Netflix en cosa de un mes han pillado no solo The Irishman, sino también War Party (de Andrew Dominik, con Tom Hardy) y The other side of the wind (peli incompleta de Orson Welles con John Huston y Peter Bogdanovic que lleva años intentando ser terminada).
Y durante ese mes han presentado trailers de pelis protagonizadas por Will Smith o Brad Pitt.
O tienen también la próxima peli de Duncan Jones también para este año.
Vamos, que viendo las pelis "Netflix Originals" que venían sacando hasta ahora, me parece obvia la apuesta que están haciendo por productos interesantes sobre el papel. Otra cosa es que sigan sacando morralla para adolescentes a punta pala, claro.
Contador de películas 2017
La vida al margen del deporte (la hay)
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arfredo escribió:Netflix en cosa de un mes han pillado no solo The Irishman, sino también War Party (de Andrew Dominik, con Tom Hardy) y The other side of the wind (peli incompleta de Orson Welles con John Huston y Peter Bogdanovic que lleva años intentando ser terminada).
Y durante ese mes han presentado trailers de pelis protagonizadas por Will Smith o Brad Pitt.
O tienen también la próxima peli de Duncan Jones también para este año.
Vamos, que viendo las pelis "Netflix Originals" que venían sacando hasta ahora, me parece obvia la apuesta que están haciendo por productos interesantes sobre el papel. Otra cosa es que sigan sacando morralla para adolescentes a punta pala, claro.
Cierto, la de Welles. Tiene buena pinta.
La pregunta ahora es quién tendrá los huevos de coger el Napoleón de Kubrick.
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Hermano Mouzone
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- Registrado: 14 May 2015, 04:54
Bundy escribió:
La pregunta ahora es quién tendrá los huevos de coger el Napoleón de Kubrick.
Denis Villeneuve. Es el reto que le falta.
Si pasa, está claro que es chupito asegurado...uno detrás de otro, digo.
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Hermano Mouzone
- Mensajes: 4978
- Registrado: 14 May 2015, 04:54
El Napoleón de Kubrick ya está contenido en Barry Lyndon. No tiene mucho sentido remover ese proyecto.
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guillermo2442
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- Registrado: 13 Ene 2008, 14:13
Las películas de Netflix están muy bien sobre el papel, apuestan por géneros "frikis" porque saben que tienen ahí un nicho importante (la mayoría de sus suscritores), pero de cine alternativo, hasta lo visto, poquito.
32-Rogue One: Una historia de Star Wars-4
Dantesco espectáculo el que nos ofrece la última película basada en el universo de Star Wars (una saga moribunda artísticamente hablando, que se levanta como los zombies cada poco tiempo para remover los bolsillos de los espectadores) Rogue One: A star wars story (Rogue One: Una historia de Star Wars, 2016) Una película sin alma con el único propósito de hacer dinero. A pesar de que en parte se puede exculpar a su director, Gareth Edwards (la productora puso la tijera y se recortaron varias escenas) pero no es menos cierto que la película es un absoluto desastre.
Y eso, que parece que la película empieza bien, con algo que contar. El flashback nos introduce a la protagonista principal, e incluso se disfrutan las raíces westerniananas de las que hace gala la primera secuencia (de las mismas de las que bebe Malditos bastardos, con quien también la podemos comparar). Sabemos lo justo y necesario del personaje que interpreta (en prácticamente todo el metraje, exceptuando esta secuencia inicial) Felicity Adams. Sin embargo, no es más que un espejismo. La lírica de las primeras secuencias se convierte en cuestión de minutos en una montaña rusa de efectos especiales y guiños al universo Star Wars. Pronto, nos encontraremos con un fan service totalmente descarado, que lo único que pretende es vender, a costa de sacrificar lo que podría haber sido una historia más adulta (por momentos parece que se va a abandonar el tono Disney, pero en el fondo la película es igual de adulta que lo que eran los filmes de Lucas). Ver Rogue One es lo mismo que ver pintarse la pared de una casa, la más pura intrascendencia.
Una película de acción, que parece más destinada a promocionar algunos videojuegos de la propia franquicia de Lucas que no a establecer una historia. La película se podría haber contado perfectamente en treinta minutos. Puedo llegar a entender a todos aquellos entusiastas que gozaron de las escenas de acción, pero les remito a que vean la película tranquilamente en casa y la analicen con frialdad. Continua sucesión de tiroteos donde la pirotecnia se impone por encima de cualquier otro propósito. Por este motivo, importa poquísimo lo que le pase a los protagonistas. Que mueran o no nos produce la misma sensación que el fallecimiento de un enésimo stormtrooper (por no hablar de que el propio guión no es demasiado sutil en ocultar el futuro de los protagonistas). No existe el carisma, y la protagonista no tiene ni punto de comparación con la potencia del protagonista femenino de SW VIII. Si hago la pregunta…¿De qué va la película? Nadie sera capaz de responder. Hay tiros, bombardeos, algo de fuerza por aquí, referencias (obvisimas, incluso para alguien que no es un auténtico fanático, pero hasta yo recuerdo a los dos de la cantina de la primera entrega) pero no hay una auténtica historia detrás. Al servicio del fan como decíamos, con escenas tan innecesarias como la aparición de Darth Vader, que lo único que pretende es buscar el aplauso fácil (quizá la última secuencia esté algo más justificada).
