Contador de películas 2022 La vida al margen del deporte (la hay) Moderadores: Trager, andraax, Locutus, hastrakan, Roy Lichtenstein

[Bundy]

Abro este hilo como siempre para comentar las películas que vayamos viendo en 2022.

[Nivariablue]

En este 2022 he visto :

1. Mon chien Stupide / 2019 Attal.
2. The Human Resources Manager / 2010 Riklis.
3. Ice Age: La formación de los continentes / 2012 Martino y Thurmeier.
4. Mississippi Burning / 1988 Parker.
5. Above Suspicion / 2019 Noyce.
6. The Kid / 1921 Chaplin.
7. The General / 1926 Keaton y Bruckman.
8. BlacKkKlansman / 2018 Lee.
9. Little Italy / 2018 Petrie.
10. Patton / 1970 Schaffner.
11. The Hollars / 2016 Krasinski.
12. Wagner, l'armée de l'ombre de Poutine / 2022 Bolchakova y Jousset.
13. Her Job / 2018 Labôt.
14. M*A*S*H / 1970 Altman.
15. Unga Astrid / 2018 Fischer Christensen.
16. Solace / 2015 Poyart.
17. Manchester by the Sea / 2016 Lonergan.
18. The Pledge / 2001 Penn.
19. The Hand That Rocks the Cradle / 1992 Hanson.
20. Les Choristes / 2004 Barratier.
21. The Magnificent Ambersons / 1942 Welles.
22. La Tribu / 2018 Colomo.
23. The Circle / 2017 Ponsolt.
24. ¿Qué he hecho yo para merecer esto? / 1984 Almodóvar.
25. Mi hija Hildegart / 1977 Fernán Gómez.
26. Dark Waters / 2019 Haynes.
27. Django Unchained / 2012 Tarantino.
28. Girl / 2018 Dhont.
29. The Professor and the Madman / 2019 Safinia.
30. Welcome Home / 2015 Head.
31. The Mirror Has Two Faces / 1996 Streisand.
32. The Seven Year Itch / 1955 Wilder.
33. El Buen Patrón / 2021 León de Aranoa.
34. Misbehaviour / 2020 Lowthorpe.
35. El Cuartito / 2020 Carnevale.
36. Las Amigas / 1969 Lazaga.
37. Dorogie Tovarishchi! / 2020 Konchalovsky.
38. Canallas / 2022 Guzmán.
39. State of the Union / 2019 Frears.
40. Welcome to Marwen / 2018 Zemeckis.
41. Crónica de una tormenta / 2020 Barassi.
42. Les Vétos / 2019 Manoukian.
43. Police Academy / 1984 Wilson.
44. Quo Vadis, Aida? / 2020 Žbanić.
45. The Great Gatsby / 2013 Luhrmann.
46. Zgjoi / 2021 Basholli.
47. Természetes fény / 2021 Nagy Dènes.
48. La caja 507 / 2002 Urbizu.
49. 1917 / 2019 Mendes.
50. Zodiac / 2007 Fincher.
51. The Accidental Husband / 2008 Dunne.
52. Muerto con Gloria / 2021 Sarser y Matta.
53. Hine Anachnu / 2020 Bergman.
54. Tre Piani / 2021 Moretti.
55. Miss Viborg / 2022 Blicher.
56. Worth / 2020 Colangelo.
57. The Informant! / 2009 Soderbergh.
58. Don Juan en los infiernos / 1991 Suárez.
59. Felices Pascuas / 1954 Bardem.
60. El cochecito / 1960 Ferreri.

[Bundy]

1.-Mujercitas (Greta Gerwig, 2019) – 7,25
Una película muy digna. Si bien es cierto que su montaje resulta confuso en exceso por momentos, la convicción de Gerwig en intentar que cuadre el relato y la idea de generar la mayor claridad posible permite darle al relato de Louise Mary Alcott. Sin embargo, sí le veo ese atrevimiento que no tienen muchas películas de Hollywood en la forma de encarar la relación epistolar, en el montaje en paralelo y los breves momentos de ensoñación, e incluso en una repetición que recuerda muchísimo a la maravillosa repetición de Francisca. No sé si esto ya es cosecha propia o simplemente ambición desde la cinefilia desde la propia Gerwig, pero en todo caso no dejan de ser buenos golpes dentro de una película oscarizable, algo que jamás esperaba que diría de estos últimos años.

2.-Tres pisos (Nanni Moretti, 2021) – 6,25
Un buen historiograma de tres familias envueltas en un formato de relatos cortos. Los ejes que vertebran esta película son, pero, no solo el conglomerado de pisos, sino también una serie de eventos y un eje temático: el del miedo y cómo este nos arrastra. Le agradezco a Moretti que haya querido salirse de lo que podrían ser tres historias típicas para darles giros e incluso varios vuelcos de imaginación que me han sorprendido, pero también acaba irónicamente con ciertos momentos cerrados a conveniencia del guion, además de también varias decisiones que me parecen un tanto mediocres quitando algún golpe de genialidad.

[crespo]

1.-Mujercitas (Greta Gerwig, 2019) – 7,25
Una película muy digna. Si bien es cierto que su montaje resulta confuso en exceso por momentos, la convicción de Gerwig en intentar que cuadre el relato y la idea de generar la mayor claridad posible permite darle al relato de Louise Mary Alcott. Sin embargo, sí le veo ese atrevimiento que no tienen muchas películas de Hollywood en la forma de encarar la relación epistolar, en el montaje en paralelo y los breves momentos de ensoñación, e incluso en una repetición que recuerda muchísimo a la maravillosa repetición de Francisca. No sé si esto ya es cosecha propia o simplemente ambición desde la cinefilia desde la propia Gerwig, pero en todo caso no dejan de ser buenos golpes dentro de una película oscarizable, algo que jamás esperaba que diría de estos últimos años.

