están muy bien plasmadas.
Me quedo con la conversación final entre Percy y su hijo Jack. Historia de la humanidad e historia del cine.

[Bundy]

The Lost City of Z / Z. La ciudad perdida: cine con mayúsculas. James Gray recoge el testigo de Coppola y Werner Herzog, y le añade su sensibilidad, sutileza y elegancia. El cine nunca se desgastará en la representación del hombre contra la naturaleza y contra su propia naturaleza. La superioridad moral occidental, la ambición, la obsesión y la jerarquía están muy bien plasmadas.
Me quedo con la conversación final entre Percy y su hijo Jack. Historia de la humanidad e historia del cine.

No coincido en eso. El acercamiento que Gray le tiene a la jungla no es ni de lejos la atmosfera sombría que Coppola muestra en Appocalypse Now o a la de Herzog, sino que es una línea bastante más positiva a mi juicio. Cercana al rollo de los dos directores que mentas sería más "El abrazo de la serpiente", sobre todo cuando el pasado se contrasta con el presente.

[TeN_tE]

A Coppola siempre se ha parecido por estilo cinematográfico.

Y se acerca mucho a Herzog. Esa fascinación y respeto por la naturaleza, por civilizaciones extremas y perdidas, por la belleza de lo salvaje, por personajes perseguidos por su propia obsesión, por hacer un acercamiento al comportamiento humano civilizado y en la jungla. Grizzly Man, White Diamond, Into the Inferno, Cave of Forgotten Dreams, etc. Si no ves analogías con esos trabajos, desde luego entendemos el cine de otra manera. Hay cantidad de artículos referenciando a Herzog y The lost city of Z, el propio Gray habla de Fitzcarraldo (de hecho homenajea a la película plantando una ópera en medio de la jungla). Ya lo comenté, Gray es más sensible, Herzog algo más pesimista e histriónico, eso no quiere decir que no compartan bastantes características como para sacarlos juntos de paseo.

A parte, la película intenta abarcar más que eso: sociedad victoriana, relaciones jerárquicas y familiares o segunda guerra mundial (barbarie vs salvajismo).

[hoeman]

El otro día vi El hijo de Saúl: me pareció una peli bastante superflua; quiero decir, el fondo es terrorífico, pero en el film apenas se indaga en él, es tan solo un escenario; el argumento me parece muy flojo aunque sirve para hacer ver los niveles de estupidez a los que llegan los creyentes, como dice un personaje "traiciona a los vivos por un muerto". La forma de rodar tampoco contribuye, me parece, a mejorarla: quizá buscase con ello que nos pusieramos en su lugar... pero... prescindible.

[Bundy]

A Coppola siempre se ha parecido por estilo cinematográfico.

Y se acerca mucho a Herzog. Esa fascinación y respeto por la naturaleza, por civilizaciones extremas y perdidas, por la belleza de lo salvaje, por personajes perseguidos por su propia obsesión, por hacer un acercamiento al comportamiento humano civilizado y en la jungla. Grizzly Man, White Diamond, Into the Inferno, Cave of Forgotten Dreams, etc. Si no ves analogías con esos trabajos, desde luego entendemos el cine de otra manera. Hay cantidad de artículos referenciando a Herzog y The lost city of Z, el propio Gray habla de Fitzcarraldo (de hecho homenajea a la película plantando una ópera en medio de la jungla). Ya lo comenté, Gray es más sensible, Herzog algo más pesimista e histriónico, eso no quiere decir que no compartan bastantes características como para sacarlos juntos de paseo.

A parte, la película intenta abarcar más que eso: sociedad victoriana, relaciones jerárquicas y familiares o segunda guerra mundial (barbarie vs salvajismo).

Aquí la diferencia que mento es de matiz, no de fondo. Para mí, Herzog y él comparten tema, pero Gray tiene un enfoque más optimista de la jungla: sí, hay pérdidas; sí, hay sufrimiento, pero no hay ese pesimismo, sino que lo que subyace es esa fascinación por lo descubrido y por lo que hay por descubrir.