Pero si ya no entiendo el Hype, lo que aún menos puedo entender es como un auténtico seguidor de la saga es capaz de aceptar el sacrilegio que se comete con Peter Cushing. Porque ya no estamos hablando de cine o no, estamos hablando de pura ética. ¿Cómo se puede faltar el respeto a la memoria de una persona de esta manera? Bueno, la respuesta es sencilla, dinero. Auténtica aberración, que además abre una puerta para futuras obras (con la propia saga ya se ha dicho que con Carrie Fisher no se haría, claro el cuerpo parece que está aún caliente…Pero…¿Qué diferencia hay?).
¿Qué las secuencias de acción están bien rodadas? Sí, era lo mínimo que se le podía exigir a la película. Pero muy lejos queda la magia de las películas originales. Si el episodio VIII era una reimpresión fotograma a fotograma del episodio V, en esta nos encontramos con una película dedicada por entero al género de acción, que se limita a conectar diversas secuencias de acción sin más. Y eso que apuntaba maneras, puesto que el director parecía un tipo bastante interesante este género, pero o bien no le han dejado actuar con total libertad, o bien el proyecto le ha sobrepasado.
32-Rogue One: Una historia de Star Wars-4
Dantesco espectáculo el que nos ofrece la última película basada en el universo de Star Wars (una saga moribunda artísticamente hablando, que se levanta como los zombies cada poco tiempo para remover los bolsillos de los espectadores) Rogue One: A star wars story (Rogue One: Una historia de Star Wars, 2016) Una película sin alma con el único propósito de hacer dinero. A pesar de que en parte se puede exculpar a su director, Gareth Edwards (la productora puso la tijera y se recortaron varias escenas) pero no es menos cierto que la película es un absoluto desastre.
Y eso, que parece que la película empieza bien, con algo que contar. El flashback nos introduce a la protagonista principal, e incluso se disfrutan las raíces westerniananas de las que hace gala la primera secuencia (de las mismas de las que bebe Malditos bastardos, con quien también la podemos comparar). Sabemos lo justo y necesario del personaje que interpreta (en prácticamente todo el metraje, exceptuando esta secuencia inicial) Felicity Adams. Sin embargo, no es más que un espejismo. La lírica de las primeras secuencias se convierte en cuestión de minutos en una montaña rusa de efectos especiales y guiños al universo Star Wars. Pronto, nos encontraremos con un fan service totalmente descarado, que lo único que pretende es vender, a costa de sacrificar lo que podría haber sido una historia más adulta (por momentos parece que se va a abandonar el tono Disney, pero en el fondo la película es igual de adulta que lo que eran los filmes de Lucas). Ver Rogue One es lo mismo que ver pintarse la pared de una casa, la más pura intrascendencia.
Una película de acción, que parece más destinada a promocionar algunos videojuegos de la propia franquicia de Lucas que no a establecer una historia. La película se podría haber contado perfectamente en treinta minutos. Puedo llegar a entender a todos aquellos entusiastas que gozaron de las escenas de acción, pero les remito a que vean la película tranquilamente en casa y la analicen con frialdad. Continua sucesión de tiroteos donde la pirotecnia se impone por encima de cualquier otro propósito. Por este motivo, importa poquísimo lo que le pase a los protagonistas. Que mueran o no nos produce la misma sensación que el fallecimiento de un enésimo stormtrooper (por no hablar de que el propio guión no es demasiado sutil en ocultar el futuro de los protagonistas). No existe el carisma, y la protagonista no tiene ni punto de comparación con la potencia del protagonista femenino de SW VIII. Si hago la pregunta…¿De qué va la película? Nadie sera capaz de responder. Hay tiros, bombardeos, algo de fuerza por aquí, referencias (obvisimas, incluso para alguien que no es un auténtico fanático, pero hasta yo recuerdo a los dos de la cantina de la primera entrega) pero no hay una auténtica historia detrás. Al servicio del fan como decíamos, con escenas tan innecesarias como la aparición de Darth Vader, que lo único que pretende es buscar el aplauso fácil (quizá la última secuencia esté algo más justificada).
Pero si ya no entiendo el Hype, lo que aún menos puedo entender es como un auténtico seguidor de la saga es capaz de aceptar el sacrilegio que se comete con Peter Cushing. Porque ya no estamos hablando de cine o no, estamos hablando de pura ética. ¿Cómo se puede faltar el respeto a la memoria de una persona de esta manera? Bueno, la respuesta es sencilla, dinero. Auténtica aberración, que además abre una puerta para futuras obras (con la propia saga ya se ha dicho que con Carrie Fisher no se haría, claro el cuerpo parece que está aún caliente…Pero…¿Qué diferencia hay?).
