Contador de películas 2017 La vida al margen del deporte (la hay) Moderadores: Trager, andraax, Locutus, hastrakan, Roy Lichtenstein

[Bundy]

Sí y no.

Entiendo tu punto. El cine tiene algo de descubrimiento, pero siempre he creído que la intuición es una respuesta bien meditada, pero que no está perfilada ni atada hacia una dirección. Al contrario de lo que sugieres, el cine está mucho más calculado (como dice un director español: "Trato de hacer mis películas lo mejor posible"). ¿Entra alguien por la izquierda o por la derecha? ¿Cuánto dura este plano? ¿Corto, hago un fundido a negro, o qué coño hago? Hay menos cosas al azar de las que deberían, y todas están perfiladas en torno a lo que uno quiere o desea contar.

Sí coincido, pero, en que la crítica cada vez está más loca, sobreanalizando cuando, aún peor, establecen falsos paradigmas y chungas estrategias de marketing (OtrosCinesEuropa es un ejemplo majestuoso de ello). La base para no caer, fácil: leer y cagarla, leer y cagarla, y repetir hasta la saciedad. Y si eres crítico, pues volverla a ver o ver películas del mismo director y otras fuentes de info.

Luego hay ya modelos y modelos, que no es lo mismo el trabajo de Lynch que el de Hong, por poner dos ejemplos de cineastas "instintivos".

En cuanto a la critica, he visto cosas peores.

Sí, sí, soy consciente de que una película es un proceso muy calculado, perfectamente planificado y donde hay poco o nada al azar. Lo que decía es que eso no implica que de cada uno de esos detalles pueda o deba extraerse una explicación muy concreta que vaya justamente en la línea de una determinada interpretación, que es la que el crítico hace de la película en global. No sé si me explico. A lo mejor uno de los comentarios del vídeo sirve de ejemplo:

Mary Harron herself on the directors commentary says the half blood stained face was an accident but it was a happy accident. It was meant to splash his whole face. The book has very little duality idealism as well. This whole video tells us more about you, the creator of this video, than what Harron or even Ellis was trying to get across.

Y también hay directores más meticulosos que otros, o más obsesivos, o más preocupados por buscar simbolismos, claro. Es inevitable que al analizar una obra expresemos nuestra forma de pensar y nuestra particular percepción de la misma, e insisto en que no lo veo mal (y el tío de este canal en concreto me gusta, no pretendo quitar mérito a lo que hace). Pero es eso, que llevo toda la vida pensando que ir tan tan al fondo, exprimir tanto y tanto cada nimio detalle de una obra es muchas veces un exceso, que muchas veces no me imagino al autor haciendo tantas y tan intrincadas reflexiones a priori acerca de cada mínima decisión, y que suele ocurrir que, una vez hecha nuestra interpretación de la obra, queremos encontrar indicios que la respalden en elementos que no tienen que ver con ella.

Separo porque aquí hay temas muy distintos.

1) La crítica de hoy día está muy influenciada por la de EEUU. El sobreanálisis existe, pero es el menor de los problemas de una crítica que está muy embebidas con comparaciones grandilocuentas y referencia chunga que les encanta a las distribuidoras. Al fin y al cabo, ¿para qué promocionar, cuando los flipados de aquí te la venden? Luego también está un nivel bajísimo, en donde también está el sobreanálisis, pero el gran problema es el "listillo de turno" que existe mucho entre críticos con tendencias muy diversas.

2) En lo de "happy accident" es donde me refería a la inspiración que surge detrás de horas y horas de curro y que no tiene por qué ir incluso relacionado con el director, sino con su propio equipo (lo cual es también mérito del propio director). Aquí supongo que debería enlazar la entrevista que se le hizo a Shinya Tsukamoto, aunque vamos, no es misterio que al final cada uno tiene un método para explotar su creatividad.

Y sobre lo de negrita, pues totalmente de acuerdo, para qué negarlo.

[clorobuldo]

74.- Kingsman .- 0

Estupida, lenta, sin gracia, insufrible. Resumiendo basura.

La primera? a mi me pareció más que correcta, una película que hace muy bien lo que pretende.

Salve.

Si la primera. Me parecio infumable y aburrida.

[Genjuro]

SEFF-2017


457. The Killing of a Sacred Deer (Yorgos Lanthimos, 2017) - 4

El realizador griego vuelve a apostar por el desconcierto y el impacto al contarnos la en principio misteriosa relación entre un médico y un adolescente, que se aclara a mitad de metraje cuando nos informa de las reglas del juego del film. Quizás podría argumentarse que la propuesta de Lanthimos en esta ocasión no sirve a una alegoría social tan obvia como en pasados films, pero es que tampoco veo que sirva para mucho más que como comentario crítico a la institución familiar y a la competitividad de nuestra sociedad. Carece del sentido del humor de obras precedentes (aunque encontremos pequeñas y negrísimas dosis) y tampoco funciona como thriller o film de terror, géneros con los que juguetea por momentos. Su estilo visual descaradamente deudor de Kubrick sólo alimenta la sensación de inane solemnidad que anida en la película.


458. Western (Valeska Grisebach, 2017) - 7,5

El título de esta nueva película de Grisebach tras doce años de silencio hace explícito la evidente filiación de muchos elementos argumentales con el género western. Unos trabajadores alemanes se desplazan a una zona rural búlgara para realizar una obra hidráulica. Son extranjeros, extraños, de maneras a menudo prepotentes y con poco respeto por la población local. Su barraca sería como el fuerte en medio de territorio indio. El argumento avanza según el personaje protagónico, una presencia física muy poderosa, intenta trabar relación con los lugareños. La comunicación deviene en elemento central, y ahí importan tanto las palabras como la mirada y la gestualidad. Hay un cuidado por el detalle íntimo al tiempo que el film se luce mostrando los espacios abiertos, el escenario de potencial conflicto o armonía. En el fondo las nuevas formas colonizadoras son más bien económicas: el legionario de ayer es hoy un agente económico con superior poder adquisitivo.


459. 9 doigts (F.J. Ossang, 2017) - 5

Queda sensación de oportunidad perdida viendo este film. Su condición de pastiche noir, su apuesta por una muy contrastada e irreal fotografía en blanco y negro, nos ofrece poderosas y sugerentes imágenes en su tramo inicial. El desconcierto juega en principio a su favor, pero rápidamente se vuelve una cinta reiterativa y farragosa. Dejan de importar las dinámicas dentro de esa organización delictiva bajo cuyo poder cae el protagonista, o sus potenciales relaciones con las dos féminas que les acompañan en una huida en barco que se pretende hacer progresivamente abstracta. El alud de alocuciones de una densidad que se sospecha bastante hueca termina por arruinar buena parte del encanto que esta propuesta atesora en principio.


460. Les garçons sauvages (Bertrand Mandico, 2017) - 7

La trayectoria como videoartista de Mandico se nota en las libérrimas imágenes de este film, una obra repleta de simbología sexual y personajes andróginos que versa sobre cinco jóvenes que se enfrentan a una experiencia transformadora, simbolizando de alguna manera, creo yo, el progresivo cambio de rol femenino en la sociedad. Apropiándose del imaginario aventurero más clásico para transgredirlo, la aventura es incluso más interior que geográfica. En un tono marcadamente onírico, sus estéticas imágenes en blanco y negro están bañadas de irrealidad y delirio. Todo parece tener cabida, nada queda fuera de lugar, por excesivo o grosero que se antoje.