2.-Tres pisos (Nanni Moretti, 2021) – 6,25
Un buen historiograma de tres familias envueltas en un formato de relatos cortos. Los ejes que vertebran esta película son, pero, no solo el conglomerado de pisos, sino también una serie de eventos y un eje temático: el del miedo y cómo este nos arrastra. Le agradezco a Moretti que haya querido salirse de lo que podrían ser tres historias típicas para darles giros e incluso varios vuelcos de imaginación que me han sorprendido, pero también acaba irónicamente con ciertos momentos cerrados a conveniencia del guion, además de también varias decisiones que me parecen un tanto mediocres quitando algún golpe de genialidad.

El personaje de Moretti es hostiable, y su hijo, todavía más. "¡Oh, que rebelde soy que reniego de papá porque no quiso salvarme el cupo cuando maté a una señora -y casi a una cría- porque conducía borracho por el vecindario! ¡Oh, me obligan a rebelarme! Eso sí, al viudo de la señora que me cargué le mando un tarrito de miel, y el jodío ni me lo agradece".

La historia de los vecinos me pareció cruel y dura, fruto de los malentendidos y los malos pensamientos.

[Bundy]

1.-Mujercitas (Greta Gerwig, 2019) – 7,25
Una película muy digna. Si bien es cierto que su montaje resulta confuso en exceso por momentos, la convicción de Gerwig en intentar que cuadre el relato y la idea de generar la mayor claridad posible permite darle al relato de Louise Mary Alcott. Sin embargo, sí le veo ese atrevimiento que no tienen muchas películas de Hollywood en la forma de encarar la relación epistolar, en el montaje en paralelo y los breves momentos de ensoñación, e incluso en una repetición que recuerda muchísimo a la maravillosa repetición de Francisca. No sé si esto ya es cosecha propia o simplemente ambición desde la cinefilia desde la propia Gerwig, pero en todo caso no dejan de ser buenos golpes dentro de una película oscarizable, algo que jamás esperaba que diría de estos últimos años.

2.-Tres pisos (Nanni Moretti, 2021) – 6,25
Un buen historiograma de tres familias envueltas en un formato de relatos cortos. Los ejes que vertebran esta película son, pero, no solo el conglomerado de pisos, sino también una serie de eventos y un eje temático: el del miedo y cómo este nos arrastra. Le agradezco a Moretti que haya querido salirse de lo que podrían ser tres historias típicas para darles giros e incluso varios vuelcos de imaginación que me han sorprendido, pero también acaba irónicamente con ciertos momentos cerrados a conveniencia del guion, además de también varias decisiones que me parecen un tanto mediocres quitando algún golpe de genialidad.

El personaje de Moretti es hostiable, y su hijo, todavía más. "¡Oh, que rebelde soy que reniego de papá porque no quiso salvarme el cupo cuando maté a una señora -y casi a una cría- porque conducía borracho por el vecindario! ¡Oh, me obligan a rebelarme! Eso sí, al viudo de la señora que me cargué le mando un tarrito de miel, y el jodío ni me lo agradece".

La historia de los vecinos me pareció cruel y dura, fruto de los malentendidos y los malos pensamientos.

Por eso. La historia de los Moretti me parece ahostiable aunque me parece que le falta una vuelta y matices. Y sí, la historia de Francesca y Lucio es la mejor de las tres, y casi que se podría hacer una película de una hora sobre esta parte. Pero sí, cuanto más tiempo pasa más olvidable se me hace el resto, y creo que en ese sentido prefiero a Vecchiali para este tipo de historias.

[Agurain]

1.-No mires arriba (Adam McKay, 2021) – 7,50

Pensaba que me iba a irritar más. No me suelen gustar las peliculas en las que todos parecen idiotas y pierden la racionalidad a cambio de comedia. Está claro que de eso hay pero me parece que transita muy bien en ese equilibrio de no caer en la idiotez que te haga exasperar. Obviamente la critica social y cultural es muy grande, es basicamente es el objetivo de la pelicula, lo que puede ser que la aleje un poco de otros objetivos mas elevados. En cuanto a los actores todos estan bien, alguno mas histrionico que otro, otros mas comedidos como Jennifer Lawrence, que esta muy contenida. La peli es entretenida. La disfrutaras sobretodo si tienes una vista critica de la sociedad y si eres capaz de entender todas las referencias.

[Hay_sinla]

DEP Peter Bogdanovich

[Iñigo]

1.-No mires arriba (Adam McKay, 2021) – 7,50

Pensaba que me iba a irritar más. No me suelen gustar las peliculas en las que todos parecen idiotas y pierden la racionalidad a cambio de comedia. Está claro que de eso hay pero me parece que transita muy bien en ese equilibrio de no caer en la idiotez que te haga exasperar. Obviamente la critica social y cultural es muy grande, es basicamente es el objetivo de la pelicula, lo que puede ser que la aleje un poco de otros objetivos mas elevados. En cuanto a los actores todos estan bien, alguno mas histrionico que otro, otros mas comedidos como Jennifer Lawrence, que esta muy contenida. La peli es entretenida. La disfrutaras sobretodo si tienes una vista critica de la sociedad y si eres capaz de entender todas las referencias.

Bastante de acuerdo, con algún matiz por mi parte. Tiene su aquel, pero en resumen: se trata de una crítica feroz al trumpismo, al negacionismo, al terraplanismo, y varios 'ismos' más. Viniendo de los propios estadounidenses, podría parecer una muestra de inteligencia (por eso de reírse de uno mismo), pero a mi modo de ver, más bien se queda en un grito de ayuda en plan "mirad con qué especímenes compartimos país, pero no penséis que somos todos como ellos". En cualquier caso, bastante larga y a ratos un tanto tediosa, pero aún sonando algo contradictorio, sí, entretenidilla.

[nurito]

1.-No mires arriba (Adam McKay, 2021) – 7,50

Pensaba que me iba a irritar más. No me suelen gustar las peliculas en las que todos parecen idiotas y pierden la racionalidad a cambio de comedia. Está claro que de eso hay pero me parece que transita muy bien en ese equilibrio de no caer en la idiotez que te haga exasperar. Obviamente la critica social y cultural es muy grande, es basicamente es el objetivo de la pelicula, lo que puede ser que la aleje un poco de otros objetivos mas elevados. En cuanto a los actores todos estan bien, alguno mas histrionico que otro, otros mas comedidos como Jennifer Lawrence, que esta muy contenida. La peli es entretenida. La disfrutaras sobretodo si tienes una vista critica de la sociedad y si eres capaz de entender todas las referencias.

