Contador de películas 2018
La vida al margen del deporte (la hay)

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clorobuldo
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Re: Contador de películas 2018

por clorobuldo » 08 Ene 2018, 19:57

El diablo sobre ruedas hubiera sido un cortometraje descomunal.
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Benny16
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Re: Contador de películas 2018

por Benny16 » 09 Ene 2018, 00:39

Chung Kuo, Cina (M Antonioni, 1972): Imprescindible como documento historico (por el retrato de la China comunista de los 70 y por la polemica que arrastro en su momento), este documental/obra maestra del maestro Antonioni es zzzzz.

The Strange Ones (C Radcliff y L Wolkstein, 2017): Pelicula que nos cuenta la vida, penurias e incomoda relacion entre un crio y un joven de 20ypico. La primera mitad me parece excelente (buenas interpretaciones y atmosfera inquietante) pero el tinglado se jode un poco al final, en parte y pa mi gusto por centrarse en un final abierto que se ve venir a leguas en lugar de en elaborar personajes y en seguir tirando de rollo atmosferico. De todas formas, muy interesante.

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antonio1004
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Re: Contador de películas 2018

por antonio1004 » 09 Ene 2018, 02:27

clorobuldo escribió:El diablo sobre ruedas hubiera sido un cortometraje descomunal.


O un episodio de Hitchcock Presenta, The Twilight Zone o Cuentos asombrosos memorable. En el fondo así es como más se disfruta.

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Bundy
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Re: Contador de películas 2018

por Bundy » 09 Ene 2018, 22:07

13.-Grandeza y decadencia de un pequeño comercio de cine (Jean-Luc Godard, 1986) - 8,5

Los de Capricci han sido muy listos readaptando una obra que es mucho más moderna en algunos sentidos de lo que algunos lo saben asumir. Quizá el mensaje de Godard se antoja un poco purista en mi opinión (si no es ironía, claro está), pero aquí se puede ver cómo Godard ya empieza a trabajar seriamente con el experimental diseñando escenas desde el sonido (verbalizado o a través de la música -especialmente Arvo Part), usando los cuerpos (la escena de las olas con el cartel de "L'Avventura" al final del encuadre) o incluso jugando mucho -y esta es la parte que más me ha llamado la atención para bien- jugando con las yuxtaposiciones de imágenes a través de semifundidos, además de con el montaje y la actuación de forma brusca y tosca, lo cual hace que, en conjunto (y uniendo eso a como se usa el fuera-campo), crea a veces una caricatura, otras veces algo mucho más pesado y trágico, otras veces irónico, de un retrato -así lo he visto yo- del cine y de la televisión con los cambios que ha habido entre uno y otro medio.

En fin, tengo que darle vueltas, pero diría que es el estreno (reestreno, pero da igual) del año junto a las películas de Hong, Rita Azevedo Gomes (de momento).
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antonio1004
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Re: Contador de películas 2018

por antonio1004 » 09 Ene 2018, 23:17

¿Qué quieres decir con readaptando? La expresión implica que la obra ha sufrido algún tipo de cambio o actualización, pero diría que se mantiene íntegra. ¡Pobre de quien se atreva a cambiarle hasta el guion de Jen-Luc a Godard!

La película es magnífica y coincido en que no solo es uno de los estrenos del año, sino una de las películas fundamentales de su filmografía, una obra importante que sigue vigente. Lo que me interesa es que todo lo experimental que hay en ella, que anticipa sus Histories du Cinema y buena parte de su cine posterior, se realiza a partir de la exploración del lenguaje televisivo. El vídeo, el uso del rebobinado, el pause... provocando una reflexión mucho más sutil e irónica sobre un medio que Godard evidentemente desprecia, pero del que desprecia más aún que no se exploten sus posibilidades, que conduzca a una dinámica pasiva y condene al espectador a la simple exposición audiovisual, como así ha sido. Además de este punto de vista magistral, la razón de ser de la película es que formaba parte de una serie de adaptaciones de novelas policíacas, pero renuncia a lo narrativo y se trata de una deconstrucción absoluta partiendo del proceso del casting en una productora en quiebra. Normal que casi no se emitiera y quedara oculta, por otro lado, pero bienvenida sea su existencia.

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Bundy
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Re: Contador de películas 2018

por Bundy » 09 Ene 2018, 23:32

antonio1004 escribió:¿Qué quieres decir con readaptando? La expresión implica que la obra ha sufrido algún tipo de cambio o actualización, pero diría que se mantiene íntegra.

