Contador de películas 2018 La vida al margen del deporte (la hay) Moderadores: Trager, andraax, Locutus, hastrakan, Roy Lichtenstein

[antonio1004]

¿Criticar? ...

Lo que tu digas. Bicos y tal.

Sinceramente, ¿tú crees que una película crítica tendría una secuela y se convertiría en una marca a explotar?

La película bebe los vientos del sistema, no discute nada. Al exponerlo puede sembrar dudas del mismo modo que hacer apología, porque insisto, no se posiciona. Lo que sí hace es recrearse en toda la parafernalia paramilitar, es pura testosterona camuflada de ejercicio arty.

[Benny16]

¿Criticar? ...

Lo que tu digas. Bicos y tal.

Sinceramente, ¿tú crees que una película crítica tendría una secuela y se convertiría en una marca a explotar?

La película bebe los vientos del sistema, no discute nada. Al exponerlo puede sembrar dudas del mismo modo que hacer apología, porque insisto, no se posiciona. Lo que sí hace es recrearse en toda la parafernalia paramilitar, es pura testosterona camuflada de ejercicio arty.

Pero que tiene que ver una cosa con la otra? Quiero decir, si hablamos de Sicario imagino que deberiamos centrarnos en Sicario, no en sus precuelas o tus secuelas. A mi me parece que la pelicula critica de forma clara y muy poco sutil lo que hace el gobierno yanqui. Pa mi la pelicula es fallida e imperfecta porque no profundiza lo que debiera en algunos asuntos, pero todas esas frases hechas que te sacas del manual del buen cítrico (reaccionaria, pura testosterona) y esos saltos al vacio que pegas afirmando que justifica lo de bad hombres y el muro... cosa tuya y, como te decia, lo que tu digas. Entiendo que a ti Villeneueve te disgusta por lo que sea y yo paso de hacerte cambiar de opinion. Sobre todo tras leer lo que dices y como mezclas bestseller con blockbuster, etica y estetica y tal.

Bicos.

[antonio1004]

Lo que tu digas. Bicos y tal.

Sinceramente, ¿tú crees que una película crítica tendría una secuela y se convertiría en una marca a explotar?

La película bebe los vientos del sistema, no discute nada. Al exponerlo puede sembrar dudas del mismo modo que hacer apología, porque insisto, no se posiciona. Lo que sí hace es recrearse en toda la parafernalia paramilitar, es pura testosterona camuflada de ejercicio arty.

Pero que tiene que ver una cosa con la otra? Quiero decir, si hablamos de Sicario imagino que deberiamos centrarnos en Sicario, no en sus precuelas o tus secuelas. A mi me parece que la pelicula critica de forma clara y muy poco sutil lo que hace el gobierno yanqui. Pa mi la pelicula es fallida e imperfecta porque no profundiza lo que debiera en algunos asuntos, pero todas esas frases hechas que te sacas del manual del buen cítrico (reaccionaria, pura testosterona) y esos saltos al vacio que pegas afirmando que justifica lo de bad hombres y el muro... cosa tuya y, como te decia, lo que tu digas. Entiendo que a ti Villeneueve te disgusta por lo que sea y yo paso de hacerte cambiar de opinion. Sobre todo tras leer lo que dices y como mezclas bestseller con blockbuster, etica y estetica y tal.

Bicos.

Si Sicario da lugar a una secuela es porque el material es el que es, básico y elemental, cine de acción con un envoltorio pretencioso, pero cine de acción. Y el cine de acción, no hace falta que volvamos a los 80 a subproductos como Commando con los que Reagan aplaudía a dos manos mientras se cargaba la democracia de media Latinoamérica, inevitablemente es reaccionario. Yo comparto que la película es fallida, imperfecta y no profundiza, pero lo es porque su director no se posiciona. Y el posicionamiento ético es la **** clave entre hacer otra peli de mierda de acción que aplaude y justifica las paramilicias (no olvidemos que el único personaje que se lleva una lección es ella, que descubre lo horrible que es el mundo de forma paternalista y machista a más no poder, recordemos su escena de sexo) o utilizar ese planteamiento para plantear un discurso crítico.

[TeN_tE]

Sorprendente el giro que ha dado Alexander Payne con Downsizing, aunque sí es verdad que se mantienen muchas constantes de su cine.
Pese a su deliberada estructura que sigue un canon normal de comedia, la película tiene muchísimos aciertos y momentos especialmente hilarantes y esperpénticos.

