Contador de películas 2018 La vida al margen del deporte (la hay) Moderadores: Trager, andraax, Locutus, hastrakan, Roy Lichtenstein

[PichurryMVP]

isle of Dogs

[Benny16]

Sorry to bother you (B Riley, 2018): Hecha por y para hipsters, la pelicula es entretenida y funciona como analisis distopico, parodico y absurdista de las tensiones raciales y economicas.

Victor/Victoria (B Edwards, 1982): Un clasico muy de actualidad, por su acierto y seriedad (a pesar de ser una comedia) a la hora de tratar asuntos de genero y movidas queer.

[Bundy]

204.-Recuerda (Alfred Hitchcock, 1945) – 8

Me parece una película muy rica, tanto en inventiva visual (muy cercana al surrealismo, y eso va más allá del sueño -es obvio que Dalí debió ayudar a Hitchcock, pero la escena de la leche y demás es una auténtica genialidad). Es, como Dos personas de Dreyer, una película muy psicológica e intuitiva a poco que hayas visto mucho cine, pero no desprecia tampoco al espectador medio; es más, Hitchcock lo sabe e intenta reforzar aquello que es muy críptico, pues sabe que hay informaciones que bien podrían ser muy crípticas para según quién (de ahí que recurra a ampliaciones de objetos y pequeños elementos y sobreimpresiones para poder transmitir toda la información posible). Para mí lo más memorable es la capacidad de conectar imágenes con diferentes significados y de jugar incluso con las ironías, y creo que realmente la película podría haber ido un poco más allá en ese sentido; de haberlo hecho, probablemente estaríamos (falsos decorados cutres aparte en estaciones de esquí) ante una obra no tan pequeña como se cree en la actualidad.

205.-Kindering (Stan Brakhage, 1987) – 6
206.-El reloj (Vincente Minnelli, 1945) – 7,5

207.-No eran imprescindibles (John Ford, 1945) – 8,75

Una película que baja ligeramente la marcha en la segunda mitad en lo que se refiere a belleza y poética audiovisual, pero que no tiene nada que despreciar en comparación a otras películas más aplaudidas del maestro. Como película bélica como la Segunda Guerra Mundial es más amarga todavía que el episodio de los partisanos de Paisà, y aun así, la primera mitad no deja de ser preciosa, con el contexto de la guerra, pero con el protagonismo de los hombres en toda su humanidad y dignidad, y en los claroscuros, aún más preciosos y útiles (a la vez) que mucho cine expresionista alemán, o que el achatamiento de la perspectiva de Dreyer. A mi gusto, película infravalorada.

208.-Cuatro aventuras de Reinette y Mirabelle (Eric Rohmer, 1986) – 7,25

Aquí se puede ver quizá y de forma clara la herencia que Rohmer reportó tanto a Hong Sang-Soo como a Eugène Green. Aquí, cuatro historias sirven a modo de pequeñas aventuras que permiten la creatividad en todos sus gags, sin abandonar, por supuesto, la necesidad de darle vueltas a la vida cotidiana. Como fondo, una idea deliciosa; como forma, una película más que sólida y a ratos tremenda, pero a otros ratos decente como mucho, lo cual no es malo.

209.-Que el cielo la juzgue (John M. Stahl, 1945) – 7,75

Drama poderoso con tintes de melodrama por su forma de trabajar la ironía y esconderse en la psicología del personaje de Gene Tierney, que encarna posiblemente uno de los personajes más enfermizos y dignos de lástima de los años 40. El trabajo que Stahl imprime a esto es brutal, apoyándose en los primeros planos y en el mínimo de elementos para crear tensión. Necesito volver a verla para acabar de captar la dirección más allá de ese tono sepia y ese trabajo con el color y la escenografía para engañar al espectador, pero el guion me parece soberbio y el personaje de Tierney hiela la sangre durante gran parte del metraje.

[Dezsö Kosztolányi]

Jagten (La Caza) : Película escandinava bastante interesante, ya que trata con relativa crudeza el hecho de que una mentira pueda ser aceptada por la sociedad (por diversas razones), los juicios públicos y el mayor interés de la gente por creer lo que quiere creer en vez de usar el pensamiento crítico. En algunas ocasiones la trama está un poco acelerada, pero entiendo que el metraje es limitado y no acaba afectando la idea general. Buen casting.
Nada más verla hubiera preferido un final más oscuro, pero cuanto más lo pienso más me gusta la última escena.
Lo dicho, interesante, y encima sin tocar el tema de las redes sociales.

