Contador de películas 2018
La vida al margen del deporte (la hay)
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jugadornumero2
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- Registrado: 28 Feb 2018, 16:07
Genial este hilo, muchas gracias por las sugerencias. A ver si me da tiempo a verlas todas
81.-El secreto de vivir (Frank Capra, 1936) – 7
82.-Petal Dance (Hiroshi Ishikawa, 2013) – 6
83.-Un ramo de cactus (Pablo Llorca, 2013) – 7
84.-Un conte de Michel de Montaigne (Jean-Marie Straub, Danièlle Huillet?, 2013) - 7
85.-Night moves (Kelly Reichardt, 2013) – 8
86.-Eros, O Basileus (Gregory J. Markopoulos, 196X) – 8
87.-Distant … (Robert Beavers, 1966) – 7,5
88.-The Ground (Robert Beavers, 197X) – 10
89.-Amont the Eucaliptuses (Robert Beavers, 2017) – 6,5
Quitando el boron de la última película, un programa maravilloso en el que se observaba no solo la enorme influencia de Markopoulos en el montaje de Robert Beavers, sino también de otros cineastas como Vertov en The Ground, una de las películas más preciosas que he visto en cuanto a cómo sonido e imagen se complementaban el uno al otro y se disociaban, muy al estilo del Entuziazm. También me ha parecido muy buena Eros, O Basileus, una película cuyo montaje acompasado y en constante crescendo y decrecendo (como si de un acordeón se tratara, plegándose y desplegándose sobre sí mismo) sirve de lujo para que el cuerpo de Beavers (tenía 16-17 años) y la constante simbología ilustrasen los diferentes espectros de la idealización amorosa y sexual.
90.- Til Madness do us Part (Wang Bing, 2013) – 8,25
91.-Le retorn à la raison (Man Ray, 1927) – 7
Corto experimental de vanguardia francesa que trabaja a modo de kaleidoscopio múltiples formas que pretenden desafiar el modo de representación institucional de la época para centrarse en la representación de formas y patrones más abstractos que se logra con más éxito en algunas partes que en otras, además de contar con un coitus interruptus final considerable (por la forma de cortar).
82.-Petal Dance (Hiroshi Ishikawa, 2013) – 6
83.-Un ramo de cactus (Pablo Llorca, 2013) – 7
84.-Un conte de Michel de Montaigne (Jean-Marie Straub, Danièlle Huillet?, 2013) - 7
85.-Night moves (Kelly Reichardt, 2013) – 8
86.-Eros, O Basileus (Gregory J. Markopoulos, 196X) – 8
87.-Distant … (Robert Beavers, 1966) – 7,5
88.-The Ground (Robert Beavers, 197X) – 10
89.-Amont the Eucaliptuses (Robert Beavers, 2017) – 6,5
Quitando el boron de la última película, un programa maravilloso en el que se observaba no solo la enorme influencia de Markopoulos en el montaje de Robert Beavers, sino también de otros cineastas como Vertov en The Ground, una de las películas más preciosas que he visto en cuanto a cómo sonido e imagen se complementaban el uno al otro y se disociaban, muy al estilo del Entuziazm. También me ha parecido muy buena Eros, O Basileus, una película cuyo montaje acompasado y en constante crescendo y decrecendo (como si de un acordeón se tratara, plegándose y desplegándose sobre sí mismo) sirve de lujo para que el cuerpo de Beavers (tenía 16-17 años) y la constante simbología ilustrasen los diferentes espectros de la idealización amorosa y sexual.
90.- Til Madness do us Part (Wang Bing, 2013) – 8,25
91.-Le retorn à la raison (Man Ray, 1927) – 7
Corto experimental de vanguardia francesa que trabaja a modo de kaleidoscopio múltiples formas que pretenden desafiar el modo de representación institucional de la época para centrarse en la representación de formas y patrones más abstractos que se logra con más éxito en algunas partes que en otras, además de contar con un coitus interruptus final considerable (por la forma de cortar).
He visto hoy Lady Bird: Entre que en la sala hacía casi tanto frío como en la calle y que no he logrado empatizar en ningún momento con casi ningún personaje (salvo, tal vez, el padre de la niña) me he llegado a plantear cambiar de sala.
Pretenciosa, plana de argumento y aburrida. Me esperaba otra cosa de Greta Gerwig, y más con el bombardeo de publicidad que ha tenido (hasta en Twitter, coño).
Pretenciosa, plana de argumento y aburrida. Me esperaba otra cosa de Greta Gerwig, y más con el bombardeo de publicidad que ha tenido (hasta en Twitter, coño).
62. The Shape of Water (Guillermo del Toro, 2017) - 5,5
En tono más bien de cuento, Del Toro relata una historia sobre una mujer y otro de sus "monstruos", en realidad una criatura humanoide con al menos la misma capacidad empática que cualquier persona. Es con bastante claridad una fábula sobre la diferencia que propugna la inclusividad (los personajes positivos son dos mujeres, una discapacitada y otra negra, un monstruo, un homosexual y un extranjero), y está ambientada a principios de los años sesenta, en una operación de nostalgia estética que incluye el propio diseño de la criatura, que parece inspirada en algún título fastástico de serie B de la época (La mujer y el monstruo, sin ir más lejos). Bajo su muy cuidado acabado visual, encontramos una suerte de Amèlie meets Liberad a Willy. Realmente es una historia bastante convencional y un tanto obvia en su desarrollo, con un tratamiento tirando a blando que incluye su manida banda sonora o el irritante secundario gracioso encarnado por Octavia Spencer haciendo de Octavia Spencer.
63. Tomka dhe shokët e tij (Xhanfize Keko, 1977) - 5,5
Mi primera incursión en el cine albanés se ha saldado con una moderada decepción. La socorrida (para el cine de los países socialistas) ambientación en la Segunda Guerra Mundial es el marco en el que se desarrollan las andanzas de un grupo de niños de un pueblo que simpatizan con los partisanos y a quienes los alemanes les han quitado su cancha de juego. Y esto sirve para la glorificación de la lucha antifascista, loable causa, pero presentada de forma maniquea, ingenua e incluso puntualmente discursiva. Nada que ver con lo mostrado por otras cinematografías socialistas en propuestas de planteamiento similar. Es una lástima porque había cierto potencial en el material que trabaja el film. En particular, en el paisaje físico y humano; tanto la bien aprovechada orografía escarpada del pueblo, como en la autenticidad de los lugareños. Y es que el trabajo visual no es desdeñable, a pesar de algunos zooms un poco molestos.
64. The Dark Corner (Henry Hathaway, 1946) - 7
Un noir de corte muy clásico, protagonizado por un detective privado a quien persigue su pasado, como ya deja clara su escena de apertura, notable en su manera de informar sobre los personajes con gran economía narrativa. Las frases cortantes, los dobles sentidos y la jerga urbana, tan características del género, también dominan la línea de diálogos de un film narrado con envidiable oficio.