Casualmente la vi ayer. El canon de comedia solamente se mantiene hasta la mitad de la película, aunque la vietnamita deja momentos muy divertidos. A partir de la hora de película se torna en un drama del que tengo que decir que me aburrió bastante.

A ver, la película es dramedia con un tono más cómico al principio, pero nunca se pasa de género (ahí está Christoph Waltz para ayudar). Sí es verdad que cambia de tercio cuando aparece la vietnamita y a partir de ahí va por un camino más distópico y agrio, pero justo eso mismo me gustó bastante.

[Engrudo]

Lo que sí hace es recrearse en toda la parafernalia paramilitar, es pura testosterona camuflada de ejercicio arty.

Muy de acuerdo aquí. Si la intención era la opuesta desde luego le salió el tiro por la culata, pero lo dudo, era algo fácil de evitar y optó por lo grandilocuente y convencional.

[Heidegger]

Hace unas semanas vi Ladybird, pero se me pasó comentarla. Me gustó mucho cómo muestra la vida del adolescente medio norteamericano, sin efervescencias ni giros dramáticos innecesarios, pero me irritó su humor simplón metido con calzador -ese entrenador reconvertido en director teatral- y, sobre todo, su final, tan conservador como innecesario.

Hace un par de días de entregaron los premios Jussi de la Academia finlandesa de cine, por cierto. Para variar ningunearon a Kaurismäki (no se llevó ni un solo premio), premiaron a la película que menos pintaba en las quinielas (Ikitie) y despreciaron a la gran favorita, con su director metido de lleno en una espiral de escándalos y abusos (Tuntematon sotilas). Un esperpento.

[Benny16]

Black Panther (R Coogler, 2018): Entretiene, esta bien rodada y tiene cierta miga. Es pa lo que es.

[Iñigo]

Sorprendente el giro que ha dado Alexander Payne con Downsizing, aunque sí es verdad que se mantienen muchas constantes de su cine.
Pese a su deliberada estructura que sigue un canon normal de comedia, la película tiene muchísimos aciertos y momentos especialmente hilarantes y esperpénticos.

Casualmente la vi ayer. El canon de comedia solamente se mantiene hasta la mitad de la película, aunque la vietnamita deja momentos muy divertidos. A partir de la hora de película se torna en un drama del que tengo que decir que me aburrió bastante.

A ver, la película es dramedia con un tono más cómico al principio, pero nunca se pasa de género (ahí está Christoph Waltz para ayudar). Sí es verdad que cambia de tercio cuando aparece la vietnamita y a partir de ahí va por un camino más distópico y agrio, pero justo eso mismo me gustó bastante.

Dramedia es la palabra, sí, pero no coincido contigo en el gusto por la segunda parte.

[Iñigo]

Ayer me vi "La suerte de los Logan", y la verdad es que sin esperarme demasiado me gustó bastante. El argumento es el muchas veces usado en películas de robos, pero entretiene bastante. Por otro lado, vi "Reset", película china de ciencia-ficción, y a pesar de tener bastantes lagunas en su desarrollo y cosas mejorables, a mí el rollo viajes en el tiempo y universos paralelos me tiene ganado.

[Simpkins]

Precisamente, la diferencia entre Boyero y un crítico serio es tener ética. De trabajo y vital. No ajusto las películas a mi criterio ético o moral, porque no creo que el mío sea muy distinto al tuyo. Considero que cada película solo tiene una forma de poder hacerse y contarse, ahí reside su relación entre fondo y forma. Creo que la ética y la moralidad pueden y deben transgredirse, hay que molestar, pero no hay tantas posibles éticas como habitantes hay en la tierra. La ética es una forma común de ver el mundo y diferenciar el bien del mal, son una serie de reglas comunes a toda la humanidad, con sus variaciones en el seno de cada sociedad e ideología, por supuesto. La diferencia estriba en que cada película muestra su propia forma de ver el mundo. Es un reflejo del nuestro y como tal debe valorarse, su punto de vista es una parte intrínseca que fundamenta todas y cada una de sus decisiones. No se puede no tener en cuenta, es tan importante cuestionarlo como cualquier otro aspecto, es indivisible. Insisto, un plano es hermoso porque tiene una ética detrás, no porque el director sea talentoso y el equipo técnico esté repleto de genios.

Bonita falacia te ha quedado Antonio.

Dicho esto, simple y llanamente NO. Pero para explicártelo estoy seguro que Heidegger te puede dar una lección más vehemente de lo absurdo de tu planteamiento.