[Bundy]

Jagten (La Caza) : Película escandinava bastante interesante, ya que trata con relativa crudeza el hecho de que una mentira pueda ser aceptada por la sociedad (por diversas razones), los juicios públicos y el mayor interés de la gente por creer lo que quiere creer en vez de usar el pensamiento crítico. En algunas ocasiones la trama está un poco acelerada, pero entiendo que el metraje es limitado y no acaba afectando la idea general. Buen casting.
Nada más verla hubiera preferido un final más oscuro, pero cuanto más lo pienso más me gusta la última escena.
Lo dicho, interesante, y encima sin tocar el tema de las redes sociales.

En cierta parte es normal, viendo que en 2012 (2010 o antes el rodaje?) estas aún no habían alcanzado su notoriedad (de hecho, la primera que juega con eso es Gone Girl).

Y sí, el final es el perfecto para la historia. Tengo otras quejas con la película, pero el tramo final precisamente es lo mejor de la película

[Bundy]

210.-La hija del Nilo (Hou Hsiao-Hsien, 1987) – 8,5

Drama poderosísimo gracias a las composiciones de Hou Hsiao-Hsien, quien sabe muy bien combinar los planos generales con otros más de medio plano, utilizando puertas y otro tipo de separaciones (incluso la de la voz en off, que por momentos es clímax y anticlímax en según qué ocasiones). Lo más importante, pero, es la forma en cómo Hou construye los planos, dejando mucho aire en las composiciones y montando mucho sobre cuartos y espacios vacíos o casi vacíos, aprovechando además los colores para añadir varios matices, así como también la analogía que el director taiwanés arma con las leyendas egipcias. Al final, un relato sobre la adolescencia y la entrada progresiva y depresiva de su protagonista al vacío de una juventud en un entorno decrépito y sin futuro (se siente como una precuela reposada y meditativa de películas como Rebeldes del dios neón).

211.-La campana de la libertad (Henry King, 1945) – 7

Un drama belicista bastante apañado en el que King decide tomar la vía más original: dejar que la propia burocracia de los militares estadounidenses y las necesidades de un pueblo que ha tenido que lidiar con el fascismo italiano sean los puntos de conflicto de la vida de un Mayor que ve cómo tiene que lidiar con todo ello. La película es de profundo corte humanista y prefiere centrarse en los aspectos políticos, en la burocracia y en la rutina, aunque es sorprendente ver cómo lo que mejor se le da a King es la representación de personajes en el guion y en la puesta de escena como seres imperfectos con necesidades y ansias distintas. Sorprendente trabajo, cuanto menos.

212.-Damned if you don’t (Su Friedrich, 1987) – 7,75

7 minutos de Black Narcissus (resumido y montado con sus coñas) sirven de preámbulo para una breve historia y disquisición sobre una monja que acaba, esta vez sí, seducida por una artista. El trabajo en sí no deja de ser un ensayo sobre deseo, lesbianismo y represión cohesionado gracias a un montaje muy inteligente en su distribución de recursos (voz, sonido, los propios pocos recursos del mediometraje), para culminar en una potente escena final que constituye el clímax ideal, aunque no tanto como parece.

213.-Bajo el sol de Satán (Maurice Pialat, 1987) – 7,25

Drama poderoso y obtuso en el que Pialat sabe hacer gala de la elipsis para dejar en vilo al espectador sobre qué es lo que está sucediendo. El giro a media película es desconcertante, aunque ya viene avisado por una maravillosa escena de noche americana que anticipa lo que está por venir. El juego con las puertas no es tan notorio a simple vista como el juego con los cortes y la omisión de información, pero aun así, una película que aún hoy día no se entiende por qué fue abucheada en Cannes… o sí se entiende xD

214.-Toni (Jean Renoir, 1935) – 7

Aquí pasamos a otro drama, este circular y amoroso, sobre las desventuras de un inmigrante italiano que se desvive por una femme fatale de pueblo a la que la vida le acaba jugando una mala pasada. Es una constante en Renoir, pero también en otros cineastas franceses, el de apostillar contra la mujer en un sistema patriarcal recalcitrante que las convierte en poco menos que marionetas, y creo que ahí radica su valor, en la crítica social que Renoir deja patente (como Grémillon) en sus películas, consiguiendo dignificar a personajes como Josefa incluso en su tramo final. Aquí es notorio el juego de perspectivas (fondo de acción contra la figura que observa, es una constante aquí quién ve en primer plano y quién actúa en el fondo de este) y el trabajo notorio con las composiciones, casi siempre jugando con las líneas diagonales y las horizontales. En ese sentido, es una película con una puesta en escena enormemente teatral, incluso en los planos más cercanos.