461. Zama (Lucrecia Martel, 2017) - 7

Martel ha erigido en Zama una anti-aventura colonial, el trayecto vital (progresivamente esclerótico) de un corregidor de la Corona española, Diego de Zama, que espera un traslado que no parece llegar nunca. Siendo parte del engranaje represivo del Imperio, él mismo no deja de ser víctima del mismo, también en su condición de seductor (o posible depredador sexual). Los encuadres de Martel aprisionan a su protagonista, igual que las angostas estancias por las que se mueve. Paradójicamente, cuando el cuadro se abre y las ataduras físicas se diluyen, cuando el desplazamiento y los espacios abiertos se hacen presentes en el deslumbrante segmento final, se transforma en una obra de claustrofobia introspectiva mediante un proceso de creciente abstracción, de desconexión con los resortes sociales conocidos.


462. La caméra de Claire (Hong Sang-soo, 2017) - 6,5

Hong prosigue con su explícito proceso de representación autobiográfica con un film aún más modesto de lo que acostumbra, rodado en pocas jornadas durante la edición de Cannes del año pasado. Repite connotaciones en los diferentes personajes de un triángulo amoroso, otorgando las más negativas a su alter-ego y al asimilable a su mujer, y reservando el carácter más positivo al de su novia que por supuesto interpreta la misma Kim Min-hee. Entre ellos, como una correa de transmisión involuntaria, el personaje de Huppert, fotógrafa aficionada. El juego entre las identidades ficticias y reales proporciona numerosos momentos realmente divertidos, aunque por otro lado creo que la potencial capacidad demiúrgica de la cámara de Claire que se insinúa durante el film está desaprovechada. En todo caso, siempre es un placer retornar a su cine, a sus tomas largas, a sus largas conversaciones que giran alrededor de frustraciones recurrentes.


463. Ramiro (Manuel Mozos, 2017) - 7

El personaje que da nombre a este film es un escritor frustrado, con aparentes síntomas de misantropía, pero sin embargo dotado de una gran humanidad. Es un hombre que mira con desconcierto a la sociedad que le rodea y a los cambios que se suceden a su alrededor, simbolizados ante todo por el embarazo de la adolescente de quien es tutor. La calidez y la comicidad se imponen en un film de imágenes serenas, de encuadres sencillos que ponen al ser humano en primera instancia, curiosamente nocturno pero siempre presto a acariciar con su luz los rostros de sus personajes.


464. Self-Criticism of a Bourgeois Dog (Julian Radlmaier, 2017) - 6

Radlmaier repite con la comedia política de clases, pero en modo metanarrativo al utilizarse a sí mismo como personaje, un director de cine que sin otros recursos económicos se ve forzado a trabajar en la recolección de manzana y que consigue persuadir a una chica de la que está enamorado para que le acompañe pretendiendo que se trata de un trabajo de campo para una película filocomunista. El film hace escarnio de variadas opciones políticas, no siempre con excesiva sutileza, y dentro de una relativa elegancia visual producto de sus luminosos planos fijos, renuncia a algunas dosis de comicidad visual para potenciar la dialéctica respecto a su film precedente, A Proletarian Winter's Tale. Al final se trata, creo, de una película desencantada que sin embargo quiere celebrar el compromiso y la honestidad política.


465. Vitalium, Valentine! (Jean-Claude Fitoussi, 2017) - 5,5

Otra pieza de esa construcción balzaquiana que Fitoussi ha emprendido con El castillo del azar, pero decididamente menor, a decir del propio director, una suerte de introducción a otro film más ambicioso que abundará en su propuesta argumental. En las otras dos películas suyas que había tenido ocasión de ver, los jugosos elementos fantásticos venían básicamente presupuestos, y se elaboraba en forma realista a partir de ellos. Aquí sin embargo al menos la mitad de la hora escasa de duración se emplea en describir el proceso de resurrección por parte de un doctor descendiente de Frankenstein de los miembros de una familia a los que se les inocula ADN memorial de los antiguos habitantes del castillo en el que residían. No queda mucho espacio para abundar en la cualidad espectral de las criaturas, especialmente en la fascinación que despierta en el doctor una de ellas, y Fitoussi parece más preocupado por regalarnos algunos chascarrillos. Quizás en la próxima entrega.


466. Les Gardiennes (Xavier Beauvois, 2017) - 7

Quizás la película más clásica que he visto en este SEFF, un film de retaguardia ambientado durante la Primera Guerra Mundial, centrado en la vida de una familia de agricultores, de aquellos que han quedado para sacar adelante las cosechas, para guardar la hacienda y, en última instancia, la propia institución familiar. El riesgo de caer en el academicismo está ahí, pero creo que Beauvois termina esquivándolo, dramatizando lo justo, abundando en las labores del campo y del hogar, hermosamente fotografiadas por Caroline Champetier con una cámara que se desplaza con dulzura, a menudo en travellings laterales.


467. Distant Constellation (Shevaun Mizrahi, 2017) - 5,5

En una residencia turca varios ancianos rememoran sus vidas, que ya resuenan lejanas. Son testigos de la historia colectiva, obviamente protagonistas de sus propias historias personales, evocando universos que se diría extintos. Mizrahi monta en paralelo escenas de la construcción de un gran edificio justo enfrente de la residencia, como una manifestación del presente y el futuro que se desarrolla ajena a ellos. Es una dialéctica interesante, aunque pienso que podría haber dado más juego. A pesar de que la puesta en escena tiende hacia el extrañamiento en el tramo final del film, la sucesión de testimonios no termina de seducirme.


468. Milla (Valérie Massadian, 2017) - 6

Massadian utiliza los mínimos resortes argumentales para contarnos el trayecto de una joven, Milla, que pasa de pequeño delincuente okupa junto a su novio a madre proveedora. Su proceso de integración en el sistema se detalla en escenas extensivas muy detallistas en lo rutinario y lo aparentemente trivial, hasta lo moroso, mientras se eliden lo que serían las acciones más narrativas. Así nos adentramos en una obra de carácter observacional, que abunda en la obsesión de la directora por la maternidad (o ausencia de) mostrada en Nana, en la construcción del refugio-hogar. Sus afinidades documentalistas no están reñidas con un gran cuidado por el encuadre y la fotografía, e incluso nos ofrece un par de fugas surrealistas que que testan la temperatura emocional de la historia.


469. A Ciambra (Jonas Carpignano, 2017) - 5,5

Relato iniciático sobre un adolescente gitano que se hace adulto a nivel delictivo. La película hace especial hincapié en la inevitabilidad de su comportamiento, que simplemente reproduce lo que vive en el ambiente en el que se mueve. La puesta en escena, a base de una (ligeramente molesta) combinación de cámara en mano y planos cerrados, refuerza la sensación de aprisionamiento que sufre el chaval, que para más inri sufre de claustrofobia. Y es que la sutileza no es el fuerte del film (véase el muy poco afortunado plano final, o sus puntuales subrayados musicales), que fía su atractivo a la indudable autenticidad de las situaciones y de unos personajes que se interpretan a sí mismos.


470. Sicilian Ghost Story (Fabio Grassadonia & Antonio Piazza, 2017) - 6,5

El caso real de secuestro de un chico de quince años por parte de la mafia siciliana se convierte en manos de Grassadonia y Piazza en una onírica y fantasmagórica historia de amor adolescente. En realidad es una decisión que creo guarda bastante coherencia, en un entorno de miedo y silencio, de ausencias y desapariciones, muy propio para las presencias espectrales. La puesta en escena trata de ahondar en esa vena misteriosa con capacidad de sugerencia pero desigual acierto, conformando un relato de aires góticos y románticos.


471. L'intrusa (Leonardo di Costanzo, 2017) - 6

Más historias con la mafia de trasfondo, en este caso la Camorra, pero en clave de realismo social. La acción tiene lugar en un centro de recreo para niños, cuyo buen funcionamiento pone en peligro la llegada de la mujer de un matón. La película apuesta por el humanismo y evita caer en sentimentalismos de baratillo. Dentro de la simpatía que despierta, me pareció percibir cierto formulismo, quizás argumental en ese personaje protagónico tan cabezonamente íntegro y lúcido capaz de soportar todas las (lógicas) presiones, quizás en su estilo visual con la cámara en mano para acentuar su naturalismo, pero al fin y al cabo es una obra muy estimable que quiere poner en valor la dignidad real por contraposición a la aparente.


