por Bundy »
28 Ene 2019, 22:48
19.-Hoarders without Boarders (Jodie Mack, 2018) - 7
20.-The Grand Bizarre (Jodie Mack, 2018) - 8,25
El primer trabajo juega con las rocas y la cámara rápida. Me pareció atractivo por momentos, pero por otros me dejó frío. En cambio, The Great Bizarre sí me parece algo tremendo, más cerca de lo performativo juguetón que otras de sus películas. Filmada en stop-motion y usando los textiles (Mack dice que los patrones de los mismos le sirvieron para su obra) como elemento fundamental, Mack se dedica simplemente a utilizar el espacio y a hacerlo interactuar con la tela en movimiento, interactuando con otros espacios e incluso haciendo trucajes de todo tipo. Para amenizar, una banda sonora que mezcla hip-hop y synthpop, generando esa especie de mezcla entre aspecto de cine performativo -como ya había mencionado antes-, videoclip y cine.
21.-Eye (Guy Sherwin, 1978)
22.-Tap (Guy Sherwin, 1978)
23.-Portrait with Parents (Guy Sherwin, 1975)
24.-Cycle (Guy Sherwin, 1978)
25.-Tree Reflection (Guy Sherwin, 1998)
Empecemos por aquí. Las Short Film series son un montón de películas de 3 minutos en las que Sherwin se dedica al estudio de diferentes objetos y personas. Portrait with parents es tal y como suena: Sherwin filma a sus padres y a su vez se filma a sí mismo dándole a la manivela a través de un espejo. En Eye juega a alterar texturas a través del foco observando desde un plano muy detalle un ojo. Tap es lo mismo casi, pero con el grifo de una bañera. Aquí la única distinta de las piezas es Tree Reflection, en que filma un árbol y un reflejo.
26.-Messages (Guy Sherwin, 1983) – 10
Una obra perfecta, en la que Sherwin utiliza la interacción con la lente y con varios mensajes que escribe a lo largo del texto. Al final, es una película enormement poética por su trabajo con la pequeñez de la vida, en su mejor y en su peor corriente (el trabajo con el foco, pero también con la niebla, o también cuando usa la letra de su hija Maya y las variaciones que esta hace en la escritura. Al final, orbita sobre todo este trabajo la mirada de un niño grande, en tanto que el poeta no deja de ser alguien que mira el mundo con los ojos de quien lo experimenta todo desde la más absoluta fascinación
27.-Decomposition (Guy Sherwin, 2018)
28.-Sound Shapes (Guy Sherwin, 1972-2008)
29.-RemJet (Guy Sherwin, 2016)
30.-Musical stairs (Guy Sherwin, 1977)
Aquí ya vienen obras más presentes en las que Sherwin experimenta más con el sonido. En algunos casos, como Decomposition, este sonido se basa en alterar la banda de film mezclando cintas de película antiguas con materiales, agua y días de reposo, curándolas por así decirlo con múltiples texturas para que la banda de audio y la película integren imagen y sonido desde el naturalismo experimental más absoluto. Sound Shapes es la más interesante por concepción que por construcción: Sherwin es consciente de los fotogramas por segundo y su capacidad de interacción, y genera unes piezas que le permiten muntar scratches para generar ruidos alternativos en asociación con unes formes, generando una estructura tan rítmica en lo visual como en lo melódico. Las otras dos siguen el mismo patrón, una con escaleres y la otra ya ni me acuerdo.
31.-Salt Water (Guy Sherwin, 1986-2003)
Filmada en San Francisco, Sherwin se dedica a retratar una pecera y el reflejo de esta y de los peces en la gente. El contraste entre la tranquilidad del entorno, de la música y de lo que sucede en la pecera dan lugar a imágenes en ocasiones muy inquietantes sin necesidad hacer ninguna trampa.
32.-Nijomasue (Guy Sherwin, 2018) – 8,25
La pieza más sorprendente de Sherwin, rodada en digital con una cámara que cogió de un estudio de artistas visuales japoneses, se basa en la filmación durante tres lapsos distintos de un día en un pueblo agrícola del país. Lo interesante es que aquí el director trabaja sin darse cuenta en el concepto de la armonía haciéndose acopio en el sonido de los altavoces, que varían por filmación dependiendo del tipo de melodía y de momento en que suenen los altavoces (recuerdo que unos planos se filmaban desde el Este, otros desde el Oeste y los terceros creo que desde el Sur): al disiparse el sonido mayor, lo que se genera es una mayor percepción de los sonidos e imágenes alrededor, de forma muy vívida incluso. Ahí su grandeza: en utilizar algo grande para que acabe filtrándose en lo pequeño y en lo cotidiano.
33.-Connemara (Guy Sherwin, 1980) – 7,75
Un trabajo muy similar al de Nijomasue, pero en el que en lugar de en digital filma en película, y en lugar de trabajar con el sonido, lo hace con la luz. Sherwin contaba que tenía una estructura muy firme para montar imágenes filmadas en un entorno de interiores con mucha niebla, y que, a su vez, experimentaba abriendo la parte en donde estaba la película para que la luz quemase ligeramente el dispositivo. El resultado son planos fijos de breve duración (como In Progress de J.J. Murphy) en los que la luz que quema la película actúa como una forma de cortar entre mirada y mirada.
34.-Batman Begins (Cristopher Nolan, 2005) -3
No voy a decir que la imagen me parece pobre aunque lo sea por momentos, sino que toda esa verborreica cutre, esos momentos de guiño graciosito condescendente con el espectador y esas escenas de acción que son claras, pero torpes y bruscas (no te vayas a hacer daño, querido Bruce Wayne) me llaman muy poco, la verdad. No sé por qué se valora tanto la saga, aunque tampoco porque se hatea tanto a Nolan: es un sinsal de la vida con un poco de sentido común a la hora de filmar, pero ya.
35.-Ana (Margarida Cordeiro y António Reis, 1982, R) – 8,5
Aprecio muchísimo la poca velocidad y la pesadez en las escenas tratándose de una película que ya desde el inicio genera una paralela entre abuela e hija usando el mismo nombre para las dos, además de retratar la aspereza del clima rural. La película apenas se mueve a media velocidad, y cuando lo hace es cuando la Ana más joven es la protagonista de los pasajes que Cordeiro y Reis retratan con tanta delicadeza. Esta es una película que contó con un presupuesto enormemente limitado, y por ende lo que se hizo fue rodear todo el entorno de la casa de Ana, pilar central de la historia, con múltiples pasajes que hablan no solo de la familia (con ese extracto sobre la Mesopotamia), sino también sobre la relación de los niños con un paraje agreste como el campo, y cómo estos sobreviven a ello. El tramo final tiene un clímax asombroso que me parece enormemente expresionista, y la parte posterior se agradece que sea lenta y pesada: hablamos de la muerte, lenta y apacible, de alguien que no quiere hacer ruido pero que es la presencia principal de esa casa, así como de la propia película. Quizá son los relatos aparte lo que menos sentido tiene de Ana, pero aun así grandísima película.
36.-Man is in Pain (Larry Jordan, 1954) –7,5
Una mujer recita mediante voz en off un poema de Phillip Lamantia que alude al mismo nombre. La misma voice over va recitando pasajes que van acompañados de una figura masculina cuya mano es el principal resorte que se retuerce, mueve y se convulsiona de rabia y de angustia por toda la habitación, generando una sensación de agonía distante, pues apenas vemos el rostro y la mano es más un elemento poético que hace parte por un todo que ansía, anhela, se odia y lo regirá todo.