Y si lo que dices es realmente lo que piensas, tienes una visión extremadamente dogmática del mundo y lo peor, es que muy posiblemente ni tan siquiera seas consciente de esto.

Estás confundiendo ética con ideología, me parece a mí. Lo que nos hace humanos es inherente a todos. La belleza y la crueldad, el bien y el mal. Estoy hablando de principios básicos y conceptos generales que compartimos como seres humanos y que las películas transmiten quieran o no. No estoy imponiendo ningún dogma ni ninguna verdad, digo que la visión que transmiten las películas del mundo es fundamental tenerla en cuenta. El dogma sería rechazar cualquier clase de lectura o juicio que vaya más allá de lo estético, cuando ya digo, son indivisibles.

En todo caso la estaría confundiendo con la moral, que viene a ser la aplicación práctica de la ética. Y de hecho, creo que eso es lo que estás haciendo tu.

Los distintos códigos éticos (porque en el fondo de lo que hablas es de ajustarte a unas premisas) que terminan constituyendo la moral, sea individual o propia de una comunidad, de inherente al ser humano tienen entre poco y nada.

A partir de aquí, construyes toda tu argumentación y por eso vuelvo a repetirte, que es una argumentación falaz.

Pero es que aún aceptando toda tu premisa, vuelvo a insistir, el arte no tiene porque ser ético o, mejor dicho, no debe construirse deliberadamente sobre premisas morales (te lo repito, toda aplicación práctica de la ética, es moral).

[Joni·]

Bestseller no es una categoría artística. Tampoco blockbuster ni megahit. No refieren al nivel artístico-creativo del producto.

Chacal o It son bestsellers, Master and Commander es un blockbuster y Karma Police un hitazo.

El presupuesto del aparato promocional no modifica la calidad del objeto promocionado.

Creo que el término se presta a confusión, según como lo entiendas. A día de hoy hablamos de géneros en sí mismos. El blockbuster es un blockbuster no por el éxito que tenga, sino porque se ajusta a ciertos condicionantes de producción que determinan la propia creación de la obra. Que haya blockbusters buenos y peores es otro tema. En cualquier caso, el nivel en la actualidad es lamentable, por lo tanto, la forma en la que está producido sí define la calidad del producto. Igualmente, los best seller son best seller aún sin haber vendido una sola copia. Haced la prueba y entrad a una librería de estación o aeropuerto para comprobar que en todas están absolutamente los mismos libros. La diferencia entre lo que es un producto y lo que es una creación artística cada vez está mas clara tanto en el cine como la música o la literatura. Situar todo al mismo nivel, al final lo único que hace es bajar el nivel y permitir que la mediocridad y los intereses de la industria se impongan. ¿Valemos algo más que eso, no?

En ese sentido, Master and Commander no sería un blockbuster ni Karma Police un hit comercial. El éxito no es lo que los define, sino su concepción. Por supuesto los caminos del mainstream son inescrutables, pero no es a lo que me refería.

Me parece que estás confundiendo "blockbuster" con "blockbuster para público adolescente", "jitazo" con "jitazo para sordos y otras afecciones de oído" y "best seller" con "mierda con banda editorial para analfabetos funcionales".

Para hacer M&C pusieron en las manos de Weir 150 millones de pavos. Es una de esas pelis que se follan un estudio si fracasan (una de las definiciones válidas de blockbuster). La productora querría pegar un pepinazo en mundo adulto y no lo consiguió pero nos regaló un puto peliculón. Concebido desde el origen como un blockbuster.

Después de The Bends, Radiohead podía grabar con quien le saliese del nabo. Para OK Computer escogieron la independencia de Capitol y EMI. Ya me imagino los medios de producción y comercialización underground.

Y Stephen King, como dijeron en Jotdown, ya ha escrito la gran novela americana del siglo XX. Cuatro veces, tirando por lo bajo.

[Bundy]

98.-India Song (Marguerite Duras, 1975) – 8

Uno de los mejores usos de la voz en off que recuerdo junto a las películas de Bresson. India Song es una película en la que ese recurso y el juego de espejos juegan una dosificación de información fundamental. Deleuze alabó a la directora y al tándem Straub-Huillet como uno de los mejores en el uso de la palabra, en tanto que los tres consiguen utilizarla para trascender al uso habitual del diálogo y de los actores en el cine. Y la verdad es que sí, ¡y tanto!

