Hola, amigos. Llevo un tiempo algo desconectado del hilo. No he parado de escribir y de ver películas, pero no he tenido tiempo para comentarlas. Interiormente ya he renunciado a seguir llevando mi contador, primer propósito del año nuevo a la mierda, me ocupa demasiado. Pero estaremos aquí para comentar y compartir lo que haga falta.
Estoy en el Festival de Rotterdam y publicaré crónicas diarias. De nuevo no sé si podré ponerlas todas por aquí, pero ahora que tengo un hueco aprovecho. En la primera crónica me detengo brevemente en Lean on Pete, la nueva película de Andrew Haigh (45 años, Weekend), un western moderno con tintes de cine social (o viceversa) que destila la esencia de norteamérica con delicadeza y visión crítica; y comento mis primeras impresiones de Readers, la enésima lección de un maestro del tiempo cinematográfico, James Benning. Cuatro planos fijos de 27 minutos cada uno, cuatro lectores leyendo en silencio cuatro libros, una obra maestra.
https://www.ecartelera.com/noticias/446 ... rew-haigh/
Contador de películas 2018
La vida al margen del deporte (la hay)
36.-La corruzione (Mauro Bolognini, 1963) – 7,25
El poder y su influencia en todos los sentidos constituyen esta película de Bolognini en la que a veces se peca de más obviedad de la que se querría, pero sin afectar por completo a un drama con bastantes tintes de cine negro en el que un joven que aspira a ser sacerdote será cada vez más despojado de su idealismo y cada vez más torturado por la opresiva mano de su padre, un empresario corrupto que tiene poder absoluto y que él mismo reivindica su autoridad a través de su impiedad con un pobre banquero que no es capaz de cuadrar las cuentas. Sin embargo, eso es solo uno de los vértices, y el otro lo juega Schiaffimo y el juego con los movimientos semicirculares de la cámara y el vestuario, en tanto que este supone un juego con los códigos bastante evidente, pero sin ser excesivo. La escena final me produjo repulsión hacia la historia (y eso es lo mejor, ese final apoteósico en clave baja).
37.-Nippon: Furuyasshiki Village (Shinsuke Ogawa & Ogawa Productions, 1982) – 7,75
3 horas y media de este documental sirven para que Shinsuke Ogawa hable de un pueblo y de sus vicisitudes climáticas y costumbristas, muchas en clave de humor, otras dramáticas. En las primeras, Ogawa utiliza los intertítulos y ese juego de niños (a veces con los aldeanos y su ingenuidad, otras veces ridiculizándose a sí mismos en repeticiones o usando construcciones aleatorias y otros recursos estúpidos que le sientan como un guante, otras con trucos un poco más sutiles). En las segundas, sin embargo, es más ceremonial, dejando espacio para que el testimonio y las imágenes que le proporcionan los aldeanos hablen por sí mismas, aunque sin dejar de lado ese juego autoparódico de algunos de los aldeanos (haciendo hincapié en sus historias). Lo mejor de la historia, sin embargo, es cómo fluye, aprovechando pequeños rescoldos en la historia para saltar de situación a testimonio o de testimonio en testimonio. Como escena, la parte de la carbonera resulta maravillosa por cómo se desglosan los azules y los rojos entre tanto color oscuro, y Ogawa cuida eso poniéndose en contexto con lo que representan los personajes. Quizá, sin embargo, pesa mucho en ocasiones el afán autoparódico e incluso al material forzado.
El poder y su influencia en todos los sentidos constituyen esta película de Bolognini en la que a veces se peca de más obviedad de la que se querría, pero sin afectar por completo a un drama con bastantes tintes de cine negro en el que un joven que aspira a ser sacerdote será cada vez más despojado de su idealismo y cada vez más torturado por la opresiva mano de su padre, un empresario corrupto que tiene poder absoluto y que él mismo reivindica su autoridad a través de su impiedad con un pobre banquero que no es capaz de cuadrar las cuentas. Sin embargo, eso es solo uno de los vértices, y el otro lo juega Schiaffimo y el juego con los movimientos semicirculares de la cámara y el vestuario, en tanto que este supone un juego con los códigos bastante evidente, pero sin ser excesivo. La escena final me produjo repulsión hacia la historia (y eso es lo mejor, ese final apoteósico en clave baja).