215.-La muerte de Empedocles (Jean Marie-Straub, Danièlle Huillet, 1987) – 9

Straub y Huillet eran enormes defensores de la cultura y prueba de ello son sus múltiples adaptaciones de piezas de Brecht, Pavese o Hölderin, como es este caso. La película va sobre los últimos días de Empedocles, un poeta griego que acabó arrojándose a la lava del monte Vesubio. La película corta de forma violenta cuando quiere con la figura humana y sin embargo, jamás le da esa concesión a la naturaleza, a quien ambos directores la retratan en quietud y en todo su esplendor. Hay una fijación, como siempre, en mostrar ese choque hombre-naturaleza, y eso encaja en este trabajo, pues Hölderlin escribió acerca de la necesidad de Empedocles de conectar con la naturaleza desde una perspectiva humanista. Para mí es la mejor película que he visto del dueto alemán, y la más representativa por su puesta en escena: larga, profundamente interesada en la conexión hombre-naturaleza (con todas sus variantes), y también enormemente consciente de la declamación y de la forma de expresarse de los actores. Quizá esa puesta en escena es la más consciente y la que, hasta la fecha, más difícil de tomar en la actualidad, ya que no ha habido hasta la fecha y que conozca nadie que tome su estilo (si acaso, quizá en parte Pedro Costa).

216.-Nobleza obliga (Leo McCarey, 1935) – 7,25

Típica comedia de situaciones con pez fuera del agua con la que McCarey aprovecha para jugar con superposiciones y una dirección más que sólida a ojo. Hay más mérito de la dirección por su idea del montaje que por el guion, pero parece que la historia de verdad tarda en arrancar en favor del gag. Una vez se llega ahí, pero, recuerda por momentos al Lubitsch de El pecado de Cluny Brown, aunque en una línea más tenue y teatral, cercana a Jean Renoir: es más memorable, pues, el momento en que Ruggles acaba rompiendo el cascarón y asumiendo que puede ser alguien (aunque eso quede en una especie de acartonamiento americano en plan “bienvenido a la tierra de las oportunidades”) que toda la comedia de gags y sucesos anterior.

217.-El mensajero (Karen Shaknazarov, 1987) – 6,25

218.-¿Dónde está la casa del amigo? (Abbas Kiarostami,1987) – 7,5

Una película espectacular desde su pequeñez en todas las escalas. Tiene más de fábula verista y crónica social que de fábula pura y dura, y que Kiarostami base toda la película en un conflicto y en un entorno diminuto permite que cada pequeño gesto filmado o bien contextualizado suponga un mundo que a su vez complementa a otro. En la película se siente un profundo asco hacia una sociedad estricta e incluso dada muchísimo a la mano fácil porque sí, por palurdismo, pero que luego es interesada o incluso estúpida para consigo y su entorno. La parte final es tremenda, en tanto que se muestra de una forma particularmente tierna los parecidos y las diferencias entre la infancia y la vejez.

219.-El amigo de mi amiga (Eric Rohmer, 1987) – 8,5

No es de las más comentadas de Rohmer y sin embargo sí es la mejor que he visto hasta la fecha. Es una observación muy desenfada e incluso bastante actual y armónica sobre las relaciones y los muchos prejuicios y preceptos que uno se construye, y cómo muchas veces estos caen por sí solos (y muchas veces, como aquí, caen positivamente). La elección de colores de Rohmer no es azarosa; más bien, al contrario, estos hablan por sí mismos (incluso mejor que en otras películas como Suspiria, en la que se regodean de ese uso como expresión plástica y narrativa). La gestión de conflictos y la repetición de ciertos elementos hace el resto en una comedia muy inteligente por su gestión de los pequeños contrastes y obstáculos, y es tremendo ver cómo Rohmer incluso consigue romper los esquemas en más de una ocasión de una forma maravillosa. La escena del bosque, en donde Rohmer va tirando de panorámicas para dar esa sensación de "edén encontrado" es una delicia.

220.-La legion del águila (Kevin Macdonald, 2011) – 2,5

Es penoso ver un desarrollo mejor del esperado con una historia con personajes semidesconodidos (quitando a Tatum y a Sutherland) manejada con algunos tropos lolescos y con un montaje horrible y por momentos con imágenes que no valen un pimiento (la estética verista, la épica a lo Gladiator era, es y será siempre una remierda, especialmente por un uso de luz torticera y/o cámara lenta).