[Heidegger]

Ayer fui a ver Estiu 1993. Me ha parecido una absoluta delicia, con una elección de casting increíble y un sentido maravilloso para la captación del detalle.

[Bundy]

119.-La huelga (Sergei Eisenstein, 1924) – 8’5

Se tiende mucho a valorar a El acorazado Potemkin por encima de su trabajo anterior, pero La huelga a priori me parece superior: su trazo grotesco sobre la expresividad de ciertos personajes sirve mejor a esta película que no duda en explotar la ironía sobre todo a través de la transición, gran arma de este largometraje que, además, es usada para mil propósitos más, convirtiendo a La huelga en una película más completa y menos efectista que El acorazado Potemkin, aunque menos ambiciosa y sí más limitada.

120.-Welcome adieu (Anne Rees-Mogg, 1983) - 5

Una serie de figures chinescas son movidas para recrear un trazo caricaturesco mientras la canción de Dios salve a la Reina suena de fondo. Uniendo ambas pues eso, ya se entiende todo y se ve la simpleza. A mí el juego me produce alguna sonrisa cómplice y poco más.

121.-Journey (Susan Stein, 1976) – 7’5

Un corto redondo que sabe trabajar sus temas en el escaso tiempo que tiene. Es increíble ver cómo Stein consigue recrear las divagaciones y cómo fleta la imaginación en contraposición a la rutina de un viaje, y cómo la mente viaja de un proceso mental a otro a través de la imagen. Una muy grata sorpresa.

122.-Soul in a white room (Simon Hartog, 1968) - 7

Minimalismo audiovisual en estado puro que en 3 minutos consigue construir mucho más de lo que aparenta. Solo hacen falta dos planos, dos manos y dos cuerpos de distinto color de piel.

123.-Showerproof (Fred Dummond, 1969) – 6’25

Entiendo la gracia del corto y sobre todo cómo se va trabajando con la imagen en blanco y negro para sugestionar y luego para mostrar. Curioso juego que, eso sí, no da para mucho más.

124.-025 Sunset Red (Laida Lertxundi, 2016) – 7’5

Lertxundi imbrinca las sensaciones y experiencias relacionadas con el entorno en que vive (y con los mitos del Oeste) con fotografías que representan el pasado de su familia, ambos activistas militares y él incluso partícipe en mítines del PCE. El rojo es el color que conecta todos los retazos (desde el momento en que se besa con su pareja, pasando por el rojo que cruza páginas y fotografías, hasta el inicial, que es ahuyentado por el ladrido de un perro) de forma efectiva e incluso más concisa que en trabajos anteriores.

125.-Vivir para vivir (Laida Lertxundi, 2015) – 6’5

Atractivo trabajo el de Lertxundi, que trata de representar como en cortos previos a este sus propias experiencias y sensaciones. Aquí es donde se empieza a apreciar lo que viene justo el año después con “025 Sunset Red”: Lertxundi condensa más el relato y deja que la imagen al desnudo condense lo que quiere expresar. Se aprecia en ese sentido lo segundo, pero creo que la sensación original de Lertxundi de usar el cuerpo como ancla del relato no se acaba de comprobar, aunque sí le salga un gran trabajo de esta pequeña joya.

126.-Duelle (Jacques Rivette, 1976) – 7’5

O cómo abordar la fantasía a través del estilo teatral de Rivette, los continuos juegos con la escalera y lo metacinematográfico o el tono noir, que esta vez viene de imbrincar las historias detectivescas clásicas para aplicarle el filtro del autor. Aquí los asesinatos y los juegos manipuladores están a la orden del día de manos de dos poderes distintos, pero el director es consciente de sus virtudes y sus defectos y deja que sean todos esos elementos los que jueguen, sustituyendo lo poco fantástico de la historia a través de trucajes, de efectos y de otras características (el hechizo que recitan los propios personajes a mitad-final de la película, como una señal de que llegan los fuegos artificiales y el sortilegio final). Le pesa, sin embargo, su metraje excesivo en la segunda mitad, la cual se recrea demasiado en ir cerrando todos los cabos sueltos poco a poco.