472. A fábrica de nada (Pedro Pinho, 2017) - 6,5

El cine portugués sigue dando muestras de su envidiable vitalidad con esta película, humilde en sus formas y ambiciosa en su contenido, que enfrenta a los trabajadores de una fábrica de ascensores en crisis ante la posibilidad de la autogestión. Es un enfrentamiento desde la izquierda ideológica con el capitalismo moderno, y Pinho no tiene miedo a abundar en las discusiones y el argumentario. Por el camino somos testigos del deterioro vital de los protagonistas, al tiempo que la narrativa se abre al metalingüismo con esa derivación en forma de musical neorrealista. Me ha dado la impresión de ser un film más bien melancólico, que plasma antes la potencia de la lógica capitalista que la posibilidad de una alternativa realista, a pesar de estar basado en el ejemplo de autogestión que durante algunas décadas protagonizaron los trabajadores de la Otis portuguesa. En todo caso, dentro de la riqueza de la propuesta, sus tres horas se me hicieron un poco farragosas, aunque he de reconocer que me encontraba lejos de mi mejor forma mental en el momento de su visionado.


473. Rosa de Areia (Margarida Cordeiro & António Reis, 1989) - 6

Una obra casi impenetrable para mí, simbólica y poética, construida a base de una dramaturgia brutalmente antinaturalista y distanciadora, escenificada principalmente en el gran teatro del mundo, de los espacios abiertos que la cámara de Acácio de Almeida recorre en suaves travellings y panorámicas, y que resultan de notable belleza estética. Sólo puedo tratar de intuir el sentido del film, que entiendo versa sobre el ser humano, su dimensión histórica e incluso cósmica, su poder pero también su falta de consciencia, lo precioso de su existencia pero igualmente su fugacidad y fragilidad. Quizás de ahí esa Rosa del desierto que da título al film.


474. Barbara (Mathieu Amalric, 2017) - 7

A la hora de afrontar la recreación de una figura legendaria en el mundo francófono como es la cantante Barbara, Amalric le da la espalda al biopic clásico y erige un juego de espejos con la ayuda de Jeanne Balibar (actriz-cantante, protagonista por ejemplo del hipnótico documento musical Ne change rien) para confrontar el mito. Balibar no encarna directamente a Barbara, o quizás también lo hace, pero en particular a una actriz que protagoniza a su vez un biopic sobre la cantante, bajo la batuta de un director que, por supuesto, interpreta el propio Amalric, cuya fascinación por Barbara se extiende a la recreación y quizás también a la recreadora. La conjugación y confusión entre los diferentes niveles es constante, lo cual puede apuntar a la inaprensibilidad del mito o incluso a la proyección exterior del mismo. En todo caso el resultado es una obra muy sugerente, de naturaleza frágil, que se replantea sobre la marcha, quizás culminada de manera un tanto dubitativa y cuestionable, pero que vuelve a demostrar la comodidad que siente Amalric en el ámbito musical.


475. Winter Brothers (Hlynur Palmason, 2017) - 6,5

El uso de los escenarios es una de las grandes bazas de este film islandés, la blancura y gelidez de los exteriores, la oscuridad de la explotación minera, proporcionando también una banda sonora trufada de sonidos amenazantes. En este contexto sorprende menos la aparente falta de calidez y empatía del protagonista, un tipo de dudoso equilibrio psicológico que fantasea con su vecina, se obsesiona por las armas y complementa su salario vendiendo licor producido con material químico robado. Dentro de una general parquedad expresiva, hay una vena irreal y alucinada que se va adivinando a lo largo del metraje, que emerge en determinados momentos y que sirve para culminar un final abierto. En última instancia, entiendo que nos movemos en unas coordenadas de alienación laboral y humanas.


476. Une vie violente (Thierry de Peretti, 2017) - 5

Retrato de la vida delictiva de un joven corso que se involucra en una de las facciones del FLNC. En su poco clara trayectoria teóricamente en defensa de su isla va(mos) tomando conciencia de que acaba siendo un muñeco de estrategias e intereses que no puede controlar. Tengo la impresión de que Peretti toma confusión por sutileza, y el resultado es un film de muy limitada densidad y profundidad, más bien un thriller que no pasa de la corrección en la puesta en escena, incluso cayendo en efectismos desde una pretendida sobriedad (como los asesinatos de la impactante escena de apertura).


477. Eternal Homecoming (Kira Muratova, 2012) - 2,5

Irritante film de Muratova, que repite con pequeñas variaciones unas escenas en las que un hombre visita a una vieja conocida para pedirle consejo sentimental. Llegado un momento surge la dimensión metanarrativa, pues nos enteramos de que se trataría de pruebas potencialmente utilizables para el film de un prestigioso director fallecido durante el rodaje. Pero de poco consuelo sirve, la película continúa siendo un artefacto atrapado en sí mismo que además se cierra con un chascarrillo bastante penoso.


478. Ana (Margarida Cordeiro & António Reis, 1982) - 6

La pareja Cordeiro & Reis pone a prueba al espectador con un film, si bien más narrativo, igual de impenetrable y aún más parsimonioso que Rosa de Areia. Los encuadres, la relación entre las imágenes, los movimientos de los personajes, los parlamentos, devienen en una personal liturgia potencialmente fascinante pero con código propio que, personalmente, apenas fui capaz de descifrar. Sí que percibo esa dinámica familiar rural que va de nacimiento a muerte, el sentido profundamente antropológico que subyace en la película, pero me temo que no paso de aprehender vaguedades.


479. Padre Padrone (Paolo Taviani, Vittorio Taviani, 1977) - 7

Un ataque directo y furibundo a la institución patriarcal, los Taviani se valen de la biografía personal de un pastor de Cerdeña que no pudo aprender a leer y escribir hasta pasados los 18 años. Él mismo introduce el film, reforzando el carácter de representación del mismo, puesto que renuncia a la emulación naturalista. La descripción de la vida rural es demoledora, entre la ignorancia, el aislamiento y la represión, sobrepasando quizás la línea de la elegancia en varios momentos.


480. Madame Hyde (Serge Bozon, 2017) - 6,5

Muy en la línea que acostumbra Bozon, este film nos propone un curioso maridaje entre el típico film de "mentes peligrosas", alumnos ingobernables de bajo extracto social y mixtura racial, y el fantástico, de hecho el cine de superhéroes pasado por el guiño argumental a la famosa novela de Stevenson. El resultado es simpático, juguetón (con la corrección política, por ejemplo) y propone de fondo quizás una visión muy pesimista sobre la educación, ya que se requerirían superpoderes para realizar adecuadamente la labor docente.


481. The Cat Has Nine Lives (Ula Stöckl, 1968) - 6,5

El reencuentro de dos amigas sirve a Stöckl para realizar un retrato de la mujer en su tiempo, a través de diferentes perfiles femeninos, diferentes tipos de relación y de ideas al respecto de las mismas, de planteamientos vitales en definitiva, dentro de un mundo dominado por los hombres. Es de hecho una obra feminista sin que por otro lado caiga en un dibujo maniqueo de los personajes. Características como el expresivo uso del color, el estilo de montaje, la sitúan en las coordenadas estéticas de los nuevos cines, con un resultado algo envejecido (algunas decisiones me parecen más producto de cierto decorativismo que de las necesidades expresivas del film), pero no carente de atractivo.