65. To Hell and Back (Jesse Hibbs, 1955) - 6
Las vicisitudes durante la Segunda Guerra Mundial del soldado norteamericano más condecorado de la historia son narradas en este film bélico protagonizado por el propio Audie Murphy interpretándose a sí mismo (disfrutó de una decente carrera como actor en Hollywood tras el final de la contienda). La película amenaza al principio con convertirse en un publirreportaje del ejército estadounidense, pero se termina imponiendo la individualidad de los personajes; sí, el heroísmo de su protagonista, pero también el dolor por la pérdida, aunque a lo largo de la historia las aristas brillen excesivamente por su ausencia.
66. Little Giant (Roy del Ruth, 1933) - 5
El humor en esta comedia surge del desplazamiento ambiental del típico personaje gangsteril que encarna Edward G. Robinson, hombre fuerte de Chicago retirado tras el fin de la Ley Seca, y que intenta reciclarse en millonario de la alta sociedad californiana (no necesariamente más honesta, a decir del film). Lamentablemente, la torpeza de este personaje en su nueva situación está mostrada con poca gracia y la relación sentimental que se termina desarrollando está pobremente trabajada y no pasa el menor filtro de la credibilidad. Del Ruth cumple el expediente, pero nada más.
67. Ples v dezju (Bostjan Hladnik, 1961) - 7,5
Los personajes de esta señera obra eslovena viven en una permanente insatisfacción amorosa, la extensión de una insatisfacción vital al respecto del su realidad particular, quizás de la realidad social, que les lleva hacia la huida onírica, la característica más notoria y valiosa de esta película. Ya de mano la noche y la lluvia tienen una presencia manifiesta a lo largo del metraje, ayudando a generar la sensación de vigilia. También la recurrente presencia en segundo término de una joven y acaramelada pareja de enamorados, en visible contraste con la situación emocional de los protagonistas, suma a la impresión de irrealidad. El juego entre realidad y sueño está perfectamente dispuesto, haciéndose progresivamente más alambicado, a base de una puesta en escena en la que predomina el movimiento; por ejemplo, el reencuadre sobre los personajes en primer plano abre la posibilidad del cambio de estado en off visual resuelto con un movimiento o un contraplano, o el uso de pronunciados picados en determinados momentos. El resultado es fascinante en su mayor parte, revelando un film altamente sugestivo.
68. Mafioso (Alberto Lattuada, 1962) - 6,5
Un ingeniero siciliano de una fábrica automovilística milanesa va a pasar las vacaciones con su familia a su tierra natal. Alberto Sordi le pone ingenuidad a este personaje risueño que se ve envuelto en los negocios de la mafia. Marco Ferreri y Rafael Azcona figuran entre los guionistas de este film, y aunque el grado de corrosión sea significativamente menor que en otras comedias suyas, sí que hay una retranca permanente, más o menos soterrada, que culmina con la vinculación y el paralelismo entre las estructuras mafiosas y las del capitalismo industrial. Lattuada se apoya en ocasionales escenas en planos muy cortos de una multiplicidad de personajes para buscar lo grotesco e incluso amenazante en ellos.
69. Guardie e ladri (Steno & Mario Monicelli, 1951) - 6,5
Totò y Aldo Fabrizi son las presencias estelares encarnando personajes en principio contrapuestos de esta clásica comedia de posguerra. La picaresca y los buenos sentimientos se imponen al describir un paisaje socioeconómico muy precario, con Totò como un ladrón con regusto chaplinesco a quien persigue el Fabrizi-policía que ejerce su labor muy a su pesar. Siendo una película simpática en todo su metraje, no es hasta el último acto cuando cristaliza su vena cómica y sentimental en todo su esplendor.
Un saludo.
En tono más bien de cuento, Del Toro relata una historia sobre una mujer y otro de sus "monstruos", en realidad una criatura humanoide con al menos la misma capacidad empática que cualquier persona. Es con bastante claridad una fábula sobre la diferencia que propugna la inclusividad (los personajes positivos son dos mujeres, una discapacitada y otra negra, un monstruo, un homosexual y un extranjero), y está ambientada a principios de los años sesenta, en una operación de nostalgia estética que incluye el propio diseño de la criatura, que parece inspirada en algún título fastástico de serie B de la época (La mujer y el monstruo, sin ir más lejos). Bajo su muy cuidado acabado visual, encontramos una suerte de Amèlie meets Liberad a Willy. Realmente es una historia bastante convencional y un tanto obvia en su desarrollo, con un tratamiento tirando a blando que incluye su manida banda sonora o el irritante secundario gracioso encarnado por Octavia Spencer haciendo de Octavia Spencer.
63. Tomka dhe shokët e tij (Xhanfize Keko, 1977) - 5,5
Mi primera incursión en el cine albanés se ha saldado con una moderada decepción. La socorrida (para el cine de los países socialistas) ambientación en la Segunda Guerra Mundial es el marco en el que se desarrollan las andanzas de un grupo de niños de un pueblo que simpatizan con los partisanos y a quienes los alemanes les han quitado su cancha de juego. Y esto sirve para la glorificación de la lucha antifascista, loable causa, pero presentada de forma maniquea, ingenua e incluso puntualmente discursiva. Nada que ver con lo mostrado por otras cinematografías socialistas en propuestas de planteamiento similar. Es una lástima porque había cierto potencial en el material que trabaja el film. En particular, en el paisaje físico y humano; tanto la bien aprovechada orografía escarpada del pueblo, como en la autenticidad de los lugareños. Y es que el trabajo visual no es desdeñable, a pesar de algunos zooms un poco molestos.
64. The Dark Corner (Henry Hathaway, 1946) - 7
Un noir de corte muy clásico, protagonizado por un detective privado a quien persigue su pasado, como ya deja clara su escena de apertura, notable en su manera de informar sobre los personajes con gran economía narrativa. Las frases cortantes, los dobles sentidos y la jerga urbana, tan características del género, también dominan la línea de diálogos de un film narrado con envidiable oficio.
65. To Hell and Back (Jesse Hibbs, 1955) - 6
Las vicisitudes durante la Segunda Guerra Mundial del soldado norteamericano más condecorado de la historia son narradas en este film bélico protagonizado por el propio Audie Murphy interpretándose a sí mismo (disfrutó de una decente carrera como actor en Hollywood tras el final de la contienda). La película amenaza al principio con convertirse en un publirreportaje del ejército estadounidense, pero se termina imponiendo la individualidad de los personajes; sí, el heroísmo de su protagonista, pero también el dolor por la pérdida, aunque a lo largo de la historia las aristas brillen excesivamente por su ausencia.
66. Little Giant (Roy del Ruth, 1933) - 5
El humor en esta comedia surge del desplazamiento ambiental del típico personaje gangsteril que encarna Edward G. Robinson, hombre fuerte de Chicago retirado tras el fin de la Ley Seca, y que intenta reciclarse en millonario de la alta sociedad californiana (no necesariamente más honesta, a decir del film). Lamentablemente, la torpeza de este personaje en su nueva situación está mostrada con poca gracia y la relación sentimental que se termina desarrollando está pobremente trabajada y no pasa el menor filtro de la credibilidad. Del Ruth cumple el expediente, pero nada más.