127.-Los ojos sin rostro (Georges Franju) - 6'25

Película con apariencia de cine de serie B, pero alma de cine gótico, Los ojos sin rostro es una auténtica lección de atmosfera del mismo. Hay un juego con muchos elementos de perspectiva y de luces y sombras muy propio de esas herencias, a los que se les une también una trama claramente inspirada en Frankenstein. La protagonista hace un papel exquisito, así como la vestimenta de ella y el juego con la máscara: la protagonista provoca repulsión e inocencia al mismo tiempo, y sus movimientos incluso impulsan eso. Por desgracia, premiar la atmosfera en exceso por encima del argumento provoca varias conveniencias que son imposibles de esconder con el poco tiempo que tiene esa película. Y aun así, hay momentos que consigue helar la piel, y otros que deja un poso de tristeza, aunque no tanto como Franju desearía.

[Rodions Kurucs]

Vista "Colossal", de Vigalondo. Hay que ser muy valiente -o muy inconsciente- para mezclar en una misma película comedia, traumas de la infancia, malos tratos, superación de los miedos privados y Kaiju Eiga. El resultado no deja lugar a las dudas: o aceptas la película como lo que es, un punto de partida tan radical como innovador, en el que lo fantástico sirve para analizar el pasado -y presente- de los protagonistas del film, o estás perdido. A partir de ahí, una historia muy bien contada y disfrutable. El único pero, la indefinición de la película, que pasa del chiste al drama sin perfilar bien la interacción estilística. La Hathaway está estupenda, con guiño a sus haters de internet incluido. Como poco, interesante.

¿No crees que es una película que ideó Vigalondo tras una resaca?

Ayer fui a ver Estiu 1993. Me ha parecido una absoluta delicia, con una elección de casting increíble y un sentido maravilloso para la captación del detalle.

David Verdaguer : amor

[Zona+1]