Bastante de acuerdo, con algún matiz por mi parte. Tiene su aquel, pero en resumen: se trata de una crítica feroz al trumpismo, al negacionismo, al terraplanismo, y varios 'ismos' más. Viniendo de los propios estadounidenses, podría parecer una muestra de inteligencia (por eso de reírse de uno mismo), pero a mi modo de ver, más bien se queda en un grito de ayuda en plan "mirad con qué especímenes compartimos país, pero no penséis que somos todos como ellos". En cualquier caso, bastante larga y a ratos un tanto tediosa, pero aún sonando algo contradictorio, sí, entretenidilla.

Jaja, posiblemente la esencia del progresismo yanqui.

[crespo]

1.-No mires arriba (Adam McKay, 2021) – 7,50

Pensaba que me iba a irritar más. No me suelen gustar las peliculas en las que todos parecen idiotas y pierden la racionalidad a cambio de comedia. Está claro que de eso hay pero me parece que transita muy bien en ese equilibrio de no caer en la idiotez que te haga exasperar. Obviamente la critica social y cultural es muy grande, es basicamente es el objetivo de la pelicula, lo que puede ser que la aleje un poco de otros objetivos mas elevados. En cuanto a los actores todos estan bien, alguno mas histrionico que otro, otros mas comedidos como Jennifer Lawrence, que esta muy contenida. La peli es entretenida. La disfrutaras sobretodo si tienes una vista critica de la sociedad y si eres capaz de entender todas las referencias.

Bastante de acuerdo, con algún matiz por mi parte. Tiene su aquel, pero en resumen: se trata de una crítica feroz al trumpismo, al negacionismo, al terraplanismo, y varios 'ismos' más. Viniendo de los propios estadounidenses, podría parecer una muestra de inteligencia (por eso de reírse de uno mismo), pero a mi modo de ver, más bien se queda en un grito de ayuda en plan "mirad con qué especímenes compartimos país, pero no penséis que somos todos como ellos". En cualquier caso, bastante larga y a ratos un tanto tediosa, pero aún sonando algo contradictorio, sí, entretenidilla.

Jaja, posiblemente la esencia del progresismo yanqui.

Y de «Vaya Semanita» y posteriores creaciones con las que se ha ido alimentando Óscar Terol por estos pagos.

En mi caso, dejando atrás las últimas que vi en 2021 –la de «Encanto», que no está mal pero que le daba para unas cuantas vueltas de tuerca más; «Tres pisos», de Nanni Moretti y «La Delicatesse», con la Audrey Tatou y el sueco ese que de tan soso da hasta risa– he estrenado 2022 con «Cerca de ti», de Uberto Pasolini, un ejercicio de sensibilidad y mucho dolor, una suerte de «Mi vida sin mí» pero con menos certezas y más interrogantes que la peli de Coixet, y sin que las soluciones, como a la directora de marras, se le presenten en bandeja al protagonista.

La película huye de mostrar más que de sugerir la degradación física del padre soltero y presenta a un niño muy niño, huyendo de los niños conscientes de todo cuanto sucede que a veces pueblan en exceso las pantallas. El niño juega con su padre y con quien fuera, sin que por ello sea un ser pasivo sin voz ni voto; de hecho, tiene mucho que aportar al padre y por su propia voz, mientras que la cámara se mueve en alturas distintas, o busca días más grises y más claros en ese caminar entre tropezones de su papá, hasta dar con la familia perfecta para que eduque a su niño cuando él ya no sea capaz.

En ese sentido, hay secuencias que se adivinan desgarradoras porque entiendes que ya no van a suceder más, al tiempo que las claves se buscan en los mayores menos infantilizados, pero al mismo tiempo, menos «victorianos».

En fin, que la obra no es precisamente la alegría de la huerta si uno va con talante depresivo, pero no tan trágico si tiene el corazón abierto pero no lluvioso. Y la foto elegida no sé si soy el único que me transporta a Chaplin.



Eso, y que ver la enésima de Matrix y West Side Story Reloaded me da una pereza horrorosa.

Hasta luego...

[Bundy]

3.-Touching the skin of eeriness (Ryuusuke Hamaguchi, 2013) – 7
A caballo entre el mediometraje y el largometraje, Hamaguchi filma una película de danza y vulnerabilidad en la que el eje central es el protagonista y su relación con su pareja de baile. Hay varios símbolos que se repiten a lo largo de la película (el insecto, la conexión con los ríos, las cuevas y los huecos, sobre todo lo último, es una constante) que en el fondo no deja de expresar la necesidad de establecer vínculos verdaderos y cuán limpios y cuán corruptos pueden ser dependiendo de las partes que deseemos aceptar de la otra persona. Es una película muy sólida con una de las escenas de danza más potentes que he visto últimamente, así como algunos muy buenos diálogos entre el dúo de protagonistas, pero el resto se me hace un poco fuera de lugar a veces. Tampoco sabría explicar el por qué. En todo caso, vale la pena y en la página de la Cinemateca Francesa lo tenéis gratis (con subtítulos en inglés y en francés).

4.-Rocketman (Dexter Fletcher, 2019) – 5,5
Simpático musical en el que desde la parte de alcohólicos anónimos se da un cruce entre biopic y musical a la figura de Elton John. Me parece una buena película, quizá un punto demasiado más centrada en la carrera del artista que en realmente centrarse en algún punto que lo ate todo. En lo visual me ha sorprendido su continuo uso de los efectos y del montaje mientras va rompiendo el eje, así como también otras decisiones a nivel de planificación que la hacen un espectáculo decente, pero se me hace muy encorsetada en general.