La trama es bien sencilla y parecida en algún sentido a lo que Duras hizo en La Amante: una mujer sola y solitaria, que se entrega al placer y al abrazo de muchos hombres sin esperar nada a cambio, o quizás sí algo, pero que no encuentra nada y acaba pereciendo sin encontrar algún remanso de paz, ya ni hablemos de felicidad. El caso, y lo sugerente de ello, es cómo Duras utiliza múltiples voces en off y movimientos en círculo (panorámicos) para resituar al espectador en una posición de observador pasivo en el que los personajes son más cuerpos actuando en silencio; mientras, las voces van y vienen, son suyas y a la vez se disocian, y también eso ocurre con los sonidos, con la música (especialmente el tema de India Song) y con los gritos.

99.-Moisés y Aarón (Danièlle Huillet y Jean-Marie Straub, 1975) – 8,25

Muchos directores han trabajado la forma de declamar de actores y otras figuras; pocos, sin embargo, han sido capaces de llevar el juego sonoro y vocal al siguiente nivel. Marguerite Duras es un ejemplo, sí, pero todavía más lo son Jean Marie Straub y Danièlle Huillet, quienes adaptan una ópera de Arnold Schönberg a la gran pantalla. Aquí hay una mezcla entre las primeras películas del dúo (concisas, casi crípticas, trabajando mucho la voz y subrayando entre poco y nada, casi lo contrario) y sus películas posteriores desde Fortini/Cani, en donde las panorámicas y las voces, a veces incluso polifónicas, se responden las unas a las otras y acaban otorgando nuevos significados a la cinta. La apertura de la película es excepcional, sabiendo implementar al máximo la figura de Dios mediante una panorámica hacia el paisaje (muy lenta, por cierto) en consonancia a la quietud y a la pequeñez de Moisés (plano corto, largo, con él tan solo hablando, en contraste con la polifonía de Dios, que parece que esté en un estado entre el habla y el canto). Esos juegos se suceden posteriormente, aunque más abruptos, estableciendo esa frontera entre el habla y el canto y utilizando panorámicas lentas con reencuadres rápidos, variando no solo movimiento de la escena (y de la cámara), sino también explotando al máximo las virtudes del encuadre y de otros recursos audiovisuales y de montaje que se suplen de sobra (¿fue por falta de dinero o no? Tengo curiosidad).

Intentaré reverla lo antes posible, pero diría que es una de las películas más accesibles del dúo y quizá de las mejores.

100.-Trees of Syntax, Leaves of Axis (Daïchi Saito, 2009) – 9

La construcción y la deconstrucción de las formas en pos de los colores es algo que el director japonés afincado en Canadá sabe y demuestra en películas como All that rises. Aquí, el ejemplo es más extremo: múltiples pasajes (bastantes frame by frame) y arboledas dan paso a superposiciones de enorme velocidad en la que el corte y la transformación de las figuras se van dando de sí: primero normales, luego coloreadas, luego cada vez más difuminadas para, al final, hacer desaparecer las formas y convertirlas en objetos fuera de lo real y cercanos a lo abstracto.

101.-Eadward Muybridge, Zooxographer (Thom y Fay Andersen, Morgan Fisher, 1975) – 6

Reportaje sobre una figura polémica, pero a la vez importante para el paso que vendría entre la fotografía y el cine. El equipo de directores usa eso para su beneficio, explotando técnicas desde la fotografía en estático (a lo “La Jetée”) a utilizar el movimiento que Muybridge patentaría con las máquinas que a la larga constituirían el cine. Documental interesante, pero carente de mucho atractivo más y más pasivo de lo que serían muchas películas posteriores de Thom Andersen o de la misma Morgan Fisher.

102.-Simón del Desierto (Luis Buñuel, 1965) – 7

Sátira cuanto menos curiosa sobre el santo Simón y su pelea contra todo aquello que está por encima. Buñuel utiliza varias panorámicas en todos los sentidos (unas más cortas para Simón, muchas de ellas ascendentes o descendentes) y lo contrapone con planos generales o retazos de la vida de muchos de los curas y pueblerino con planos generalmente más quietos. Lo más irónico, aun así, es cómo Buñuel y su coguionista Julio Alejandro retratan a Simón: por un lado, guía espiritual y humilde; por el otro, un necio intolerante con sus dejes fanáticos. Lo malo de todas las dinámicas, pero, se nota que se encuentra en la producción: Buñuel debe apañarse como pueda de terminar la película en los últimos 5 minutos (la escena tiene sentido per se, pero poca coherencia con lo anterior), y algunos efectos son más cutres de lo que el director querría.