1.- Tropic Thunder (2008) Acción, comedia. 107 minutos. Dirigida por Ben Stiller. 5/10.
2.- Letters from Iwo Jima (2006). Bélica, historia, drama. 141 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 6/10.
3.- Escuadrón Suicida (Suicide Squad) 2016. Acción, comedia, superhéroes. 135 m. Dirigida por David Ayer. 7,5/10 (R).
4.- La autopsia de Jane Doe (2016) Terror. 86 minutos. Dirigida por André Øvredal. 7,5/10.
5.- Sully (2016). Biografía, drama. 96 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 7/10.
6.- Tarde para la ira (2016). Drama, thriller. 92 minutos. Dirigida por Raúl Arévalo. 7/10.
7.- El Clan (2015) Biografía, drama, crimen. 108 minutos. Dirigida por Pablo Trapero. 5/10.
8.- Sausage Party (2016) Animación, aventuras, comedia. 89 minutos. Dirigida por Greg Tiernan y Conrad Vernon. 5/10.
9.- ARQ (2016). Ciencia-ficción, thriller. 88 minutos. Dirigida por Tony Elliot. 5,5/10.
10.- Doctor Strange (2016). Acción, aventuras, superhéroes. 115 minutos. Dirigida por Scott Derrickson. 7,5/10.
11.- Ugly (2013) Crimen, drama, misterio. 128 minutos. Dirigida por Anurag Kashyap. 8/10.
12.- Hacksaw Ridge (Hasta el último hombre) 2016. Bélica, biografía, drama. 139 minutos. Dirigida por Mel Gibson. 7,5/10.
13.- Logan (2017). Acción, drama, sci-fi. 137 minutos. Dirigida por James Mangold. 8/10.
14.- Elle (2016). Crimen, drama, thriller. 130 minutos. Dirigida por Paul Verhoeven. 5/10.
15.- Passengers (2016). Drama, romance, sci-fi. 116 minutos. Dirigida por Morten Tyldum. 7/10.
16.- Resident Evil: The final chapter (2016). Acción, sci-fi, terror. 106 minutos. Dirigida por Paul W.S. Anderson. 5,5/10.
17.- Kong: Skull Island (2017). Acción, aventuras, fantasía. 118 minutos. Dirigida por Jordan Vogt-Roberts. 6,5/10.
18.- Split (Múltiple) 2016. Terror, thriller. 117 minutos. Dirigida por M.Night Shyamalan. 7/10.
19.- Rogue One (2016). Acción, aventuras, sci-fi. 133 minutos. Dirigida por Gareth Edwards. (R) V.O. 8,5/10.
20.- The Guardians (Zashchitniki) 2017. Acción, aventuras, sci-fi. 88 min. Dirigida por Sarik Andreasyan. 4/10.
21.- Guardians of the Galaxy Vol.2 (2017). Acción, aventuras, sci-fi. 136 min. Dirigida por James Gunn. 7,9/10.
22.- Hell or High Water (Comanchería) 2016. Crimen, drama, thriller. 102 min. Dirigida por David MacKenzie. 7,8/10.
23.- Bone Tomahawk (2015). Western, drama, terror. 132 minutos. Dirigida por S. Craig Zahler. 7/10.
24.- Now you see me 2 (2016). Acción, aventuras, comedia. 129 min. Dirigida por Jon M. Chu. 6/10.
25.- Get Out (2017). Terror, misterio. 104 minutos. Dirigida por Jordan Peele. 6,5/10.
26.- The Good Neighbor (2016) Crimen, drama, thriller. 98 minutos. Dirigida por Kasra Farahani. 6/10.
27.- John Wick Chapter 2 (2017). Acción, thriller. 122 minutos. Dirigida por Chad Stahelski. 7,7/10.
28.- Life (Vida) 2017. Terror, sci-fi, thriller. 104 minutos. Dirigida por Daniel Espinosa. 7,9/10.
29.- Dope (2015) Comedia, crimen, drama. 103 minutos. Dirigida por Rick Famuyiwa. 6,2/10.
30.- Mars Attacks! (1996) Comedia, sci-fi. 106 minutos. Dirigida por Tim Burton. 6/10.
31.- Captain Fantastic (2016) Comedia, drama. 118 minutos. Dirigida por Matt Ross. 6,8/10.
32.- The Searchers (Centauros del Desierto) 1956. Western. 119 minutos. Dirigida por John Ford. 8,5/10.
33.- Wonder Woman (2017) Acción, aventuras, superhéroes. 141 minutos. Dirigida por Patty Jenkins. 7,7/10.
34.- The man who shot Liberty Valance (1962) Western. 123 minutos. Dirigida por John Ford. 8/10.
35.- Pulp Fiction (1994) Crimen, drama. 154 minutos. Dirigida por Quentin Tarantino. 9,5/10.

36.- Hasta que llegó su hora (Once upon a time in west) 1968. Western. 164 minutos. Dirigida por Sergio Leone. 8/10.

Sigo viendo clásicos del western y cambio a John Ford por Sergio Leone. Peliculón que perfecciona al máximo la épica del duelo y nos regala un tridente de personajes fantásticos, empezando por el misterioso Charles Bronson. Otro puntal básico de la película es la maravillosa banda sonora de Morricone. En mi opinión le resta puntos alguna escena del principio que se hace excesivamente larga y más acercándose la película a las 3 horas de duración total.

37.- Baby Driver (2017). Acción, crimen. 112 minutos. Dirigida por Edgar Wright. 7,6/10.

Vuelve Edgar Wright y lo hace con una película distinta. Una mezcla entre cine de atracos/persecuciones en la que la música tiene un papel fundamental y está perfectamente integrada en la película. La primera escena ya es una declaración de intenciones. Luego va un poco de más a menos, con personajes interesantes de la galería de atracadores y otros no tanto (aunque posiblemente penalizados por el doblaje, una vez más) como el de Kevin Spacey que termina resultando algo ridículo. Divertida y entretenida, cumple lo que promete.