5.-Memoria (Apichatpong Weerasethakul, 2021) – 6,25
Resumen breve: Apichatpong nos ha troliado.
Ahora en serio, me gusta lo que intenta. Memoria es una película en donde el sonido y el diseño de sonido es el componente fantástico y, a su misma vez, traslada su contenido fantástico rural a un entorno como el colombiano, lo cual Apitchatpong sabe reforzar con el componente sonoro (hay un gag muy inesperado que me hace reír que tiene que ver con un autobús). A su vez, pero, los personajes también se desvanecen, el silencio también tiene su peso y, al final, tanto el sonido como el silencio son como dos polos de esa moneda. Visualmente, Apitchatpong refuerza eso mediante sus composiciones y los diferentes temas que van surgiendo de forma espontánea y, como Espíritu sagrado, es una película cuyo giro final permite observar todos los elementos que han ido sucediendo a lo largo de la película con otros lentes. Mi problema, pero, es que por momentos Memoria parece flirtear con el ridículo de películas cómicas fantásticas cutres, y casi estuve a punto de desconectar en la parte climática, que es, contrario a la opinión de gente de mi entorno, la parte más aburrida; el giro, por suerte, ameniza y permite reconstruir todo eso y volver a verlo, pues el misterio central sí creo que funciona muy bien. Solo creo que el camino para llegar ahí me va aburriendo más y más, y quizá lo que más me interesa es esas conversaciones que se producen de cara a la búsqueda del personaje de Tilda Swinton. No creo que sea una pelícua mediocre y me falta por ver más del director, pero por ahora y aunque no es su favorita me gustan más los trabajos que hace del corte de cosas como Mekong Hotel.

[Genjuro]

1. Te neznáte Hadimrsku (Karel Lamac & Martin Fric, 1931) - 4,5

El personaje central de esta comedia es un contable perfectamente cuadriculado pero al mismo tiempo inestable, que resulta un agente del caos cuando su jefe le manda a Praga para auditar la sucursal capitalina. El argumento se adereza con una típica historia sentimental con un equívoco relativo a la clase social a la que pertenece la chica, y otros enredos concernientes a su querida, además de algunos momentos musicales. Pero el peso del film descansa sobre los hombros de un Vlasta Burian desatado, forzando la comicidad hasta lo grotesco. No termino de cogerle el punto y tampoco es que la puesta en escena ofrezca muchos más alicientes.


2. Nebel (Nicole Vögele, 2014) - 6,5

La niebla a la que hace referencia el titulo de este documental es el leitmotiv que va tejiendo sus diferentes escenas y personajes. Vögele parece ofrecernos un Club de Corazones Solitarios, o algo así, una serie de personas atadas a sus trabajos, aficiones y rutinas, y por tanto desconectados de alguna manera de otros seres humanos. Son manifestaciones del mundo moderno (en un sentido amplio) a quienes podemos suponer que les cuesta ver más allá de su propia niebla vital, y casi todos ellos hombres, por cierto. No hay prácticamente diálogos en este film de planteamiento muy sencillo y esencial pero trufado de hermosas imágenes.


3. An American Tragedy (Josef von Sternberg, 1931) - 6

El trayecto de su protagonista es tanto físico como moral, emana de su condición de hijo de misioneros que, como reacción, le ha inoculado el virus del arribismo, y la cobardía que muestra en el tramo inicial será como una marca que determinará su futuro. A pesar de la poca simpatía que despierta este personaje tan central en la historia, es difícil no dejarse seducir por la progresión narrativa que propone la notable puesta en escena de von Sternberg. Desgraciadamente el último acto, no especialmente breve, transita los espinosos caminos del cine judicial, con sus discursos bien enfáticos como ese aderezo que acaba estomagando el menú.


4. The Unspeakable Act (Dan Sallitt, 2012) - 6

El acto del que habla el título de esta película es el incesto, ese que a una bachiller le gustaría realizar con su hermano, quien está a punto de entrar en la universidad. Es un enamoramiento de años que podría poner de manifiesto las arbitrariedades de la sociedad a la hora de definir qué es aceptable, pero que también refleja la fase todavía de inmadurez de su protagonista, cobijada en un nido de familiaridad, por más que su actitud reflexiva, realzada por el frecuente uso de la voz en off, parezca indicar lo contrario (también ayuda que la actriz esté en realidad mediando la veintena). Es tentador parafrasear a Rohmer, a cuya memoria dedica la película, para definir la película como un drama moral, pero me parece más una historia de maduración. En todo caso, Sallitt realiza un film bastante sobrio, alejado de cualquier subrayado dramático o veleidad tremendista, con una narrativa que, apoyada en la mencionada voz en off, a menudo apuesta por la elipsis y lleva la historia a un registro relativamente cotidiano.


5. All My Sons (Irving Reis, 1948) - 6

Las tinieblas morales de los EEUU de posguerra encuentran en este film otro jalón, en una historia que se dirime precisamente en términos de ética y moralidad. El amor de dos jóvenes está bajo la sombra de un pasado que amenaza con explotar, concerniente a la empresa en la que sus respectivos padres eran socios y que vendió a sabiendas componentes para aviones defectuosos al ejército. Mientras el padre de ella paga sus culpas en la cárcel, el otro ha prosperado ante la crédula mirada de un hijo que va a empezar a hacerse preguntas tras las inquisiciones del hermano de su novia. Lo cierto es que todo el entramado argumental resulta excesivamente procedente, todo encaja para que el impacto emocional y significativo sea el mayor posible, sin importar la plausibilidad, un artificio quizás en parte derivado de su origen teatral. Más allá de este problema, es un film bien interpretado y de convincente dramaturgia.


6. An Unprecedented Campaign (Mikhail Kaufman, 1931) - 6

Publirreportaje del hermano de Dziga Vertov focalizado en el desarrollo de la agricultura soviética en Ucrania, en un contexto de industrialización y colectivización que haría aumentar extraordinariamente la productividad agrícola, además de mejorar las condiciones de vida de la población en todos los ámbitos. Podemos leer intertítulos como "Los silos soviéticos nunca han tenido semejantes cosechas de grano soviéticas", o "El problema del grano puede considerarse en términos generales resuelto". Todo esto que suena fenomenal no deja de tener un punto terriblemente macabro, ya que el film se realizó en vísperas del Holodomor (La gran hambruna de 1932-33), que costó la vida de millones de ucranianos. Pero en fin, ello no impide que el film atesore valores estéticos, una obra que traslada el maquinismo al registro cinematográfico a través del montaje, que también ofrece una galería de expresivos rostros de tan diferente pelaje y connotación según de qué tipología se trate (los líderes, los agricultores soviéticos o los kuláks).