67. Ples v dezju (Bostjan Hladnik, 1961) - 7,5
Los personajes de esta señera obra eslovena viven en una permanente insatisfacción amorosa, la extensión de una insatisfacción vital al respecto del su realidad particular, quizás de la realidad social, que les lleva hacia la huida onírica, la característica más notoria y valiosa de esta película. Ya de mano la noche y la lluvia tienen una presencia manifiesta a lo largo del metraje, ayudando a generar la sensación de vigilia. También la recurrente presencia en segundo término de una joven y acaramelada pareja de enamorados, en visible contraste con la situación emocional de los protagonistas, suma a la impresión de irrealidad. El juego entre realidad y sueño está perfectamente dispuesto, haciéndose progresivamente más alambicado, a base de una puesta en escena en la que predomina el movimiento; por ejemplo, el reencuadre sobre los personajes en primer plano abre la posibilidad del cambio de estado en off visual resuelto con un movimiento o un contraplano, o el uso de pronunciados picados en determinados momentos. El resultado es fascinante en su mayor parte, revelando un film altamente sugestivo.
68. Mafioso (Alberto Lattuada, 1962) - 6,5
Un ingeniero siciliano de una fábrica automovilística milanesa va a pasar las vacaciones con su familia a su tierra natal. Alberto Sordi le pone ingenuidad a este personaje risueño que se ve envuelto en los negocios de la mafia. Marco Ferreri y Rafael Azcona figuran entre los guionistas de este film, y aunque el grado de corrosión sea significativamente menor que en otras comedias suyas, sí que hay una retranca permanente, más o menos soterrada, que culmina con la vinculación y el paralelismo entre las estructuras mafiosas y las del capitalismo industrial. Lattuada se apoya en ocasionales escenas en planos muy cortos de una multiplicidad de personajes para buscar lo grotesco e incluso amenazante en ellos.
69. Guardie e ladri (Steno & Mario Monicelli, 1951) - 6,5
Totò y Aldo Fabrizi son las presencias estelares encarnando personajes en principio contrapuestos de esta clásica comedia de posguerra. La picaresca y los buenos sentimientos se imponen al describir un paisaje socioeconómico muy precario, con Totò como un ladrón con regusto chaplinesco a quien persigue el Fabrizi-policía que ejerce su labor muy a su pesar. Siendo una película simpática en todo su metraje, no es hasta el último acto cuando cristaliza su vena cómica y sentimental en todo su esplendor.
Un saludo.
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remember CAI
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All the Money in The World. - 8. Ridley Scott sabe rodar películas, otra cosa es que sepa dirigirlas siempre, a veces está en forma y consigue cohonestar su testosterona visual con el resto de los elementos fílmicos, otras no tanto. Esta es de este último grupo, el guión naufraga por exceso de rango, las interpretaciones son desiguales ( Wahlberg a tus zapatos), con el agravante de que la mejor, está insertada por subrogación oportunista social (me pregunto como sería el fin con Spacey, y creo que el público libre de prejuicios y falsas retorsiones, tenemos derecho a ver esa versión si existiere) y solo la realización parece seguir una linea de continuidad lógica, por su propia cuenta. Con todo, escenas como la del rescate, primorosamente rodada, o interpretaciones como la de Plummer Sr., dolorosamente hechizante, bien merecen la compra del ticket.
Dos links interesantes:
https://www.hollywoodreporter.com/behin ... ld-1068755
https://www.hollywoodreporter.com/news/ ... ys-1068726
Dos links interesantes:
https://www.hollywoodreporter.com/behin ... ld-1068755
https://www.hollywoodreporter.com/news/ ... ys-1068726
[img]http://i29.tinypic.com/2mebaq0.jpg[/img]
[url]http://www.solobasket.com/blogs/remember/b-8.html[/url]
[url]http://www.solobasket.com/blogs/remember/b-8.html[/url]
Yo utilizo esta pagina http://catchvideo.net/,no hay que descargar ningun programa, se pone la direccion y descargando que es gerundio.hoeman escribió:El ojo de cristal (Antonio Santillán, 1956) - 6,75
Cine negro español que destaca especialmente por su fotografía, sus paisajes urbanos y la belleza de éstos; a nivel técnico creo que podríamos estar hablando de una de las mejores películas españolas -al menos que haya visto. La trama engancha sin ser nada del otro mundo, aunque el final es un poco simplón y le resta nota. Después destaca el trabajo actoral (sobre todo a nivel de gestos -cómo mueve los ojos el muy jodío-) del principal, y salvo la novia (demasiado afectada en su forma de actuar), el resto también dan de sobra el nivel.
Por si le queréis echar un ojo, está hasta el 5 de marzo online: http://www.rtve.es/alacarta/videos/hist ... l/4494898/
PD - ¿Alguien sabe cómo se pueden descargar las pelis de la página de RTVE, si es que se puede?
PD2 - La secuencia inicial me aprece sublime.
P.D: Hace tiempo que no la utilizaba y ahora veo que solo descarga emisiones recientes (como esta pelicula por ejemplo);si quieres descargar emisiones mas antiguas (series,documentales...) puedes utilizar esta pagina http://eljaviero.com/descargarvideosdelatele/
Pues mira, gracias por decirlo freds, porque había ganas de poderse ver con la calma "A hierro muere".
He ido hoy a ver The Phantom Thread. Sí pero no. En clave cerebral valoro la maestría en la puesta en escena, en el uso de los planos cortos, en las interpretaciones, en el diseño de los planos. En lo emocional me quedo con una historia gélida que tarda dos horas y cuarto en desarrollar cómo su protagonista proyecta sus obsesiones maternofiliales en la figura de esa mujer que, releyendo el síndrome de Munchausen, pasa a ocupar el espacio de esa madre muerta y todavía anhelada. Me ha dejado frío.
Vista también Born to be blue, un film que escapa del biopic convencional para centrarse en los últimos años de la carrera americana de Chet Baker. El montaje es atractivo, y rompe las convenciones narrativas al uso: la memoria de Baker se confunde con las escenas de esa película nunca terminada que pretendía relanzar la figura del californiano. Ethan Hawke está espléndido.
Vista también Born to be blue, un film que escapa del biopic convencional para centrarse en los últimos años de la carrera americana de Chet Baker. El montaje es atractivo, y rompe las convenciones narrativas al uso: la memoria de Baker se confunde con las escenas de esa película nunca terminada que pretendía relanzar la figura del californiano. Ethan Hawke está espléndido.
Genial, muchas gracias.freds escribió:Yo utilizo esta pagina http://catchvideo.net/,no hay que descargar ningun programa, se pone la direccion y descargando que es gerundio.hoeman escribió:El ojo de cristal (Antonio Santillán, 1956) - 6,75
Cine negro español que destaca especialmente por su fotografía, sus paisajes urbanos y la belleza de éstos; a nivel técnico creo que podríamos estar hablando de una de las mejores películas españolas -al menos que haya visto. La trama engancha sin ser nada del otro mundo, aunque el final es un poco simplón y le resta nota. Después destaca el trabajo actoral (sobre todo a nivel de gestos -cómo mueve los ojos el muy jodío-) del principal, y salvo la novia (demasiado afectada en su forma de actuar), el resto también dan de sobra el nivel.