Salu2

[Genjuro]

303. La Ley de la Jungla (Antonin Peretjatko, 2016) - 5,5

Peretjatko repite con Macaigne y Pons, las presencias más potentes de su excelente opera prima La fille du 14 julliet, y se abandona a la comedia más absurda. La política vuelve a ocupar el centro de la diana satírica, en una delirante historia sobre becarios que realizan un estudio para la construcción de una pista de esquí indoor en la Guyana Francesa. El humor en este caso desciende a lo deliberadamente burdo y el artefacto narrativo pierde mucha brillantez. Hay momentos que parecen sacados, por ejemplo, de una película de Terence Hill y Bud Spencer. La gracia y el encanto se dispersa, pero algo de todo ello queda.


304. The Man from Majorca (Bo Widerberg, 1984) - 6,5

Widerberg volvía a demostrar sus habilidades en el thriller policiaco como ya hiciera en Un hombre en el tejado. Como entonces, el punto de vista se alterna entre diferentes personajes, aunque aquí domina más el de la pareja de policías que primero acude a un atraco en una oficina de correos, iniciando una investigación sobre la autoría a pesar de estar asignados a otra división. El film maneja muy bien tanto las escenas de acción, ágiles y precisas, como los momentos más relajados, limitando a unos pocos apuntes la (parece que inevitable) crisis personal de uno de los policías y recurriendo al sentido del humor (aunque quizás el broma recurrente respecto a la comida rápida sueca se agote pronto). Es interesante el tratamiento del las instancias criminales, que quedan en off buena parte del film, en una relativa abstracción; y tiene sentido porque es un estadio que excede el mero ámbito policial, que viene a ser la base argumental de la película.


305. El collar de la muerte (Terence Fisher & Frank Winterstein, 1962) - 6

Es curioso que Terence Fisher y Christopher Lee se fueran a Alemania a recrear a tan mítico personaje de la literatura inglesa como es Sherlock Holmes. Como en tantas obras audiovisuales, Holmes tiene de nuevo como némesis al profesor Moriarti en una batalla de intelectos en la cual Scotland Yard casi siempre sale ridiculizada. El collar de Cleopatra es aquí el objeto de disputa y de variados crímenes. El film apuesta más por la acción que por la reflexión, y el resultado es tan ágil como la mayor parte del cine dirigido por Fisher, ciertamente disfrutable, aunque no resulte especialmente estimulante en esta ocasión.


306. From Caligari to Hitler: German Cinema in the Age of the Masses (Rüdiger Suchsland, 2014) - 6

Documental del crítico Rüdiger Suchsland que pone el foco en el cine alemán durante los años de la República de Weimar, desde la posguerra hasta la toma de poder del nazismo. Es muy interesante cómo el film pone en relación la historia del país con lo mostrado por el arte fílmico, la proliferación de personajes autoritarios, diabólicos y dominadores, la evolución de estilos, las temáticas, y por supuesto, las películas en sí. Es un repaso bastante completo, aunque eché de menos más audacia a la hora de proponer obras y nombres, y es cuestionable lo que aportan los variados testimonios de gentes del cine, especialmente los de los directores, Volker Schlöndorff y Fathin Akin, que parecen convocados para aportar lustre a la función. Interesante en todo caso.


307. Júlia Ist (Elena Martín, 2016) - 5

La experiencia iniciática y transformadora del Erasmus se refleja en esta obra que suena mejor en la teoría de su planteamiento que vista en pantalla. El trayecto vital que recorre su protagonista, una estudiante de arquitectura, cumple en gran medida las etapas que serían esperables, lo cual le da un punto de autenticidad, pero también queda la sensación de que no puede escapar a los tópicos y lugares comunes esperables de una historia así, que además están servidos con bastante poca gracia en muchas fases del film. Y es que la puesta en escena apenas ofrece atractivos. Por ejemplo, me cuesta mucho tragar con los recurrentes planos en los que los personajes están estáticos y no cambia el punto desde el que filma la cámara, lo que debería ser un plano fijo de toda la vida, y sin embargo el encuadre no para de moverse, supongo que para reflejar la incomodidad del protagonista, pero queda burdo y feo. La cosa mejora un poco según avanza el metraje, a pesar de algunos conflictos un poco ridículos (como la falta de pago del alquiler), buscando construir un personaje complejo, una esforzada participante de la jungla social con el componente de egoísmo que sea menester.