37.-Nippon: Furuyasshiki Village (Shinsuke Ogawa & Ogawa Productions, 1982) – 7,75
3 horas y media de este documental sirven para que Shinsuke Ogawa hable de un pueblo y de sus vicisitudes climáticas y costumbristas, muchas en clave de humor, otras dramáticas. En las primeras, Ogawa utiliza los intertítulos y ese juego de niños (a veces con los aldeanos y su ingenuidad, otras veces ridiculizándose a sí mismos en repeticiones o usando construcciones aleatorias y otros recursos estúpidos que le sientan como un guante, otras con trucos un poco más sutiles). En las segundas, sin embargo, es más ceremonial, dejando espacio para que el testimonio y las imágenes que le proporcionan los aldeanos hablen por sí mismas, aunque sin dejar de lado ese juego autoparódico de algunos de los aldeanos (haciendo hincapié en sus historias). Lo mejor de la historia, sin embargo, es cómo fluye, aprovechando pequeños rescoldos en la historia para saltar de situación a testimonio o de testimonio en testimonio. Como escena, la parte de la carbonera resulta maravillosa por cómo se desglosan los azules y los rojos entre tanto color oscuro, y Ogawa cuida eso poniéndose en contexto con lo que representan los personajes. Quizá, sin embargo, pesa mucho en ocasiones el afán autoparódico e incluso al material forzado.
Qué envidia das, Antonio!
Anoche me vi Wonder Wheel, de Woody Allen. Salvo el tramo final, no me terminó de enganchar, por culpa de ese tono deliberadamente teatral, tan de culebrón barato. Lo mejor, para mí, es la ambientación, la fotografía, el juego de luces, la lluvia y el sol... y el final, casi más patético que trágico, eleva el nivel de una obra que... en paralelo, me recuerda al lamento del periodista/escritor Hunter S. Thompson sobre Hemingway, en el que critica "París era una fiesta", achacándole al escritor haberse quedado atras y perdido. Me quedo con esa triste sensación con Allen, aunque Wonder Wheel no es una mala obra.
Hasta luego...
Anoche me vi Wonder Wheel, de Woody Allen. Salvo el tramo final, no me terminó de enganchar, por culpa de ese tono deliberadamente teatral, tan de culebrón barato. Lo mejor, para mí, es la ambientación, la fotografía, el juego de luces, la lluvia y el sol... y el final, casi más patético que trágico, eleva el nivel de una obra que... en paralelo, me recuerda al lamento del periodista/escritor Hunter S. Thompson sobre Hemingway, en el que critica "París era una fiesta", achacándole al escritor haberse quedado atras y perdido. Me quedo con esa triste sensación con Allen, aunque Wonder Wheel no es una mala obra.
Hasta luego...
GIPSY KING
He visto "La llamada", de los Javis. Leo críticas por ahí y pienso que debo de ser muy raro, porque para mí puede entrar de lleno en la lista de las peores películas que haya visto nunca.
-
antonio1004
- Mensajes: 33672
- Registrado: 15 Mar 2003, 11:08
En la segunda crónica de Rotterdam me pregunto si Lady Bird es para tanto y solo puedo quitarme el sombrero (y las antenas) con la última película del genial Jan Svankmajer, Insects.
https://www.ecartelera.com/noticias/447 ... d-insects/
https://www.ecartelera.com/noticias/447 ... d-insects/
Había visto un par de cortos suyos y no sabía que tuviese tantos largos. Downloading como si no hubiese mañana.antonio1004 escribió:En la segunda crónica de Rotterdam me pregunto si Lady Bird es para tanto y solo puedo quitarme el sombrero (y las antenas) con la última película del genial Jan Svankmajer, Insects.
https://www.ecartelera.com/noticias/447 ... d-insects/
-
antonio1004
- Mensajes: 33672
- Registrado: 15 Mar 2003, 11:08
Yo no te creas que soy un conocedor en profundidad de su filmografía, tampoco en España se le ha difundido demasiado,pero ahora tengo muchas ganas de verme todo lo que encuentre.
Dos thrillers recién llegados de Sundance (Piercing y The Guilty, este último será un pelotazo) y la última película de Paul Schrader (que tenéis que ver sí o sí) en la tercera crónica del IFFR. Lo de First Reformed es para verlo y no creerlo, os advierto.
https://www.ecartelera.com/noticias/447 ... 18-dia-3-/
Dos thrillers recién llegados de Sundance (Piercing y The Guilty, este último será un pelotazo) y la última película de Paul Schrader (que tenéis que ver sí o sí) en la tercera crónica del IFFR. Lo de First Reformed es para verlo y no creerlo, os advierto.
https://www.ecartelera.com/noticias/447 ... 18-dia-3-/
-
antonio1004
- Mensajes: 33672
- Registrado: 15 Mar 2003, 11:08
En la cuarta crónica del #IFFR hago un breve repaso a la presencia española en el festival y me detengo en 'La estrella errante' de Alberto Gracia y 'Aliens' de Luis López Carrasco.