Por si le queréis echar un ojo, está hasta el 5 de marzo online: http://www.rtve.es/alacarta/videos/hist ... l/4494898/
PD - ¿Alguien sabe cómo se pueden descargar las pelis de la página de RTVE, si es que se puede?
PD2 - La secuencia inicial me aprece sublime.
P.D: Hace tiempo que no la utilizaba y ahora veo que solo descarga emisiones recientes (como esta pelicula por ejemplo);si quieres descargar emisiones mas antiguas (series,documentales...) puedes utilizar esta pagina http://eljaviero.com/descargarvideosdelatele/
Hemos tenido la suerte de que llegara al pueblo "Errementari" -El herrero y el diablo-, de Paul Urkijo, y con Alex De la Iglesia como mecenas, y me he llevado una positiva sorpresa.
La leyenda narra de cómo un diabólico herrero recibe la visita de varios diablos y este los va engañando uno por uno; la película adquiere un tono tirando al terror, aunque no deja de ser un dramón, porque el herrero -muy bien Kandido Uranga, un clásico de la actuacion y el doblaje en el País Vasco; lo recordaréis en "Vacas" dándole al hacha- es un ser atormentado, encerrado en su casa en las afueras del pueblo, cuando asoma un "comisario del Gobierno" -Liberal, ya que la narración arranca en la Primera Guerra Carlista, aunque la historia se sitúe ocho años después- a interrogarlo sobre cierto oro requisado a los propios Carlistas y del que nunca se supo.
Nadie habla bien del herrero, al que comparan con el demonio, por su carácter violento y marginal, en un pueblo en el que la llegada de este agente animará a sus habitantes a ir contra él -Patxi se llama el mentado-.
Asimismo, tenemos una niña rebelde, Usue, de quien sabemos que su madre se ahorcó, y crece bajo los cuidados no muy allá del cura del pueblo. Cuando otro niño le rompa una muñeca -la decapite- y lance la cabeza por encima de la valla de la casa del herrero, empezarán a confluir en desenlace los dos casos paralelos.
La fotografía, e incluso la iconografía, nos lleva a una cinta de terror, pero el guión, pues un poco menos. El fondo de la película no es tan leal con la leyenda de "Patxi Errementaria", marcando, a.través de una expresividad muy local -atavíos y prejuicios de la época, luces, aombras... incluso el euskera que emplean, casi en desuso... bueno, no del todo, porque emplean unos giros que por la zona de Mondragón se estilan bastante- un discurso mucho más actual, disfrazado bajo los ropajes del género. De hecho, la apariencia, el disfraz, la doblez... tienen mucho que decir en esta obra, llena de personajes con claroscuros.
Tiene, quizá por ende, cierto toque irónico, que engarza desde ese mediado el Siglo XIX con la actualidad, pasando por un pequeño guiño, quiero creer, a nada menos que El Séptimo Sello.
Siendo una obra limitada, sabe qué y cómo contar, y ahí arriesga y acierta. Vedla si podéis.
Hasta luego...
La leyenda narra de cómo un diabólico herrero recibe la visita de varios diablos y este los va engañando uno por uno; la película adquiere un tono tirando al terror, aunque no deja de ser un dramón, porque el herrero -muy bien Kandido Uranga, un clásico de la actuacion y el doblaje en el País Vasco; lo recordaréis en "Vacas" dándole al hacha- es un ser atormentado, encerrado en su casa en las afueras del pueblo, cuando asoma un "comisario del Gobierno" -Liberal, ya que la narración arranca en la Primera Guerra Carlista, aunque la historia se sitúe ocho años después- a interrogarlo sobre cierto oro requisado a los propios Carlistas y del que nunca se supo.
Nadie habla bien del herrero, al que comparan con el demonio, por su carácter violento y marginal, en un pueblo en el que la llegada de este agente animará a sus habitantes a ir contra él -Patxi se llama el mentado-.
Asimismo, tenemos una niña rebelde, Usue, de quien sabemos que su madre se ahorcó, y crece bajo los cuidados no muy allá del cura del pueblo. Cuando otro niño le rompa una muñeca -la decapite- y lance la cabeza por encima de la valla de la casa del herrero, empezarán a confluir en desenlace los dos casos paralelos.
La fotografía, e incluso la iconografía, nos lleva a una cinta de terror, pero el guión, pues un poco menos. El fondo de la película no es tan leal con la leyenda de "Patxi Errementaria", marcando, a.través de una expresividad muy local -atavíos y prejuicios de la época, luces, aombras... incluso el euskera que emplean, casi en desuso... bueno, no del todo, porque emplean unos giros que por la zona de Mondragón se estilan bastante- un discurso mucho más actual, disfrazado bajo los ropajes del género. De hecho, la apariencia, el disfraz, la doblez... tienen mucho que decir en esta obra, llena de personajes con claroscuros.
Tiene, quizá por ende, cierto toque irónico, que engarza desde ese mediado el Siglo XIX con la actualidad, pasando por un pequeño guiño, quiero creer, a nada menos que El Séptimo Sello.
Siendo una obra limitada, sabe qué y cómo contar, y ahí arriesga y acierta. Vedla si podéis.
Hasta luego...
GIPSY KING
Ayer fui al cine y quería verla, pero perdí y al final vimos "El gorrión rojo", que me gustó bastante. La dejo pendiente y no tardaré mucho en verla.crespo escribió:Hemos tenido la suerte de que llegara al pueblo "Errementari" -El herrero y el diablo-, de Paul Urkijo, y con Alex De la Iglesia como mecenas, y me he llevado una positiva sorpresa.
La leyenda narra de cómo un diabólico herrero recibe la visita de varios diablos y este los va engañando uno por uno; la película adquiere un tono tirando al terror, aunque no deja de ser un dramón, porque el herrero -muy bien Kandido Uranga, un clásico de la actuacion y el doblaje en el País Vasco; lo recordaréis en "Vacas" dándole al hacha- es un ser atormentado, encerrado en su casa en las afueras del pueblo, cuando asoma un "comisario del Gobierno" -Liberal, ya que la narración arranca en la Primera Guerra Carlista, aunque la historia se sitúe ocho años después- a interrogarlo sobre cierto oro requisado a los propios Carlistas y del que nunca se supo.
Nadie habla bien del herrero, al que comparan con el demonio, por su carácter violento y marginal, en un pueblo en el que la llegada de este agente animará a sus habitantes a ir contra él -Patxi se llama el mentado-.
Asimismo, tenemos una niña rebelde, Usue, de quien sabemos que su madre se ahorcó, y crece bajo los cuidados no muy allá del cura del pueblo. Cuando otro niño le rompa una muñeca -la decapite- y lance la cabeza por encima de la valla de la casa del herrero, empezarán a confluir en desenlace los dos casos paralelos.
La fotografía, e incluso la iconografía, nos lleva a una cinta de terror, pero el guión, pues un poco menos. El fondo de la película no es tan leal con la leyenda de "Patxi Errementaria", marcando, a.través de una expresividad muy local -atavíos y prejuicios de la época, luces, aombras... incluso el euskera que emplean, casi en desuso... bueno, no del todo, porque emplean unos giros que por la zona de Mondragón se estilan bastante- un discurso mucho más actual, disfrazado bajo los ropajes del género. De hecho, la apariencia, el disfraz, la doblez... tienen mucho que decir en esta obra, llena de personajes con claroscuros.