308. Tonka Sibenice (Karl Anton, 1930) - 7,5

Otra muestra del fructífero periodo de transición al sonoro que vivió Checoslovaquia, con un film mudo excepto por un par de escenas, que nos presenta la vida de una joven que ha caído en la prostitución. Hay una celebración de lo campestre y lo pastoril extensible a otras obras del periodo, por oposición a lo urbano, espacio a menudo siniestro y lleno de peligros. Es muy interesante la presentación del personaje, que viaja al campo, a la casa de su madre, sin revelar su forma de vida, tampoco al espectador. Porque no deja de ser un film en el cual la identidad juega un rol crucial; y en relación con ella, también la (no) pertenencia a una esfera social. La puesta en escena está muy cuidada, desde el luminoso comienzo hasta los momentos más sombríos, como esa fabulosa secuencia central, verdadero eje del film, en una celda transida de sombras amenazantes. No he podido evitar recordar otro excelente film mudo que trata similar tema, Unter der Laterne de Gerhard Lamprecht, y que como éste apunta al machismo y a la moralina social como verdugos de estas jóvenes caídas en desgracia.


309. Okja (Bong Joon-ho, 2017) - 5,5

En este cuento de terror sobre la industria alimentaria, lo verdaderamente siniestro es aquello que ya hemos asumido como inevitable. Cuando nos iniciamos en la relación de amor entre una niña coreana que vive en las montañas y Okja, un supercerdo que es parte de la estrategia comercial de una compañía norteamericana, en lo que viene a ser una clásica interacción hombre-animal en la ficción basada en la amistad y fidelidad, cambia nuestro punto de vista sobre el objeto de consumo, sobre un proceso del que preferimos saber lo menos posible (y además Bong juega a humanizar al animal). No deja de ser también contradictoria la naturaleza de ese héroe animal, víctima al tiempo que creación de esa misma industria. Pero a Bong le puede su histrionismo, el trazo grueso a la hora de satirizar a los personajes más negativos, especialmente aquellos encarnados por actores anglosajones (me pregunto si la barrera idiomática tendrá algo que ver), malogrando en parte lo que podría haber sido una entrañable y trepidante aventura con carga crítica.


310. Touching the Skin of Eeriness (Ryusuke Hamaguchi, 2013) - 6

Inmediatamente antes de la excelente y extensiva Happy Hour, Hamaguchi había realizado este escueto film que no llega a la hora de duración y que finaliza con un enigmático "continuará". Hay un evidente nexo de unión entre ambas obras, el protagonismo de las sesiones de interacción corporal, y su influencia en las respectivas historias. Si en Happy Hour se trataba de intentar conectar emocionalmente a través del contacto físico, con unos personajes que a la postre mostraban problemas de comunicación, aquí el joven protagonista que ha perdido a sus padres y vive con su hermano practica una danza en la que se busca la mayor cercanía posible evitando precisamente todo contacto físico. El gesto de evasión física se repite en varios otros momentos. Ello reverbera en su actitud distante (quizás también refleja frustración por no poder salvar esa distancia en la vida real) y en el devenir argumental del film. También en la frialdad relativa de las imágenes y su contenido. Frialdad de la que me contagié en parte por lo poco inteligible que me ha resultado la película y sus conflictos, como si efectivamente fuera una obra inacabada. Quizás el protagonista siente deseo por su compañero de danza y de ahí lo que sigue argumentalmente, pero hay bastantes escenas a las que no encuentro mucho sentido (como todo lo relacionado con el compañero de pesca del hermano, que guarda una misteriosa y nunca aclarada relación con el protagonista, como si fuera una versión mayor del mismo).