482. Un beau soleil intérieur (Claire Denis, 2017) - 6

Aunque de mano la última obra de Denis parezca una película sorprendentemente amable, la típica comedia sentimental sobre una mujer madura con evidentes necesidades afectivas, el discurrir narrativo va mostrando una galería humana muy poco complaciente. De hecho, si durante la mayor parte del metraje podría resultar llamativo el sistemático dibujo negativo de todos los personajes masculinos, eventualmente se revela que la omnipresente protagonista interpretada por Binoche es en buena medida responsable de su fracasada vida amorosa. Así todo, el resultado no es ni tan divertido ni sobretodo tan estimulante como cabría esperar de Denis. No encuentro esa capacidad seductora típica de sus imágenes, y lógicamente dada la naturaleza de la historia, tampoco el halo amenazante que subyace en la mayoría de sus películas. Incluso hay momentos demasiado facilones, como por ejemplo cuando la protagonista verbaliza en soledad sus anhelos, como si estuviera explicándose al espectador.


483. A Brief Excursion (Igor Bezinovic, 2017) - 5,5

Un pequeño film croata sobre un grupo de jóvenes que, en medio de unas vacaciones festivaleras, deciden ir de excursión a visitar los frescos de un monasterio. La excesiva voz en off del protagonista, que narra en pasado, insiste en la fragilidad del relato que vemos dado el grado de intoxicación etílica de esos días. La avería del autobús les lanza a un recorrido a pié en el que el tiempo y el espacio pierden solidez, mientras un sentido atávico llama a cada uno de los personajes. La idea es interesante, pero se hace un poco mecánica, no termina de resultar suficientemente sugerente, quizás porque la puesta en escena no parece capaz de erigir ese universo mítico y fantasmal que entiendo se pretende transmitir. En todo caso, como un buen paseo por el campo, es una experiencia bastante agradable.


484. L'atelier (Laurent Cantet, 2017) - 6

Siguiendo la estela de La clase a la hora de confrontar a una juventud multicultural potencialmente problemática, Cantet se vale de un taller de escritura para articular su discurso. De los varios jóvenes que participan en el mismo, el foco recae en un chico blanco de tendencias xenófobas, mientras que la escritora encargada del taller representa el fracaso de las instituciones francesas para prevenir el auge de los radicalismos, presa de sus propias contradicciones, incapaces de realizar una verdadera autocrítica, paternalistas, complacientes con un estado de las cosas que garantiza su bienestar. El film termina siendo demasiado discursivo y solemne, presa de sus intenciones, aunque le redime en parte el hecho de que Cantet apunta a ese mismo problema en el plano metanarrativo.


485. Mudar de vida (Paulo Rocha, 1966) - 8

Tras tratar la alienación urbana en Os verdes anos, Rocha se mantenía en el ámbito rural en su segundo film para abundar en la incomodidad existencial de sus personajes en una obra tan hermosa como austera. Si bien la causa primera de la desesperación de su protagonista es sentimental, ya que su novia terminó casándose con su hermano mientras servía en el ejército en África, es evidente la precariedad laboral y económica, también social y moral, que asfixian a los personajes. Es un acerado retrato de Portugal, de sus agrestes condiciones de vida. Rocha se mueve en el drama con admirable sobriedad estilística, a través de personajes de mucha fuerza y orgullo: basta una mirada, un gesto y una frase para llegar a una desnuda catarsis emocional.


Destacar también un par de notables cortometrajes:

Farpões, baldíos (Marta Mateus, 2017)

Primera obra de esta realizadora portuguesa que el SEFF ha colocado en el ciclo dedicado a Reis y Cordeiro como última heredera (por el momento) de la tradición de estos referentes del cine luso. Y la decisión no ha podido ser más acertada, por calidad y por coherencia. Efectivamente nos encontramos ante un film que parte de lo documental y etnográfico para, desde el distanciamiento de los recitados y el rigor de la puesta en escena, acercarnos a espacios míticos en los que se escribe la historia. Lo viejo y lo nuevo como permanente conflicto en una obra de deslumbrante factura visual.


Jaime (António Reis, 1974)

Retrato documental de un interno en un hospital psiquiátrico que al morir había dejado una singular obra de dibujos cuyo estilo oscila entre lo abstractivo y lo rupestre. A través de los espacios que transitaba, esencialmente esa siniestra galería circular del hospital, de citas de sus excéntricas cartas y muy especialmente de su obra gráfica, Reis se acerca al surrealismo incluso en su intento de recreación mental y emocional del personaje, de ese espíritu obsesivo vertido (más que filtrado) en su obra.


Un saludo.

[TeN_tE]

Vaya atracón , algún año habrá que pasarse por Sevilla.

[FY Morgan]

¿Alguno habéis tenido la oportunidad de ver ya "Three Billboards Outside Ebbing, Missouri"?

[Dezsö Kosztolányi]

Ronin: Esta película la conocemos todos. La veo de cuando en cuando porque me parece de lo mejor del género. Siempre recomendable.

Logan: Esperaba un poco más de esta película después de todas las críticas positivas recibidas, y, vale, acepto que no es la típica película de Xmen y que va más para el rollo Mad Max, pero no le he acabado de coger el punto. Principalmente, no me ha gustado la elección de muchos planos. La veo un poco fallida. La niña me resulta sosa.

Baby driver: Entretenida película de acción ¿Podría considerarse una precuela de "Drive"?

Tarde para la ira: Supongo que es otra demostración de que el cine español está mejorando, o al menos eso me parece. A pesar de que la actuación de Antonio de la Torre me parece regulera (todo lo contrario que Ruth Diaz). Diría también que con algo más de metraje sería mejor. Recomendable.

[clorobuldo]

75.- El Bar. 1,75

Ya me está cansando Alex de la Iglesia con su manía "woodyalleniana" de estrenar una pelicula cada año.

Pelicula estupida, soporifera y con una como casi siempre inaguantable Carmen Machi dando un clinic de actriz cuyo personaje parece que está siempre interpretando, con el añadido de que el final de la pelicula no se lo traga ni los patos.

Siendo sincero le he puesto una nota mucho mayor de lo que merece porque sale Blanca Suarez en lencería y por sus primeros cinco minutos que son bastante dignos, pero no merece ese uno con setenta y cinco que le puesto de nota ni de coña.

[remember CAI]

EL AUTOR. - 8, 5. (capote on) El cine español sigue regalando perlas, propuestas frescas y estimulantes que nos saquen del marasmo guerracivilista del que vivieron los aprovechateguis de siempre( capote off). Tras Canibal, que hacía un uso verista y a la vez fantástico del paisaje granadino, de la Carrera del Darro, esta peli nos pasea por la Sevilla nocturna y mágica, y por sus mundanas Notarías, vecindarios y restaurantes, con esa misma pretensión de genuinidad, y eso es importante. La trama, una adaptación literaria, está tratada con originalidad, con recursos estéticos brillantes, esas sombras chinescas, escenas impactantes ( la charla motivadora del profe de la Torre al alumno Gutierrez) o de humor socarrón (las de sofá y cama de la pareja frikera). Solo le achacaría algunos bajones de guión, un final muy ordinario y la presencia del personaje de la León que, siendo todo un personaje, queda malbaratado. Pero compensa el resto, qué duda cabe.

[Bundy]

Vaya atracón , algún año habrá que pasarse por Sevilla.

Esta edición es que ha estado bastante bien. Eso sí, el ritmo de Genjuro sigue siendo imparable (a falta de los Quini de la vida).

[clorobuldo]

76.- Kong isla calavera.- 3.

Da más vergüenza ajena verla que a Miguel Bosé cantando el Child in Time, porque los personajes no dejan de ser, literalmente, carnaza para las bestias de la isla pero al menos se me pasaron cien minutejos de manera entretenida lo cual compensa en parte que la pelicula no haya por donde cogerla.

