1. Stico (Jaime de Armiñán; 1985) - 6,75
El argumento es interesantísimo y muy original, aunque creo que le falta fluidez narrativa. Las actuaciones de los protagonistas (Fernán Gómez, Agustín González, Carmen Elías, Amparo Baró, las niñas) también notables. Tragicomedia que invita a reflexionar sobre la vida: entre otras cosas entre qué se considera cordura y qué locura, el éxito, la esclavitud en la sociedad urbana (muy buena la escena de las gallinas), el papel sensacionalista de los medios de comunicación, el interés en las relaciones humanas, o la valía que otorgamos a los conocimientos en determinadas materias (alguien a quien podríamos considerar un erudito no tiene donde caerse muerto). Esconde profundidad en su aparente ligereza.
Contador de películas 2017
La vida al margen del deporte (la hay)
1. Snowden (Oliver Stone, 2016) - 5
Como si desde el célebre documental de Laura Poiras Citizenfour se fueran introduciendo flash-backs para explicar su historia personal, así está orquestado este biopic de Edward Snowden, que abarca desde su toma de contacto con la CIA hasta nuestros días en su destierro ruso. Stone entrega una obra sorprendentemente sobria para sus parámetros (aunque es verdad que llevaba un tiempo desconectado de su cine), que funciona mucho mejor como arma de concienciación que como obra artística. Y así todo el tonillo aleccionador del tramo final (con música de fondo al objeto), estropea en alguna medida esa relativa sobriedad expositiva.
2. Panique (Julien Duvivier, 1946) - 6,5
Duvivier hace un retrato inmisericorde de las miserias de la sociedad en este film que transcurre en una barriada parisina en la que aparece una mujer muerta. Las sospechas vecinales recaen en un excéntrico y poco sociable personaje interpretado por Michel Simon, conocedor de la identidad del asesino pero que cae enamorado de la chica del mismo. Entre un villano y unos secundarios más bien de una pieza, estos dos personajes son los que sostienen el entramado dramático del film, que se viene un poco abajo en su poco justificado tramo final. Así todo no deja de ser una película que merece la pena, narrada con vigor y que sabe atrapar el aroma popular.
3. Je pense à vous (Pascal Bonitzer, 2006) - 6
Cinco personajes principales y las múltiples conexiones entre ellos dibujan el diagrama sentimental de esta película. En la mayoría de los casos son relaciones que a la postre provocan más heridas y resentimientos que placer y bienestar. Y sin embargo los personajes parecen mostrar una necesidad casi patológica por experimentarlas. La verdad es que todo este vaivén interrelacional se me antoja un poco forzado, aunque hay una velada referencia a la capacidad demiúrgica del autor que lo justificaría. Junto a una sólida labor interpretativa, la puesta en escena me ha parecido algo sosa, pero no anula el interés de la película.
4. La mano del diablo (Maurice Tourneur, 1943) - 6,5
Esta adaptación de un cuento de Gérard de Nerval tiene en cierta manera el aroma de las obras de Poe, aunque son autores contemporáneos y de hecho está escrita antes de que el bostoniano entregase el grueso de su obra. Así todo hablamos de un relato mefistofélico, en el que un pintor vende su alma al diablo al aceptar comprar una misteriosa mano que le da talento, fama, dinero y amor. Producida en plena ocupación nazi (de hecho es de la Continental), ¿podríamos atrevernos a realizar una lectura alegórica del colaboracionismo? Igual es forzar demasiado... En fin, narrada en flash-back, como mandan los cánones de la época, destaca la imaginería visual de las escenas más fantásticas.
5. Comanchería (David Mackenzie, 2016) – 6,5
Con elementos evidentes de neo-western, este film sobre dos hermanos embarcados en una serie de atracos se empapa de iconografía texana para hablarnos de mundos en disolución y transformación. Desde el primer plano queda muy claro el contexto socio-económico y político, el de una crisis económica que se ha llevado por delante hogares y familias inmisericordemente mientras el dinero de los contribuyentes se empleaba en salvar a la banca. Ello abunda en el carácter crepuscular de la película y un estado que, en general, parece mirar con nostalgia tiempos más salvajes. A pesar de la solidez de la propuesta, no me ha abandonado en ningún momento cierta sensación de sutil efectismo en cómo viene dispuesta, en ciertos planos, el uso de la música, así como algún episodio argumental.
6. Wozzeck (Georg C. Klaren, 1947) – 7
En preceptivo flash-back, este obsesivo film alemán nos cuenta el deterioro vital de un soldado convertido en asesino en buena medida por sus precarias circunstancias. Una crítica evidente al militarismo, como al clasismo y al capitalismo (está facturada por la DEFA en la zona Este), también se podría hacer una lectura alegórica, exculpatoria en alguna medida, respecto al pueblo alemán y al nazismo. En todo caso el trabajo visual del film es magnífico, recuperando técnicas expresionistas para sugerir los torturados mundos interiores de este hombre.
7. Ciudad de conquista (Anatole Litvak, 1940) - 7
Antes que el clásico relato boxístico de ascenso y caída, este film de Litvak es en esencia una historia de amor, pero claro, también de la ambición (o falta de) de unos personajes en la ciudad por excelencia, Nueva York. De hecho, a pesar del cierto aparato con el que viene presentada la película, con una temible introducción glosando diferentes aspectos neoyorkinos, el film se crece en los momentos más íntimos, y hace del sencillo contraplano a la acción principal (ésta sí, a veces “espectacular”) el elemento que desata la emoción del relato.
8. Rockers (Ted Bafaloukos, 1978) – 7
Con las trazas de un manifiesto reggie y rastafari, este simpático film jamaicano logra en apariencia transmitir la onda de un momento y un lugar icónicos. La celebración de la música y del espíritu comunal dominan la historia de un baterista enfrentado a una mafia que le ha robado la moto. Haciendo del plano medio y general la base de su elegante y colorista estilo visual, incluso con algún moderno plano secuencia siguiendo a su protagonista, se erige de hecho en una obra de cierto cariz etnográfico, más preocupada por la atmósfera general que por el relato anecdótico, que enmarca sin constreñir a unos personajes que se interpretan a sí mismos.