El cine español más arriesgado vuelve la vista atrás a los 80.
https://www.ecartelera.com/noticias/447 ... rriesgado/
El cine español más arriesgado vuelve la vista atrás a los 80.
https://www.ecartelera.com/noticias/447 ... rriesgado/
26. The Great Waltz (Julien Duvivier, 1938) - 5
Probablemente en el cénit de su carrera, Duvivier realizaba su primera película en Hollywood, aunque su producción debió de ser problemática toda vez que también participaron en la dirección, sin acreditar, Joseph von Sternberg y Victor Fleming. El film utiliza la figura y la música de Johann Strauss hijo para construir un biopic que en ningún momento se propone respetar la realidad biográfica del célebre compositor, sino que más bien se inspira en algunos de sus pasajes. También su música sufre un proceso de adaptación a las supuestas necesidades del film, con dudoso gusto en ocasiones. Termina siendo una obra musical a mayor gloria de los gorgoritos de la soprano Miliza Korjus, con un triángulo amoroso como fuerza motriz argumental. Lejos de los resultados logrados por cineastas centroeuropeos en este tipo de obras, se echa de menos la elegancia, musicalidad y alegría que alcanzaban la médula de estos films, aunque mantiene cierto encanto. La puesta en escena apenas ofrece momentos destacados, salvo el baile en el establecimiento en los bosques de Viena, con un majestuoso movimiento circular de la escena que celebra la música de Strauss. Otras elecciones estilísticas son bastante desafortunadas, como un par de montajes rápidos realizados con muy poco gusto.
27. 120 battements par minute (Robin Campillo, 2017) - 6,5
Una obra que nos retrotrae a principios de los años noventa, cuando el SIDA causaba estragos, para mostrarnos la lucha de la organización Act-Up para hacer la enfermedad visible, movilizar al gobierno y acelerar el acceso a nuevos medicamentos.
Desde un estilo predominantemente naturalista que se airea periódicamente con fugas atmosféricas, Campillo apuesta por un registro intimista a través de una puesta en escena en la que predomina la cámara en mano y los primeros planos, buscando explorar las emociones de unos personajes dolientes que se aferran a la vida y a la lucha. Es un retrato que suma dignidad y emotividad, aunque quizás el resultado es un poco más profiláctico y embellecido de lo que sería esperable.
28. Wormwood (Errol Morris, 2017) - 6,5
Como en la obra de referencia de Morris, The Thin Blue Line, esta miniserie de seis episodios indaga en un hecho luctuoso del pasado en el cual la verdad oficial no termina de resultar satisfactoria. En este caso se trata de la muerte de Frank Olson, un científico que trabajaba para la CIA, que cayó de un decimotercer piso en Nueva York en 1953, supuestamente en un acto suicida. Morris de nuevo combina testimonios y la dramatización de lo ocurrido, una recurrente vuelta a los hechos que se ofrece de manera esquiva, en secuencias fragmentarias, que juegan con el desenfoque, la oscuridad o las angulaciones visuales, remitiendo a la iconografía del neo-noir. Mientras tanto, el registro de las diferentes entrevistas se hace con varias cámaras que ofrecen otros tantos puntos de vista para reforzar la idea de la versión múltiple, de la dificultad de acceder a una verdad incontestable, a una certeza que evite caer en la especulación. Lo obsesivo del dispositivo evoca también la propia obsesión de Eric, el hijo de Frank Olson, conductor principal de la narración y víctima colateral de los hechos por su incapacidad para seguir adelante con su vida, atrapado en una serie de enigmas que nunca parecen llegar a una solución final y definitiva. Así todo, igual las más de cuatro horas de metraje que suma esta obra se antojan un poco excesivas para el material que maneja Morris.
29. The Pumpkin Eater (Jack Clayton, 1964) - 6
Este film explora las neurosis de una mujer cuyo único horizonte vital reside en la maternidad y en su (tercer) marido. Las infidelidades de éste la llevan a recurrentes crisis para las que no se atisba una solución definitiva. El personaje que interpreta notablemente Ann Bancroft se hace dueño de la pantalla, en una obra ya influida por los nuevos modos visuales de los años sesenta, con el uso del zoom y algunas licencias de dudoso gusto (en particular, hay un montaje horrible de planos que se acercan hasta el detalle de la boca de James Mason). Sin duda se ha perdido parte de la elegancia formal de las obras previas de Clayton, pero no deja de ser una película estimable que incluso puede haber ganado significado para una gran mayoría de los espectadores con el pasar de los años (lo que entonces podría interpretarse como una cuestión circunstancial e individual, hoy tiene que verse como un problema de estructura y cultura social).
30. The 7th Voyage Of Sinbad (Nathan Juran, 1958) - 6
Inspirada en el mítico personaje de Las mil y una noches, este clásico del cine de aventuras ofrece justamente eso, acción infatigable en exóticos escenarios. Buena parte de su atractivo procede de la labor de los colaboradores, caso de la partitura de Bernard Herrmann, el diseño de producción de Gil Parrondo o los célebres efectos especiales en stop-motion de Ray Harryhausen, indudablemente envejecidos pero que todavía destilan mucho encanto. Juran tiene la virtud de buscar la sencillez y agilidad dentro de su colorista narración, de ponerse al servicio del espíritu lúdico del film, porque se notan sus limitaciones en la puesta en escena, bastante plana y escasa de ideas, sin que siquiera el engarce de planos parezca estar verdaderamente pensado en muchas ocasiones.