[Bundy]

200.-Casa de Lava (Pedro Costa, 1995) - 7,75

No he visto todavía “I Walked with a zombie” de Jacques Tourneur (aunque sé que Costa le debe bastante al cine del director galo, entre otros), pero sí se puede decir que la imagería del director luso y su mirada a las clases más bajas del país está siempre en el punto de mira. Aquí la historia tiene como figura central a Mariana, enfermera de un hospital de Cabo Verde en donde hay enfermos con síntomas cercanos al coma. Costa, pero, traslada el punto de mira a un entorno mucho más árido y hostil con la protagonista (el choque lingüístico entre el criollo-portugués, por ejemplo, pero también la mala hostia, directa o indirectamente, de los aldeanos) que no para de sacudirse en múltiples direcciones. El resultado es un fresco de la vida humilde y pobre de esas islas, y un trabajo excelente con los primeros planos y con el color (los rojos y los blancos, sobre todo) y la luminosidad (sobre todo a oscuras, como ya pasa con películas de Pedro Costa).

201.-Pastorale (Otar Iosseliani, 1975) - 6,75

Pensaba que volvería a ver otra película decepcionante del director armenio, pero vaya, parece que sí sabía algo y se lo dejó en "Érase una vez un mirlo cantor". Al contrario que en esta película, aquí lo importante es la observación de los entornos humanos: cómo interactúan, cómo se relacionan a pesar de sus diferencias, y cómo viven su día a día. Aquí todas estas dinámicas se muestran con un grupo de músicos que viven hospedados en un pueblo que no les da la espalda, pero que tampoco es tan agradable en su superficie. Slice of lice agradable y muy sólido a nivel de dirección, lo que le falta es, como siempre, más ambición y curro a la hora de atar las tramas con un mínimo de consistencia sin que estas parezcan forzadas.

202.-Las ventajas de ser un marginado (Stephen Chobsky, 2012) - 5

Por una parte, demasiado verborreica y superficial; por la otra, muy bien sembrada y muy capaz de ilustrar a nivel de iluminación y de montaje la trama principal del protagonista. "Las ventajas de ser un marginado" bien podría haber sido el típico desastre indie para adolescentes (y eso que no trago a Emma Watson ni para atrás), pero su segunda mitad tiene decisiones impecables que ya están sembradas desde guion al inicio de toda la historia y que llevan a una conclusión poco precipitada y bastante orgánica, incluso en puntos que se muestran patéticamente (la primera novia del protagonista) y otras reacciones o bien incoherentes, o bien metidas por toda la pvta patilla.

203.-The Night is Short, Walk on Girl (Masaaki Yuasa, 2017) - 7,5

Sorpresa a medias. En parte, porque Masaaki Yuasa ya trabaja con las temáticas con las que ya empezó en Mind Game y en The Tatami Galaxy, y en otra parte, y esta es la sorprendente, porque parece que por fin está puliendo esas metáforas e hipérboles visuales que se casca, esta vez explotando dibujo japonés tradicional y el estilo de animación a lo de The Tatami Galaxy, que comparte algunos personajes a modo de spin-off con esta película. Lo mejor de todo es cómo las dos tramas principales se cruzan, y cómo los roles se invierten, siendo la chica una heroína de la noche urbana (y alma de la fiesta) y él un pobre desgraciado mediocre. El giro en sí podría haber sido terrible, de hecho, pero ahí es donde Yuasa se guarda la carta final y la que convierte una situación vieja, gastada y rancia (por complaciente, además) en algo fresco y coherente.

204.-Un escándalo en París (Douglas Sirk, 1946) – 6

Comedia de enredos flojita. Sirk encuadra de maravilla sembrando y poniendo de relieve la transformación por debajo que sufre Vidocq de “dragón” a “santo”, sin tampoco por ello caer en la ingenuidad. Para el director, la ingenuidad solo es una tapadera sobre la que se esconde la ironía, la hipocresía y el perdón, pero todas ellas de buen grado. Queda por debajo de sus grandes obras por un final que no acaba de cuajar como debería (por precipitado) y por funcionar en piloto automático, lo cual es una sorpresa.

205.-Cinzas e Brasas (Manuel Mozos, 2015) – 6 (C)

Sólido corto que expone dos conceptos contrapuestos. En uno, el presente, establecido en planos quietos, sonidos ambiente y muchos planos generales o de espaldas, que benefician la austeridad en los gestos y la parquedad en las palabras de los autores. Por otra parte, cortos flashbacks, cámara en mano, sirven para enfatizar sobre las llamas de una memoria que contaminan presente y pasado, como bien deja patente el final. No todos los planos son todo lo acertados que deberían (por la vanidad del autor más que por su ignorancia), pero vaya, 20 minutos disfrutables cuanto menos.

206.-Encadenados (Alfred Hitchcock, 1946) – 8,5

Magistral historia en la que la fotografía y la dirección complementan de fábula a un guion sencillo que les deja hacer y deshacer a placer. El trabajo del director inglés es fundamental sobre todo a la hora de usar la profundidad, los objetos (lo cual es una constante en su filmografía) y la disposición de los cuerpos de los dos amantes. Si bien el clímax final es tremendo, la secuencia verdaderamente brillante es la de los dos amantes antes y después de saber la misión que les toca: primero, ambas caras juntas paseando, la cámara siguiéndolos y los actores clavando su papel; luego lo mismo, pero esta vez divididos, moviéndose, y con el bueno de Alfredo filmándoles poco a poco hasta su “separación”.

207.-Utamaro y sus cinco mujeres (Kenji Mizoguchi, 1946) – 8,25

El arte vuelve a ser el foco central de esta película de Mizoguchi después de “Historia del último crisantemo”, rodada 7 años antes de esta. Utamaro es un pintor que vive por y para el arte, desviviéndose por ello sin importar casi nada, incluso las mujeres que pululan, amantes o no, a través de esta historia. En este caso, a este relato se mezclan las subtramas de las mujeres que se van cruzando en la vida de Utamaro o que padecen las consecuencias de su mundo. Mizoguchi sabe mezclar bien esas tramas tirando de sus famosos travelling encuadrando a sus personajes de costado, pero también se acerca a ellos y hay encuadres de enorme complejidad y belleza, como es el caso de la escena de las mujeres nadando entre peces.

[guillermo2442]

107-Un terrorista vive al lado-5
108-El secreto de Zohar-6



The Zohar Secret (El Secreto de Zohar, 2015) es una curiosa y extravagante película coproducida por diversos países (entre ellos España y con mayor peso por parte de Rusia) y dirigida por Vladek Zankovsky. La película es una extraña cinta que toca numerosos temas y que parece quedarse en tierra de nadie. La película contó con un presupuesto bastante limitado si tenemos en cuenta los diversos temas históricos que toca, pero consigue desenvolverse lo suficiente como para que la obra no de el “cante”.

Resulta difícil escribir sobre el argumento de la película, sobre todo cuando hasta aproximadamente la mitad del filme y sólo entonces se nos empieza a contar parcialmente lo que estamos viendo. Podemos dividir con claridad la película en dos partes. En la primera de ellas, las escenas se repiten con una tónica bastante similar. Nuestro protagonista, interpretado por Israel Sasha Demidov (quien por cierto, también escribe junto con el director el guión del filme), es un general romano que descubre el manuscrito de Zohar, un extraño documento que parece otorgarle el poder de viajar a cualquier época futura. Sin embargo, esto traerá consecuencias, porque otras personas irán detrás de este mismo documento. A partir de un momento determinado, toda la película se convertirá en una huida de nuestro personaje hacía diferentes épocas, y a medida que sea asesinado en cada una de ellas, volverá a aparecer en una nueva. Un esquema que se repite en bucle hasta que el protagonista llega a lo que podríamos denominar como actualidad. A partir de entonces, la película entrará en otros temas, incluyendo la propia metaobra.

Al igual que en la Obra de Miguel de Unamuno, Niebla, en cierto momento el personaje protagonista parece encontrarse con el propio autor de la obra, que le muestra el sentido real de su existencia. En realidad todo esto no es más que una película y él es el actor principal. Siempre queda en el aire si esto es real o cierto, pero realmente lo destacable es el uso metacinematográfico que realiza la película, y que en diversas cuestiones parece funcionar.