9. Bad Girl (Frank Borzage, 1931) – 5,5
Una historia de amor muy borzagiana, cuyos malentendidos a veces podrían confundirse con la guerra de sexos, pero en esencia sirven para alimentan la emoción climática. El comienzo en este caso es excelente, cuando Borzage nos presenta a una dependienta cansada de que los hombres no la dejen en paz, pero necesita llamar la atención de uno que pasa de ella. El problema es que la película entra rápidamente en varios baches narrativos, y los equívocos que envenenan la relación entre los protagonistas terminan por hacerse cansinos.
Un saludo.
Como si desde el célebre documental de Laura Poiras Citizenfour se fueran introduciendo flash-backs para explicar su historia personal, así está orquestado este biopic de Edward Snowden, que abarca desde su toma de contacto con la CIA hasta nuestros días en su destierro ruso. Stone entrega una obra sorprendentemente sobria para sus parámetros (aunque es verdad que llevaba un tiempo desconectado de su cine), que funciona mucho mejor como arma de concienciación que como obra artística. Y así todo el tonillo aleccionador del tramo final (con música de fondo al objeto), estropea en alguna medida esa relativa sobriedad expositiva.
2. Panique (Julien Duvivier, 1946) - 6,5
Duvivier hace un retrato inmisericorde de las miserias de la sociedad en este film que transcurre en una barriada parisina en la que aparece una mujer muerta. Las sospechas vecinales recaen en un excéntrico y poco sociable personaje interpretado por Michel Simon, conocedor de la identidad del asesino pero que cae enamorado de la chica del mismo. Entre un villano y unos secundarios más bien de una pieza, estos dos personajes son los que sostienen el entramado dramático del film, que se viene un poco abajo en su poco justificado tramo final. Así todo no deja de ser una película que merece la pena, narrada con vigor y que sabe atrapar el aroma popular.
3. Je pense à vous (Pascal Bonitzer, 2006) - 6
Cinco personajes principales y las múltiples conexiones entre ellos dibujan el diagrama sentimental de esta película. En la mayoría de los casos son relaciones que a la postre provocan más heridas y resentimientos que placer y bienestar. Y sin embargo los personajes parecen mostrar una necesidad casi patológica por experimentarlas. La verdad es que todo este vaivén interrelacional se me antoja un poco forzado, aunque hay una velada referencia a la capacidad demiúrgica del autor que lo justificaría. Junto a una sólida labor interpretativa, la puesta en escena me ha parecido algo sosa, pero no anula el interés de la película.
4. La mano del diablo (Maurice Tourneur, 1943) - 6,5
Esta adaptación de un cuento de Gérard de Nerval tiene en cierta manera el aroma de las obras de Poe, aunque son autores contemporáneos y de hecho está escrita antes de que el bostoniano entregase el grueso de su obra. Así todo hablamos de un relato mefistofélico, en el que un pintor vende su alma al diablo al aceptar comprar una misteriosa mano que le da talento, fama, dinero y amor. Producida en plena ocupación nazi (de hecho es de la Continental), ¿podríamos atrevernos a realizar una lectura alegórica del colaboracionismo? Igual es forzar demasiado... En fin, narrada en flash-back, como mandan los cánones de la época, destaca la imaginería visual de las escenas más fantásticas.
5. Comanchería (David Mackenzie, 2016) – 6,5
Con elementos evidentes de neo-western, este film sobre dos hermanos embarcados en una serie de atracos se empapa de iconografía texana para hablarnos de mundos en disolución y transformación. Desde el primer plano queda muy claro el contexto socio-económico y político, el de una crisis económica que se ha llevado por delante hogares y familias inmisericordemente mientras el dinero de los contribuyentes se empleaba en salvar a la banca. Ello abunda en el carácter crepuscular de la película y un estado que, en general, parece mirar con nostalgia tiempos más salvajes. A pesar de la solidez de la propuesta, no me ha abandonado en ningún momento cierta sensación de sutil efectismo en cómo viene dispuesta, en ciertos planos, el uso de la música, así como algún episodio argumental.
6. Wozzeck (Georg C. Klaren, 1947) – 7
En preceptivo flash-back, este obsesivo film alemán nos cuenta el deterioro vital de un soldado convertido en asesino en buena medida por sus precarias circunstancias. Una crítica evidente al militarismo, como al clasismo y al capitalismo (está facturada por la DEFA en la zona Este), también se podría hacer una lectura alegórica, exculpatoria en alguna medida, respecto al pueblo alemán y al nazismo. En todo caso el trabajo visual del film es magnífico, recuperando técnicas expresionistas para sugerir los torturados mundos interiores de este hombre.
7. Ciudad de conquista (Anatole Litvak, 1940) - 7
Antes que el clásico relato boxístico de ascenso y caída, este film de Litvak es en esencia una historia de amor, pero claro, también de la ambición (o falta de) de unos personajes en la ciudad por excelencia, Nueva York. De hecho, a pesar del cierto aparato con el que viene presentada la película, con una temible introducción glosando diferentes aspectos neoyorkinos, el film se crece en los momentos más íntimos, y hace del sencillo contraplano a la acción principal (ésta sí, a veces “espectacular”) el elemento que desata la emoción del relato.
8. Rockers (Ted Bafaloukos, 1978) – 7
Con las trazas de un manifiesto reggie y rastafari, este simpático film jamaicano logra en apariencia transmitir la onda de un momento y un lugar icónicos. La celebración de la música y del espíritu comunal dominan la historia de un baterista enfrentado a una mafia que le ha robado la moto. Haciendo del plano medio y general la base de su elegante y colorista estilo visual, incluso con algún moderno plano secuencia siguiendo a su protagonista, se erige de hecho en una obra de cierto cariz etnográfico, más preocupada por la atmósfera general que por el relato anecdótico, que enmarca sin constreñir a unos personajes que se interpretan a sí mismos.