103.-Los canallas (Claire Denis, 2013) – 6,5

Película hermética tanto en su forma de montar y de narrar la historia como para encerrar a los personajes en una burbuja claustrofóbica en la que los primeros planos (tan bellos como terroríficos, abarcando rostro y cortando parte de la cabeza, emulando en parte al thriller psicológico y a la novela de las mismas características) son planos de estado, conjuntos o no, de un malestar enfermizo en el que un cabronazo poderoso y que se sabe tal (hasta el punto de violar y utilizar sexualmente a las mujeres que le rodean en su vida) explota a placer su entorno.

El problema, sin embargo, radica en esas elipsis abruptas que eliminan esa información. Bien es cierto que eso te obliga a ver más allá y a completar los flecos de la historia, pero la película en ese sentido es muy irregular: en ocasiones da más información de lo que debe, y en otras se queda muy corta para llegar a todo el mundo. Además, hay algunos giros que son más de significante que de otros conceptos

104.-Céline (Jean-Claude Brisseau, 1992) – 7,5

Película que va de menos a más de Brisseau y no es por la escasez de contenido de la primera parte de la película, sino que esta especie de inicio de reclusión secular sirve de catalizador para toda la trama fantástica que vendrá después. Céline tira mucho de planos generales y de exteriores para reflejar estados de ánimo, y su trabajo para llevarlos más allá se debe al uso del fantástico bien ejecutado a través de cortes limpios y lenguaje sencillo. No hay complicaciones y sí creatividad en lo onírico, sirviendo de intersticio entre el mundo real y el imaginario que mora en el más allá, siendo Céline y la enfermera piezas centrales de la historia: la primera, como elemento misterioso al que vemos actuando y que cada vez se volverá una figura más y más misteriosa; la enfermera, por ser el personaje que se convierte en el ancla de la historia. Su único defecto diría que es su final, algo atropellado y con un WTF que no sé hasta qué punto acaba de ser interesante dentro del encaje de la historia, pero por lo demás, buena mezcla de mística, película de “curación espiritual” y fantástico-divino.

[Genjuro]

100. The Happy Time (Richard Fleischer, 1952) - 6,5

Una comedia que celebra el amor y la joie de vivre, centrada en una excéntrica familia canadiense de principios de siglo de inclinaciones liberales (al menos en sus varones) respecto a las relaciones sentimentales y a otros "vicios". La transición del hijo hacia la edad adulta es el momento elegido para desarrollar la historia, para presentar a estos peculiares personajes en un contexto iniciático. El resultado es bastante bueno, una obra divertida con algún ramalazo de vodevil despachada con ritmo infatigable.


101. Home Before Dark (Mervyn LeRoy, 1958) - 6

La historia de una joven esposa de vuelta del internamiento en un hospital psiquiátrico a una frágil vida conyugal busca las hechuras del gran drama con tintes psicológicos. Ella encarna cierto prototipo de mujer emocionalmente dependiente del marido, cuya única vía de escape al estado de enfermedad permanente al que parece abocada sería la emancipación. LeRoy entrega un film sólido en sus formas visuales aunque en mi opinión carente de genio. El resultado desmerece un tanto por la falta de sutileza con la que se manejan los personajes (la estresante escena de su retorno a la casa es un buen ejemplo de ello).


102. You Are Not an Orphan (Shukhrat Abbasov, 1963) - 6,5

Ambientado durante la Segunda Guerra Mundial, este film retrata la filantrópica actividad de un matrimonio que recoge niños huérfanos para criarlos como si fueran propios. Favorecido por el tema tratado, es evidente que se busca una carga emotiva fuerte en cada crisis y resolución que se plantea, aunque yo creo que la película mantiene una mirada honesta sin llegar a la explotación sentimental. Sí que hay una carga ideológica y ejemplar dentro de su discurso inclusivo, que se manifiesta en la reivindicación del grupo y el colectivo, aunque no me parece que resulte forzada sobre los personajes y la historia. En la puesta en escena se puede encontrar esa dicotomía grupo-individuo a través del contraste y la transición entre primeros planos y planos generales, en ocasiones muy brusca (quizás demasiado), dentro de un estilo en el que prima el movimiento y cierta alegría en las angulaciones.


103. Akutaro (Seijun Suzuki, 1963) - 7,5

Compartiendo la misma autoría en su origen literario que Akutarô-den: Warui hoshi no shita demo (Tôkô Kon), no son de extrañar los puntos en común que guardan ambos films y que inciden en temáticas y personajes habituales de Suzuki, como su típico peotagonista, un joven cuya rebeldía es en buena medida producto de su negativa a plegarse a unas reglas y usos sociales injustos e hipócritas. "Desterrado" a una pequeña localidad de provincias, el film relata entre otras cosas su historia de amor con la hija de un médico local. Ese matiz romántico, así como el despertar sexual (a veces tratado con humor un tanto grotesco), también es muy característico de estos films. La puesta en escena vuelve a rayar a gran altura, toda una lección de manejo del scope.