¿Qué las secuencias de acción están bien rodadas? Sí, era lo mínimo que se le podía exigir a la película. Pero muy lejos queda la magia de las películas originales. Si el episodio VIII era una reimpresión fotograma a fotograma del episodio V, en esta nos encontramos con una película dedicada por entero al género de acción, que se limita a conectar diversas secuencias de acción sin más. Y eso que apuntaba maneras, puesto que el director parecía un tipo bastante interesante este género, pero o bien no le han dejado actuar con total libertad, o bien el proyecto le ha sobrepasado.
Olvídate de cine alternativo. Lo que quiere Netflix es hacer (semi)blockbusters. Consecuencias de la deseducación de la mirada y tal (y ya ni hablo de cine, hablo de arte).
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guillermo2442
- Mensajes: 7349
- Registrado: 13 Ene 2008, 14:13
Perdón. Más que alternativo, me refiero a cine de género bien hecho.
Acabo de oír a Alex de la Iglesia decir que las películas que dan tiempo a pensar son malas por ello, y que las que no permiten pensamientos durante el visionado son las buenas. Que le aburren la mayoría de pelis. Creo que le deja en mal lugar ese comentario, convierte sus propias limitaciones en una norma para salvaguardar su cine.
hoeman escribió:Acabo de oír a Alex de la Iglesia decir que las películas que dan tiempo a pensar son malas por ello, y que las que no permiten pensamientos durante el visionado son las buenas. Que le aburren la mayoría de pelis. Creo que le deja en mal lugar ese comentario, convierte sus propias limitaciones en una norma para salvaguardar su cine.
Yo tampoco haría mucho caso a Álex de la Iglesia. La declaración desde luego es un retrato bastante horrible de cierta parte de la industria.
Más que nada, el que queda retratado es él. Pero no sorprende excesivamente.
La última frontera
Engrudo escribió:Más que nada, el que queda retratado es él. Pero no sorprende excesivamente.
También, también, y encima ambas. De hecho, ayer vi un vídeo de un amigo mío del pueblo que fue a ver su pase, y hubo una frase que me explotó la cabeza que decía que "es mejor no tener nada claro, porque en cuanto lo tienes claro, es que tienes problemas". Esa frase es horrenda, e incluso la primera mitad para ser quien es seguiría siendo horrenda (otra cosa es Hong Sang-Soo, pero De la Iglesia, que ha trabajado siempre con un guion bajo el brazo...no jodamos
).El viajante (óscar a película de habla no inglesa) me ha gustado bastante.
Farhadi utiliza la mentira, las pertenencias materiales y una obra de teatro para trabajar sobre el hilo conductor. Va claramente de menos a más, me satisface bastante el suspense que logra con situaciones simples y con pocos elementos. Es una película de leer bastante entre líneas. Un retrato turbador de humillación y venganza.
Farhadi utiliza la mentira, las pertenencias materiales y una obra de teatro para trabajar sobre el hilo conductor. Va claramente de menos a más, me satisface bastante el suspense que logra con situaciones simples y con pocos elementos. Es una película de leer bastante entre líneas. Un retrato turbador de humillación y venganza.
37.-El facinante mundo de El Bosco
Aquí supongo que se puede plantear un debate interesante, porque es un sitio donde meo fuera de tiesto, pero allá van mis impresiones.
Personalmente, no entiendo por qué ciertas cosas se emiten en el cine. No hablo de productos que son una basura, sino de la nueva moda de poner ballet, opera y arte de cara al público sin un añadido extra. Por ejemplo, en el caso de las dos primeras, puedes comprenderlo porque te venden la mejor escuela de danza del mundo y te la muestran interpretando El Cascanueces, pero ¿qué virtud tiene una película que funciona como documental con un valor estético y artístico nulo? ¿De qué sirve emitir todo esto más allá de su valor didáctico y cobrar lucro por ello, cuando perfectamente se puede emitir por televisión como todos los documentales de la 2 y de Canal Historia?
Estas preguntas son parte crítica y parte analítica de por qué se ha llegado esto y de si realmente está atrayendo a las masas, haciendo como de poner la alta cultura a las manos de la baja cultura/pueblo (ja, ja, ja), pero creo que el formato audiovisual debería servir a mi juicio más que como un evento para aprovecharse de cierto tema y presentarlo al gran público. No dudo de las buenas intenciones que hay detrás, pero soy incapaz de comprender qué valor tiene esto en una sala de cine más allá del evento.
Le doy un 1.
Por cierto, voy a ver si puedo ver la última de Kaurismaki y "Lo tuyo y tú". La segunda la vi y la recuerdo muy bien, aunque tengo serias dudas sobre si esa es mejor que "Right Now, Wrong Then" o no. También veré dos películas de Ado Arrietta.
Aquí supongo que se puede plantear un debate interesante, porque es un sitio donde meo fuera de tiesto, pero allá van mis impresiones.