9. Bad Girl (Frank Borzage, 1931) – 5,5
Una historia de amor muy borzagiana, cuyos malentendidos a veces podrían confundirse con la guerra de sexos, pero en esencia sirven para alimentan la emoción climática. El comienzo en este caso es excelente, cuando Borzage nos presenta a una dependienta cansada de que los hombres no la dejen en paz, pero necesita llamar la atención de uno que pasa de ella. El problema es que la película entra rápidamente en varios baches narrativos, y los equívocos que envenenan la relación entre los protagonistas terminan por hacerse cansinos.
Un saludo.
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antonio1004
- Mensajes: 33672
- Registrado: 15 Mar 2003, 11:08
A mí el final de Snowden es de lo que más me gusta, no me parece aleccionador en absoluto, en su ficción ya le pinta como un true american hero, no cambia demasiado en ese sentido. Lo interesante es que funde las formas documentales en una ficción clásica para mandar un mensaje muy directo lo que sucedió fue real, controlan nuestros datos, hay que posicionarse para ser libres y aplaudiré siempre a los cineastas que se mojen. Y Stone otra cosa no, pero le echa un par. Recordemos que no fue financiada por los grandes estudios y su mayor parte se rodó en Alemania, de hecho fue un proyecto que guardaron en secreto. Y no me extraña, se trata de una película realmente molesta para el stablishment norteamericano.
antonio1004 escribió:A mí el final de Snowden es de lo que más me gusta, no me parece aleccionador en absoluto, en su ficción ya le pinta como un true american hero, no cambia demasiado en ese sentido. Lo interesante es que funde las formas documentales en una ficción clásica para mandar un mensaje muy directo lo que sucedió fue real, controlan nuestros datos, hay que posicionarse para ser libres y aplaudiré siempre a los cineastas que se mojen. Y Stone otra cosa no, pero le echa un par. Recordemos que no fue financiada por los grandes estudios y su mayor parte se rodó en Alemania, de hecho fue un proyecto que guardaron en secreto. Y no me extraña, se trata de una película realmente molesta para el stablishment norteamericano.
Más que sea aleccionador en sí, es el tonillo que mencionaba antes. La combinación del discurso y la música que utilizan parece más apropiada para un publirreportaje de medio pelo que para una película. En lo demás estoy más o menos de acuerdo, aunque en este caso me interesa mucho más el contenido que el continente.
Un saludo.
1. Louis C.K.: Hilarious (2010) - 8: empecé a ver la basura cósmica "Kevin Hart: what now?" y, para vacunarme al completo, me metí una sobredosis de Louis C.K. Para quien no conozca al cómico, Hilarious resume muy bien su estilo y condensa gran parte de su repertorio vital.
2. En man som heter Ove (Hannes Holm, 2015) - 5,5: dramedia convencional e inocua, digamos que entetenida (muy lejos de Tourist). Hombre gruñón que luego no lo es tanto y que tiene una mochila emocional muy tocha. Brilla en los momentos más nórdicos: humor sin piedad, concepto de las relaciones, normas y constumbres. Emocionalmente me dejó algo tocado, me doy cuenta de que Suecia forma más parte de mí de lo que pensaba.
2. En man som heter Ove (Hannes Holm, 2015) - 5,5: dramedia convencional e inocua, digamos que entetenida (muy lejos de Tourist). Hombre gruñón que luego no lo es tanto y que tiene una mochila emocional muy tocha. Brilla en los momentos más nórdicos: humor sin piedad, concepto de las relaciones, normas y constumbres. Emocionalmente me dejó algo tocado, me doy cuenta de que Suecia forma más parte de mí de lo que pensaba.
Última edición por TeN_tE el 10 Ene 2017, 00:07, editado 2 veces en total.
5.-Silencio (Martin Scorsese, 2016)
En ocasiones algo más elongada de la cuenta, en otras un pelín más excesiva de la cuenta con sus gestos. Sin embargo, y a pesar de ello, una propuesta como mínimo sugerente por su mirada medio desangelada a un tema que parece que ha vuelto últimamente este año.
Es una película que me impresiona por su forma de montar y crear composiciones poderosas. Necesitaré verla de nuevo para ver por qué en ocasiones me fascina y en otras simplemente me aburre, pero he de decir que me parece una película que no se me hace cuesta arriba como sí lo hizo El Lobo de Wall Street en algún momento que otro.
Le doy un 6'5.
6.-Shin Godzilla (Hideaki Anno, 2016)
Anno consigue crear una película de monstruos con un mensaje lo suficientemente potente sin necesidad de tomarse demasiado en serio. Sin embargo, y pese a que intenta y en ocasiones consigue ir más allá, la sombra de Evangelion acaba ensombreciendo para mal una película con ciertos recursos visuales que provocan interés y con una crítica importante hacia la hipocresía política de Japón y su tendencia al poco pragmatismo y a su capacidad para plegarse al respecto de otras naciones. También pesa para mal Shiro Sagisu: cierto es que sus composiciones de coros casi apocalípticos le funcionaban bien en Bleach o incluso en la banda sonora de Berserk, pero se nota que se empieza a repetir más de la cuenta y tampoco ayuda que saque una temp music del Decisive Battle de Evangelion.
Le doy un 6'25.
En ocasiones algo más elongada de la cuenta, en otras un pelín más excesiva de la cuenta con sus gestos. Sin embargo, y a pesar de ello, una propuesta como mínimo sugerente por su mirada medio desangelada a un tema que parece que ha vuelto últimamente este año.
Es una película que me impresiona por su forma de montar y crear composiciones poderosas. Necesitaré verla de nuevo para ver por qué en ocasiones me fascina y en otras simplemente me aburre, pero he de decir que me parece una película que no se me hace cuesta arriba como sí lo hizo El Lobo de Wall Street en algún momento que otro.
Le doy un 6'5.