La película es magnífica y coincido en que no solo es uno de los estrenos del año, sino una de las películas fundamentales de su filmografía, una obra importante que sigue vigente. Lo que me interesa es que todo lo experimental que hay en ella, que anticipa sus Histories du Cinema y buena parte de su cine posterior, se realiza a partir de la exploración del lenguaje televisivo. El vídeo, el uso del rebobinado, el pause... provocando una reflexión mucho más sutil e irónica sobre un medio que Godard evidentemente desprecia, pero del que desprecia más aún que no se exploten sus posibilidades, que conduzca a una dinámica pasiva y condene al espectador a la simple exposición audiovisual, como así ha sido. Además de este punto de vista magistral, la razón de ser de la película es que formaba parte de una serie de adaptaciones de novelas policíacas, pero renuncia a lo narrativo y se trata de una deconstrucción absoluta partiendo del proceso del casting en una productora en quiebra. Normal que casi no se emitiera y quedara oculta, por otro lado, pero bienvenida sea su existencia.


Por lo que tengo entendido, la obra se estrenó en televisión y se ha estrenado ahora en la gran pantalla, aunque tienes razón: readaptado no es la palabra, sino reestrenado.

Sobre lo que hay en negrita, totalmente de acuerdo. Creo que el pesimismo de Godard sobre la muerte del cine acaba borrándose de un plumazo por la forma y la experimentación del vídeo. Al final, detrás de tanto pesar y tanto desprecio hay las ganas de readaptarse y de ver lo que el vídeo puede ofrecer.
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Benny16
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Re: Contador de películas 2018

por Benny16 » 12 Ene 2018, 02:20

Get Out (J Peele, 2017): pelicula de genero que usa el terror como excusa para hablar de racismo y politicas raciales. Muy buena, a pesar de un final atropellado.

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Genjuro
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Re: Contador de películas 2018

por Genjuro » 13 Ene 2018, 08:05

antonio1004 escribió:
Genjuro escribió: 3. The Disaster Artist (James Franco, 2017) - 6

En una operación asimilable a la llevada a cabo por Tim Burton en Ed Wood, James Franco recrea el desempeño profesional de otro director de culto en el segmento del cine de derribo, Tommy Wiseau, especialmente del rodaje de su mítica The Room. La excéntrica personalidad de Wiseau, hilarantemente encarnado por el propio Franco, se adueña de la pantalla, también porque el interés del resto de personajes es bastante limitado. Al final tengo la impresión de que no estamos ante un acto de celebración del séptimo arte, del hecho de hacer cine, como era Ed Wood (al menos, no en igual medida); eventualmente el éxito es lo que importa, quizás un reflejo del diferente espíritu que anida en Hollywood en las épocas descritas en cada uno de los films (aunque tampoco hay que mitificar, que el dinero siempre ha sido la fuerza motriz de la industria). En cualquier caso, es una película divertida que Franco rueda con bastante libertad formal, se diría que evocando la precariedad artística de sus personajes.


Sí, como apuntas, aunque en una primera y perezosa lectura pueda recordar a ella, termina siendo una película muy diferente a Ed Wood. No es un ejercicio de cinefilia, de hecho el rodaje es una parte muy secundaria en la que apenas se profundiza, a diferencia de la película de Tim Burton, es una fábula sobre el éxito en Hollywood y un bro-mance muy propio de la nueva comedia americana. Luego tiene el punto de recrear muchas secuencias de The Room, de la que se convierte en su nota a pie de página, pero es más por revivir la experiencia colectiva de ver en una sala The Room que por celebrar el cine, que es algo que por otro lado resulta imposible celebrar con una película de esas características.

Sobre la libertad formal que apuntas, me ha sorprendido tu comentario, porque aunque a su favor juega no ser en absoluto académica, en cuanto a puesta en escena y narración me resultó excesivamente plana. No hay ni una sola escena que puedas recordar por cómo está filmada, ni ninguna decisión de guion que enriquezca la historia, todo pretende ser lo más sencillo y efectivo posible para que la comedia funcione y la implicación con ellos sea la protagonista. Y no creo que haya sido un error precisamente.

Seguramente me expliqué mal con eso de la libertad formal. Más bien sería el poco rigor formal, la sensación de ver una obra visualmente un tanto deslavazada.

Un saludo.