221.-Magino Village: A Tale (Shinsuke Ogawa, 1987) – 8


10 años de filmación en Magino, y se siente como Furuyasshiki Village, pero en mejor. Hay una insistencia en repetir ciertas líneas de observación en este documental (los arrozales -en el que el equipo se implica para dar una mano a la gente del área-, las historias tradicionales que completan una especie de antropología del pueblo que Ogawa visita, momentos cómicos en el que el pueblo es un elemento pasivo y activo, etc.). Y sin embargo, Ogawa es más ambicioso y efectivo que en su anterior trabajo: rueda más cerca que de costumbre los cuerpos en pura labor, aprovecha las microcámaras y otros recursos tecnológicos de la época para acercarse a la naturaleza microscópica, hace docuficción con los personajes e incluso ficción para teatralizar la realidad, y mientras hace todo eso, lo hace con una fluidez y una claridad de ideas brillante.

No deja de ser una película similar en muchas cosas a Nippon: Furuyasshiki Village, pero es distinta porque, además de ser un compendio de recursos anteriores, también sigue evolucionando su forma de hacer cine e introduce nuevos recursos y técnicas.

[Genjuro]

220. Baby Face (Alfred E. Green, 1933) - 7

Por lo que he visto de su carrera, Barbara Stanwyck no frecuentaba al inicio de la misma los papeles de femme fatale que darían tanto lustre a su época de madurez, pero aquí encontramos un ejemplo temprano de eso mismo. Eso sí, la película abunda en las desgraciadas circunstancias personales y en el machismo reinante que la convierten en una mujer despiadada que sin ningún escrúpulo utiliza a los hombres para medrar. El film está muy bien narrado con los escasos medios de que dispone. Valga como ejemplo su primer "intercambio carnal", en la oscuridad de un vagón, con un cruce de miradas y el plano detalle de unos guantes arrojados dando paso al preceptivo fundido a negro. Estamos en la era pre-Code, eso está claro.


221. Distinto amanecer (Julio Bracho, 1943) - 6,5

Una trama político-criminal y una historia de amor se entretejen en este clásico del cine argentino. El Macguffin son unos documentos de trascendente importancia que el protagonista debe llevarse consigo y que también anhelan unos esbirros enviados por el gobernador de la provincia. En su intento de zafarse de ellos, se reencuentra con su antiguo amor, ahora infelizmente casada con el tercer vértice del inseparable triángulo de amigos que formaban en la facultad. Me pareció un film muy equilibrado y muy bien estructurado, en el cual casi nada parece gratuito. Bueno, quizás algún recurso anticipatorio resulte un poco manido (el sueño de ella), y el tono se haga demasiado solemne en ocasiones. Pero hablamos de personajes angustiados que intentan llevar con la mayor entereza sus encrucijadas vitales. La realización es muy solvente, y los claroscuros de Figueroa le sientan muy bien tanto a la vertiente noir como al retrato en primer plano de ese triángulo sentimental.


222. Akenfield (Peter Hall, 1974) - 7

Las vidas de tres generaciones de campesinos se evocan confluyendo en el día del entierro de abuelo, la misma jornada en la que el nieto sopesa dejar la aldea inglesa que ha servido de hogar y de "prisión", fuente de sustento pero también de trabajo extenuante, de relaciones amorosas y de dependencia. Con cierto vuelo poético y con la ayuda de la narración en off del abuelo, como si se dirigiera a su nieto, el film marca los paralelismos y las diferencias entre tres épocas, entre tres personajes cogidos en momentos vitales comparables, y de hecho interpretados por el mismo actor. Él, como el resto del elenco, no es profesional, y ayuda a darle un aire auténtico a la película, igual que una fotografía granulosa que se apoya únicamente en la luz natural y en puntos lumínicos diegéticos. El cuidado de la puesta en escena, en los encuadres, el pictoricismo que a veces asoma también ayudado por el uso de grandes distancias focales, el tono elegíaco, todo ello desactiva en parte la impresión documental, pero no deja de ser el retrato que de sí mismo se hace un lugar y unas gentes. Hay escenas simplemente brillantes, como la del himno cantado en la iglesia durante el funeral que, a través de una panorámica sin solución de continuidad, nos retrotrae a un tiempo pretérito en el mismo espacio en el que unos soldados interpretan el mismo himno, condensando en un movimiento el espíritu de toda la película.