Se trata de una película donde la banda sonora juega un papel fundamental, y además es uno de los grandes aciertos de la película. Compuesta por diversos músicos, la banda sonora consiste en diversos fragmentos cortos que se dedican a ambientar cada uno de los episodios históricos que enmarcan las aventuras del protagonista, y los diversos mundos por donde va pasando. Es decir, la música se adapta, en estilo, a las diferentes épocas, evocando mediante la música todo este fascinante imaginario. La mayoría de piezas funcionan, teniendo un impacto emocional. Y eso, que en ocasiones no se cuenta con una gran orquesta, sino que más bien encontramos un reducido uso de instrumentos.

Entre varios de los mensajes que se pueden extraer del filme, parece patente el hecho de que el guión nos pretende presentar el amor como la única pieza con valor por si mismo. En los diversos tiempos históricos en los que viaja a través el protagonista, sólo parece feliz en aquellos en los que hay, aunque sea remotatamente, la esperanza de crear una familia. De hecho, en el propio final del filme el personaje parece decantarse por su mujer, a pesar de la sospecha evidente de que en realidad esta sea una creación de su mente. El filme parece decirnos, que la historia es una cruenta batalla (No es casualidad que todos los fragmentos estén relacionados con elementos bélicos) donde siempre ha existido el conflicto fratricida, y donde el único valor refugio es el amor.

Es una obra que desafortunadamente peca de ser en determinados momentos pedante y confusa. Tan confusa, que seguramente el guión no sabe a ciencia cierta hacia donde se dirige. Irritante sería la palabra, que más se ajusta a la realidad. Por otra parte, el tono prepotente no ayuda a una mejor comprensión del filme.

109-Verónica-7
110-Noche de miedo-6

[Dezsö Kosztolányi]

3 blockbusters random:

Piratas del Caribe: Dead men tell no tales: Esto puede ser de lo peor que he visto este año. No sólo puedes reemplazar a todos los actores por conos (incluso a Rush, que parece que está aquí para cobrar el cheque), si no que encima tienes que tragarte escenas gratuitas de Johnny Deep todo el rato. La película es una sucesión de situaciones sin orden ni concierto y lo mejor es que en algún momento se acaba.

The fate of the furious: Te encuentras lo que esperas, que viene a ser una mezcla entre XXX y Los Mercenarios. No defrauda, aunque cada vez hay menos chicas en bikini y es un cambio que no me acaba de convencer

Spiderman Homecoming: Vale, no es el Spiderman clásico y eso me duele un poco. No obstante, la película es entretenida y se deja ver fácil. Que la chica sea negra es irrelevante; no entiendo tanta polémica que ha levantado.

[Genjuro]

486. Té y simpatía (Vincente Minnelli, 1956) - 5

Un film de loables intenciones, con mensaje integrador. Evoca en flashback la difícil experiencia de un chico sensible en una universidad en la que sólo encaja el perfil machote, amén de su relación con la mujer de un profesor, de la que estaba profundamente enamorado. A pesar de la notable puesta en escena de Minnelli, de sus encuadres en scope y su utilización del color, la película hace aguas por la cuasi nula sutileza de la historia y los personajes. La obviedad y la sobreactuación son la nota dominante. Hay escenas entre el profesor, que muestra la sensibilidad de un poste de madera (la posibilidad de que sea gay es el único punto sutil del film, creo yo), y su mujer, interpretada por una Deborah Kerr que se pone en modo voz temblorosa, que resultan más hilarantes que otra cosa. Quizás es una temática cuyo tratamiento ha envejecido mal, como ciertos films sesenteros sobre el racismo.


487. Adopción (Marta Mészáros, 1975) - 7

La mujer, como parece ser habitual en el cine de Mészáros, es dueña de las imágenes de este film. El punto de vista recae casi en exclusiva en una mujer en la cuarentena que mantiene una relación secreta con un hombre casado y quiere quedarse embarazada, al tiempo que el film explora su relación con una adolescente interna en una albergue del estado que le pide ayuda para poder ver a su novio. La complicidad femenina contrasta vivamente con el conflicto, bien posible o bien materializado, proveniente de lo masculino, aunque no todos los personajes femeninos sean positivos ni todos los masculinos negativos, y muy en particular, su retrato no es nunca maniqueo. Las relaciones intergeneracionales o el sentimiento de maternidad son, evidentemente, elementos cruciales del fllm, mientras la intimidad entre los personajes se acentúa con una cámara se desliza entre primeros planos y planos detalle.


488. Football of the Good Old Days (Pál Sándor, 1973) - 6

Una comedia sobre el humilde equipo de fútbol del dueño de una lavandería en plenos años veinte. De hecho el film recurre en muchos pasajes a elementos deudores del cine de la época, a la pantalla cuadrada, al humor visual o slapstick, a los planos fijos generales teatrales, a la música de piano o a los intertítulos. Es una estética retro para una obra un poco artefacto. En el trasfondo de los avatares que sufre el protagonista para mantener este equipo e intentar conseguir el ascenso, resuena el conflicto de clases y la problemática capitalista, felizmente más insinuada que predicada. Siempre es complicado trasladar la comedia de un país a otro, pero la película se mantiene en pié sin problemas.


489. Sudden Rain (Mikio Naruse, 1956) - 6,5

Naruse recuperaba a Setsuko Hara como protagonista para reincidir (con bastante menos éxito, todo hay que decirlo) en la temática de la crisis matrimonial ya explorada con ella en uno de sus mejores films, Repast. En este caso se universaliza el mensaje a través de los problemas de otras dos parejas, la de su sobrina y sobretodo los nuevos vecinos que acaban de mudarse. Las dinámicas emocionales que se producen entre ambas parejas están muy bien trabajadas en la ajustada puesta en escena de Naruse, en la sucesión de miradas, en la cercanía del encuadre. Me supo a poco en todo caso para una obra suya cincuentera, en pleno esplendor de su carrera. Igual eché en falta mayor hondura en los personajes, o espesor dramático. Los conflictos se muestran de manera un tanto trivial, bordeando lo anodino. Al final funciona bien, pero sin esa capacidad inmersiva ni de catarsis emocional de otras películas.


Un saludo.

[SiCkO!]

76.- Kong isla calavera.- 3.

Da más vergüenza ajena verla que a Miguel Bosé cantando el Child in Time, porque los personajes no dejan de ser, literalmente, carnaza para las bestias de la isla pero al menos se me pasaron cien minutejos de manera entretenida lo cual compensa en parte que la pelicula no haya por donde cogerla.

El otro día lo comentaba con un compañero y al leer tu comentario, me apetece trasladarlo aquí.
Le pones una nota mala, pero a la vez comentas que se te pasó el rato de forma entretenida.
¿Que buscabas al verla? ¿Siempre que ves una película, te sientas a experimentar lo mismo? ¿La valoración de la película, tiene que ver con lo que esperas de ella, o con otros factores?
Es decir, en una película en la que buscas que te entretenga, encontrar eso.

Por ejemplo, a mi me sucedió que fuí a buscar lo mismo con Kingsman 2 que con Kong isla calavera, y así como con la primera no hubiera dudar en largarme a la mitad, con la segunda disfruté casi la totalidad del film. Tenía ganas de hacerlo con ambas, por eso decidí verlas en el momento que lo hice.

Por esa razón, en mi lista de valoraciones, puede ser que Kong, tenga una nota más alta que otras películas de mejor factura ( ya sean en guión, fotografia, interpretación...), pero que no hayan conseguido transmitirme lo que intentaban.

[clorobuldo]

76.- Kong isla calavera.- 3.