Tiene, quizá por ende, cierto toque irónico, que engarza desde ese mediado el Siglo XIX con la actualidad, pasando por un pequeño guiño, quiero creer, a nada menos que El Séptimo Sello.
Siendo una obra limitada, sabe qué y cómo contar, y ahí arriesga y acierta. Vedla si podéis.
Hasta luego...
remember CAI escribió:Three billboards outside Ebbing, Missouri. 8, 75 Película retorcida, impregnada de un humor negro inquietante, hasta desasosegante, con regusto amargo, brillante en el 90% de su metraje, con tres grandísimas interpretaciones de McDormand, Rockwell y Harrelson, con giros inesperados y un panorama moral ambiguo, siniestro, abierto a todo tipo de juicios, sin encíclicas ni coartadas y con un final taylor made a la conciencia de cada quien. Será claramente una de las candidatas a los premios gordos de la Academia, y lo merece. No me ha gustado el tratar de rizar el rizo en algunas situaciones cómicas (verbi gratia la fútil teenager novia del ex) que afea un poco el, por otro parte, impecable tono moral (oscurísimo) del film. Se nota que estamos ante un realizador en ese punto de madurez creativa que nos hace esperar grandes cosas.
Coincido plenamente contigo. Me encantó. aunque para mi es un 9.
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windom_earl
- Mensajes: 3420
- Registrado: 03 Dic 2011, 19:32
La ví anoche. Película incómoda con un humor negro perfectamente definido como "inquietante, hasta desasosegante".KoRnleone escribió:remember CAI escribió:Three billboards outside Ebbing, Missouri. 8, 75 Película retorcida, impregnada de un humor negro inquietante, hasta desasosegante, con regusto amargo, brillante en el 90% de su metraje, con tres grandísimas interpretaciones de McDormand, Rockwell y Harrelson, con giros inesperados y un panorama moral ambiguo, siniestro, abierto a todo tipo de juicios, sin encíclicas ni coartadas y con un final taylor made a la conciencia de cada quien. Será claramente una de las candidatas a los premios gordos de la Academia, y lo merece. No me ha gustado el tratar de rizar el rizo en algunas situaciones cómicas (verbi gratia la fútil teenager novia del ex) que afea un poco el, por otro parte, impecable tono moral (oscurísimo) del film. Se nota que estamos ante un realizador en ese punto de madurez creativa que nos hace esperar grandes cosas.
Coincido plenamente contigo. Me encantó. aunque para mi es un 9.
Magnífica, eso sí.
92.-Las estaciones (Artavazd Pelechian, 1975) – 7
Sensaciones contradictorias en esta película documental breve, la cual retrata la vida de los campesinos y campesinas de un pueblo alejado de la estepa rusa y cómo las estaciones moldean la vida de estos hombres. Pelechian hace uso de la cámara lenta y aprovecha la abundancia de animales y de la fuerza e inercia de las acciones de los campesinos para crear tensión rompiendo el plano y abriendo muchísimo más el campo de lo normal, lo cual contrasta, pero no muy bien, con una cámara lenta reiterativa que sirve de apertura y cierre de una pieza tan arrebatadora como desequilibrada.
93.-Benilde, o la Virgen Madre (Manoel de Oliveira, 1975) – 9
Ufff, vaya subidón. Una película de carácter místico en la que la farsa deja paso al estupor, provocado sobretodo porque Manoel de Oliveira introduce la película a base de plano subjetivo moviendo la cámara por los exteriores del decorado (de forma similar a Morir…dormir…soñar de Manuel Mur Oti o a Visita, memorias y confesiones). Luego, cuando se interna, se produce un crescendo descomunal. No es para menos: el juego de colores es muy sutil, con leves coloridos vivos sobre paisajes mates de colores fríos o apagados, con los actores moviéndose cada vez más cerca de la cámara o con Don Manoel moviendo la cámara para dejar paso a fragmentos de flashback o bien poniendo la cámara sobre las cabezas de los personajes, siempre con esa inclinación por el misticismo (y no solo la cámara, también el juego con la luz cayendo desde arriba). Al final, todo eso sirve para complementar una obra de teatro que empieza como una farsa (nadie de los presentes cree la situación de Benilde, y esta continuamente tira del hilo) y poco a poco hace que cada vez se entre más en el estupor mediante todos esos elementos. Una obra que en ocasiones se hace perturbadora.
94.-Passacaglia y Fuga (Jorge Honik, 1975) – 7,5
Corto experimental en donde Honik usa las olas del mar como inicio y fin antes de una fuga que se abre con cambios de color y de panorámicas, muchas de ellas centrada en su propio hogar o bien repasando o describiendo pasajes bíblicos y conectando esos con otros conceptos. El juego es interesante y el juego a bajos fps le sienta de lujo a este trabajo, pero me ha dejado frío y parte de ello se debe a que algunos de los conceptos que plantea Honik sencillamente me parecen menos místicos de lo que el propio director querría.
95.-Bubú de Montparnasse (Mauro Bolognini, 1971) – 7,5
Melodrama tremendamente nihilista en el que Bolognini adapta una obra de teatro en el que su protagonista acaba pasando de chica pobre e inocente a prostituta sometida a un novio maltratador y manipulador. Lo interesante de esto es cómo el director italiano maneja los zooms mientras la protagonista se debate entre los continuos devaneos de una chica maltratada que consigue liberarse casi hasta el final del filme. Por suerte, esa evolución y esos bandazos (cada uno de ellos derivados de algún evento cada 10 minutos).
96.-El gran salto adelante (Pablo Llorca, 2015) – 7
Drama de puesta en escena con claras estética amateur y pseudocumental ambientada en los momentos del 15-M en la que una trama sencilla de enamoramiento da paso a una más general en la que se ven las consecuencias del movimiento y se muestra aquello que se dejó atrás o hacia un lado. Es una película profundamente nihilista en la que los personajes cuñado sirven de contrapeso a los dramas de verdad de la sociedad en común (la parte final de la película es como si se decidiera subir al público de verdad a hablar en medio de una obra de teatro, por ponerlo de alguna manera). En general, una película a la que le pesa quizá el salto abrupto en algunos momentos de la trama, pero que en resumen me parece infravalorada en lo que es el cine patrio reciente.
97.-Dawson City, Frozen Tine (Bill Morrison, 2016) – 6,25
Este documental busca trazar una línea paralela con todo el material de archivo de Dawson City, haciendo una radiografía de una ciudad cuya historia empieza y acaba dentro de los márgenes del cine y nace derivada de la fiebre del oro. Utilizando como base material filmado y fotografías de archivo, Dawson City guía al espectador hacia una historia del cine mudo estadounidense en relación a la vida de sus conciudadanos a finales del siglo XIX y durante gran parte del siglo XX. Quizá lo más sobrante de todo este conjunto material es demasiada información contextual servida mediante intertítulos en lugar de aprovechando material de archivo que pudiese establecer conexiones más profundas y menos chapuceras, pero como radiografía de la historia del cine le da varias vueltas al documental de Fremaux, sobre todo en lo que se refiere a la intrusividad del narrador en la obra a excepción de ciertos tramos que, por desgracia, solo podrían haber sido rodados o tomados con cámaras de la época.