7. Malignant (James Wan, 2021) - 5

Una cinta de terror que, sin ser experto en el género, me da la impresión de ser bastante típica. Tenemos una criatura diabólica que de mano parece invencible, una serie de asesinatos que juegan con las expectativas del espectador, una casa en la tradición de Psycho, un hospital siniestro, un misterio del que vamos conociendo progresivamente más datos y unos giros de guión para ir dando gracia al asunto (que afortunadamente tampoco juegan a la sorpresa). Es una historia de cómo la violencia y el miedo generan más violencia aún. Muchos momentos del film me parecen terriblemente mecánicos, como servidumbres de unos códigos preestablecidos. Wan nos ofrece algunas florituras, como ese travelling cenital por la casa de la protagonista, como esa llamativa manera que tiene de disolver el espacio, pero también hay un poco de fuego de artificio y momentos que parecen de videojuego (la escena sangrienta en la comisaría). Me gusta más cuanto más abunda en los personajes, pero tengo la impresión de que no logra trascender su género (tampoco creo que lo pretenda).


8. Svengali (Archie Mayo, 1931) - 6,5

Svengali es un siniestro músico con dotes hipnóticas a las que recurre por ejemplo para conseguir favores femeninos o también para manipular la ejecución musical de una cantante, lo cual hace con una inocente modelo a la que separa de su prometido y convierte en una estrella del canto, erigiéndose así en una suerte de Pigmalión. Si bien le corresponde la etiqueta de villano de la función, no deja de ser un personaje trágico, en ese sacrificio físico por la gloria (¿por el arte?) y la consciencia de no ser verdaderamente correspondido a nivel sentimental. Muy influenciada por el expresionismo, el protagonista interpretado por John Barrymore parece salido del cine mudo dada su llamativa caracterización y maquillaje. También los escenarios beben de similares fuentes, con algunos espacios en los que hay poca voluntad de realismo. Mayo realiza un film que por momentos se podría calificar de hierático, pero creo que tiene sentido dada la temática que trata, y ello le permite concentrar una soterrada pero intensa expresividad en los rostros y acciones de sus personajes.


9. The Lightship (Jerzy Skolimowski, 1985) - 4,5

Cuando un trío de peligroso ladrones a la deriva es recogido por un buque-faro, se desata una situación de creciente tensión que también sirve de marco para afrontar un conflicto paternofilial entre el capitán del barco y su díscolo hijo, que le cree un cobarde. Un planteamiento demasiado convencional para una película con personajes que van de la caricatura, como el cabecilla que interpreta Robert Duvall, típico villano pretendidamente carismático y que no resulta más que ridículo, a lo anodino, como el mentado hijo del capitán, que oficia de narrador. Afortunadamente, Skolimowski demuestra su oficio en la narración visual, pero es difícil mantener el interés por un planteamiento y una ejecución dramática semejante.


10. The Criminal Code (Howard Hawks, 1931) - 6,5

El código criminal del título de este film se refiere tanto la ley que condena de manera implacable delitos que en ocasiones no se merecen tal castigo, como al propio código de los criminales que desarrollan en un entorno problemático como es la cárcel. Así, este drama carcelario sigue los pasos de un joven que acaba en prisión debido a un homicidio accidental. En realidad, su vida está dominada por lo que el azar le pone delante en cada ocasión, y no siempre está claro cuál de esas dos versiones del "código criminal" es más apropiado cumplir, especialmente considerando que ninguna de ellas es del todo inocente (la legal sufre de explícitas servidumbres políticas). No sé si podemos ya hablar de la camaradería hawksiana en esta temprana obra, pero algunas circunstancias ya nos invitan a ello. Lejos de sus mejores logros, no deja de ser un film bastante efectivo.


11. The Midnight Story (Joseph Pevney, 1957) - 6

Un noir tardío sobre un joven policía que se infiltra en el círculo familiar de un hombre de quien sospecha podría haber asesinado a un sacerdote que era casi un padre para él. Como es habitual en argumentos de estas características, siempre hay un choque entre el sentido del deber que además aquí tiene un fuerte componente personal, y los lazos afectivos que se generan, que además acrecientan su condición traicionera. Y por supuesto hay una chica de por medio, prima del sospechoso, de quien se enamora. Algunos momentos de exaltación emocional flojean un tanto y la historia tampoco aporta nada demasiado especial, pero Pevney consigue trasladarnos personajes de densidad humana en un film de narrativa ágil y muy sólida factura visual,


12. Mulher (Octavio Gabus Mendes, 1931) - 7

La mujer a la que se refiere el título (que también creo que se puede elevar a un término genérico) es la protagonista de este film, criatura objeto del muy voluble deseo masculino, beneficiaria y víctima de sus atenciones y desprecios. Su periplo la lleva desde la convivencia con un padrastro que trata de abusar de ella, hasta la compañía conyugal con un hombre del que se enamora, pasando por el desengaño con otro hombre que estaba casado. Todo el metraje, aunque el final parezca feliz, nos da la sensación de que no existe la estabilidad sentimental y que las mujeres son las que tienen más que perder, que su función de esposas y parejas las deja vacías de sentido cuando fallan las relaciones (y que el peligro de tener que recurrir a la prostitución para sobrevivir nunca está demasiado lejos). Es importante la figura de Humberto Mauro, director de fotografía y realizador dos años después de Ganga Bruta, film que también habla de machismo y relaciones sentimentales aunque de manera más pasional y violenta, porque la fuerza visual de la película es su principal atractivo, las composiciones, el uso de planos detalle, los fundidos-encadenados, una gramática a veces un poco caótica (quizás también porque el metraje no está completo) pero no exenta de un cierto halo poético.