Personalmente, no entiendo por qué ciertas cosas se emiten en el cine. No hablo de productos que son una basura, sino de la nueva moda de poner ballet, opera y arte de cara al público sin un añadido extra. Por ejemplo, en el caso de las dos primeras, puedes comprenderlo porque te venden la mejor escuela de danza del mundo y te la muestran interpretando El Cascanueces, pero ¿qué virtud tiene una película que funciona como documental con un valor estético y artístico nulo? ¿De qué sirve emitir todo esto más allá de su valor didáctico y cobrar lucro por ello, cuando perfectamente se puede emitir por televisión como todos los documentales de la 2 y de Canal Historia?
Estas preguntas son parte crítica y parte analítica de por qué se ha llegado esto y de si realmente está atrayendo a las masas, haciendo como de poner la alta cultura a las manos de la baja cultura/pueblo (ja, ja, ja), pero creo que el formato audiovisual debería servir a mi juicio más que como un evento para aprovecharse de cierto tema y presentarlo al gran público. No dudo de las buenas intenciones que hay detrás, pero soy incapaz de comprender qué valor tiene esto en una sala de cine más allá del evento.
Le doy un 1.
Por cierto, voy a ver si puedo ver la última de Kaurismaki y "Lo tuyo y tú". La segunda la vi y la recuerdo muy bien, aunque tengo serias dudas sobre si esa es mejor que "Right Now, Wrong Then" o no. También veré dos películas de Ado Arrietta.
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guillermo2442
- Mensajes: 7349
- Registrado: 13 Ene 2008, 14:13
Solo con que se filmarán los cuadros del Bosco ya valdría la pena la entrada, paleto otaku.
Con cariño. Me ha picado el gusanillo, quizá la veo.
Con cariño. Me ha picado el gusanillo, quizá la veo.
guillermo2442 escribió:Solo con que se filmarán los cuadros del Bosco ya valdría la pena la entrada, paleto otaku.
Con cariño. Me ha picado el gusanillo, quizá la veo.
Entiendo ese valor didáctico, pero como valor cinematográfico es nulo. A eso me refiero: es más una promoción publicitaria que no un "Francofonía" o un "National Gallery".
Es un tema muy interesante. Si el cine tiene cada vez más problemas para llevar a la gente a las salas es normal que se busque otro tipo de propuestas.
Si además esas propuestas vienen de espacios que precisamente son los que le quitan espectadores al cine, es justicia poética.
Luego, el tema de cuándo un documental es película o no por el valor cinematográfico, pues hay siempre una serie de grados y de apreciación personal, imagino. Yo por ejemplo, siempre que tengo que hacer una lista de mis 50-60 películas favoritas de la historia meto siempre el Stop Making Sense de Jonathan Demme, que no es más que un concierto filmado de los Talking Heads...
En cualquier caso, ese tipo de propuestas no te las venden como "cine", sino como otra cosa. Suelen ser proyecciones muy concretas y específicas que promocionan como algo que no es una película, en realidad. No veo mucho problema, en realidad, en ofrecer productos "no cinematográficos" en el cine como complementos muy concretos.
Si además esas propuestas vienen de espacios que precisamente son los que le quitan espectadores al cine, es justicia poética.
Luego, el tema de cuándo un documental es película o no por el valor cinematográfico, pues hay siempre una serie de grados y de apreciación personal, imagino. Yo por ejemplo, siempre que tengo que hacer una lista de mis 50-60 películas favoritas de la historia meto siempre el Stop Making Sense de Jonathan Demme, que no es más que un concierto filmado de los Talking Heads...
En cualquier caso, ese tipo de propuestas no te las venden como "cine", sino como otra cosa. Suelen ser proyecciones muy concretas y específicas que promocionan como algo que no es una película, en realidad. No veo mucho problema, en realidad, en ofrecer productos "no cinematográficos" en el cine como complementos muy concretos.
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134. Der Hauptmann von Köln (Slatan Dudow, 1956) - 6,5
Una sátira propagandística de Alemania Oriental sobre un camarero en paro que es confundido por un capitán en un reunión de ex-combatientes... en la RFA, claro. Con mucho humor y mala leche, la película denuncia la tolerancia con los criminales de guerra y con todas esas élites político-económicas que se beneficiaron del nazismo y que seguían ejerciendo su poder e influencia posteriormente en la parte capitalista de Alemania.
135. Pimpinela Smith (Leslie Howard, 1941) - 6,5
Más propaganda, en este caso británica durante la Segunda Guerra Mundial, a través de una historia con héroe, un profesor y arqueólogo muy despistado en apariencia, pero un genio burlando la vigilancia nazi para rescatar a personas relevantes de las garras del Tercer Reich en vísperas del conflicto bélico. También con villanos, unos oficiales nazis bastante patanes, en alguna medida los tontos útiles de la función. Porque en esencia se trata de una comedia, que rehuye la crueldad y se recrea en los elementos más lúdicos, también románticos, de la función. Está además servida con ligereza y gracia, con inesperado oficio por que Howard infinitamente más conocido como actor que como director.