6.-Shin Godzilla (Hideaki Anno, 2016)
Anno consigue crear una película de monstruos con un mensaje lo suficientemente potente sin necesidad de tomarse demasiado en serio. Sin embargo, y pese a que intenta y en ocasiones consigue ir más allá, la sombra de Evangelion acaba ensombreciendo para mal una película con ciertos recursos visuales que provocan interés y con una crítica importante hacia la hipocresía política de Japón y su tendencia al poco pragmatismo y a su capacidad para plegarse al respecto de otras naciones. También pesa para mal Shiro Sagisu: cierto es que sus composiciones de coros casi apocalípticos le funcionaban bien en Bleach o incluso en la banda sonora de Berserk, pero se nota que se empieza a repetir más de la cuenta y tampoco ayuda que saque una temp music del Decisive Battle de Evangelion.
Le doy un 6'25.
Última edición por Bundy el 09 Ene 2017, 14:27, editado 2 veces en total.
2. El extraordinario viaje de T.S. Spivet (L'extravagant voyage du jeune et prodigieux T. S. Spivet; Jean-Pierre Jeunet; 2013) - 5,5
Entretenida, excéntrica, con muchos recursos visuales... pero no deja poso. Un ejercicio de onanismo que entretiene, que no es poco, mas ya.
Entretenida, excéntrica, con muchos recursos visuales... pero no deja poso. Un ejercicio de onanismo que entretiene, que no es poco, mas ya.
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guillermo2442
- Mensajes: 7349
- Registrado: 13 Ene 2008, 14:13
Quién más la ha visto? Se me ha quedado en la cabeza como un chicle
2-La fiesta de las salchichas-6
La sensación final después de ver Sausage Party (la fiesta de las salchichas, 2016) es de incredulidad absoluta. Uno no sabe cómo afrontar lo que ha presenciado. Aunque después de ver los créditos y comprobar quienes estaban involucrado en el proyecto, se comprende mucho más la gran broma que supone esta “simpática” cinta. Porque en muchas ocasiones oímos la etiqueta de película de animación “para adultos” pero sin duda, los hombres que crearon This is the End (Juerga hasta el fin, 2016) han tratado de llevar dicha expresión hasta unos nuevos límites.
Evan Goldberg, Seth Rogen, Jonah Hill son los responsables de la historia cómica que desarrollan los directores de animación Conrad Vernon y Greg Tiernan. Lo que nos encontramos en esta ocasión es una película que está muy cerca del mismo sentido del humor de Juerga hasta el fin, sólo que en esta ocasión los responsables han coqueteado con el género de animación. Pero la fórmula sigue siendo la misma: gamberrismo, guiños a la cultura popular, humor inteligente, negro y zafio (y tonto) combinado a la vez. El argumento no deja de ser el más propicio para que los guionistas puedan explayarse: En un tranquilo supermercado, los alimentos (que tienen vida al estilo Toy Story) celebran la llegada y la selección de los humanos (Dioses a los que adoran) de la comida, porque no saben que destino les aguarda. En esas, nuestros protagonistas (una salchicha y un panecillo de Hot dog) esperan ansiosamente el día en que por fin podrán estar juntos.
Como decía, el término de animación para adultos llega a su máxima cota. De hecho, gran parte de la gracia del filme radica precisamente en la ruptura de tabús que acomete el filme a cada minuto. Para empezar, el lenguaje que emplean los protagonistas está de lleno de palabras malsonantes (los motherfuckers están a la orden del día y parece que los guionistas ganan un dólar por cada vez que lo usan). Pero también nos encontramos con secuencias que podríamos calificar de violentas (teniendo en cuenta la violencia que se puede ejercer hacía una salchicha) y que en realidad forman parte de la gran broma que supone la fiesta de las salchichas. El gore produce más risa que asco, teniendo en cuenta las circunstancias en las que se producen dichas secuencias. Y por supuesto, y como hace implícitamente referencia el título, el sexo también tiene una carga importante en la película. La tiene directamente desde los protagonistas, que no dejan de ser obvios símbolos sexuales (masculino y femenino, una salchicha y un panecillo con forma de vagina), pasando por algunas secuencias que directamente nos presentan una orgía entre productos alimenticios. Incluso se presenta el lesbianismo, aunque no acaba de cuajar la cosa.
Pero también, es evidente que a un nivel muy simple, la película contiene una carga filosófica. Desde Platón a Nietzsche. Es obvio que el mito de la caverna de la Platón aparece representado en el filme (parecido a una manera similar como ocurría en otra película de animación, La Lego película) pero me gustaría hacer hincapié en la reflexión más Nietzscheana que hace la película, en concreto uno de los temas que el filósofo alemán legó a la posteridad (y que ha estado sobeteado y mal interpretado por doquier) como es el tema del súper hombre. Efectivamente, y aunque parezca mentira, nuestro protagonista es un súper hombre. O mejor dicho, una súper salchicha. En un primer momento, la película nos presenta una sociedad que cree en un Dios (o dioses, monta tanto tanto monta) y que acepta sus leyes. Dichas leyes están sujetas a un control estricto de la sexualidad y la moralidad (por ejemplo, nuestros protagonistas principales no pueden mantener contacto antes de la liberación, porque eso podría “enfadar a los dioses). Según la filosofía de Nietzsche, nos encontramos evidentemente ante un disfraz de la moral cristiana, que ata a la sociedad en una podredumbre moral. Pero la transición no es fácil. Como ya anticipaba el alemán, antes de poder dar el paso hacia el súper hombre, el que reniega de la religión se convertía entonces en la persona más triste sobre la tierra. Eso es exactamente lo que le sucede a nuestro protagonista principal, que una vez ha descubierto la cruda realidad, divaga y se queda totalmente aislado. Finalmente, consiguen matar a los Dioses (en la película además transcurre de manera literal) y no es casual la escena final que tanta polémica ha causado en la crítica. La orgía del supermercado puede también interpretarse como la liberación final de los antiguos preceptos morales. Y por supuesto, es la gracieta final, que utilizan los creadores de la obra poder reírse en la cara de todos aquellos que consideran el filme de “mal gusto”. Dicho esto, ¿Quiere decir que la película sigue paso por paso la doctrina Nitzscheana y qué solo puede verse siguiendo esta interpretación? Lo que queda claro después de haber visto el filme es que lo gamberro puede también esconder dentro de sí un espíritu adulto, y que no debe menospreciarse un filme por su aspecto superficial.