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remember CAI
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Re: Contador de películas 2018

por remember CAI » 13 Ene 2018, 13:32

Three billboards outside Ebbing, Missouri. 8, 75 Película retorcida, impregnada de un humor negro inquietante, hasta desasosegante, con regusto amargo, brillante en el 90% de su metraje, con tres grandísimas interpretaciones de McDormand, Rockwell y Harrelson, con giros inesperados y un panorama moral ambiguo, siniestro, abierto a todo tipo de juicios, sin encíclicas ni coartadas y con un final taylor made a la conciencia de cada quien. Será claramente una de las candidatas a los premios gordos de la Academia, y lo merece. No me ha gustado el tratar de rizar el rizo en algunas situaciones cómicas (verbi gratia la fútil teenager novia del ex) que afea un poco el, por otro parte, impecable tono moral (oscurísimo) del film. Se nota que estamos ante un realizador en ese punto de madurez creativa que nos hace esperar grandes cosas.

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Re: Contador de películas 2018

por Jeimihouse » 14 Ene 2018, 17:23

El instante mas oscuro

La pelicula mas aburrida que he visto.
"luchar contra uno mismo es la guerra más difícil; vencerse, es la victoria más bella"

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TeN_tE
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Re: Contador de películas 2018

por TeN_tE » 14 Ene 2018, 21:03

Detroit: definitivamente no puedo con la Bigelow de esta última década. Esa cámara borracha y esas situaciones de tensión alargadas hasta el exceso me estresan mucho.

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Bundy
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Re: Contador de películas 2018

por Bundy » 14 Ene 2018, 21:11

14.-Film ist Rythm: Rythmus 21 (Hans Richter, 1921) - 7

Doblete majo el que habría formado Rythmus 21 con la pieza de Sistiaga. Trabajo experimental breve de 3 minutos (el primero de la historia) en la que Richter usa varias formas cuadriculadas y las modifica para crear una sensación de distorsión y de tridimensionalidad. Es un poco primitivo en usos para lo que es la actualidad, pero el concepto y el autor se nota que han influenciado a barbaridad de trabajos posteriores.

15.-Los mendigos de la vida (William A. Wellman, 1928) – 7,5

16.-Ere erera baleibu izik subua aruaren (José Antonio Sistiaga, 1968-1970) – 8,25

Si en Rythmus 21 la forma es la que define las sensaciones de dimensión y profundidad, aquí el color es el gran protagonista, con pequeños destellos de formas esféricas y otros objetos. La magia de esta película de Sistiaga se basa sobre todo en cómo la pintura acaba creando una sensación de que la cinta en sí misma se va transformando, moviendo o incluso cogiendo profundidad y gravedad dentro del celuloide hacia fuera, creando efectos ópticos en ocasiones de órdago. Desgraciadamente, no siempre es del todo consistente, aunque puede ser que parte de ello se deba a que la película se suele ver muda y aquí han decidido meter un acompañamiento musical improvisado con técnicas experimentales y desvaríos propios del post-rock o incluso del jazz (lo de Petit de Cal Eril me ha recordado a Niechec o a GY!BE en ese sentido).

17.-La femme du boulanger (Marcel Pagnol, 1938) – 8,5

Me encanta la forma en que Pagnol desarrolla la comedia pese a que se pase de un aspecto a un fondo tragicómico y de ahí al clímax final en los últimos 7 minutos. Lo que hace a El pan y el perdón tan especial es el guion, en tanto que es el entorno el que interactúa con el individuo y viceversa desde la humanidad de sus personajes incluso en los momentos más bajos: el panadero y su ingenuidad, el vicario y su irritabilidad en cuanto le discuten a Dios...hay personajes que parecen esbozos, pero la gracia de Pagnol está en ir más allá y dibujarlos más allá del estereotipo a través de la interactuación y de la parodia de muchas situaciones durante la película.

18.-An Expression (Shigeji Ojino, 1935) - 6
19.-Peggy and Fred in Hell (Leslie Thornton, 2016) – 8

Grandísima película en la que parecen haber trabajado juntos Godard y Warhol. La película pone en la piel de dos chavales en un mundo post-apocalíptico en el que la cultura pop y la informática se han adueñado del mundo. Al principio todo se muestra de forma caricaturesca, cuando no voyeurista, del entorno de dos niños que cantan y hacen ver que son adultos (y aquí lo son, aunque de forma caricaturizada, como ya he dicho antes), mientras que el exterior y el entorno son nutridos por imágenes de archivo, tanto si eso es real como si eso forma parte de un contenido metacinematográfico del que la película vive mucho. Al final, todos los devaneos de la pareja desaparecen y en su lugar se da un giro final turbio y desolador, que sirve para cerrar la marea de ideas que se suceden a lo largo del largometraje.