31. Kid Galahad (Michael Curtiz, 1937) - 7
Otra notable muestra de cine pugilístico, en la que de nuevo se dirime la dualidad inocencia/corrupción en un mundo dominado por las mafias. Sin embargo el amor termina siendo la fuerza motriz de los principales personajes, que se sobreponen a las amenazas de esquematismo que asoman en algún momento. Toda la función está llevada con mucha gracia por Curtiz, que refrenda sus dotes narrativas en un film ágil, lleno de movimiento, en el cuadro y con la cámara, pero sin la menor confusión y con mucha armonía (los travellings y las panorámicas están muy medidas para no violentar nunca la experiencia visual).
32. Un maledetto imbroglio (Pietro Germi, 1959) - 7
Muy sólido policiaco el que despachaba un Germi en plenitud de facultades. Un robo y un posterior asesinato desencadena una clásica investigación en la que queda en evidencia el componente crematístico de tantas relaciones y comportamientos (de hecho, es una película un tanto desencantada de las relaciones sentimentales). La mecånica de las pesquisas y la subsiguiente progresión argumental está perfectamente enmarcada en el contexto social, en el paisaje popular italiano, con personajes de cierta densidad que Germi nunca hace evidentes, al tiempo que la narración avanza fluida y sin descanso.
33. Panna a netvor (Juraj Herz, 1978) - 7
Viendo la evolución de la carrera de Herz durante los años 70, que afrontara la realización de una nueva versión de La bella y la bestia tiene bastante sentido. Su película se empapa del aroma gótico y decadente que caracteriza sus films previos, en un feliz despliegue de decrépita imaginería visual. Eso sí, hay algún paisaje aislado transido de romanticismo que parece sacado de un anuncio de perfumes de la época. En realidad, la técnica visual sigue los cánones del cine setentero del bloque socialista, con una cámara muy móvil (llegando ocasionalmente a la brusquedad) que recurre al gran angular al tiempo que se acerca a los actores. Está lejos de ser mi estilo favorito, pero pienso que aquí funciona bien, y encaja con el carácter irreal y alucinado que transmite la historia.
34. The Real Glory (Henry Hathaway, 1939) - 6
Si obviamos todo el discurso paternalista y patriótico pro-estadounidense de esta obra ambientada en Filipinas a principios del siglo XX (que tiene cierto delito sabiendo lo sucedido tras la derrota española en 1898), hay una película de aventuras bastante disfrutable ahí. Se desarrolla en un fuerte del ejército norteamericano en el que se adiestra a los lugareños para ser capaces de defenderse de las amenazas de los grupos moros. Los ingredientes son bastante tópicos, como el protagonismo de los cuadros medios, el choque de criterios con los superiores, la presencia femenina para hacer posible la inevitable historia de amor, los indígenas buenos, los malos y el traidor, etc., pero Hathaway los maneja con gracia y dominio de la narración.
Un saludo.
Probablemente en el cénit de su carrera, Duvivier realizaba su primera película en Hollywood, aunque su producción debió de ser problemática toda vez que también participaron en la dirección, sin acreditar, Joseph von Sternberg y Victor Fleming. El film utiliza la figura y la música de Johann Strauss hijo para construir un biopic que en ningún momento se propone respetar la realidad biográfica del célebre compositor, sino que más bien se inspira en algunos de sus pasajes. También su música sufre un proceso de adaptación a las supuestas necesidades del film, con dudoso gusto en ocasiones. Termina siendo una obra musical a mayor gloria de los gorgoritos de la soprano Miliza Korjus, con un triángulo amoroso como fuerza motriz argumental. Lejos de los resultados logrados por cineastas centroeuropeos en este tipo de obras, se echa de menos la elegancia, musicalidad y alegría que alcanzaban la médula de estos films, aunque mantiene cierto encanto. La puesta en escena apenas ofrece momentos destacados, salvo el baile en el establecimiento en los bosques de Viena, con un majestuoso movimiento circular de la escena que celebra la música de Strauss. Otras elecciones estilísticas son bastante desafortunadas, como un par de montajes rápidos realizados con muy poco gusto.
27. 120 battements par minute (Robin Campillo, 2017) - 6,5
Una obra que nos retrotrae a principios de los años noventa, cuando el SIDA causaba estragos, para mostrarnos la lucha de la organización Act-Up para hacer la enfermedad visible, movilizar al gobierno y acelerar el acceso a nuevos medicamentos.