Aun así, la película tiene también deficiencias claras. Rizar el rizo continuamente acaba provocando también un agotamiento que puede notarse especialmente hacia la mitad del metraje, cuando las ideas se van agotando y la trama queda ciertamente embarullada. En ese momento, los guionistas no saben como hacer avanzar el metraje de forma fresca, y nos acabamos encontrando con un nudo rutinario y un tanto insulso. El destierro de nuestro protagonista por los diversos mundos puede acabar hartando, aunque en líneas generales nos encontramos con una simpática (para los que tienen una mente retorcida) cinta de animación.
https://neokunst.wordpress.com/2017/01/ ... chas-2016/
2-La fiesta de las salchichas-6
La sensación final después de ver Sausage Party (la fiesta de las salchichas, 2016) es de incredulidad absoluta. Uno no sabe cómo afrontar lo que ha presenciado. Aunque después de ver los créditos y comprobar quienes estaban involucrado en el proyecto, se comprende mucho más la gran broma que supone esta “simpática” cinta. Porque en muchas ocasiones oímos la etiqueta de película de animación “para adultos” pero sin duda, los hombres que crearon This is the End (Juerga hasta el fin, 2016) han tratado de llevar dicha expresión hasta unos nuevos límites.
Evan Goldberg, Seth Rogen, Jonah Hill son los responsables de la historia cómica que desarrollan los directores de animación Conrad Vernon y Greg Tiernan. Lo que nos encontramos en esta ocasión es una película que está muy cerca del mismo sentido del humor de Juerga hasta el fin, sólo que en esta ocasión los responsables han coqueteado con el género de animación. Pero la fórmula sigue siendo la misma: gamberrismo, guiños a la cultura popular, humor inteligente, negro y zafio (y tonto) combinado a la vez. El argumento no deja de ser el más propicio para que los guionistas puedan explayarse: En un tranquilo supermercado, los alimentos (que tienen vida al estilo Toy Story) celebran la llegada y la selección de los humanos (Dioses a los que adoran) de la comida, porque no saben que destino les aguarda. En esas, nuestros protagonistas (una salchicha y un panecillo de Hot dog) esperan ansiosamente el día en que por fin podrán estar juntos.
Como decía, el término de animación para adultos llega a su máxima cota. De hecho, gran parte de la gracia del filme radica precisamente en la ruptura de tabús que acomete el filme a cada minuto. Para empezar, el lenguaje que emplean los protagonistas está de lleno de palabras malsonantes (los motherfuckers están a la orden del día y parece que los guionistas ganan un dólar por cada vez que lo usan). Pero también nos encontramos con secuencias que podríamos calificar de violentas (teniendo en cuenta la violencia que se puede ejercer hacía una salchicha) y que en realidad forman parte de la gran broma que supone la fiesta de las salchichas. El gore produce más risa que asco, teniendo en cuenta las circunstancias en las que se producen dichas secuencias. Y por supuesto, y como hace implícitamente referencia el título, el sexo también tiene una carga importante en la película. La tiene directamente desde los protagonistas, que no dejan de ser obvios símbolos sexuales (masculino y femenino, una salchicha y un panecillo con forma de vagina), pasando por algunas secuencias que directamente nos presentan una orgía entre productos alimenticios. Incluso se presenta el lesbianismo, aunque no acaba de cuajar la cosa.
Pero también, es evidente que a un nivel muy simple, la película contiene una carga filosófica. Desde Platón a Nietzsche. Es obvio que el mito de la caverna de la Platón aparece representado en el filme (parecido a una manera similar como ocurría en otra película de animación, La Lego película) pero me gustaría hacer hincapié en la reflexión más Nietzscheana que hace la película, en concreto uno de los temas que el filósofo alemán legó a la posteridad (y que ha estado sobeteado y mal interpretado por doquier) como es el tema del súper hombre. Efectivamente, y aunque parezca mentira, nuestro protagonista es un súper hombre. O mejor dicho, una súper salchicha. En un primer momento, la película nos presenta una sociedad que cree en un Dios (o dioses, monta tanto tanto monta) y que acepta sus leyes. Dichas leyes están sujetas a un control estricto de la sexualidad y la moralidad (por ejemplo, nuestros protagonistas principales no pueden mantener contacto antes de la liberación, porque eso podría “enfadar a los dioses). Según la filosofía de Nietzsche, nos encontramos evidentemente ante un disfraz de la moral cristiana, que ata a la sociedad en una podredumbre moral. Pero la transición no es fácil. Como ya anticipaba el alemán, antes de poder dar el paso hacia el súper hombre, el que reniega de la religión se convertía entonces en la persona más triste sobre la tierra. Eso es exactamente lo que le sucede a nuestro protagonista principal, que una vez ha descubierto la cruda realidad, divaga y se queda totalmente aislado. Finalmente, consiguen matar a los Dioses (en la película además transcurre de manera literal) y no es casual la escena final que tanta polémica ha causado en la crítica. La orgía del supermercado puede también interpretarse como la liberación final de los antiguos preceptos morales. Y por supuesto, es la gracieta final, que utilizan los creadores de la obra poder reírse en la cara de todos aquellos que consideran el filme de “mal gusto”. Dicho esto, ¿Quiere decir que la película sigue paso por paso la doctrina Nitzscheana y qué solo puede verse siguiendo esta interpretación? Lo que queda claro después de haber visto el filme es que lo gamberro puede también esconder dentro de sí un espíritu adulto, y que no debe menospreciarse un filme por su aspecto superficial.