104. Der Frühling braucht Zeit (Günter Stahnke, 1965) - 6,5

Otro exponente de la notable añada cinematográfica de 1965 en la RDA que fue prohibida en bloque por las autoridades, y en este caso tampoco sorprende visto el contenido. El film se centra en un ingeniero detenido bajo la acusación de autorizar un gasoducto defectuoso que ha causa la pérdida de mucho dinero, explorando las relaciones burocráticas y empresariales, las políticas de incentivos y competitividad dentro del sistema. El panorama que muestra no es nada alentador, incluida la capacidad coercitiva del estado que se percibe, por más que el tramo final quede un poco dulcificado. De su puesta en escena resulta llamativo el carácter artificioso de las estancias en que se desarrolla la historia, prístinas, minimalistas, desnudas, con la evidente intención de que carezcan de calor humano.


105. Jirochô to kotengu: nagurikomi kôshûji (Masahiro Makino, 1962) - 6

Dentro de las numerosas películas de yakuzas que entregó para la Toei durante los años 60 (era la especialidad del estudio), Makino tuvo a la mítica figura de Jirocho de Shimizu como protagonista de varias de ellas. En esta ocasión es casi más un secundario de referencia, centrándose la acción en el joven hijo de un jefe yakuza, tan hábil con la espada como poco avezado en otros menesteres, huído por enfrentarse a unos oficiales samurái. La película nos ofrece una preceptiva pero simpática relación amorosa, además del inevitable enfrentamiento entre las diferentes bandas yakuza, perfectamente delimitadas en su carácter positivo y negativo. Sin estar entre las mejores películas de Makino, y a pesar de su carácter en alguna medida formulario, vuelve a ser una obra ágil, vitalista y ligera, fácilmente disfrutable.


106. Wild Boys of the Road (William Wellman, 1933) - 6,5

Claro exponente de film sobre la Gran Depresión, sigue los pasos de unos jóvenes devenidos en vagabundos que viven en los márgenes de la ley en busca de trabajo y sustento. Su caída en desgracia económica y muy especialmente todo su periplo de vagón en vagón, como polizones de los ferrocarriles, está muy bien reflejado. La sensación de realismo se vuelve intensa según avanza el metraje, aunque el sentido del humor nunca abandona la película. La entereza de los personajes, su calado humano, proporciona momentos emocionantes, y Wellman se muestra muy pudoroso cuando la cosa puede ponerse escabrosa. Lamentablemente el final de la película malogra en alguna medida sus logros, quedando como un pegote paternalista.


107. Wilder Urlaub (Franz Schnyder, 1943) - 6,5

Con estética cercana al cine negro, este film suizo relata la noche de un soldado que ha desertado de su puesto tras haber matado a un superior. Los encuentros que se van sucediendo le sirven para tomar consciencia de su situación y del sentido del deber. Lo más interesante del film es, en mi opinión, la estética nocturna y su utilización de las sombras. Ambientada en el presente bélico, en un Zúrich de apagón forzoso para prevenir bombardeos (a pesar de la posición neutral de Suiza), la noche se hace así mucho más negra, potencialmente cercana a la pesadilla, aunque la película no termina de apostar a fondo por ello.


108. Les ordres (Michel Brault, 1974) - 7

En 1970 se declaró en Canadá el estado de guerra tras el secuestro de dos dignatarios por parte del Frente de Liberación de Québec. Este docudrama narra la detención y encarcelamiento sin cargos de varios ciudadanos de la provincia francófona, dentro de una política de indiscriminada propia de un estado policial, reflejando el periplo de personas reales según sus propios testimonios. El proceso de encarnación por parte de los actores se realiza de manera transparente a través de una breve presentación en la que intérprete y personaje se funden a través de unos mínimos datos biográficos en los que no siempre queda claro cuándo habla el actor de sí mismo o de su personaje. El film es bastante austero en su formulación visual y centra su atención principalmente en los detenidos, sin buscar personalizar la opresión ni hacer excesiva sangre de las interacciones individuales. La idea es enfrentar al ser humano (en el que se puede reconocer el espectador) ante un sistema opresivo cuya responsabilidad parece abstraerse en esas "órdenes" a las que hace referencia el título, y eventualmente evidenciar la fragilidad de nuestro régimen de presuntas libertades en cuanto se da cancha al poder. Brault contrapone el blanco y negro en las escenas de libertad con el color en las retenciones y encarcelamientos, quizás a la inversa de lo que sería más intuitivo, pero también una manera de facilitar la identificación con el espectador en esos momentos de indefensión ante la maquinaria del estado.