13. Songs From the North (Yoo Soon-Mi, 2014) - 6,5

La directora surcoreana afrontaba en este documental un retrato de Corea del Norte gracias a los viajes que tuvo ocasión de realizar y a la utilización de la propia producción audiovisual oficialista del país, que nos ofrece una nítida imagen de la dialéctica y retórica de un régimen totalitario que lleva la concepción del paternalismo, y por tanto la infantilización de su población, hasta el delirio. Se siente como una obra clandestina hecha de retazos, de planos robados, que sólo se puede detener en algunos rostros de personas. También el padre de la directora, simpatizante comunista en su juventud, cuyos compañeros, algunos de ellos, viajaron al norte, ofrece su opinión interpelado por la directora; lo cual puede parecer un poco gratuito, pero yo creo que abunda en esa concepción íntima y familiar de la herida que supone la división entre las dos coreas y entre sus respectivas poblaciones.


14. Die andere seite (Heinz Paul, 1931) - 6,5

Adaptando una obra de teatro inglesa, este film alemán tiene la particularidad de estar construido desde el punto de vista del bando aliado, de una compañía a la que llega un subteniente recién salido de la escuela militar. Él será quien nos preste sus ojos para acompañarle en su aventura iniciática, un descubrimiento del horror bélico que no sólo acaba físicamente con la vida de las personas, sino que les va minando emocionalmente. Su relación previa con el capitán de la compañía, ahora devenido en alcohólico, hace aún más intenso el contraste, la transformación que la tensión y el miedo somete a los soldados. El film de Paul se embarra con los personajes, tiene un carácter oscuro, entre trincheras y el agujero donde viven los oficiales de la compañía, con unos encuadres que les quitan aire a los planos. Una obra que logra sus propósitos intensamente antibelicistas.


15. Tokyo no kôrasu (Yasujirô Ozu, 1931) - 6,5

Uno de los films más abiertamente cómicos de Ozu que yo haya visto, para tratar el drama doméstico al que se enfrenta una familia cuando el padre es despedido de su empleo. El prólogo en la escuela, el cobro de la paga extra o la discusión del protagonista con su jefe son auténticas set-pieces humorísticas. Pero Ozu también se reserva momentos para hacer aflorar la emoción, como en la resolución de la historia en la que marido y mujer deciden qué rumbo tomar ante la oportunidad que se les presenta. Inscribiéndose sin dificultad en el universo Ozu, hay elementos concretos anticipatorios, como esa perreta del niño por no haber recibido la bicicleta que evoca la revuelta infantil de Ohayô a cuenta de una deseada televisión, y motivos visuales típicos de su cine, como los planos del matrimonio, si no completamente de espaldas, sí alineados tendiendo al perfil. Un Ozu menor que por supuesto nunca puede ser despreciable.


16. Sambyaku-rokujugo ya (Kon Ichikawa, 1949) - 6

Melodrama en el cual la historia de amor de los protagonistas encuentra obstáculos casi insalvables que están a punto de malograr para siempre sus vidas. Es un poco el tenor de este film que separa y define claramente la naturaleza de sus personajes, entre aquellos más manipuladores, con veleidades demiúrgicas, que a veces aparentan una cierta omnisciencia y que están asociados a la posesión del dinero, elemento claramente corruptor, y sus víctimas, que no son especialmente lúcidos, cuyo candor e intransigente búsqueda de la pureza se acaba volviendo contra ellos. Con su ingenuidad tenemos que transigir los espectadores, también con cierta reiteración en el devenir de una historia cuya resolución se alarga más de lo aconsejable, creo yo. Pero ello nos permite disfrutar de un film bien rodado salvo algunos balbuceos (las escenas de amor me parecen bastante torpes), y que también se disfruta con su exhibición de emociones primarias.


También mencionar el mediometraje Rosalinda de Matías Piñeiro, que supone quizás su aproximación más ligera y lúdica al mundo shakespeariano que tanto le fascina. Es una obra luminosa, que juega con la realidad y representación diegética, y que celebra el deseo amoroso.


Un saludo.

[crespo]

Tú la letra, yo la música".

Pastelada para el lucimiento de Hugh Grant y Drew Barrymore, que se deja ver solo si no te lo tomas en serio ni le haces caso. Es de celebrar que el bueno de Grant le sigue sacando partido a reírse de sí mismo, y además no tartamudea.

Que pase el siguiente.

[crespo]

¿Por qué la historia que cuenta la película "Delicioso", siendo tan interesante -el germen de los restaurantes con la "democraticación del gusto" posterior a la Revolución Francesa-, se tiene que poner tan solemne?

En tiendo la idea del "desquite" tal y como la plantea, pero ¡por Dios!

[Bundy]

¿Por qué la historia que cuenta la película "Delicioso", siendo tan interesante -el germen de los restaurantes con la "democraticación del gusto" posterior a la Revolución Francesa-, se tiene que poner tan solemne?

En tiendo la idea del "desquite" tal y como la plantea, pero ¡por Dios!

Pintaba mal por el tráiler. A ver si alguien en España se anima a filmar la historia del primer protorestaurante, pero veo que confirma mis peores sospechas.

6.-¿Qué vemos cuando miramos al cielo? (Alexandre Kobreridze, 2021) – 8,75

A día de hoy no tengo clara del todo mi opinión final, y por tanto imagino que la tendré que ver más adelante y con la calma, pero sí puedo decir que pese a que hay cosas que no me gustan su sencillez y las ganas con la que el director pretende filmar la sencillez y la cotidianidad del día a día. Gran parte de la inteligencia de la película reside en obligar al espectador a pasar por el aro de la suspensión de la incredulidad, pero dejando espacio a otras imágenes más cotidianas. En ese sentido, es como si la idea inicial de las películas de los Lumiére se introdujeran dentro de una historia de cuento de hadas, solo que todo esto está mostrado desde un espíritu del siglo XXI. La razón por la que digo esto se encuentra, primero de todo, en el continuo trabajo de Kobreridze no solo reencuadrando en muchas ocasiones a base de zoom, sino también reencuadrando la historia, y eso se hace no solo con el montaje sino también mediante el uso de la voz en off y de la música. Para mí es un poco algunas de las ideas estilísticas de películas como La flor, pero hecho bien.