Desde un estilo predominantemente naturalista que se airea periódicamente con fugas atmosféricas, Campillo apuesta por un registro intimista a través de una puesta en escena en la que predomina la cámara en mano y los primeros planos, buscando explorar las emociones de unos personajes dolientes que se aferran a la vida y a la lucha. Es un retrato que suma dignidad y emotividad, aunque quizás el resultado es un poco más profiláctico y embellecido de lo que sería esperable.
28. Wormwood (Errol Morris, 2017) - 6,5
Como en la obra de referencia de Morris, The Thin Blue Line, esta miniserie de seis episodios indaga en un hecho luctuoso del pasado en el cual la verdad oficial no termina de resultar satisfactoria. En este caso se trata de la muerte de Frank Olson, un científico que trabajaba para la CIA, que cayó de un decimotercer piso en Nueva York en 1953, supuestamente en un acto suicida. Morris de nuevo combina testimonios y la dramatización de lo ocurrido, una recurrente vuelta a los hechos que se ofrece de manera esquiva, en secuencias fragmentarias, que juegan con el desenfoque, la oscuridad o las angulaciones visuales, remitiendo a la iconografía del neo-noir. Mientras tanto, el registro de las diferentes entrevistas se hace con varias cámaras que ofrecen otros tantos puntos de vista para reforzar la idea de la versión múltiple, de la dificultad de acceder a una verdad incontestable, a una certeza que evite caer en la especulación. Lo obsesivo del dispositivo evoca también la propia obsesión de Eric, el hijo de Frank Olson, conductor principal de la narración y víctima colateral de los hechos por su incapacidad para seguir adelante con su vida, atrapado en una serie de enigmas que nunca parecen llegar a una solución final y definitiva. Así todo, igual las más de cuatro horas de metraje que suma esta obra se antojan un poco excesivas para el material que maneja Morris.
29. The Pumpkin Eater (Jack Clayton, 1964) - 6
Este film explora las neurosis de una mujer cuyo único horizonte vital reside en la maternidad y en su (tercer) marido. Las infidelidades de éste la llevan a recurrentes crisis para las que no se atisba una solución definitiva. El personaje que interpreta notablemente Ann Bancroft se hace dueño de la pantalla, en una obra ya influida por los nuevos modos visuales de los años sesenta, con el uso del zoom y algunas licencias de dudoso gusto (en particular, hay un montaje horrible de planos que se acercan hasta el detalle de la boca de James Mason). Sin duda se ha perdido parte de la elegancia formal de las obras previas de Clayton, pero no deja de ser una película estimable que incluso puede haber ganado significado para una gran mayoría de los espectadores con el pasar de los años (lo que entonces podría interpretarse como una cuestión circunstancial e individual, hoy tiene que verse como un problema de estructura y cultura social).
30. The 7th Voyage Of Sinbad (Nathan Juran, 1958) - 6
Inspirada en el mítico personaje de Las mil y una noches, este clásico del cine de aventuras ofrece justamente eso, acción infatigable en exóticos escenarios. Buena parte de su atractivo procede de la labor de los colaboradores, caso de la partitura de Bernard Herrmann, el diseño de producción de Gil Parrondo o los célebres efectos especiales en stop-motion de Ray Harryhausen, indudablemente envejecidos pero que todavía destilan mucho encanto. Juran tiene la virtud de buscar la sencillez y agilidad dentro de su colorista narración, de ponerse al servicio del espíritu lúdico del film, porque se notan sus limitaciones en la puesta en escena, bastante plana y escasa de ideas, sin que siquiera el engarce de planos parezca estar verdaderamente pensado en muchas ocasiones.
31. Kid Galahad (Michael Curtiz, 1937) - 7
Otra notable muestra de cine pugilístico, en la que de nuevo se dirime la dualidad inocencia/corrupción en un mundo dominado por las mafias. Sin embargo el amor termina siendo la fuerza motriz de los principales personajes, que se sobreponen a las amenazas de esquematismo que asoman en algún momento. Toda la función está llevada con mucha gracia por Curtiz, que refrenda sus dotes narrativas en un film ágil, lleno de movimiento, en el cuadro y con la cámara, pero sin la menor confusión y con mucha armonía (los travellings y las panorámicas están muy medidas para no violentar nunca la experiencia visual).
32. Un maledetto imbroglio (Pietro Germi, 1959) - 7
Muy sólido policiaco el que despachaba un Germi en plenitud de facultades. Un robo y un posterior asesinato desencadena una clásica investigación en la que queda en evidencia el componente crematístico de tantas relaciones y comportamientos (de hecho, es una película un tanto desencantada de las relaciones sentimentales). La mecånica de las pesquisas y la subsiguiente progresión argumental está perfectamente enmarcada en el contexto social, en el paisaje popular italiano, con personajes de cierta densidad que Germi nunca hace evidentes, al tiempo que la narración avanza fluida y sin descanso.