109. Ewa chce spac (Tadeusz Chmielewski, 1958) - 7

Otra aventura urbana nocturna, ésta en clave de comedia, cuyo cúmulo de equívocos gira alrededor de una joven que no es capaz de encontrar alojamiento para pasar la noche antes de comenzar su curso internada. El juego de roles, muchos de ellos con la autoridad (la policía en particular) como protagonista, que no queda demasiado bien parada, está muy logrado y depara un film muy divertido. También diría que la película trabaja una sutil sensación de irrealidad casi onírica ya desde su escena de apertura, sumando al encanto del resultado final.


110. La città si difende (Pietro Germi, 1951) - 6,5

Un típico film de atracos (en la variante centrada en la huída) pasado por el filtro del neorrealismo. Son cuatro ladrones amateurs que se hacen con la recaudación de un partido de fútbol, personajes que actúan por necesidad, por frustración o por orgullo. Germi evita la mirada maniquea puesto que permite al espectador empatizar en variada medida con su situación sin justificarles ni convertirles en héroes sin mácula. La solvencia narrativa se da por descontada, pero quizás la dispersión argumental producto del enfoque coral hace que el resultado pueda ser algo esquemático y que la película se quede un poco por debajo del grueso de la carrera de Germi.


Un saludo.

[luisberk]

Tiene buena nota la de Akutaro, voy a intentar verla en este puente.

[rigal]

No sabía yo que daba tanto juego Master and Commander, por no hablar de esa burrada de presupuesto.
Siendo una película que de primeras me gustó y que veo con cierta frecuencia, la sensación que me da a cada revisionado es peor. Historia muy simple, personajes que se creen más listos de lo que son y enemigos zoquetes. Pretenciosa en exceso.


Por cierto, no entiendo el bombo que se le ha dado a la figura de Pablo Escobar. Y va León de Aranoa y se casca una película sobre en .

[windom_earl]

Ayer vi Sicario de Villeneuve...
Tremenda decepción. Supongo que escogí mal.

[Heidegger]

Los distintos códigos éticos (porque en el fondo de lo que hablas es de ajustarte a unas premisas) que terminan constituyendo la moral, sea individual o propia de una comunidad, de inherente al ser humano tienen entre poco y nada.

Básicamente es esto. La diferencia entre moral y ética está clara, siendo lo ético un constructo sincrónico y diacrónico que se sustenta sobre una hipotética moral universal. De todas formas, por momentos, la diferencia entre la ética y la moral se difumina, por mucho que conceptualmente estén bien diferenciados.

Ayer vi Handia, aprovechando que la han subido a Netflix. En lo estético es hermosa, y me gusta que defiendan sus presupuestos creativos hasta sus últimas consecuencias -la luz y la puesta en escena como sustitutos de la palabra, haciendo de los colores y del ambiente el vehículo de transmisión de los sentimientos de sus protagonistas-. Ahora bien, a la historia le falta fuerza y las partes dramáticas no acaban de encajar en un su preciosismo. Interesante y diferentes, cuando menos.

[Iñigo]

No sabía yo que daba tanto juego Master and Commander, por no hablar de esa burrada de presupuesto.
Siendo una película que de primeras me gustó y que veo con cierta frecuencia, la sensación que me da a cada revisionado es peor. Historia muy simple, personajes que se creen más listos de lo que son y enemigos zoquetes. Pretenciosa en exceso.

A mí me sucede algo parecido. Y, cosa mía, me frustra no saber qué sucede con la persecución al capitán francés.

[Benny16]

Summer in the Forest (R Wright, 2017): interesante documental centrado en L'Arche, una organizacion fundada por Jean Vanier donde personas con discapacidades pueden redefinir conceptos como normalidad y felicidad, e integrarse en comunidades que no se centran en relaciones economicas o de poder. El documental cuestiona -sin dogmatismos ni imposiciones- que es 'ser humano' a la vez que nos deja formar parte de el sueño de Jean Vanier ("not utopia, a hope") y su L'Arche (que inicio aceptando a dos hombres con discapacidades en su casa y hoy se extiende por 35 paises), que "solo" pretende bring people together.