7.-Mad detective (Johnnie To y Wai Ka-Fai, 2007) – 8,5

Mad detective sigue la estela de los personajes y situaciones locas y pseudofantásticas de My left eye sees ghosts y, a su vez, parecen que los dos directores además continúan la senda de los policías corruptos y/o situaciones estúpidas como por ejemplo PTU. En este caso, tenemos una película de detectives que sirve como una buddy movie en el cual un policía inocente pide la ayuda de un expolicía genio a la hora de resolver casos, pero que la inteligencia del expolicía raya con la locura. En ese sentido no es nada nuevo respecto a algunas películas de detectives de la época, pero la parte interesante reside en trasladar los estados mentales de los personajes a un plano muy visual y, a su misma vez, jugar con el montaje y hacer trucajes para trasladar el estado mental del protagonista y sus dones y crear así confusiones mediante trucajes de repetición, efectos de montaje y similares. Lo gracioso es volver a las raíces de los efectos para explicar situaciones complejas con sencillez y, desde ahí jugar con la realidad de lo que sucede: ¿es locura o es don? Esa licencia poética de To y Ka-Fai, ¿es real, figurada, imaginaria? No explicarlo ayuda mucho a generar esa confusión y que todo coja significado en ese final que parece un homenaje en parte a El embrujo de Shanghai hasta que todo se recoge en ese encuadre final con zoom out; en ese sentido, es una peli de detectives de Nolan, pero hecha bien y con más ingenio creativo, porque hace lo complejo fácil de ver y simple y, a su vez, sabe manipular al espectador sin retorcerlo demasiado.

[crespo]

¿Por qué la historia que cuenta la película "Delicioso", siendo tan interesante -el germen de los restaurantes con la "democraticación del gusto" posterior a la Revolución Francesa-, se tiene que poner tan solemne?

En tiendo la idea del "desquite" tal y como la plantea, pero ¡por Dios!

Pintaba mal por el tráiler. A ver si alguien en España se anima a filmar la historia del primer protorestaurante, pero veo que confirma mis peores sospechas.

El problema es la "trama política". Se intuye la Francia previa a la toma de La Bastilla en el "ilustrado" hijo del protagonista y la "prostituta" que llega a su vida.

En la imaginación de abrir la mano para que una casa de postas sea algo más que un abrevadero, la parte discursiva acaba ganando un peso excesivo, así como la idea de cómo gestar el "desquite" hacia el noble, que conforme gana relevancia, va tomando una suerte de solemnidad que rompe con la mejor parte de la obra, que es la más íntima y más enraizada con los sentidos.

Así, la obra va ganando en una teatralidad mal entendida, una suerte de reivindicación que debe decirse en voz alta. Y eso le resta las cosas buenas e interesantes que tiene.

O sea, no es una mierda, pero duele ver en qué se convierte.

Algo así.

[crespo]

Como cada vez soy más viejo, cada vez más gruñón.

Anoche vi "Arde Mississippi" por enésima vez, y me sigue chirriando el final de la película, cuando se dedican a la guerra sucia. O que el personaje de Frances McDormand sepa exactamente dónde han enterrado a los muertos del principio de la película -entiendo la impunidad con la que su marido cuenta cosas que sabe que su mujer no contará, por la cuenta que le trae- y todo un Gene Hackman, tan atinado frente a los palos de ciego de Willem Darle, no intuya la que le va a caer.

Entiendo la lógica interna de los sucesos, pero siempre me queda la sensación de que la obra se dinamita a sí misma cuando opta por el lenguaje de la guerra sucia, o quizás sea que todo el aparataje discursivo y de medios que se maneja desde el inicio, se presenta como deliberadamente inútil ante el "lenguaje" que entienden el KKK y sus adláteres.

Sin ser lo mismo, "Muy beautiful Baghdad" me deja un poso similar. Puedo entender el supuesto mensaje trasnochado de los refugiados marxistas iraquíes en Londres, como el paso más de asumir que la homosexualidad en su comunidad se da de igual forma que en cualquier otra, por encima de todo reparo, así como que la libertad que se proclama no incluye a las mujeres en su interior, al menos no plenamente.

Aún más, el contraste con los fanáticos religiosos de aspecto Lozano, más jóvenes que los viejos descreídos, cuya vida en muchos casos casi no conoció Iraq, es un punto positivo, quizá como símbolo de lo que es una reacción como mecanismo de defensa que acaba siendo la excusa para las depravaciones de quien se hace con una parcela de poder.

El problema viene con "el agregado cultural", que es como la bola blanca en un billar a tres bandas, tocando todo lo que pulula a su alrededor -si condición de esbirro de Saddam Hussein, exmarido de la mujer protagonista, arrimado al Imán malévolo-, y lo rápido que los suspicaces "locales" asumen a la refugiada sin que las sospechas de la primera escena provoquen más que una historia de amor...

En resumen, los "blancos" de esta obra dirigida por Samir (sic) salen indemnes y con la sensación esa de "es que no se dejan ayudar", que quizá sirva para vender fácilmente una historia laberíntica -por lo heterogéneo de los componentes del grupo de refugiados iraquíes- que desde fuera no se percibe pese a los "esfuerzos por comprenderlos", con el sacrificio final del poeta protagonista, luego de que se desencadene la violencia.

Y eso es lo que me molesta: la cerrazón de los iraquíes hacia los "blancos" qué tal vez vivan esta historia como algo interior, sin que se consiga crear una comunicación real, si no es mediante la adaptación total en la nueva comunidad, como si la moral se hallara en la parte europea y solo precisara un trasvase.

¡Menudo rollazo he soltado!

[Bundy]

8.-Simone Barbès oú la vertu (Marie-Claude Treilhou, 1982) – 2,5
He intentado verla varias veces, pero aunque se entiende su propuesta feminista y claramente satírica sobre la masculinidad y su relación con la pornografía, su espectáculo de variedades y lo limitada que es su propuesta a nivel de planos me parece más un ejercicio de flex narrativo sobrevaloradísimo. Me interesaría más si fuese un libro de poemas o una novela que si fuese una película en sí, y aunque no le quito su interés a mí me aburrió sobremanera.