Sensaciones contradictorias en esta película documental breve, la cual retrata la vida de los campesinos y campesinas de un pueblo alejado de la estepa rusa y cómo las estaciones moldean la vida de estos hombres. Pelechian hace uso de la cámara lenta y aprovecha la abundancia de animales y de la fuerza e inercia de las acciones de los campesinos para crear tensión rompiendo el plano y abriendo muchísimo más el campo de lo normal, lo cual contrasta, pero no muy bien, con una cámara lenta reiterativa que sirve de apertura y cierre de una pieza tan arrebatadora como desequilibrada.
93.-Benilde, o la Virgen Madre (Manoel de Oliveira, 1975) – 9
Ufff, vaya subidón. Una película de carácter místico en la que la farsa deja paso al estupor, provocado sobretodo porque Manoel de Oliveira introduce la película a base de plano subjetivo moviendo la cámara por los exteriores del decorado (de forma similar a Morir…dormir…soñar de Manuel Mur Oti o a Visita, memorias y confesiones). Luego, cuando se interna, se produce un crescendo descomunal. No es para menos: el juego de colores es muy sutil, con leves coloridos vivos sobre paisajes mates de colores fríos o apagados, con los actores moviéndose cada vez más cerca de la cámara o con Don Manoel moviendo la cámara para dejar paso a fragmentos de flashback o bien poniendo la cámara sobre las cabezas de los personajes, siempre con esa inclinación por el misticismo (y no solo la cámara, también el juego con la luz cayendo desde arriba). Al final, todo eso sirve para complementar una obra de teatro que empieza como una farsa (nadie de los presentes cree la situación de Benilde, y esta continuamente tira del hilo) y poco a poco hace que cada vez se entre más en el estupor mediante todos esos elementos. Una obra que en ocasiones se hace perturbadora.
94.-Passacaglia y Fuga (Jorge Honik, 1975) – 7,5
Corto experimental en donde Honik usa las olas del mar como inicio y fin antes de una fuga que se abre con cambios de color y de panorámicas, muchas de ellas centrada en su propio hogar o bien repasando o describiendo pasajes bíblicos y conectando esos con otros conceptos. El juego es interesante y el juego a bajos fps le sienta de lujo a este trabajo, pero me ha dejado frío y parte de ello se debe a que algunos de los conceptos que plantea Honik sencillamente me parecen menos místicos de lo que el propio director querría.
95.-Bubú de Montparnasse (Mauro Bolognini, 1971) – 7,5
Melodrama tremendamente nihilista en el que Bolognini adapta una obra de teatro en el que su protagonista acaba pasando de chica pobre e inocente a prostituta sometida a un novio maltratador y manipulador. Lo interesante de esto es cómo el director italiano maneja los zooms mientras la protagonista se debate entre los continuos devaneos de una chica maltratada que consigue liberarse casi hasta el final del filme. Por suerte, esa evolución y esos bandazos (cada uno de ellos derivados de algún evento cada 10 minutos).
96.-El gran salto adelante (Pablo Llorca, 2015) – 7
Drama de puesta en escena con claras estética amateur y pseudocumental ambientada en los momentos del 15-M en la que una trama sencilla de enamoramiento da paso a una más general en la que se ven las consecuencias del movimiento y se muestra aquello que se dejó atrás o hacia un lado. Es una película profundamente nihilista en la que los personajes cuñado sirven de contrapeso a los dramas de verdad de la sociedad en común (la parte final de la película es como si se decidiera subir al público de verdad a hablar en medio de una obra de teatro, por ponerlo de alguna manera). En general, una película a la que le pesa quizá el salto abrupto en algunos momentos de la trama, pero que en resumen me parece infravalorada en lo que es el cine patrio reciente.
97.-Dawson City, Frozen Tine (Bill Morrison, 2016) – 6,25
Este documental busca trazar una línea paralela con todo el material de archivo de Dawson City, haciendo una radiografía de una ciudad cuya historia empieza y acaba dentro de los márgenes del cine y nace derivada de la fiebre del oro. Utilizando como base material filmado y fotografías de archivo, Dawson City guía al espectador hacia una historia del cine mudo estadounidense en relación a la vida de sus conciudadanos a finales del siglo XIX y durante gran parte del siglo XX. Quizá lo más sobrante de todo este conjunto material es demasiada información contextual servida mediante intertítulos en lugar de aprovechando material de archivo que pudiese establecer conexiones más profundas y menos chapuceras, pero como radiografía de la historia del cine le da varias vueltas al documental de Fremaux, sobre todo en lo que se refiere a la intrusividad del narrador en la obra a excepción de ciertos tramos que, por desgracia, solo podrían haber sido rodados o tomados con cámaras de la época.
70. Not So Dumb (King Vidor, 1930) - 2,5
La asociación entre Vidor y Marion Davies, que había arrojado resultados muy estimables durante el periodo silente, como por ejemplo en Patsy, afrontaba el paso al sonoro en esta nueva comedia que fiaba la efectividad humorística de Davies a la palabra. Ella interpreta a la mujer de un joven empresario que torpemente intenta agasajar al nuevo y poderoso socio de su marido, resultando tan irritante para el objeto de sus atenciones como para el espectador (el injusto escarnio al que la sometió Welles en Citizen Kane sí que parece aquí defendible). Mientras tanto, la puesta en escena de Vidor sólo empeora el desaguisado. El origen teatral se hace muy evidente en una obra que nunca fluye, sin el menor timing en las intervenciones de los personajes, filmada con desgana, planificada y montada de cualquier manera y horriblemente interpretada.
71. The 19th Century Georgian Chronicle (Aleksandre Rekhviashvili , 1979) - 7
Un pequeño film georgiano que, realizado durante el régimen soviético y mentando al siglo XIX en su título, no puede sino relatar una historia de abuso de poder de las clases dominantes sobre el pueblo. El objeto de la discordia es un bosque cuya preservación, clave para la supervivencia de los habitantes del mismo, está amenazada por la connivencia de los poderes públicos corruptos con el poder económico. Bellamente fotografiada en un riguroso blanco y negro que refuerza la esencialidad en su estética, resulta llamativa la discontinuidad de la acción, lo deslabazada que se presenta a pesar de respetar siempre el orden cronológico. Esto también produce una sensación irreal y fantasmagórica por momentos, como sucede con el personaje de la joven, que aparece y desaparece de la escena de manera inopinada. También ayuda a evocar cierta impresión kafkiana, desdibujando aún más la lógica burocrática, lo que convierte el desplazamiento de los personajes, pues en cierta manera es un film de gente que se mueve, en una especie de invisible ratonera.