136. Sunday Drivers (Gerhard Klein, 1963) - 6
Otra comedia de Alemania del Este con elementos satíricos, que explora la paranoia de unas personas que quieren huir del país convencidas de que está a punto de estallar una guerra. Por supuesto se les adorna con variadas cualidades negativas, aunque se huye de la grosería, en vivo contraste con los dos inadvertidos jóvenes que les acompañan (en el cine socialista los jóvenes suelen ser elementos positivos). La paranoia se extiende a lo que es un estado policial, lo cual sí que resulta un tanto inquietante, e igualmente esa dificultad que se muestra en la película para desplazarse dentro del propio país resulta todo menos idílica.
137. Almas en la hoguera (Henry King, 1949) - 7,5
Un film bélico que celebra patrióticamente el heroico sacrificio de los pilotos estadounidenses ayudando a Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial, con una galería de personajes casi sin mácula, pero que sabe generar un conflicto humano interesante. Todo ello viene servido por King con una elegancia excepcional y un notable trabajo de puesta en escena. La emoción de la historia y los personajes se concreta en silencio, en pequeños gestos, y no en discursos o estallidos sentimentales. Igual que su protagonista, el general Savage, mantiene ese rostro inflexible y casi impenetrable para sus subordinados, a pesar de su trasfondo profundamente humano. Se agradece que sólo haya una escena bélica, para la que felizmente se recurre a imágenes documentales. La calidad en la dirección de King, de una sencillez que no excluye un alto grado de refinamiento, ya se percibe desde la escena inicial, cuando uno de los personajes acude tras la guerra a la abandonada pista de aterrizaje donde estaba situada la base, y se oye un ruido de motor y una ráfaga de viento mientras la cámara se mueve hacia el vacío para introducir el largo flash-back que vamos a ver.
138. Morituri (Eugen York, 1948) - 7,5
La historia de un grupo de prisioneros que se escapa de un campo de concentración y va a parar a un pequeño campamento de prófugos escondido en un bosque daba para una obra sobre la opresión y el sufrimiento. Son elementos presentes, por supuesto, también su apuesta por el entendimiento y la justicia, pero su gran particularidad estriba en una atmósfera irreal, casi como de cuento. Se debe en buena medida a su fascinante trabajo con la luz, a los mágicos claroscuros nocturnos, a las brumas matinales, a las penumbras boscosas, que parecen más propios del fantástico. También a la sucesión de escenas, cerradas con premura, que funden a negro como si se escapasen por entre los dedos antes de haber podido fijarlas, reforzando esa sutil vena onírica que las recorre.
139. Crudo (Julia Ducournau, 2016) - 4
Heterodoxa historia de transformación y pérdida de inocencia, su protagonista recién ingresada en la facultad de veterinaria es vegetariana pero, tras sufrir una novatada, comienza a sentir un impulso irresistible por la carne, cruda y humana a ser posible. Hay un evidente proceso de animalización en su periplo, en un entorno eminentemente hostil, e igualmente es imposible no asociar su proceso con la drogadicción. Ducournau apuesta por una planificación (de distancia) corta, epidémica, jugueteando con el gore en algún momento, buscando el malestar del espectador. A mí me cuesta disfrutar de una película que muestra tanta crueldad estúpida (las novatadas), demasiado efectista en sus maneras, y además culminada de manera tan tópica.
140. Der Mann, der seinen Mörder sucht (Robert Siodmak, 1931) - 5,5
El argumento de esta comedia sonará familiar a quienes hayan visto Contraté un asesino a sueldo de Kaurismäki: un hombre incapaz de suicidarse decide aprovechar la presencia de un ladrón en su casa para contratarle para que le mate. El arranque es muy prometedor, pero se desinfla entre gags de corto alcance y efectos sonoros bastante cutres. También es verdad que sólo sobrevive una hora escasa del metraje original de hora y media, y seguramente se ha perdido profundidad y detalle en las relaciones entre los personajes. Visualmente se adivina la influencia expresionista, que le da un cierto atractivo estético, pero no termina de levantar el resultado final.
141. Tenpô rokkasen - Jigoku no hanamichi (Masahiro Makino, 1960) - 6,5
La venganza vuelve a ocupar un papel relevante en este chambara de Makino, una de las líneas narrativas que se despliegan alrededor de un hábil, astuto y bonachón samurái, otro de esos héroes de buen humor que tan bien casan con el tono y ritmo habitual del autor. Así todo la película adquiere bastante gravedad en su último tercio, y de hecho me da la impresión de que su ritmo se empantana un poco, pero no termina sin ofrecernos un esplendoroso plano final como culminación, una especie de promesa épica fuera de metraje, para un director que huye de ella de manera natural.