9.-Cops (Buster Keaton, 1922) – 10
Pues uno de los mejores cortos de comedia y de coreografía que he visto en el cine. Mucho más cínico que otros trabajos suyos y mucho más compacto y redondo en estructura y a nivel de gags.

10.-Deseret (James Benning, 1995) – 8,25
Benning filma esta película en base al centenario de la entrada de Utah como estado dentro de los Estados Unidos y, como con el caso de Landscape Suicide, hay muchos puntos desde donde atajar este trabajo. La película pretende explorar la prehistoria e historia del Estado (claramente definidas por las imágenes en blanco y negro antes de ser Estado y las imágenes en color una vez Utah empieza a ser un Estado) y sus cuestiones sobre colonianismo, religión mormona -y su evolución al margen y como contrapoder al país- y energía nuclear, así como las cuestiones que atraviesan profundamente al Estado. Hay, pero, una cuestión intrínseca en lo formal que es lo que me llama más la atención: su ritmo, cual metrónomo, en donde el cineasta explora el terreno y paisajes de Utah mientras la narración va contando los hechos. Sin embargo, no cabe olvidar que mientras se narran las noticias, Benning genera un contraste con las imágenes, sobre todo la final, que permiten hacer una contranarración (a veces irónica, otras triste, otras dramática) que genera una contraposición, a su vez, entre lo que se narra y queda en lo oficial y lo que luego formará un relato más acorde a la realidad o a la realidad no contada del país.

11.-Ant-Man (Peyton Reed, 2015) – 4
Como curiosidad es una película que funciona muy bien cuando intenta desplegar los efectos de lo minúsculo, y creo que Reed disfruta de ello. Además, me funciona muy bien el villano jugando a ser un cruce entre Jeff Bezos y Lex Luthor, lo cual hace mucha gracia y despliega esa variable de que ricos y pobres son igual de pobres desgraciados. Por desgracia, y valga la redundancia, el resto es inocuo, superfluo y aburrido, y es una pena porque el dúo Lily-Rudd me parece un tándem que funciona muy bien como actores, pero cuando la dirección está acusada por una producción poco imaginativa que lastra cualquier intento de imaginación (limitada, también lo digo) del director, además de que las relaciones son tan de cara cartón que provocan el aburrimiento total. Como un episodio mediocre de serie.

12.-Love’s refrain (Nathaniel Dorsky, 2001)
13.-Threnody (Nathaniel Dorsky, 2004)
14.-The visitation (Nathaniel Dorsky, 2002)
15.-Words of Mercury (Jerome Hiler, 2016)
16.-Marginalia (Jerome Hiler, 2016)
17.-Bagatelle I (Jerome Hiler, 2018)
18.-Ruling star (Jerome Hiler, 2019)

19.-The French Connection (William Friedkin, 1971) – 7,25
Una película increíble que se monta en base a dos ejes: las líneas de tensión y los zooms. El primero funciona muy bien sobre todo cuando juega en base a las persecuciones del gato al ratón, mientras que el segundo tiene una parte de voyeurismo y otra de juego con los prismáticos (llegando a insinuarlo con unos reales) que funcionan muy bien y casan con toda la parte central de la película, la cual empieza como un juego y va aumentando su peso con cada nuevo cabo atado (la forma en cómo los dos puntos, el francés y el estadounidense, conectan a través de una noche tonta en un club -por parte de los policías- es espléndida). A eso se añade que, pese a ser una película de detectives dura, hay muchos puntos cómicos que, aunque no producen carcajada, sí resultan incluso homenajes a las películas de Chaplin o resultan trolleos o situaciones muy disparatadas, y sorprendentemente todo encaja de fábula, siendo el clímax la primera persecución entre Popeye y el francés. La segunda persecución también es brillante, tomando gran parte de la película y usando bien el montaje paralelo y varias técnicas y líneas narrativas para explotar la tensión en una parte tan anticlimática como patética (y funciona de fábula). Y entonces, ¿cuál es el problema? En realidad, son dos en uno: la trama. Pese a que la trama es muy libre y sui generis y la estructura es de 10, la escena inicial apenas tiene sentido en el conjunto aunque luzca bien, y la segunda persecución, aunque brillante, creo que se acabó comiendo todo el presupuesto de la escena final. Los últimos minutos dejan bastante mal sabor de boca comparado al resto si tenemos en cuenta lo mucho que Friedkin va insistiendo en varios puntos que veremos más adelante y, cuando suceden, resultan muy decepcionantes. En ese sentido, es muy buena película y en lo formal es brillante, pero en lo narrativo tiene momentos que dejan mucho que desear.

[crespo]

"The French Connection" me dejó un regusto muy amargo, salvo por la primera persecución que mencionas. La labor policial de Gene Hackman es muy creíble, su violenta dureza, pero me da la sensación de que la trama lo coloca tan por encima de los demás que es imposible que tenga réplica.

Y joder, conociendo a Fernando Rey, le podía atizar un bastonazo como se pusiera tonto.

Perdón.

Por cierto, muy fan de Virginie Efira en Madeleine Collins, en esa "triple vida" que construye en base a las mentiras... ¡Y al amor!

Gran película.

[Bundy]

"The French Connection" me dejó un regusto muy amargo, salvo por la primera persecución que mencionas. La labor policial de Gene Hackman es muy creíble, su violenta dureza, pero me da la sensación de que la trama lo coloca tan por encima de los demás que es imposible que tenga réplica.

Y joder, conociendo a Fernando Rey, le podía atizar un bastonazo como se pusiera tonto.

Perdón.

Por cierto, muy fan de Virginie Efira en Madeleine Collins, en esa "triple vida" que construye en base a las mentiras... ¡Y al amor!

Gran película.

Lo más gracioso de lo de Fernando Rey es que se confundieron de actor que trabajaba para Buñuel, lo cual hace esta frase todavía más graciosa.