223. Lo que importa es vivir (Luis Alcoriza, 1987) - 6,5

Alcoriza se distinguió durante su carrera por su espíritu de subversión respecto a los cánones arrastrados por la sociedad mexicana, y en esta historia de un trotamundos que llega a una decadente hacienda y la pone patas arriba esto se hace muy evidente, aunque quizás ya en los años ochenta su discurso tenía ya menos capacidad de impacto. Lo que daría para un clásico melodrama de relaciones prohibidas de trágicas consecuencias, se transforma aquí en otra historia diferente en la que los roles de los personajes quedan subvertidos. Candelario emerge así como otro héroe típico de Alcoriza, como el Aurelio de Tiburoneros, hombres prácticos, de acción, ajenos a las convenciones sociales y religiosas y refractarios a los agasajos de la llamada "sociedad". Aunque se eche a faltar un tanto de estilización, de acabado técnico, la narración es vigorosa y se hace una película realmente divertida.


224. North to Alaska (Henry Hathaway, 1960) - 4,5

Poco funciona en esta comedia western que combina una historia de disputas por una mina de oro y el embrollo sentimental que se produce cuando un mujeriego (John Wayne) le busca mujer a su socio. Peleas gratuitas o efectos de sonido alimentan ese lado humorístico demasiado chabacano en demasiados momentos, con el cual el personaje de la chica y su enfoque interpretativo (con una emotividad latente y contenida) nunca terminan de encajar. También se hace raro ver a Wayne poner caretos como si de una farsa se tratara. Y argumentalmente se la ve venir a leguas, desde los primeros instantes en que su protagonista aboga por una vida libre del matrimonio.


225. 1000-nen kizami no hidokei (Shinsuke Ogawa, 1987) - 7

Monumental retrato sobre una comunidad de campesinos con la que Ogawa estuvo conviviendo muchos años. El cultivo del arroz emerge como la lógica espoleta del relato, la base económica de la población local. Ogawa entra en el detalle del proceso vital y agricultor del cereal, pero progresivamente se abandona a otros ámbitos de tipo social, cultural, histórico o mitológico, en una red de interconexiones antropológicas. Los relatos y las fabulaciones sobre el pasado se ponen en escena en sugerentes y elegantes fugas dramáticas interpretadas por los propios lugareños. Resulta muy apropiado que la narración se disuelva con una anciana que parece encadenar historias sin mucho concierto ni solución de continuidad, sugiriendo la inagotabilidad del acervo popular, para rematar con un desfile de los habitantes de la aldea que se revela ulteriormente como circular. Hay altibajos y no todos los segmentos tienen el mismo interés en una obra que se extiende hasta casi las cuatro horas (el momento arqueológico, por ejemplo), pero es un peaje que merece la pena pagar para asistir a esta inmersión física, histórica y espiritual en un pequeño espacio sociocultural que supongo no deja de ser asimilable a buena parte del Japón rural.


226. I Agni tou limaniou (Yorgos Javellas, 1952) - 6

Una historia pasional portuaria con mujer fatal cuyo comportamiento el film tiene a bien fundamentar. La película navega en ocasiones por las aguas del melodrama, entre confesiones de moribundos, hijos no reconocidos, o venganzas. Los vínculos paternofiliales acaban siendo el eje temático de una obra que acierta a construir efectivos clímax emocionales (eso sí, no todos en la misma medida). Echo en falta un mayor grado de depuración estilística, porque tengo la impresión en ocasiones de que los encuadres están hecho un poco de cualquier manera, sin aparente sentido estético ni intención dramática.


227. Toi... le venin (Robert Hossein, 1958) - 5

Este film se propone como un juego de identidades y seducción. Un hombre tiene un encuentro amoroso fortuito en la noche con una mujer cuyo rostro e identidad desconoce. Sigue su pista hasta una casa en la que viven dos atractivas hermanas, una inválida en silla de ruedas con tendencia a la manipulación y otra sana con pinta de recatada, y allí se queda a vivir tras aceptar la invitación. Hossein juega al despiste, a veces con algún elemento tramposillo, y su artefacto termina devorando a los personajes, deudores antes de la mecánica argumental que de su propia entidad y coherencia individual, lo que resulta particularmente evidente en el cierre de la película. Por lo demás está bastante bien filmada, como un permanente duelo entre el trío protagonista en el cual siempre adquieren peso incluso quienes no están en la escena.