Aun así, la película tiene también deficiencias claras. Rizar el rizo continuamente acaba provocando también un agotamiento que puede notarse especialmente hacia la mitad del metraje, cuando las ideas se van agotando y la trama queda ciertamente embarullada. En ese momento, los guionistas no saben como hacer avanzar el metraje de forma fresca, y nos acabamos encontrando con un nudo rutinario y un tanto insulso. El destierro de nuestro protagonista por los diversos mundos puede acabar hartando, aunque en líneas generales nos encontramos con una simpática (para los que tienen una mente retorcida) cinta de animación.
https://neokunst.wordpress.com/2017/01/ ... chas-2016/
Dos películas para pasar el domingo. La primera, Toni Erdmann, de Maren Ade. Buena. Admite diferentes lecturas, desde la crítica económica y política (funcionamiento de las grandes empresas, inexistencia de lo social en los balances macroeconómicos, deshumanización provocada por el dinero y el poder) hasta las relaciones paterno-filiales (núcleo central de la película). Los actores están espléndidos, y el guión se desarrolla sin altibajos. Es más, la mezcla genérica funciona en todo momento: lo que empieza siendo un drama termina convirtiéndose en una comedia, la cual nos lleva de regreso al espacio del drama como ejercicio de la reconciliación familiar. La única pega, lo forzado que me resulta el último giro, cuando la protagonista estalla y se deja seducir por la forma de ver la vida que tiene su padre.
La segunda, Under the Shadow, de Babak Anvari. Inteligente cinta de terror de naturaleza mestiza. Lo que empieza pareciendo un drama social en la Irán de los últimos años de la guerra contra Iraq acaba convirtiéndose en un notable ejercicio de estilo. Ahí reside lo bueno, pero quizás también lo malo: lo genérico tarda mucho en irrumpir (cerca de 15 minutos), y solo lo hace de forma clara en la recta final de la película, estableciendo un pliegue argumental que quizás desarticula la historia. A destacar la lectura social del film -el horror dentro de casa, pero también fuera, en esa Irán definida por la Revolución Cultural. El plano del espejo funciona como metáfora perfecta de dicha dualidad-.
La segunda, Under the Shadow, de Babak Anvari. Inteligente cinta de terror de naturaleza mestiza. Lo que empieza pareciendo un drama social en la Irán de los últimos años de la guerra contra Iraq acaba convirtiéndose en un notable ejercicio de estilo. Ahí reside lo bueno, pero quizás también lo malo: lo genérico tarda mucho en irrumpir (cerca de 15 minutos), y solo lo hace de forma clara en la recta final de la película, estableciendo un pliegue argumental que quizás desarticula la historia. A destacar la lectura social del film -el horror dentro de casa, pero también fuera, en esa Irán definida por la Revolución Cultural. El plano del espejo funciona como metáfora perfecta de dicha dualidad-.
¿Habéis visto ya Silencio? A mi me ha gustado y es una película que va a gustar mucho a Remember CAI 
1.- Tropic Thunder (2008) Acción, comedia. 107 minutos. Dirigida por Ben Stiller. 5/10.
2.- Letters from Iwo Jima (2006). Bélica, historia, drama. 141 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 6/10.
3.- Escuadrón Suicida (Suicide Squad) 2016. Acción, comedia, superhéroes. 135 m. Dirigida por David Ayer. 7,5/10.
La vuelvo a ver, ahora en V.O. y la versión extendida con 12 minutos extra. Le subo un poco la nota porque varios personajes (entre ellos especialmente el Joker de Leto) ganan en V.O. (o mejor dicho, pierden doblados). Se confirma que metieron tijera y que la película gana más coherencia con el metraje total, pero sin llegar a los extremos del estropicio que hicieron los de Warner con BVS. Aquí la cosa mejora un poco, sobre todo porque desarrollan mejor las tramas de Harley Quinn-Joker y Deadshot-Rick Flag, pero tampoco es para tanto.
Salu2
2.- Letters from Iwo Jima (2006). Bélica, historia, drama. 141 minutos. Dirigida por Clint Eastwood. 6/10.
3.- Escuadrón Suicida (Suicide Squad) 2016. Acción, comedia, superhéroes. 135 m. Dirigida por David Ayer. 7,5/10.
La vuelvo a ver, ahora en V.O. y la versión extendida con 12 minutos extra. Le subo un poco la nota porque varios personajes (entre ellos especialmente el Joker de Leto) ganan en V.O. (o mejor dicho, pierden doblados). Se confirma que metieron tijera y que la película gana más coherencia con el metraje total, pero sin llegar a los extremos del estropicio que hicieron los de Warner con BVS. Aquí la cosa mejora un poco, sobre todo porque desarrollan mejor las tramas de Harley Quinn-Joker y Deadshot-Rick Flag, pero tampoco es para tanto.
Salu2
La Caverna del Murcielago. Reseñas de cine, series TV, cómics...
GRACIAS POR TODO. ENTRENADOR, MAMBA. NUNCA OS OLVIDAREMOS.
GRACIAS POR TODO. ENTRENADOR, MAMBA. NUNCA OS OLVIDAREMOS.
1 men in black 2 6
2 thor 7
3 capitan koblic 5
4 sunset song 4
5 inferno 7
6 la habitacion 9
7 tiburon 8
8 la sombra del poder 6
Bastante revisiones...pero es lo que hay
2 thor 7
3 capitan koblic 5
4 sunset song 4
5 inferno 7
6 la habitacion 9
7 tiburon 8
8 la sombra del poder 6
Bastante revisiones...pero es lo que hay
3. Fish: The Surfboard Documentary (Joseph Ryan, 2015) - 5: el modelo twin fish (tabla de dos quillas, corta, que tiene una cola que acaba en V invertida) merece un documental mucho mejor, más emocional que racional, más experimental que canónico. La tabla twin fish supuso una revolución en el surf, digamos que marcó el renacimiento del deporte y es madre directa del trifin actual, la shortboard de tres quillas que puebla todas las tiendas de cualquier destino surfero. A nivel histórico es interesante, pero poco más.