33. Panna a netvor (Juraj Herz, 1978) - 7
Viendo la evolución de la carrera de Herz durante los años 70, que afrontara la realización de una nueva versión de La bella y la bestia tiene bastante sentido. Su película se empapa del aroma gótico y decadente que caracteriza sus films previos, en un feliz despliegue de decrépita imaginería visual. Eso sí, hay algún paisaje aislado transido de romanticismo que parece sacado de un anuncio de perfumes de la época. En realidad, la técnica visual sigue los cánones del cine setentero del bloque socialista, con una cámara muy móvil (llegando ocasionalmente a la brusquedad) que recurre al gran angular al tiempo que se acerca a los actores. Está lejos de ser mi estilo favorito, pero pienso que aquí funciona bien, y encaja con el carácter irreal y alucinado que transmite la historia.
34. The Real Glory (Henry Hathaway, 1939) - 6
Si obviamos todo el discurso paternalista y patriótico pro-estadounidense de esta obra ambientada en Filipinas a principios del siglo XX (que tiene cierto delito sabiendo lo sucedido tras la derrota española en 1898), hay una película de aventuras bastante disfrutable ahí. Se desarrolla en un fuerte del ejército norteamericano en el que se adiestra a los lugareños para ser capaces de defenderse de las amenazas de los grupos moros. Los ingredientes son bastante tópicos, como el protagonismo de los cuadros medios, el choque de criterios con los superiores, la presencia femenina para hacer posible la inevitable historia de amor, los indígenas buenos, los malos y el traidor, etc., pero Hathaway los maneja con gracia y dominio de la narración.
Un saludo.
-
antonio1004
- Mensajes: 33672
- Registrado: 15 Mar 2003, 11:08
Quinta crónica ya del festival, que acaba este sábado y del que se acaba de celebrar la entrega de premios (mañana veo la ganadora del TIGER, la china The Widowed Witch). Será porque es mi primer año, pero me está dejando con la sensación de no descubrirlo nunca del todo. Y eso es maravilloso.
Hoy turno de un programa doble cinéfilo: 'Las estrellas de cine no mueren el Liverpool', olvidable biopic sobre Gloria Grahame, y 'La película infinita', realizada a partir de fragmentos de películas argentinas inacabadas. Una obra maestra en sí misma por su construcción abierta a la experimentación y por cumplir una labor inaudita de conservación fílmica.
https://www.ecartelera.com/noticias/447 ... a-grahame/
Hoy turno de un programa doble cinéfilo: 'Las estrellas de cine no mueren el Liverpool', olvidable biopic sobre Gloria Grahame, y 'La película infinita', realizada a partir de fragmentos de películas argentinas inacabadas. Una obra maestra en sí misma por su construcción abierta a la experimentación y por cumplir una labor inaudita de conservación fílmica.
https://www.ecartelera.com/noticias/447 ... a-grahame/
-
Dezsö Kosztolányi
- Mensajes: 4997
- Registrado: 23 Abr 2010, 23:39
Thor: Ragnarok: Tenía miedo tras ver el trailer (pensaba que igual iba a ser alguna tontería ochentera tipo Los Guardianes de la galaxia), pero me ha gustado bastante. Hay varios personajes poco desarrollados, pero supongo que hay que entender la película como parte del puzzle de Marvel (muchas referencias a las anteriores) y también parece que da la sensación de que la historia está al servicio del gag cómico. Pero funciona bien, y es divertida. Es un fan service muy bien hecho.
Además, es que me encanta el personaje de Loki
Asesinato en el Orient Express, de Kenneth Branagh: Esta también me ha gustado mucho. No solo el elenco de grandes actores cumple perfectamente, sino que encima me parece que Branagh hace una actuación muy meritoria (podría haber estado nominado al Oscar) y una dirección sobria y elegante con algunos planos que me han encantado (como el cenital en algunas discusiones en el tren, o el de la última cena).
Suburbicon: Es como una película de los hermanos Coen hecha por algún estudiante. Me ha dejado frío, como si fuera un quiero y no puedo. Todo es correcto, pero la veo y pienso... prescindible.
Memoirs of a Murderer: ¡Ojo! No confundir con otras películas de titulo parecido. Esta también es coreana, y va de un asesino que tras prescribir sus crímenes, decide publicar un libro detallándolos. A partir de ahí la cosa se complica con varios giros de guión, y a mi gusto queda bastante entretenida.
The Sheriff in Town: Otra coreana, esta vez de un capo de la droga. Se deja ver, aunque tiene algunos primeros planos eternos dignos de Bollywood...
Capitán calzoncillos: Peliculilla de animación que me ha parecido bastante floja e infantil.