311. Does Your Heart Beat Faster? (Mike de Leon, 1980) - 4

Una comedia alocada sobre dos parejas de jóvenes, ellos músicos y ellas azafatas, que se ven envueltos en una intriga cuando un traficante decide deslizar un misterioso cassette en la chaqueta de uno de ellos. El film se hace cada vez más delirante hasta las escenas musicales finales, quizás deudoras de The Rocky Horror Picture Show. Despierta simpatía por momentos, y sin ser ningún experto en el género y la época, me parece bastante moderna, dada la altura de década en la que está realizada y su condición de comedia ochentera. Pero por otro lado apenas me sacó unas sonrisas y no le he encontrado elementos cinematográficos interesantes, al contrario, a veces parecía que su desafuero visual era deliberado para llevarla a terrenos cercanos al camp.


312. The Girl with the Cat Eyes (Eugen York, 1958) - 6

Noir alemán sobre una peligrosa banda de ladrones de coches y sus conflictos con la policía y el dueño del garaje desde el que operan, con diferentes relaciones sentimentales de por medio. Me gusta la entrada del film, como el objetivo del mismo se va reenfocando de unas situaciones y personajes a otros. Sin embargo el cierre es torpe y apresurado, muy poco inspirado, dejando un regusto regulero. El trayecto es a veces un poco frenético, dentro de una sólida puesta en escena, pero revestida de un aire trivial en gran medida producto de su cuestionable banda sonora (qué lejos queda la mágica atmósfera brumosa e irreal de Murituri).


313. El compadre Mendoza (Fernando de Fuentes & Juan Bustillo Oro, 1934) - 7

Uno de los grandes clásicos del cine mexicano, ambientado en tiempos de la revolución zapatista, cuyo personaje principal es un terrateniente capaz de mantener buenas relaciones y hacer negocios con ambos bandos a base de mostrar doble cara, pero que después de casado entra en amistad personal con un general zapatista que le salva de la horca y que está enamorado de su mujer. Es una historia que explora principalmente la lealtad, la posibilidad de mantener separados el interés personal y las relaciones humanas. Sólo había visto una película de cada una de estas dos figuras míticas de cine mexicano que comparten labores de dirección y guión, pero sospecho que la vertiente más popular es responsabilidad de Fernando de Fuentes, y que Bustillo Oro habrá tenido más mano según se oscurece la atmósfera de la película. La puesta en escena es un poco irregular, combinando planos que parecen pensados y realizados desganadamente con otros mucho más poderosos (como ese travelling de un reloj al protagonista desvelado en la cama y viceversa, o el montaje del ejército marchando airoso de la hacienda con la llegada de unos fatigados zapatistas). Pero la película se va creciendo y el regusto final es realmente bueno.


Un saludo.

[Heidegger]

¿No crees que es una película que ideó Vigalondo tras una resaca?

No sé en qué estaría pensando el hombre, pero lo que me queda claro es su valentía para llevar adelante una historia tan poco convencional. Me gustaría saber cómo hizo para convencer a los productores.

David Verdaguer : amor

No lo conocía de nada, si te soy sincero. Su trabajo en la película es fantástico.

[Bundy]

La fama a nivel nacional al menos le vino tras 10.000 kilómetros. En su momento recuerdo que tanto él como Natalia Tena hicieron un muy buen trabajo.

[Heidegger]

Como no veo prácticamente nada de cine español, pocas opciones tenía de conocerle. Me apunto esa película, por si un día cae en mis manos.

[FY Morgan]

Como no veo prácticamente nada de cine español, pocas opciones tenía de conocerle. Me apunto esa película, por si un día cae en mis manos.

No te pierdas Baby Driver, Heidi. Pocas películas he disfrutado igual en una sala de cine.
Sobre todo si Edgar Wright es de tu rollo.