4. The Zone ( Jack Coleman, 2016) - 6,5: para ajenos al surf, posiblemente sea un vídeo musical de 50 minutos con fulanos de pelo sucio cogiendo olas. Para los enamorados del surf: un ejercicio de estilo, de pura heterodoxia. Una demostración más de que el surf es una forma de vida y de arte, adaptable a cualquier situación vital. Psicodelia, tablas imposibles, olas pornográficas y anarquistas del mar.
5. Divines (Houda Benyamina, 2016) - 5,5: la parte de drogas, thriller y denuncia social está a rebosar de lugares comunes, un pasteleo. La cosa mejora con el dibujo de la amistad entre las dos protagonistas y ya pega un petardazo con los encuentros/desencuentros entre Rebecca y el aspirante a bailarín. El no riesgo la lastra.
4. The Zone ( Jack Coleman, 2016) - 6,5: para ajenos al surf, posiblemente sea un vídeo musical de 50 minutos con fulanos de pelo sucio cogiendo olas. Para los enamorados del surf: un ejercicio de estilo, de pura heterodoxia. Una demostración más de que el surf es una forma de vida y de arte, adaptable a cualquier situación vital. Psicodelia, tablas imposibles, olas pornográficas y anarquistas del mar.
5. Divines (Houda Benyamina, 2016) - 5,5: la parte de drogas, thriller y denuncia social está a rebosar de lugares comunes, un pasteleo. La cosa mejora con el dibujo de la amistad entre las dos protagonistas y ya pega un petardazo con los encuentros/desencuentros entre Rebecca y el aspirante a bailarín. El no riesgo la lastra.
Un texto de Transit sobre The Neon Demon: http://cinentransit.com/el-cuerpo-sin-o ... eon-demon/
Se va agotando el tiempo para subirse al carro de NWR, jeiters. Luego no quiero lloros.
Se va agotando el tiempo para subirse al carro de NWR, jeiters. Luego no quiero lloros.
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guillermo2442
- Mensajes: 7349
- Registrado: 13 Ene 2008, 14:13
LSR escribió:Un texto de Transit sobre The Neon Demon: http://cinentransit.com/el-cuerpo-sin-o ... eon-demon/
Se va agotando el tiempo para subirse al carro de NWR, jeiters. Luego no quiero lloros.
Yo llevo subido desde la trilogía nórdica.
Ojo a los spoilers. Película tristemente olvidada, en parte por una pésima distribución. Irónico que fuera tildada de racista.
3-Perro Blanco-7
La última película norteamericana de Samuel Fuller, White dog (Perro blanco, 1982) es un golpe bastante impactante a una sociedad norteamericana imbuida de racismo. No es de extrañar que la película tuviera numerosos problemas para su estreno. De hecho, la película fue tildada de racista (ironía en su máximo esplendor) y fue estrenada internacionalmente en Francia. No fue hasta la década de los años 2000’s en que la película consiguió una distribución en formato DVD. Visto hoy en día no sorprende el revuelo causado, puesto que nos encontramos ante una película que rompe con cualquier tibieza posible, y que encara un tema que a día de hoy aún no está resuelto, mucho menos treinta años atrás. Por este motivo, nos encontramos ante un título bastante desconocido, también en España, puesto que la distribución internacional del filme ha sido pésima. Y eso, que hay un director reconocido detrás…
La película está basada en la obra literaria del francés Romain Gary, con el mismo título del filme. Durante una travesía en coche, una mujer que trabaja como actriz de cine (interpretada por Kristy McNichol) atropella a un precioso perro, puramente blanco. Como parece que nadie se hace cargo de dicho animal y viendo el terrible futuro que le espera, la actriz decide adoptarlo. Sin embargo, pronto se dará cuenta de que el animal ha sido domesticado para atacar a la gente de raza negra.
La inteligencia del filme la encontramos en el toque de Fuller. En otro director, probablemente la película se habría convertido en una especie de Cujo (Cujo, 1983; rodada precisamente sólo un año más tarde que Perro Blanco, ¿Casualidad?) es decir, en una mera excusa para presentarnos secuencias de acción y terror consistentes en tener a nuestro perro blanco devorando todo a su paso. Sin embargo, Fuller le otorga otro valor a la cinta. Las metáforas del filme convierten la obra en un duro alegato contra el racismo. El Perro blanco no deja de ser una alusión a una sociedad que ha crecido con el odio en su interior, y que es incapaz de borrar dicho odio, porque lo lleva incrustado prácticamente en su genética. Inteligentemente, hacia la mitad de la película el guion del filme traspasará el protagonismo humano (porque Perro Blanco no es una película de personajes, sino más bien una disección de arte y ensayo que sin embargo tiene muy claro que el entretenimiento es un pilar fundamental) de la actriz que interpreta McNichol al personaje afroamericano que interpreta Paul Windfield, que es un educador de animales y que pretende reeducar al animal para que deje de atacar a los negros.
La película adopta pues un rumbo diferente en la segunda parte, de la que se sirve el cineasta para diseccionar unos miedos que son en realidad los mismos que azotaban a la sociedad americana de los años ochenta. ¿Es posible detener el odio? ¿Es posible reinvertir un proceso histórico como el que ha llevado a la sociedad americana a mantener unas relaciones de odio con una parte de sus propios habitantes? Las secuencias de la reeducación están magistralmente rodadas y son sin duda alguna los puntos más álgidos del filme (tanto el actor como el animal parecen conectar de una manera mágica). La lucha entre la bestia y el hombre (entre la civilización y la barbarie) parece que tienen un final feliz, que sin embargo se trata de una ilusión (y aquí Fuller rompe con la obra literaria original). A pesar de que nuestro animal ha podido curarse en su manía contra la raza negra, el odio es superior y ataca indistintamente a otra persona. Fuller es conciso y pesimista hasta la extenuación, una vez se ha iniciado el proceso de la educación hacía odiar al semejante, esta no se puede detener. ¿Significa entonces, qué sólo podemos cortar de raíz?