142. Fräulein Else (Paul Czinner, 1929) - 6
Adaptación del relato homónimo de Arthur Schnitzler, se trata de un drama familiar y personal, que se desata cuando una familia lo pierde todo en bolsa y suplican a la hija, de vacaciones alpinas, que interceda por ellos pidiendo dinero a un acomodado conocido. Todavía dentro del mudo, obvia e inevitablemente se pierde gran parte de la riqueza psicológica del original, y el film tampoco destaca en demasía por su puesta en escena. Es un trabajo solvente, con momentos curiosos como el viaje en tren hacia las montañas, y es que la película tiene a bien respetar los escenarios naturales. Como curiosidad, se estrenó unos meses antes del crack del 29, así que vista hoy en día se le puede considerar quizás anticipatoria.
143. Deutschland bleiche Mutter (Helma Sanders-Brahms, 1980) - 6,5
La tragedia bélica, física y psicológica, sus heridas y la herencia emocional que acarrea, se reflejan en este film de retaguardia que cuenta la relación de una pareja a través de la narración en off de su hija, todavía nonata al comienzo del metraje. Entiendo que su directora quiere expresar que nadie es indeleble al nazismo y a una guerra, aunque haya pasado por ambos sin significarse políticamente ni sufrir heridas físicas, y especialmente para las mujeres que no combatieron pero tuvieron que sufrir las múltiples consecuencias del conflicto bélico. Para ello utiliza una puesta en escena en la que predomina la planificación corta y los planos de larga duración, en aras de una correspondencia visual con la voluntad de introspección sobre los personajes.
144. India Song (Marguerite Duras, 1975) - 6,5
Lo primero que llama la atención de esta obra de la escritora y realizadora Marguerite Duras, primera que veo, es su dispositivo estético. También es la primera barrera a superar. Es un film exclusivamente de voces en off que visualmente tiende al estatismo, con planos principalmente generales, bien fijos o que se mueven en suaves panorámicas. Los personajes se mueven por la pantalla lentamente, como zombis, todo ello muy a propósito de lo que quiere contarnos el film, el estancamiento y vacío vital de una serie de diplomáticos europeos en la India de los años 30, especialmente la mujer del embajador, que intenta paliar su hastío vital acumulando amantes. Son además exponentes del colonialismo, privilegiados en tierra ajena viviendo en una burbuja entre miseria y opresión, extraños al ambiente, a las propias condiciones climáticas, que quizás corrompen su espíritu como esa lepra que se menciona varias veces es susceptible de corromper sus cuerpos. Seguramente por la novedad que para mí supone la propuesta, me ha costado mucho entrar en ella, pero poco a poco se va filtrando un evocador poso de melancolía, que se hace intenso en el último y espléndido tramo del film, que se proyecta hacia el misterio y el vacío.
145. El autoestopista (Ida Lupino, 1953) - 7
Pionera del cine negro, Lupino concibe una historia exclusivamente masculina, de planteamiento sencillo y esencial, de maneras directas y eficaces. Un criminal metido en una espiral de robos y asesinatos haciendo autoestop es recogido por dos amigos que de escursión en México. Las cartas se ponen boca arriba desde el principio y en poco más de una hora asistimos al enfrentamiento emocional entre víctimas y verdugo. Más preocupado por la acción física que por la exploración psicológica, el film da volumen a sus tres personajes principales y utiliza muy bien el paisaje, los elementos geográficos, dentro de esta road movie hacia ninguna parte.
Un saludo.
Una sátira propagandística de Alemania Oriental sobre un camarero en paro que es confundido por un capitán en un reunión de ex-combatientes... en la RFA, claro. Con mucho humor y mala leche, la película denuncia la tolerancia con los criminales de guerra y con todas esas élites político-económicas que se beneficiaron del nazismo y que seguían ejerciendo su poder e influencia posteriormente en la parte capitalista de Alemania.
135. Pimpinela Smith (Leslie Howard, 1941) - 6,5
Más propaganda, en este caso británica durante la Segunda Guerra Mundial, a través de una historia con héroe, un profesor y arqueólogo muy despistado en apariencia, pero un genio burlando la vigilancia nazi para rescatar a personas relevantes de las garras del Tercer Reich en vísperas del conflicto bélico. También con villanos, unos oficiales nazis bastante patanes, en alguna medida los tontos útiles de la función. Porque en esencia se trata de una comedia, que rehuye la crueldad y se recrea en los elementos más lúdicos, también románticos, de la función. Está además servida con ligereza y gracia, con inesperado oficio por que Howard infinitamente más conocido como actor que como director.
136. Sunday Drivers (Gerhard Klein, 1963) - 6
Otra comedia de Alemania del Este con elementos satíricos, que explora la paranoia de unas personas que quieren huir del país convencidas de que está a punto de estallar una guerra. Por supuesto se les adorna con variadas cualidades negativas, aunque se huye de la grosería, en vivo contraste con los dos inadvertidos jóvenes que les acompañan (en el cine socialista los jóvenes suelen ser elementos positivos). La paranoia se extiende a lo que es un estado policial, lo cual sí que resulta un tanto inquietante, e igualmente esa dificultad que se muestra en la película para desplazarse dentro del propio país resulta todo menos idílica.