228. The Haunting (Robert Wise, 1963) - 6

Título clásico dentro del subgénero de casas encantadas, es un film de terror gótico en el que una mansión parece cobrar vida para aterrorizar fatalmente a sus ocupantes de turno, un científico, sus dos ayudantes (dos chicas con experiencia en sucesos extrasensoriales) y el futuro heredero de la misma. Algunos recursos técnicos y de puesta en escena lucen pasados de moda, pero Wise mayormente acierta con el uso de la luz y las sombras, con el abigarrado trabajo sobre las angulaciones de cámara para hacer cobrar vida a lo invisible. Quizás no era necesaria tanta voz en off para ponernos en situación de la chica protagonista, que satura y sobreexplica lo que estamos viendo, pero el resultado es un film bastante digno.


229. Show People (King Vidor, 1928) - 5,5

Una comedia romántica en la cual la crisis se produce tópicamente cuando uno de los dos enamorados sube de estatus y se olvida del otro. Marion Davis es la estrella absoluta (también la productora) interpretando a una chica sureña que pretende triunfar en Hollywood como actriz dramática pero cuyo fuerte es la comedia, aunque en esta ocasión tuve la sensación de que abusaba de alguna de sus muecas más reconocibles. No me parece un film especialmente brillante y el alcance de su comedia no pasa de simpático incluso en los momentos más inspirados, pero también es cierto que deja muy buen sabor de boca con su notable cierre. La ambientación dentro del mundo cinematográfico es un aliciente y, entre rodaje y rodaje, se ofrecen algunos cameos de postín, como el del propio Chaplin.


230. Khareda da Gogia (Giorgi Shengelaya, 1987) - 6

Con la progresión argumental típica de las historias sobre un grupo de hombres que pone en jaque a un poder muy superior, Shengelaya realiza una obra de exaltación nacionalista con una soterrada vena aventurera en la que manifiesta la opresión zarista en la Georgia presoviética. El espíritu lúdico está presente en muchas ocasiones, en un film cuya agilidad narrativa compensa la relativa falta de estilización visual (estamos lejos de Pirosmani en este sentido).


231. Yuki Yukite shingun (Kazuo Hara, 1987) - 7

Este documental escarba en el trauma de la Segunda Guerra Mundial en Japón, en uno de los aspectos más escabrosos de aquella ignominia bélica, el canibalismo, una práctica relativamente extendida en ciertas áreas hacia el final de la contienda, y que películas de ficción como Nobi o Gunki hatameku motoni ya habían tratado de alguna manera. De hecho este film tiene bastante que ver con la obra cumbre de Fukasaku, pues se plantea como la investigación de la muerte de unos soldados, ejecutados por sus superiores, a través de sucesivas entrevistas con testigos y protagonistas del hecho. El propio conductor de las pesquisas no deja de ser inquietante, un veterano de la misma compañía que reclama justicia divina y que muestra una acusada inclinación por la violencia. No hay veleidades estilísticas, simplemente una cámara que sigue a los personajes y trata de atrapar la violencia que subyace en las palabras, también la confrontación de unas rostros y figuras corrientes, incluso frágiles, con el excepcional horror que finalmente se evoca.


232. Rouge (Stanley Kwan, 1987) - 6,5

Como también haría en la posterior Central Stage, Kwan pone a la mujer en el centro de la narración, víctima propiciatoria de las relaciones sentimentales, dentro de un relato que abarca diferentes franjas temporales. En esta ocasión, desde la evocación de los años 30 se realiza un salto acrobático al presente a través de la presencia de un fantasma que, además de proporcionar una pátina romántica y melancólica, replantea el punto de vista de la película (pasa a ser una historia contada) y confronta un presente dominado por tonos grises y relaciones afectivas convencionales con un pasado estilizado, colorista y pasional.


233. Babettes gæstebud (Gabriel Axel, 1987) - 6,5

Se percibe un cierto tufillo a cine de qualité en esta historia que confronta la vida puritana de dos hermanas en la agreste costa de Jutlandia con las posibilidades del arte y el placer que sublima la imponente cena que ofrece su sirvienta francesa Babette. Apenas hay aristas en la historia, clara, diáfana y sencilla. Pero también es cierto que Axel evita los edulcorantes artificiales y sus imágenes se aproximan ocasionalmente a un discreto pictoricismo en la austera tradición nórdica (o eso entiendo yo desde mi desconocimiento de la materia).