Da más vergüenza ajena verla que a Miguel Bosé cantando el Child in Time, porque los personajes no dejan de ser, literalmente, carnaza para las bestias de la isla pero al menos se me pasaron cien minutejos de manera entretenida lo cual compensa en parte que la pelicula no haya por donde cogerla.

El otro día lo comentaba con un compañero y al leer tu comentario, me apetece trasladarlo aquí.
Le pones una nota mala, pero a la vez comentas que se te pasó el rato de forma entretenida.
¿Que buscabas al verla? ¿Siempre que ves una película, te sientas a experimentar lo mismo? ¿La valoración de la película, tiene que ver con lo que esperas de ella, o con otros factores?
Es decir, en una película en la que buscas que te entretenga, encontrar eso.

Por ejemplo, a mi me sucedió que fuí a buscar lo mismo con Kingsman 2 que con Kong isla calavera, y así como con la primera no hubiera dudar en largarme a la mitad, con la segunda disfruté casi la totalidad del film. Tenía ganas de hacerlo con ambas, por eso decidí verlas en el momento que lo hice.

Por esa razón, en mi lista de valoraciones, puede ser que Kong, tenga una nota más alta que otras películas de mejor factura ( ya sean en guión, fotografia, interpretación...), pero que no hayan conseguido transmitirme lo que intentaban.

Por eso le he puesto un 3 porque pasé el rato.

Si me hubiera basado en su calidad artistica un 1 y va que chuta.

Ni Salomón demostró tanta justicia.

[enepi]

Ayer fui a ver The Death of Stalin y me parecio muy buena. Tiene uno de los mejores comienzos que recuerdo y, a pesar de pequenhos altibajos , en general mantiene un tono muy alto.

Parece que ha molestado bastante en Rusia...

[Zona+1]

1.- Tropic Thunder (2008) Acción, comedia. 107 minutos. Dirigida por Ben Stiller. 5/10.
2.- Letters from Iwo Jima (2006). Bélica, historia, drama. 141 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 6/10.
3.- Escuadrón Suicida (Suicide Squad) 2016. Acción, comedia, superhéroes. 135 m. Dirigida por David Ayer. 7,5/10 (R).
4.- La autopsia de Jane Doe (2016) Terror. 86 minutos. Dirigida por André Øvredal. 7,5/10.
5.- Sully (2016). Biografía, drama. 96 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 7/10.
6.- Tarde para la ira (2016). Drama, thriller. 92 minutos. Dirigida por Raúl Arévalo. 7/10.
7.- El Clan (2015) Biografía, drama, crimen. 108 minutos. Dirigida por Pablo Trapero. 5/10.
8.- Sausage Party (2016) Animación, aventuras, comedia. 89 minutos. Dirigida por Greg Tiernan y Conrad Vernon. 5/10.
9.- ARQ (2016). Ciencia-ficción, thriller. 88 minutos. Dirigida por Tony Elliot. 5,5/10.
10.- Doctor Strange (2016). Acción, aventuras, superhéroes. 115 minutos. Dirigida por Scott Derrickson. 7,5/10.
11.- Ugly (2013) Crimen, drama, misterio. 128 minutos. Dirigida por Anurag Kashyap. 8/10.
12.- Hacksaw Ridge (Hasta el último hombre) 2016. Bélica, biografía, drama. 139 minutos. Dirigida por Mel Gibson. 7,5/10.
13.- Logan (2017). Acción, drama, sci-fi. 137 minutos. Dirigida por James Mangold. 8/10.
14.- Elle (2016). Crimen, drama, thriller. 130 minutos. Dirigida por Paul Verhoeven. 5/10.
15.- Passengers (2016). Drama, romance, sci-fi. 116 minutos. Dirigida por Morten Tyldum. 7/10.
16.- Resident Evil: The final chapter (2016). Acción, sci-fi, terror. 106 minutos. Dirigida por Paul W.S. Anderson. 5,5/10.
17.- Kong: Skull Island (2017). Acción, aventuras, fantasía. 118 minutos. Dirigida por Jordan Vogt-Roberts. 6,5/10.
18.- Split (Múltiple) 2016. Terror, thriller. 117 minutos. Dirigida por M.Night Shyamalan. 7/10.
19.- Rogue One (2016). Acción, aventuras, sci-fi. 133 minutos. Dirigida por Gareth Edwards. (R) V.O. 8,5/10.
20.- The Guardians (Zashchitniki) 2017. Acción, aventuras, sci-fi. 88 min. Dirigida por Sarik Andreasyan. 4/10.
21.- Guardians of the Galaxy Vol.2 (2017). Acción, aventuras, sci-fi. 136 min. Dirigida por James Gunn. 7,9/10.
22.- Hell or High Water (Comanchería) 2016. Crimen, drama, thriller. 102 min. Dirigida por David MacKenzie. 7,8/10.
23.- Bone Tomahawk (2015). Western, drama, terror. 132 minutos. Dirigida por S. Craig Zahler. 7/10.
24.- Now you see me 2 (2016). Acción, aventuras, comedia. 129 min. Dirigida por Jon M. Chu. 6/10.
25.- Get Out (2017). Terror, misterio. 104 minutos. Dirigida por Jordan Peele. 6,5/10.
26.- The Good Neighbor (2016) Crimen, drama, thriller. 98 minutos. Dirigida por Kasra Farahani. 6/10.
27.- John Wick Chapter 2 (2017). Acción, thriller. 122 minutos. Dirigida por Chad Stahelski. 7,7/10.
28.- Life (Vida) 2017. Terror, sci-fi, thriller. 104 minutos. Dirigida por Daniel Espinosa. 7,9/10.
29.- Dope (2015) Comedia, crimen, drama. 103 minutos. Dirigida por Rick Famuyiwa. 6,2/10.
30.- Mars Attacks! (1996) Comedia, sci-fi. 106 minutos. Dirigida por Tim Burton. 6/10.
31.- Captain Fantastic (2016) Comedia, drama. 118 minutos. Dirigida por Matt Ross. 6,8/10.
32.- The Searchers (Centauros del Desierto) 1956. Western. 119 minutos. Dirigida por John Ford. 8,5/10.
33.- Wonder Woman (2017) Acción, aventuras, superhéroes. 141 minutos. Dirigida por Patty Jenkins. 7,7/10.
34.- The man who shot Liberty Valance (1962) Western. 123 minutos. Dirigida por John Ford. 8/10.
35.- Pulp Fiction (1994) Crimen, drama. 154 minutos. Dirigida por Quentin Tarantino. 9,5/10.
36.- Hasta que llegó su hora (Once upon a time in west) 1968. Western. 164 minutos. Dirigida por Sergio Leone. 8/10.
37.- Baby Driver (2017). Acción, crimen. 112 minutos. Dirigida por Edgar Wright. 7,6/10.
38.- Spider-Man Homecoming (2017). Acción, aventuras, superhéroes. 133 minutos. Dirigida por Jon Watts. 7,5/10.
39.- Clown (2014) Terror, thriller. 100 minutos. Dirigida por Jon Watts. 5/10.
40.- Alien Covenant (2017). Terror, sci-fi, thriller. 122 minutos. Dirigida por Ridley Scott. 7/10.
41.- Dentro del laberinto (1986). Aventuras, familiar, fantasía. 101 minutos. Dirigida por Jim Henson. 5/10.
42.- King Arthur: Legend of the sword (2017) Acción, aventuras, fantasía. 126 min. Dirigida por Guy Ritchie. 7,8/10.
43.- Hidden: Terror en Kingsville (2015) Terror, thriller. 84 minutos. Dirigida por los hermanos Duffer. 6/10.
44.- Stagecoach (La Diligencia) 1939. Western. Dirigida por John Ford. 7,5/10.
45.- Midnight Special (2016) Drama, ciencia-ficción. Dirigida por Jeff Nichols. 7,7/10.
46.- Anacleto (2015) Comedia, acción. Dirigida por Javier Ruiz Caldera. 4,5/10.
47.- Live by night (2016) Acción, drama. Dirigida por Ben Affleck. 6/10.
48.- Cold Eyes (Gam-Si-Ja-deul) 2013. Acción, crimen, thriller. 6/10.
49.- A most violent year (2014). Crimen, drama. Dirigida por J.C.Chandor. 6/10.
50.- The good, the bad & the ugly (1966) Western. Dirigida por Sergio Leone. 7,9/10.
51.- Entourage (El séquito) 2015. Comedia. Dirigida por Doug Ellin. 6,5/10.
52.- The Wild Bunch (1969) Western. Dirigida por Sam Peckinpah. 8/10.
53.- Pirates of Caribbean Dead Men tell no tales (2017). Aventuras. 5/10.
54.- Slow West (2015) Western, drama. Dirigida por John Maclean. 7,5/10.
55.- Highlander (Los Inmortales) 1986. Aventuras, ciencia-ficción. Dirigida por Russell Mulcahy. 5,5/10.
56.- War for the planet of the apes (2017). Acción, ciencia-ficción. Dirigida por Matt Reeves. 5,5/10.
57.- Fate of the Furious (2017). Acción. Dirigida por F. Gary Gray. 6/10.
58.- BayWatch (2017). Acción, comedia. Dirigida por seth Gordon. 5,5/10.
59.- Fat City (1972) Drama. Dirigida por John Huston. 5/10.
60.- Kingsman The Golden Circle (2017) Acción, aventuras, comedia. Dirigida por Matthew Vaughn. 6,5/10.