137. Almas en la hoguera (Henry King, 1949) - 7,5
Un film bélico que celebra patrióticamente el heroico sacrificio de los pilotos estadounidenses ayudando a Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial, con una galería de personajes casi sin mácula, pero que sabe generar un conflicto humano interesante. Todo ello viene servido por King con una elegancia excepcional y un notable trabajo de puesta en escena. La emoción de la historia y los personajes se concreta en silencio, en pequeños gestos, y no en discursos o estallidos sentimentales. Igual que su protagonista, el general Savage, mantiene ese rostro inflexible y casi impenetrable para sus subordinados, a pesar de su trasfondo profundamente humano. Se agradece que sólo haya una escena bélica, para la que felizmente se recurre a imágenes documentales. La calidad en la dirección de King, de una sencillez que no excluye un alto grado de refinamiento, ya se percibe desde la escena inicial, cuando uno de los personajes acude tras la guerra a la abandonada pista de aterrizaje donde estaba situada la base, y se oye un ruido de motor y una ráfaga de viento mientras la cámara se mueve hacia el vacío para introducir el largo flash-back que vamos a ver.
138. Morituri (Eugen York, 1948) - 7,5
La historia de un grupo de prisioneros que se escapa de un campo de concentración y va a parar a un pequeño campamento de prófugos escondido en un bosque daba para una obra sobre la opresión y el sufrimiento. Son elementos presentes, por supuesto, también su apuesta por el entendimiento y la justicia, pero su gran particularidad estriba en una atmósfera irreal, casi como de cuento. Se debe en buena medida a su fascinante trabajo con la luz, a los mágicos claroscuros nocturnos, a las brumas matinales, a las penumbras boscosas, que parecen más propios del fantástico. También a la sucesión de escenas, cerradas con premura, que funden a negro como si se escapasen por entre los dedos antes de haber podido fijarlas, reforzando esa sutil vena onírica que las recorre.
139. Crudo (Julia Ducournau, 2016) - 4
Heterodoxa historia de transformación y pérdida de inocencia, su protagonista recién ingresada en la facultad de veterinaria es vegetariana pero, tras sufrir una novatada, comienza a sentir un impulso irresistible por la carne, cruda y humana a ser posible. Hay un evidente proceso de animalización en su periplo, en un entorno eminentemente hostil, e igualmente es imposible no asociar su proceso con la drogadicción. Ducournau apuesta por una planificación (de distancia) corta, epidémica, jugueteando con el gore en algún momento, buscando el malestar del espectador. A mí me cuesta disfrutar de una película que muestra tanta crueldad estúpida (las novatadas), demasiado efectista en sus maneras, y además culminada de manera tan tópica.
140. Der Mann, der seinen Mörder sucht (Robert Siodmak, 1931) - 5,5
El argumento de esta comedia sonará familiar a quienes hayan visto Contraté un asesino a sueldo de Kaurismäki: un hombre incapaz de suicidarse decide aprovechar la presencia de un ladrón en su casa para contratarle para que le mate. El arranque es muy prometedor, pero se desinfla entre gags de corto alcance y efectos sonoros bastante cutres. También es verdad que sólo sobrevive una hora escasa del metraje original de hora y media, y seguramente se ha perdido profundidad y detalle en las relaciones entre los personajes. Visualmente se adivina la influencia expresionista, que le da un cierto atractivo estético, pero no termina de levantar el resultado final.
141. Tenpô rokkasen - Jigoku no hanamichi (Masahiro Makino, 1960) - 6,5
La venganza vuelve a ocupar un papel relevante en este chambara de Makino, una de las líneas narrativas que se despliegan alrededor de un hábil, astuto y bonachón samurái, otro de esos héroes de buen humor que tan bien casan con el tono y ritmo habitual del autor. Así todo la película adquiere bastante gravedad en su último tercio, y de hecho me da la impresión de que su ritmo se empantana un poco, pero no termina sin ofrecernos un esplendoroso plano final como culminación, una especie de promesa épica fuera de metraje, para un director que huye de ella de manera natural.
142. Fräulein Else (Paul Czinner, 1929) - 6
Adaptación del relato homónimo de Arthur Schnitzler, se trata de un drama familiar y personal, que se desata cuando una familia lo pierde todo en bolsa y suplican a la hija, de vacaciones alpinas, que interceda por ellos pidiendo dinero a un acomodado conocido. Todavía dentro del mudo, obvia e inevitablemente se pierde gran parte de la riqueza psicológica del original, y el film tampoco destaca en demasía por su puesta en escena. Es un trabajo solvente, con momentos curiosos como el viaje en tren hacia las montañas, y es que la película tiene a bien respetar los escenarios naturales. Como curiosidad, se estrenó unos meses antes del crack del 29, así que vista hoy en día se le puede considerar quizás anticipatoria.