[Bundy]

105.-In the Street (James Agee, Helen Levitt, Janice Loeb, 1948) – 5,5

Película que tira del documental para retratar las condiciones de la sociedad de la posguerra americana en la calle, poniendo la mirada sobre todo en los niños y en cómo estos sobreviven en el día a día. Hay tomas y juegos interesantes de corte, pero no deja de ser más que un muestrario de las condiciones de la época con algún hallazgo por encima de otro.

106.-On the Bowery (Lionel Rogosin, 1956) – 7

Docudrama en el que se mezclan imágenes de cámara oculta y otros métodos similares para ilustrar la vida de los vagabundos de la época con otras de corte dramático. Hay dos ejes que juegan una composición contrastada cuanto menos jugosa: por una parte, una parte documental silente con hilo musical en el que se retrata un contexto en apariencia superficial y contextual, pero que resulta más de peso que la parte ficcionada, en la que los primeros planos, el ruido, los diálogos intrascendentes (que cuajan muy bien) y el drama silencioso de los personajes (casi todos masculinos, violentos, borrachos y/o desamparados) sirven de contrapeso a la parte documental y constituyen el verdadero contexto de la película en gran parte de su duración. Para su desgracia, quizá es el hecho de arrastrar la parte de la ficción lo que juega en su contra, provocando en ocasiones más desinterés del que debería.

Verla en 35mm ha sido un lujazo. Ojalá se reclame esa condición en más Filmotecas y museos, porque cambia mucho la forma de ver de ciertas películas (y luego hay otras que han sido restauradas como el culo, como es el caso de Duelle).

107.-O dia do desespero (Manoel de Oliveira, 1992) – 8

Adaptación del cineasta luso sobre los últimos días del autor de “Amor de Perdición”, sus días con su amante y su conflictiva relación con su hija, ilustradísimas a la perfección en una escena preciosa en donde la voz en off, por ejemplo, va pasando de una carta a la posterior mientras el espectador solo observa una rueda, dejando una sensación demoledora sobre la vida y el estado del autor. Hay juegos con los actores potentes, como aquel en que los personajes y los actores se asocian y se disocian, en un ejercicio creativo mucho mayor (apelando mucho al teatro también) que el que se ve en muchas películas de la actualidad, jugando con lo metacinematográfico mientras se apela al espectador para que no se pierda en ningún momento.

108.-Habeas Corpus (Jorge Acha, 1986) – 7,5

Film de corte experimental cuyas imágenes se repiten como leitmotivs que van transformándose a lo largo de los tres o cuatro días que se suceden entre el Jueves y el Domingo Santo. La película muestra a un torturador y sobre todo a su contraparte, un torturado desnudo y encerrado en un zulo que decide refugiarse en su paraíso particular, el de los sueños. Las imágenes constantes se repiten y se construyen mediante montaje para ir creando su propio raccord y su sentido dentro de la evolución de la película, y quitando algunas imágenes hacia el final que casi me dan la risa floja (por ridículas), el resultado es una película a ratos espectacular en lo estético y con un sentido y una organicidad que dejan con la boca abierta. Sorpresa inclasificable del cine argentino.

109.- Rebeldes del dios neón (Tsai Ming-Liang, 1992) – 8

Ha ido creciendo las últimas horas y he de decir que es una de las sorpresas que he tenido durante el mes de Marzo. Tiene una serie de juegos poderosísimos y a la vez Ming-Liang confirma su línea diferencial en contraposición a Hou Hsiao-Hsien y Edward Yang: Rebeldes del Dios Neón opta por la oclusión en el diálogo de los personajes (hay más diálogo intrascendente que información de peso, y eso le honra cuando decide poner a los actores, a sus cuerpos y a sus acciones como herramienta de la historia) y por una combinación sugerente entre simbología y humor absurdo, que consiguen crear una narrativa interesante y muy balanceada en donde quizá su único pero es un humor absurdo que encaja perfectamente por timing, pero que va a costarle a más de uno por lo en apariencia abrupto; sin embargo, una vez se medita y se observa en contraposición al resto de la película, obtenemos un trabajo sin arista alguna, muy medido y además menos pretencioso o disparatado de lo que podría parecer a simple vista. El juego de Ming-Liang con el agua es sublime, buscando significados en todas sus formas (el agua como purificadora, pero también como mugre). Al final, la película no deja de ser una historia sobre personajes que no pueden escapar, y creo que puede formar una buena pareja de baile junto a Millenium Mambo.