Además, es que me encanta el personaje de Loki
Asesinato en el Orient Express, de Kenneth Branagh: Esta también me ha gustado mucho. No solo el elenco de grandes actores cumple perfectamente, sino que encima me parece que Branagh hace una actuación muy meritoria (podría haber estado nominado al Oscar) y una dirección sobria y elegante con algunos planos que me han encantado (como el cenital en algunas discusiones en el tren, o el de la última cena).
Suburbicon: Es como una película de los hermanos Coen hecha por algún estudiante. Me ha dejado frío, como si fuera un quiero y no puedo. Todo es correcto, pero la veo y pienso... prescindible.
Memoirs of a Murderer: ¡Ojo! No confundir con otras películas de titulo parecido. Esta también es coreana, y va de un asesino que tras prescribir sus crímenes, decide publicar un libro detallándolos. A partir de ahí la cosa se complica con varios giros de guión, y a mi gusto queda bastante entretenida.
The Sheriff in Town: Otra coreana, esta vez de un capo de la droga. Se deja ver, aunque tiene algunos primeros planos eternos dignos de Bollywood...
Capitán calzoncillos: Peliculilla de animación que me ha parecido bastante floja e infantil.
Hoy he aprovechado la sesión de prensa para ver Happy End, el último trabajo de Haneke. La película es una radiografía las miserias de una familia francesa de la alta burguesía, o al menos lo intenta: el uso de la elipsis es muy errático y no centra el foco en ninguno de los personajes, haciendo que la narración carezca de eje dramático. Por momentos cuesta entender las reacciones de los personajes, así como las relaciones que las determinan. En lo positivo destaco el interés por integrar nuevas formas estilísticas en el lenguaje audiovisual -la cámara subjetiva del móvil, el primer plano en el que los personajes se expresan en redes sociales-, pero me ha dejado frío. Bache del austriaco a la espera de su serie de televisión.
-
antonio1004
- Mensajes: 33672
- Registrado: 15 Mar 2003, 11:08
Se ha comparado 'El hilo invisible' con Kubrick (nope), Ophuls (wat) o Hitchcock (esto sí lo compro, hay varios guiños), pero permitidme barrer para casa, realmente es otro remake de 'Matrimonio Compulsivo' de los hermanos Farrelly. Y uno igual de cómico y retorcido. Estáis tardando en ir a verla. Yo he tenido el privilegio de hacerlo con música en directo de la Filarmónica de Rotterdam y será algo que encuentro difícil de superar en el resto de mi vida. Además, estaban PTA y Vicky Krieps en el auditorio. La ovación ha sido cerradísima. Qué momento. Qué película.
-
remember CAI
- Mensajes: 6603
- Registrado: 06 Abr 2002, 10:04
- Ubicación: En las trincheras
Mudbound- 7,5. Enésima intentona de explicarnos el racismo en Old Mississippi desde la sensiblería, me sorprende que un film tan plano y romo entrara entre las frontrunners para los Oscar. Rodada con exquisitez, con alguna interpretación destacada ( me gustaron Mulligan y Blige), el problema de este trabajo es su falta de ambición, su proyección ad intra, quedándose en un bonito envoltorio sin alma, en una recreación que carece de mayor interés, de hecho a veces por vocación parece más un telefilm que otra cosa.
Phantom Thread. - 8. PTA, tras la magistrales Boogie Nights y Magnolia, y con la excepción de There Will Be Blood, como le ocurriera a Scorsese o a Mann, parece perdido para la causa del verdadero cine, ese que, además de la pretensión estética o meramente artística, es cómplice del espectador que quiere algo más, que busca emociones, que le cuenten una buena historia ( como hicieran Ford, Hawks, Walsh, A Mann, Wilder, Melville, Kubrick, Hitchcock y tantos otros). A esta película, bella y elegante, visualmente prodigiosa, le vuelve a faltar nervio y tensión narrativa, hay grandes escenas, una interpretación fabulosa de Day-Lewis, que hace mutis a lo grande, y un potencial enorme en el triángulo amoroso central, pero lo que no hay es pasión, ni ritmo, más allá del huero ensimismamiento, tan goloso para los falsos profetas. Banda sonora sublime, que demanda reconocimiento y presea.
Phantom Thread. - 8. PTA, tras la magistrales Boogie Nights y Magnolia, y con la excepción de There Will Be Blood, como le ocurriera a Scorsese o a Mann, parece perdido para la causa del verdadero cine, ese que, además de la pretensión estética o meramente artística, es cómplice del espectador que quiere algo más, que busca emociones, que le cuenten una buena historia ( como hicieran Ford, Hawks, Walsh, A Mann, Wilder, Melville, Kubrick, Hitchcock y tantos otros). A esta película, bella y elegante, visualmente prodigiosa, le vuelve a faltar nervio y tensión narrativa, hay grandes escenas, una interpretación fabulosa de Day-Lewis, que hace mutis a lo grande, y un potencial enorme en el triángulo amoroso central, pero lo que no hay es pasión, ni ritmo, más allá del huero ensimismamiento, tan goloso para los falsos profetas. Banda sonora sublime, que demanda reconocimiento y presea.