72. High-teen Yakuza (Seijun Suzuki, 1962) - 6,5
Pienso que hay mucho de ingenuidad en esta historia de un joven enfrentado con unos aprendices de yakuza, convertido en un outsider ante el establishment (una circunstancia bastante habitual en su cine), y que viene servida como relato ejemplar de integridad que propugna la valentía y la amistad. El interés resulta limitado por tanto. No así en la puesta en escena, con un Suzuki acercándose a su primera madurez, ya dominando el encuadre, los movimientos de cámara y la escenografía mientras el scope enmarca la actividad frenética de los personajes.
73. Lady Bird (Greta Gerwig, 2017) - 6
Gerwig se estrena tras las cámaras inspirándose al parecer en su tardoadolescencia en Sacramento, lo que resulta en una historia coming-of-age que en sus momentos más flojos juguetea con los lugares comunes de la comedia teen, pero que eventualmente consigue trazar unos personajes y unos ambientes bastante genuinos, explorando las difíciles relaciones entre padres e hijos. Persiste cierta sensación de fórmula, potenciada por la utilización de una banda sonora a base de temas musicales conocidos, pero es una película simpática y bastante efectiva en sus momentos más emocionales.
74. Humoresque (Jean Negulesco, 1946) - 7
Un gran flashback nos narra la historia de un violinista desde su infancia, con especial énfasis en la relación sentimental que establece con una adinerada (y casada) patrona que lanza su carrera. Es en estos momentos más melodramáticos, quizás dialogados en exceso y con la ocasional profusión de parlamentos efectistas que salpican el metraje, cuando creo yo que flojea un poco la película. Pero en términos generales es un film muy elegante, en el cual la cámara se desplaza con discreta majestuosidad, con transiciones entre escenas particularmente afortunadas a través de rimas visuales, y en el cual la profusión de interpretaciones musicales nunca parece gratuita ni cargante. Ayuda la credibilidad como ejecutante de John Garfield, a pesar de que su físico diste de evocar el estereotipo de un violinista.
75. Seishun no mon (Kinji Fukasaku & Koreyoshi Kurahara, 1981) - 6,5
76. Seishun no mon: Jiritsu hen (Koreyoshi Kurahara, 1982) - 6,5
Este díptico nos ofrece un relato de maduración desde la infancia hasta la primera juventud del hijo de un minero, convocando géneros y temáticas muy reconocibles en el cine japonés. La retaguardia bélica, la miseria de posguerra, los conflictos laborales, la yakuza, la prostitución, la agitación juvenil ante la presencia norteamericana, el boxeo (ésta ya una nota más exótica dentro de la cinematografía nipona), son el marco en el que se va desarrollando la vida del niño de provincias que se marcha a estudiar a Tokio en el segundo segmento, un joven honesto pero no muy avispado, con un fuego interno que no sabe muy bien cómo ni en qué canalizar. Desconozco los avatares de la producción, pero es cierto que en su primera entrega se nota la mano de Fukasaku, su estilo nervioso y caótico. En general la narración funciona muy bien y consigue atrapar cada instancia de la vida de este personaje con verdadero interés. Lástima que estilísticamente sea un poco deslabazada, con recursos como el zoom que afean un tanto el acabado final.
77. A hierro muere (Manuel Mur Oti, 1962) - 5,5
Una suerte de noir a la española, con un argumento bastante típico resuelto a nivel argumental con solvencia. Protagonizado por una joven enfermera recién salida de la cárcel y el sobrino malcriado de una adinerada actriz retirada, se trata de envenenar a ésta para hacerse con su herencia. Uno de los problemas que le veo es el juicio apriorístico que la película somete a los personajes, desde la misma primera escena del film, y que condiciona todo su devenir posterior. Eso sí, Mur Oti está lejos de ser un director rutinario y entrega una puesta en escena bastante trabajada, casi esforzada en exceso en ocasiones (esos primerísimos planos en un lado del cuadro con los interlocutores de fondo, por ejemplo).
78. Il cammino della speranza (Pietro Germi, 1950) - 7
Desde presupuestos neorrealistas, Germi relata la odisea de un grupo de mineros sicilianos abocados a emigrar a Francia tras perder sus puestos de trabajo. El realizador italiano aboga por la fraternidad y la eliminación de fronteras en una cuestión de particular actualidad. De su puesta en escena destacaría el notable trabajo de composición en los planos con múltiples personajes en cuadro, dentro de que narrativamente la película funciona tan fluidamente como el resto de la filmografía de su director.
79. An Education (Lone Scherfig, 2009) - 4
Reivindicar la necesidad de la educación es el mensaje nada sutil de este drama romántico en el que una adolescente se deja seducir por un hombre maduro de dudosa profesión. Al menos la película tiene a bien no cargar las tintas sobre este personaje, caballeroso a su manera, la fachada de esa ilusoria vida fácil y excitante que se opone al trabajo y esfuerzo sin atajos del estudio y el meritaje. Eventualmente la moraleja resulta demasiado obvia, con algún momento sonrojante, por ejemplo cuando la protagonista descubre la vivienda de su profesora, muy en la línea de la sensación de blandenguería que desprende el estilismo de la película, entre una puesta en escena un tanto acaramelada y la engolada banda sonora que la acompaña.
Un saludo.
La asociación entre Vidor y Marion Davies, que había arrojado resultados muy estimables durante el periodo silente, como por ejemplo en Patsy, afrontaba el paso al sonoro en esta nueva comedia que fiaba la efectividad humorística de Davies a la palabra. Ella interpreta a la mujer de un joven empresario que torpemente intenta agasajar al nuevo y poderoso socio de su marido, resultando tan irritante para el objeto de sus atenciones como para el espectador (el injusto escarnio al que la sometió Welles en Citizen Kane sí que parece aquí defendible). Mientras tanto, la puesta en escena de Vidor sólo empeora el desaguisado. El origen teatral se hace muy evidente en una obra que nunca fluye, sin el menor timing en las intervenciones de los personajes, filmada con desgana, planificada y montada de cualquier manera y horriblemente interpretada.
71. The 19th Century Georgian Chronicle (Aleksandre Rekhviashvili , 1979) - 7
Un pequeño film georgiano que, realizado durante el régimen soviético y mentando al siglo XIX en su título, no puede sino relatar una historia de abuso de poder de las clases dominantes sobre el pueblo. El objeto de la discordia es un bosque cuya preservación, clave para la supervivencia de los habitantes del mismo, está amenazada por la connivencia de los poderes públicos corruptos con el poder económico. Bellamente fotografiada en un riguroso blanco y negro que refuerza la esencialidad en su estética, resulta llamativa la discontinuidad de la acción, lo deslabazada que se presenta a pesar de respetar siempre el orden cronológico. Esto también produce una sensación irreal y fantasmagórica por momentos, como sucede con el personaje de la joven, que aparece y desaparece de la escena de manera inopinada. También ayuda a evocar cierta impresión kafkiana, desdibujando aún más la lógica burocrática, lo que convierte el desplazamiento de los personajes, pues en cierta manera es un film de gente que se mueve, en una especie de invisible ratonera.