61.- Atomic Blonde (2017) Acción, thriller. Dirigida por David Leitch. 7,7/10.
Desde que supe de su existencia creí que se trataba de una versión femenina de "John Wick" y para bien o para mal, por ahí van los tiros. Un guión bastante sencillo pero con un contexto muy rico. Empezando por las escenas de acción, brutalmente realistas (destacando especialmente la que tiene lugar en una escalera y la posterior persecución), continuando con la ambientación del Berlín pre-caída del muro, la banda sonora ochentera y terminando con las interpretaciones (especialmente la de McAvoy). Por si todo eso fuera poco, nos regala una escena de cama brutal entre Charlize y Sofia Boutella.

62.- Thor: Ragnarok (2017) Aventuras, comedia, superhéroes. Dirigida por Taika Waititi. 7,9/10.
Tenía muchas dudas (el cambio de director, el exceso de tono cómico y la adaptación de "Planet Hulk") pero me lo pasé como un enano. El cambio de director ha sido para mejor (es, sin duda, la mejor de las tres). El exceso de tono cómico si es cierto que por momentos penaliza, restando credibilidad a algunos personajes, pero consigue ser muy divertida y a la vez entretenida, algo así como la primera "Guardianes de la Galaxia". Y la adaptación de "Planet Hulk", salvo las licencias habituales que solo criticarán los talibanes del cómic, cumple con nota y deja la puerta abierta a seguir tirando de ese hilo con más películas o una precuela sobre Hulk. Por lo demás, pura diversión, una galería de personajes brutal (con mención especial a la villana Blanchett) y una gran banda sonora. Aparte de los excesos cómicos, lo más negativo no es culpa de la película, sino de su trailer, que te revienta uno de los mejores momentos de la misma quitándole toda la gracia. Otra cosa que me ha hecho gracia es que en pleno estreno de la película se haya abierto el absurdo debate de si todas las películas de Marvel son más de lo mismo, cuando "Ragnarok" es posiblemente la película que más se aleja de lo hecho hasta ahora en el UCM.

63.- Young Ones (2014) Ciencia-ficción, drama. Dirigida por Jake Paltrow. 7,5/10.
Futuro distópico en el que la falta de agua ha marcado la vida de la gente. Historias cruzadas de un padre (Michael Shannon), un hijo (Kodi Smit-McPhee) y el novio (Nicholas Hoult) de su hija/hermana (Elle Fanning). Original y con un reparto de lujo, sorpresa agrable.

64.- It (2017) Terror. Dirigida por Andrés Muschietti. 6/10.
Potable remake del clásico de Stephen King. El payaso acojona y los niños del reparto están bien, especialmente el de Stranger Things.

65.- The Dark Tower (2017). Ciencia-ficción, fantástica. Dirigida por Nikolaj Arcel. 6/10.
Y seguimos con Stephen King. No he leído los libros así que opino única y exclusivamente como espectador de la película, no como adaptación. Simple, entretenida y bien interpretada. No sé si es que tanta crítica me hizo verla sin muchas expectativas, pero me vale.

66.- Wind River (2017). Crimen, thriller. Dirigida por Taylor Sheridan. 8,2/10.
Debut como director de Taylor Sheridan, conocido por ser el guionista de "Sicario" y "Hell or high water" o por su interpretación del Agente Hale en "Sons of Anarchy". Un cazador (Jeremy Renner) encuentra un cadáver congelado en la nieve en una reserva india. La agente del FBI encargada del caso (Elizabeth Olsen) necesitará de su ayuda para resolver el caso. Lo tiene todo: un guión que mezcla la trama de la investigación con el drama del protagonista y la realidad de las reservas indias. Buenas interpretaciones de la pareja protagonista pero también de los secundarios. Un escenario de lujo que es un regalo visualmente y un par de escenas en las que sube la tensión que son realmente magníficas. Para mí, sin duda, una de las mejores películas que he visto de este 2017 que se acerca a su fin.



67.- Have a nice day (2017) Animación, crimen. Dirigida por Jian Liu. 3,5/10.
Me engañó la referencia del programa a Tarantino y Guy Ritchie. Es cierto que tiene elementos de ambos directores (la mezcla de humor y violencia, los diálogos o los cruces de caminos) pero en ningún momento se hace virtud de ellos. Por el contrario, guión flojo, personajes sin explotar y total carencia de ritmo, hasta el punto de que durando menos de una hora y 20 minutos se me hizo eterna. Mala manera de empezar esta edición del FICX.

68.- Valerian and the City of a Thousand Planets (2017). Aventuras, sci-fi. Dirigida por Luc Besson. 8/10.
Puede decirse que es "El Quinto Elemento v2017" + "Avatar" sin que sea necesariamente algo negativo. Besson se marca un espectáculo visual con una aventura entretenida de principio a fin. No me terminaba de llamar la pareja protagonista pero lo cierto es que lo hacen bien y encajan muy bien con sus papeles.

69.- Lucky (2017) Drama. Dirigida por John Carroll Lynch. 7/10.
Y termino por hoy con la segunda película que he visto (ayer) dentro del FICX, sección oficial. Debut como director de John Carroll Lynch (actor conocido por sus papeles en "Zodiac", "Gran Torino", "The Invitation" o "The walking dead"). Protagonizada por Harry Dean Stanton, fallecido el pasado mes de Septiembre, que interpreta al personaje que da título al film, un anciano de 90 años que lleva una vida de rutina entre cigarrillos, a caballo entre el bar donde desayuna mientras hace crucigramas y el otro bar donde se toma un bloodymary por las noches. Brutal reflexión sobre la vida y la muerte, pero sobre todo, acerca de la aceptación de esta última.

Salu2

[guillermo2442]

Ayer fui a ver The Death of Stalin y me parecio muy buena. Tiene uno de los mejores comienzos que recuerdo y, a pesar de pequenhos altibajos , en general mantiene un tono muy alto.

Parece que ha molestado bastante en Rusia...

En Rusia ha molestado más "Matilda", que ha sido el tema de conversación en cuanto a películas polémicas se refiere.

[clorobuldo]

Jeremy Renner siempre tuerce la nariz con cara de asco en todas sus peliculas.

Yo debo de valer como actor porque sé poner exactamente esa cara.