La escena clave, o por lo menos el clímax más potente de la película es el definitivo encuentro de la protagonista con el auténtico propietario del perro. Durante toda la película, desde que somos conocedores de que el perro ha sido adiestrado como una arma de ataque contra los negros, se cierne una sombra oscura que inteligentemente Fuller y el guion del filme tratan de ocultar. Sin embargo, siempre se respira en el ambiente de la película el posible propietario. ¿Quién sería capaz de un acto tan criminal como pervertir la belleza de un animal tan noble? No somos capaces de olvidarnos, puesto que además aparece numerosamente citado (como es obvio) por los personajes del filme. Así que cuando aparece, realmente el efecto es devastador, tanto para la protagonista como para el espectador. La concepción de que el auténtico criminal es un aparente anciano que además está acompañado de sus dos nietas resulta demoledora. Hasta la imagen aparentemente más enternecedora puede resultar ser un criminal. Las apariencias son sólo eso, apariencias. La belleza de las dos nietas es comparable a la del perro blanco, que sin embargo guardaba tanta violencia en su interior.
Como nota obligatoria, la banda sonora la firma Ennio Morricone, y ello se nota. Nada más empezar el filme somos testigos de dicho hecho, cuando una potente melodía nos introduce en la película. Entonces, y sin saber quién había realizado la música, uno ya se da cuenta que se encuentra ante una potente y magnética composición. El leimotiv de la película se irá repitiendo y conseguirá crear una atmósfera perfecta, que navega entre el terror y el drama (sin tomar partido por ninguno de los dos géneros).
LSR escribió:Un texto de Transit sobre The Neon Demon: http://cinentransit.com/el-cuerpo-sin-o ... eon-demon/
Se va agotando el tiempo para subirse al carro de NWR, jeiters. Luego no quiero lloros.
http://sensesofcinema.com/2017/world-po ... part-2/#34
http://sensesofcinema.com/2017/world-po ... -part-5/#4
http://sensesofcinema.com/2017/world-po ... -part-1/#2
Déjate de polladas y vete mirando estas, anda.
PD: Y conste que me gustó The Neon Demon y que es con Carol de los hypeos con un mínimo de lógica que ha habido en este año. Lo de Toñi Erdmann va a dar para risas.
No sabía que Melanie Laurent adaptaba Galveston. No sé qué pensar.
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remember CAI
- Mensajes: 6603
- Registrado: 06 Abr 2002, 10:04
- Ubicación: En las trincheras
SILENCE. - 8,25. Razón lleva, una vez más, ese certero azote de pedantes qués Boyero, cuando asevera que Scorsese muévese mejor en ambientes tensos, de violencia descarnada o avaricia compulsiva, que en escenarios introspectivos. De una peli del maestro neoyorquino puedes esperar virtuosismo técnico, que lo Make, y producción Fina, que también. Hay escenas sugestivas, como la inicial, rodada con gusto, un tono estético admirable, y hay muy buenas intenciones. Lamentablemente su fama le precede, y uno esperaría ritmo, bravado, burbujas y se encuentra con reflexiones espirituales que a fuer de repetidas, resultan cansas. Es dificil conjugar cine con sesuda dialéctica pero hay quien hasta lo ha conseguido y Scorsese no logra que su camara vibre al son de su narración. Tampoco hay tino en la elección de actores. Garfield no da la talla ( Neeson se lo come) y uno ha de hallar perlas tespianas en el reverso nipón del elenco ( excepcionales Asano y Ogata, los mas escorsesianos de los personajes, por esa fina y salvaje sonrisa -lobuna- con la que se abandonan a sus perversiones). Desde luego película recomendable, bella y triste, siempre que se esquiven horarios de sobremesa proclives a la modorra.
[img]http://i29.tinypic.com/2mebaq0.jpg[/img]
[url]http://www.solobasket.com/blogs/remember/b-8.html[/url]
[url]http://www.solobasket.com/blogs/remember/b-8.html[/url]
Acabo de revisionar en versión restaurada La belle et la bête, de Jean Cocteau. En el encabezado Cocteau nos pide ser, como espectadores, tan ingenuos como un niño, haciendo nuestras las palabras que suelen encabezar los cuentos: il était une fois... La película es, desde el punto de vista de la puesta en escena, una maravilla. El diseño de los interiores del castillo de Bestia, así como la imaginería aplicada a los objetos, es pura delicia visual: mezcla de lo onírico y lo clásico en perfecto equilibrio. Puede chocar la tendencia de los actores a la sobreactuación en el recitado, pero esto forma parte de una manera de entender la construcción del relato, que no deja de ser un cuento narratológicamente sencillo -aunque simbólicamente complejo-. La he disfrutado, nuevamente, y mucho.
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antonio1004
- Mensajes: 33672
- Registrado: 15 Mar 2003, 11:08
Me olvidé de compartir con vosotros el clásico vídeo del TOP 20 con las mejores películas estrenadas en España para Revista Magnolia.
Espero que os guste. Podemos debatir el listado cuando queráis, a mí hay varias presencia que no me convencen, pero en general creo que el resultado es muy coherente con nuestra línea y con lo que considero el cine contemporáneo, al menos dentro de los estrictos márgenes de la distribución en nuestro país, con una sensibilidad muy marcada y sin grandes ausencias. La semana que viene publicamos el de cine español, que del vídeo me encargo yo, por lo que será bastante peor
http://revistamagnolia.es/2017/01/lo-me ... 16-top-20/
Espero que os guste. Podemos debatir el listado cuando queráis, a mí hay varias presencia que no me convencen, pero en general creo que el resultado es muy coherente con nuestra línea y con lo que considero el cine contemporáneo, al menos dentro de los estrictos márgenes de la distribución en nuestro país, con una sensibilidad muy marcada y sin grandes ausencias. La semana que viene publicamos el de cine español, que del vídeo me encargo yo, por lo que será bastante peor
http://revistamagnolia.es/2017/01/lo-me ... 16-top-20/
Spoiler :
Uffff...
Bueno, algo es algo. Que Caballo Dinero y La venganza de una mujer estén ahí está bien, supongo.
Bueno, algo es algo. Que Caballo Dinero y La venganza de una mujer estén ahí está bien, supongo.
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