72. High-teen Yakuza (Seijun Suzuki, 1962) - 6,5
Pienso que hay mucho de ingenuidad en esta historia de un joven enfrentado con unos aprendices de yakuza, convertido en un outsider ante el establishment (una circunstancia bastante habitual en su cine), y que viene servida como relato ejemplar de integridad que propugna la valentía y la amistad. El interés resulta limitado por tanto. No así en la puesta en escena, con un Suzuki acercándose a su primera madurez, ya dominando el encuadre, los movimientos de cámara y la escenografía mientras el scope enmarca la actividad frenética de los personajes.
73. Lady Bird (Greta Gerwig, 2017) - 6
Gerwig se estrena tras las cámaras inspirándose al parecer en su tardoadolescencia en Sacramento, lo que resulta en una historia coming-of-age que en sus momentos más flojos juguetea con los lugares comunes de la comedia teen, pero que eventualmente consigue trazar unos personajes y unos ambientes bastante genuinos, explorando las difíciles relaciones entre padres e hijos. Persiste cierta sensación de fórmula, potenciada por la utilización de una banda sonora a base de temas musicales conocidos, pero es una película simpática y bastante efectiva en sus momentos más emocionales.
74. Humoresque (Jean Negulesco, 1946) - 7
Un gran flashback nos narra la historia de un violinista desde su infancia, con especial énfasis en la relación sentimental que establece con una adinerada (y casada) patrona que lanza su carrera. Es en estos momentos más melodramáticos, quizás dialogados en exceso y con la ocasional profusión de parlamentos efectistas que salpican el metraje, cuando creo yo que flojea un poco la película. Pero en términos generales es un film muy elegante, en el cual la cámara se desplaza con discreta majestuosidad, con transiciones entre escenas particularmente afortunadas a través de rimas visuales, y en el cual la profusión de interpretaciones musicales nunca parece gratuita ni cargante. Ayuda la credibilidad como ejecutante de John Garfield, a pesar de que su físico diste de evocar el estereotipo de un violinista.
75. Seishun no mon (Kinji Fukasaku & Koreyoshi Kurahara, 1981) - 6,5
76. Seishun no mon: Jiritsu hen (Koreyoshi Kurahara, 1982) - 6,5
Este díptico nos ofrece un relato de maduración desde la infancia hasta la primera juventud del hijo de un minero, convocando géneros y temáticas muy reconocibles en el cine japonés. La retaguardia bélica, la miseria de posguerra, los conflictos laborales, la yakuza, la prostitución, la agitación juvenil ante la presencia norteamericana, el boxeo (ésta ya una nota más exótica dentro de la cinematografía nipona), son el marco en el que se va desarrollando la vida del niño de provincias que se marcha a estudiar a Tokio en el segundo segmento, un joven honesto pero no muy avispado, con un fuego interno que no sabe muy bien cómo ni en qué canalizar. Desconozco los avatares de la producción, pero es cierto que en su primera entrega se nota la mano de Fukasaku, su estilo nervioso y caótico. En general la narración funciona muy bien y consigue atrapar cada instancia de la vida de este personaje con verdadero interés. Lástima que estilísticamente sea un poco deslabazada, con recursos como el zoom que afean un tanto el acabado final.
77. A hierro muere (Manuel Mur Oti, 1962) - 5,5
Una suerte de noir a la española, con un argumento bastante típico resuelto a nivel argumental con solvencia. Protagonizado por una joven enfermera recién salida de la cárcel y el sobrino malcriado de una adinerada actriz retirada, se trata de envenenar a ésta para hacerse con su herencia. Uno de los problemas que le veo es el juicio apriorístico que la película somete a los personajes, desde la misma primera escena del film, y que condiciona todo su devenir posterior. Eso sí, Mur Oti está lejos de ser un director rutinario y entrega una puesta en escena bastante trabajada, casi esforzada en exceso en ocasiones (esos primerísimos planos en un lado del cuadro con los interlocutores de fondo, por ejemplo).
78. Il cammino della speranza (Pietro Germi, 1950) - 7
Desde presupuestos neorrealistas, Germi relata la odisea de un grupo de mineros sicilianos abocados a emigrar a Francia tras perder sus puestos de trabajo. El realizador italiano aboga por la fraternidad y la eliminación de fronteras en una cuestión de particular actualidad. De su puesta en escena destacaría el notable trabajo de composición en los planos con múltiples personajes en cuadro, dentro de que narrativamente la película funciona tan fluidamente como el resto de la filmografía de su director.
79. An Education (Lone Scherfig, 2009) - 4
Reivindicar la necesidad de la educación es el mensaje nada sutil de este drama romántico en el que una adolescente se deja seducir por un hombre maduro de dudosa profesión. Al menos la película tiene a bien no cargar las tintas sobre este personaje, caballeroso a su manera, la fachada de esa ilusoria vida fácil y excitante que se opone al trabajo y esfuerzo sin atajos del estudio y el meritaje. Eventualmente la moraleja resulta demasiado obvia, con algún momento sonrojante, por ejemplo cuando la protagonista descubre la vivienda de su profesora, muy en la línea de la sensación de blandenguería que desprende el estilismo de la película, entre una puesta en escena un tanto acaramelada y la engolada banda sonora que la acompaña.
Un saludo.
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Dezsö Kosztolányi
- Mensajes: 4996
- Registrado: 23 Abr 2010, 23:39
The Darkest Hour: Película para mayor gloria de Reino Unido. Si los americanos perpetraran algo así, la que les caía encima por patrioteros sería épica. Pero como lo hace UK... Impresionante trabajo de caracterización de Gary Oldman, cuya elección de casting me parece discutible. Puesta en escena excelente, pero como película política me parece sumamente superficial y estereotipada. Como biografía, deficiente. Una vez más, remarcar que está hecha a mayor gloria del imperio británico a pesar de que técnicamente es más que aceptable.
Justice League: No puedo con Zack Snyder y esta película no es una excepción. Tiene dos o tres escenas que molan, y por lo demás es otra película más de super héroes, con unos tonos oscuros y unas constantes caras de seriedad que no se ajustan en absoluto al guión simplón tipo Marvel.
Justice League: No puedo con Zack Snyder y esta película no es una excepción. Tiene dos o tres escenas que molan, y por lo demás es otra película más de super héroes, con unos tonos oscuros y unas constantes caras de seriedad que no se ajustan en absoluto al guión simplón tipo Marvel.
Ni idea, pero lo poco leído pinta a que es más interesante de lo que parecía en principio.
A ver si me puedo escapar para verla.
A ver si me puedo escapar para verla.
Eso mismo he visto. Leyendo la imágenesdeactualidad de este mes la descubrí, ya iré leyendo lo que comentáis.Bundy escribió:Ni idea, pero lo poco leído pinta a que es más interesante de lo que parecía en principio.
A ver si me puedo escapar para verla.
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windom_earl
- Mensajes: 3420
- Registrado: 03 Dic 2011, 19:32
The shape of water, flojilla. Me ha sobrado media película. Una vez que disfrutas un rato de la ambientación, el monstruo y el entorno serie B, se vuelve una película plana, demasiado vista y predecible.
De las que he visto hoy, está ahí más o menos con Megatiburón vs Crocosaurio.
De las que he visto hoy, está ahí más o menos con Megatiburón vs Crocosaurio.
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Fecha actual 24 Abr 2024, 16:13