[img]http://i29.tinypic.com/2mebaq0.jpg[/img]
[url]http://www.solobasket.com/blogs/remember/b-8.html[/url]
[url]http://www.solobasket.com/blogs/remember/b-8.html[/url]
Ehem. No me lo tengáis en cuenta.antonio1004 escribió:Se ha comparado 'El hilo invisible' con Kubrick (nope), Ophuls (wat) o Hitchcock (esto sí lo compro, hay varios guiños), pero permitidme barrer para casa, realmente es otro remake de 'Matrimonio Compulsivo' de los hermanos Farrelly. Y uno igual de cómico y retorcido. Estáis tardando en ir a verla. Yo he tenido el privilegio de hacerlo con música en directo de la Filarmónica de Rotterdam y será algo que encuentro difícil de superar en el resto de mi vida. Además, estaban PTA y Vicky Krieps en el auditorio. La ovación ha sido cerradísima. Qué momento. Qué película.
(Mira negrita)
ME CAGO EN TU RAZA, envidia de las gordas.
Pasado el momento de envidia, me alegra ver que Phantom Thread pinta tan bien. Tengo que ver esta, Zama y 120 pulsaciones por minuto. A ver qué tal.
Última edición por Bundy el 03 Feb 2018, 17:13, editado 1 vez en total.
-
antonio1004
- Mensajes: 33672
- Registrado: 15 Mar 2003, 11:08
Joder, tremendo facepalm.remember CAI escribió:parece perdido para la causa del verdadero cine, ese que, además de la pretensión estética o meramente artística, es cómplice del espectador que quiere algo más, que busca emociones, que le cuenten una buena historia ( como hicieran Ford, Hawks, Walsh, A Mann, Wilder, Melville, Kubrick, Hitchcock y tantos otros).
"el verdadero cine"
En los 50 no consideraban a Hitchcock ni a muchos otros verdaderos cineastas, parece que hace falta recordarlo. Decir que "el cine es que te cuenten una buena historia" es reducir al mínimo todas sus posibilidades. Si quieres una buena historia lee una novela o entra en forocoches, el cine es imagen en movimiento. Pero vaya, que uno de los cineastas actuales con más reminiscencias clásicas, más literarios, es precisamente Paul Thomas Anderson, que no te quepa ninguna duda. Otra cosa es que anteponga su perfeccionismo visual a la narrativa, lo que no quiere decir que no exista, o que adapte a Upton Sinclair, Thomas Pynchon y escriba un drama gótico. Siento que para tu disfrute todavía no conozca las novelas de Corín Tellado.
Te recomiendo el cine de Ron Howard, sobre todo las adaptaciones de Dan Brown, eso sí que son buenas historias y emociones de verdad.
Molaría que hubiera un podcast o programa de cine rollo chiringuito de jugones con discusiones así.
"Porque yo he venido aquí a hablar de VERDADERO CINE"
"Porque yo he venido aquí a hablar de VERDADERO CINE"
Pues todo lo que has dicho con la suficiencia que te caracteriza, facepalm incluido, aplícatelo a ti mismo, que estás haciendo exactamente lo mismo que el otro. Si el cine no es sólo "contar una buena historia", no sé qué te hace pensar que la literatura sí lo es.antonio1004 escribió:Si quieres una buena historia lee una novela
-
antonio1004
- Mensajes: 33672
- Registrado: 15 Mar 2003, 11:08
Estaba exagerando, o a ver si cuando a continuación le decía que leyera forocoches iba en serio... Que hay que explicarlo todo.LSR escribió:Pues todo lo que has dicho con la suficiencia que te caracteriza, facepalm incluido, aplícatelo a ti mismo, que estás haciendo exactamente lo mismo que el otro. Si el cine no es sólo "contar una buena historia", no sé qué te hace pensar que la literatura sí lo es.antonio1004 escribió:Si quieres una buena historia lee una novela
PD: Lo de Dan Brown era sarcasmo, te lo aviso con la suficiencia que me caracteriza, por si no lo pillas. No trates de verlas
Ah, que estabas "exagerando". Ya, ya.
Lo que es exagerao es la pedrá que tienes. La virgen.
Lo que es exagerao es la pedrá que tienes. La virgen.
¿Quién está conectado?
Usuarios navegando por este Foro: No hay usuarios registrados visitando el Foro y 3 invitados
Fecha actual 25 Abr 2024, 08:34