234. Laveata tietä (Valentin Vaala, 1931) - 6

Todavía en formato mudo, Vaala narraba en este film las andanzas sentimentales de un seductor violista con pocos escrúpulos. La historia no ofrece demasiada densidad en sus personajes, y el final se antoja un poco moralista. Es una obra urbana (Vaala es más conocido por sus ambientaciones rurales) de montaje bastante intenso, técnicamente un poco tosca, pero que ocasionalmente ofrece momentos de singular atractivo en encuadres o montaje (como la escena de la cita con la mujer casada, con esa concatenación de planos nocturnos vacíos de personajes en paralelo al adulterio). Como curiosidad, el protagonista está interpretado por Teuvo Tulio, a la postre director estrella de melodramas finlandeses.


235. The Curse of the Cat People (Robert Wise & Gunther von Fritsch, 1944) - 6

Secuela de la mítica Cat People concebida en clave de fantasía infantil y cuyo discurso versa alrededor de las relaciones paternofiliales. En esta ocasión apenas queda espacio para el terror más allá de alguna sugerencia visual y sonora, hay menos ambigüedad entre la realidad diegética y la fantasía de los personajes, y realmente el título del film está traído muy por los pelos. Pero esta historia de una niña soñadora que encuentra una amiga sobrenatural (la mujer pantera del film original) atesora algunos momentos seductores muy propios de las producciones de Val Lewton, en los cuales las sombras y la posibilidad de lo misterioso, o incluso de lo ominoso, se adueñan de los fotogramas.


Un saludo.

[Espitama]

231. Yuki Yukite shingun (Kazuo Hara, 1987) - 7

Esto dónde se puede conseguir?

Salve

[Heidegger]

Lo último que he visto en salas: Casi 40, de Trueba (naturalismo vital en el marco de la adultez sin mayor profundidad emocional); Mary Shelley, de Al-Mansour (los peores clichés estéticos del cine de época se ponen al servicio de un discurso político que intenta funcionar a través de la manipulación sentimental); La brume, de Daniel Roby (el punto de partida es interesante, y se agradece que su realizador respete la lógica actitudinal de sus personajes, pero después de un comienzo intenso se viene abajo); La cámara de Claire, de Hong Sang-soo (por mucho que pueda apreciar la dislocación temporal que propone el coreano, así como ciertas reflexiones de calado sobre la complejidad de las relaciones humanas, todo suena a impostado. Isabelle Huppert, improvisando sus líneas de diálogo en inglés, está especialmente irritante).

No apruebo ninguna.

[FY Morgan]

Lo último que he visto en salas: Casi 40, de Trueba (naturalismo vital en el marco de la adultez sin mayor profundidad emocional); Mary Shelley, de Al-Mansour (los peores clichés estéticos del cine de época se ponen al servicio de un discurso político que intenta funcionar a través de la manipulación sentimental); La brume, de Daniel Roby (el punto de partida es interesante, y se agradece que su realizador respete la lógica actitudinal de sus personajes, pero después de un comienzo intenso se viene abajo); La cámara de Claire, de Hong Sang-soo (por mucho que pueda apreciar la dislocación temporal que propone el coreano, así como ciertas reflexiones de calado sobre la complejidad de las relaciones humanas, todo suena a impostado. Isabelle Huppert, improvisando sus líneas de diálogo en inglés, está especialmente irritante).

No apruebo ninguna.

¿Has visto la última de Pascal Laugier? en españa se estrena demasiado tarde y no me he podido esperar aunque como me ha gustado lo mismo engaño a alguien para verla en pantalla grande. Cómo nos hace sufrir el cabrito y cómo lo disfrutamos.
Otra muy interesante es Revenge.

[Heidegger]

¿Has visto la última de Pascal Laugier? en españa se estrena demasiado tarde y no me he podido esperar aunque como me ha gustado lo mismo engaño a alguien para verla en pantalla grande. Cómo nos hace sufrir el cabrito y cómo lo disfrutamos.
Otra muy interesante es Revenge.

No, no la he visto. En Finlandia la pasaron en el Festival Night Visions, pero al no vivir en Helsinki no pude verla. Dudo mucho, de hecho, que vayan a estrenarla en salas. La sacarán directamente en dvd. En cuanto salga la sacaré de la biblioteca.

Ahora mismo estoy de vacaciones por Galicia (poco me queda) y poco interesante he visto en salas. Me estaba pensando en ir a ver lo último de Gilliam por aquello del morbo intelectual, pero es que el cine del británico se me hace estomagante.

[FY Morgan]

Pues te la recomiendo en cuanto puedas, tiene muchas cositas interesantes.
En mi ciudad la de Gilliam duró una semana y ando esperando al BluRay. Imagino que la taquilla ha debido ser bien mala, me da penilla la verdad.