143. Deutschland bleiche Mutter (Helma Sanders-Brahms, 1980) - 6,5
La tragedia bélica, física y psicológica, sus heridas y la herencia emocional que acarrea, se reflejan en este film de retaguardia que cuenta la relación de una pareja a través de la narración en off de su hija, todavía nonata al comienzo del metraje. Entiendo que su directora quiere expresar que nadie es indeleble al nazismo y a una guerra, aunque haya pasado por ambos sin significarse políticamente ni sufrir heridas físicas, y especialmente para las mujeres que no combatieron pero tuvieron que sufrir las múltiples consecuencias del conflicto bélico. Para ello utiliza una puesta en escena en la que predomina la planificación corta y los planos de larga duración, en aras de una correspondencia visual con la voluntad de introspección sobre los personajes.
144. India Song (Marguerite Duras, 1975) - 6,5
Lo primero que llama la atención de esta obra de la escritora y realizadora Marguerite Duras, primera que veo, es su dispositivo estético. También es la primera barrera a superar. Es un film exclusivamente de voces en off que visualmente tiende al estatismo, con planos principalmente generales, bien fijos o que se mueven en suaves panorámicas. Los personajes se mueven por la pantalla lentamente, como zombis, todo ello muy a propósito de lo que quiere contarnos el film, el estancamiento y vacío vital de una serie de diplomáticos europeos en la India de los años 30, especialmente la mujer del embajador, que intenta paliar su hastío vital acumulando amantes. Son además exponentes del colonialismo, privilegiados en tierra ajena viviendo en una burbuja entre miseria y opresión, extraños al ambiente, a las propias condiciones climáticas, que quizás corrompen su espíritu como esa lepra que se menciona varias veces es susceptible de corromper sus cuerpos. Seguramente por la novedad que para mí supone la propuesta, me ha costado mucho entrar en ella, pero poco a poco se va filtrando un evocador poso de melancolía, que se hace intenso en el último y espléndido tramo del film, que se proyecta hacia el misterio y el vacío.
145. El autoestopista (Ida Lupino, 1953) - 7
Pionera del cine negro, Lupino concibe una historia exclusivamente masculina, de planteamiento sencillo y esencial, de maneras directas y eficaces. Un criminal metido en una espiral de robos y asesinatos haciendo autoestop es recogido por dos amigos que de escursión en México. Las cartas se ponen boca arriba desde el principio y en poco más de una hora asistimos al enfrentamiento emocional entre víctimas y verdugo. Más preocupado por la acción física que por la exploración psicológica, el film da volumen a sus tres personajes principales y utiliza muy bien el paisaje, los elementos geográficos, dentro de esta road movie hacia ninguna parte.
Un saludo.
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Hermano Mouzone
- Mensajes: 4978
- Registrado: 14 May 2015, 04:54
hoeman escribió:Acabo de oír a Alex de la Iglesia decir que las películas que dan tiempo a pensar son malas por ello, y que las que no permiten pensamientos durante el visionado son las buenas. Que le aburren la mayoría de pelis. Creo que le deja en mal lugar ese comentario, convierte sus propias limitaciones en una norma para salvaguardar su cine.
Creo que tiene razón en lo que dice, pero es el menos indicado para decirlo.
Una película es una experiencia estética en la que te tienes que sumergir, dejando que sea ella la que te lleve y te hipnotice. Si te dedicas a pensar mientras la ves, significa que te estás distrayendo y algo no funciona. Esto es algo independiente a la reflexión posterior y el análisis que puedas hacer de ella. Lo que ocurre es que el método que De La Iglesia y muchos otros utilizan -o pretenden utilizar- para no dejarte pensar es la saturación a todos los niveles: de ruido, de montaje, de movimientos de cámara, de chistes chorras, etc. Una sucesión constante de morralla que te lleva al colapso. Y sí, así se distraen los imbéciles, a base de gritos, muertes, coches guapos y explosiones; de cambiar cinco veces el tamaño de plano antes de acabar una frase.
Particularmente, prefiero que no me tomen por gilipollas y que el cineasta utilice recursos más sutiles que el de ponerme la cabeza como un bombo para mantenerme dentro de la peli. También entiendo que hay gente a la que si no le das eso se aburre, empieza a ponerse nerviosa y a dar por culo en el cine. Pero en ese caso mejor no andar con eufemismos.
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windom_earl
- Mensajes: 3420
- Registrado: 03 Dic 2011, 19:32
Hijos de los hombres.
No tenía noticia de esta película hasta que la he visto por pura casualidad y me ha parecido sublime. Sin esperarme nada me he encontrado una obra excepcional. Tremendos planos secuencia. Juro que jamás volveré a ver a Clive Owen con los mismos ojos.
No tenía noticia de esta película hasta que la he visto por pura casualidad y me ha parecido sublime. Sin esperarme nada me he encontrado una obra excepcional. Tremendos planos secuencia. Juro que jamás volveré a ver a Clive Owen con los mismos ojos.
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Fecha actual 23 Abr 2024, 10:03