[LSR]

Esto dónde se puede conseguir?

Salve

En AvistaZ la tienen, e imagino que en Patio de butacas y quizá en Surreal Moviez también.

Si te refieres a comprarla, ni idea.

[Benny16]

The damned / La caida de los dioses (L Visconti, 1969): Me decidi revisitarla tras ver la magnifica adaptacion de Ivo van Hove, pa ver si me gustaba mas o la entendia mejor. Me sigue pareciendo confusa y fallida, aunque sea relevante y provocadora.

Far from the tree (R Dretzin, 2018): adaptacion en forma de documental del libro de Blake Edwards, donde nos hablan de aceptacion, a/normalidad, familia y felicidad. El documental expone ideas incomodas e interesantes (incluyendo la relacion de los padres con un hijo que ha cometido un crimen, o el rechazo a un posible tratamiento para la acondroplasia por los que la sufren), pero lo hace de forma sesgada y un tanto superficial (algo que, por lo visto, hereda del libro). A pesar de eso y de su tono edulcorado, que se nota mucho en su estructura, la eleccion de personajes y el final, a mi me gusto y creo que merece la pena verlo.

[Heidegger]

Pues te la recomiendo en cuanto puedas, tiene muchas cositas interesantes.
En mi ciudad la de Gilliam duró una semana y ando esperando al BluRay. Imagino que la taquilla ha debido ser bien mala, me da penilla la verdad.

La apunto en la agenda entonces. De todas formas no soy, ni mucho menos, incondicional de Laugier. Cierto es que ha ido de menos a más en su filmografía -"Saint Ange" es mediocre, "The tall Man" interesante-, pero no acabo de conectar con su cine.

La de Gilliam solo lleva en cartelera de Vigo desde el pasado viernes, así que supongo que durará un par de semanas. Como solo hacen uno o dos pases al día suelen mantener las películas en cartelera durante bastante tiempo.

[Simpkins]

Hoy me he puesto Spring Breakers esperando menos que nada... y, joder, resulta que es buena.

[Heidegger]

¿Buena Spring Breakers? A mí me pareció, por momentos, insoportablemente histriónica.

[arlanzon]

¿Buena Spring Breakers? A mí me pareció, por momentos, insoportablemente histriónica.

La historia es una mierda. Pero quién sabe, igual le gustó los recursos visuales.

[Simpkins]

En realidad lo que más me ha gustado es el tono de la película. Como opta por contar una historia típica de crímen y bandas callejeras como si se tratase de una película de instituto adolescente. La vanalización absoluta del sexo, la droga y la violencia y la capacidad que tiene la película para hilvanar escenas que bailan constantemente con el absurdo y la comedia para relatar las escenas más tensas de la película, mientras, a la vez, introduce el mundo interior de las chicas de un modo que baila constantemente entre la parodia y la ironía más absoluta (las palabras de las chicas convierten casi en un retiro espiritual donde encontrarse a uno mismo lo que en realidad es una orgía completa de excesos, droga y sexo) con el que consigue ridiculizar a la vez la religión y las convenciones de la sociedad occidental.

La película subvierte casi todos los cliches narrativos de un género con el tono de otro absolutamente opuesto... y funciona de maravilla. El montaje es otro aspecto que me parece una mención aparte.

Y lo mejor de todo es que lo hace sin llegar a tomarse en ningún momento nada demasiado en serio, lo cual, se agradece.

[arlanzon]

Y lo mejor de todo es que lo hace sin llegar a tomarse en ningún momento nada demasiado en serio, lo cual, se agradece.

A mí sinceramente no me gustó, porque la historia no tiene ningún hilo que seguir y no me van ese tipo de películas, me gusta más que existe una historia, una escenografía buena y un par de actuaciones bien ejecutadas.

Pero me gusta tu opinión y casi aciertas de pleno. La escena que más me impacta es la de las tipas apuntando al tío en la cama y el otro pidiendo que dejen el arma. Al final eso hila de una amenaza a una broma de sexo oral masculino de una manera absurda.
Y por no hablar de cómo las tipas cogen el arma en las escenas finales para disparar a los que se cruzan en su camino.

Por añadir una película, me he visto Free Fire y la verdad que me gustó. No como una obra sino una película para pasar el rato.
Un par de disparos interminables, un par de insultos, un poco de ida de olla, un lío cojonudo de bandos y todo en un mismo escenario.