20.-La novena sinfonía (Douglas Sirk, 1936) – 6,5
Proyecto ambicioso de cojones el de Sirk, incluso con algo de ínfulas, en el que usa los encadenados pasado-presente en base a las olas, movimientos de cámara en horizontal y raccord en base a sonido y montaje más atinado. Es una pena que eso funcione mucho menos (salvo lo último) que los fundidos, que me parecen tremendos para una película, y los interiores en los espacios reducidos, que funcionan sorprendentemente bien por la gran planificación de Sirk. Y eso: buena planificación y posproducción de Sirk, pero horribles pasos previos. También abusa mucho del subrayado, pero es quizá el mejor director de los que he visto (a falta de Schroeter) en cuanto a filmar escenas de ópera -en lo formal. Lástima de final y de detalles sin mucho sentido, porque tiene unos recursos técnicos adaptados del expresionismo alemán que en más de una ocasión encajan como un guante.
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Genjuro
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Re: Contador de películas 2018

por Genjuro » 17 Ene 2018, 01:06

10. Thunderhoof (Phil Karlson, 1948) - 6,5

Tres únicos personajes son los que hacen acto de presencia en este western que conjuga mínimos elementos para desatar un abanico de pasiones. Es un triángulo amoroso formado por un aspirante a criador de caballos que cree encontrar en el salvaje Thunderhoof la piedra filosofal de su negocio, y dos jóvenes que ha "rescatado" de una vida poco prometedora y que ha convertido en su mujer y su ayudante. Rivalidad, ambición y amor se dirimen en escenas muy medidas con diálogos que casi siempre insinúan más de lo que enuncian. La puesta en escena es bastante sencilla, aprovechando la profusión de exteriores y una notable fotografía en blanco y negro, especialmente efectiva en las escenas nocturnas con sus más que logrados claroscuros.


11. Vixen (Yasuzo Masumura, 1969) - 6

El título de este film alude a otro de los personajes habituales de Masumura, la mujer que en el contexto de una sociedad machista, y por tanto víctima de la misma, se convierte en un ser destructivo. La joven protagonista, que de hecho se presenta como víctima de una violación, muestra una incontenible necesidad de seducir agresivamente a algunos de los hombres que se cruzan por su camino, sin importarle sus compromisos sentimentales. Como ella misma expone en uno de sus recurrentes arrebatos mercuriales, no deja de comportarse como hacen tantos hombres en la sociedad que le ha tocado vivir. Los personajes de Masumura lucían más desaforados según los años sesenta se iban terminando (pensemos en Love for an Idiot o en Blind Beast), y ciertos detalles de estética pop no le sentaban demasiado bien a su cine, creo yo. Dentro de su dominio del encuadre y el movimiento, no me parece una de sus películas mejor trabajadas en este aspecto.


12. Star Wars: Los últimos Jedis (Ryan Johnson, 2017) - 6

Sin resultar un calco como la anterior, sí que seguimos encontrando multitud de situaciones reconocibles de la trilogía original en esta nueva entrega de la saga galáctica, apostando decididamente por la acción infatigable, sin que ello impida dejar algunos apuntes políticos y estratégicos, aunque no sean especialmente refinados. De nuevo la acción está filmada con sentido del espectáculo y sin caer en el caos, mientras se salva la papeleta con suficiencia en la mayoría de las escenas dialogadas (eso sí, hay algún plano-contraplano bastante lamentable). Todo ello sirve a una película disfrutable, pero reconozco que igual ya me empieza a saturar un poco todo este universo tan reconocible y diáfano. Quizás por ello sea tan receptivo al humor desmitificador, y de hecho el gag de la plancha me ha parecido el momento cumbre del film.


13. La ragazza in vetrina (Luciano Emmer, 1961) - 7

Un film sobre inmigrantes italianos en las minas holandesas con dos partes muy diferenciadas. Primero asistimos a una especie de iniciación minera a marchas forzadas y posteriormente al asueto en Ámsterdam a la búsqueda de prostitutas para pasar el fin de semana. A pesar del compadreo en el primer caso o del potencial enamoramiento en el otro, en ambos escenarios se siente un malestar producto de relaciones monetarias que generan dependencia, en "oficios" no deseados por los personajes pero que los terminan atrapando (por supuesto, los veteranos actúan como reflejo futuro de los neófitos). Emmer utiliza este contraste para ofrecer estas pequeñas tragedias individuales en sordina, dando espacio a la comedia y huyendo de cualquier atisbo de melodrama. Por otro lado, se mueve con igual comodidad en los diferentes ámbitos que transita el film, en las angosturas claustrofóbicas de la mina, en el bullicio disipado de los locales públicos, incluso en la intimidad que crean las relaciones sentimentales. Quizás en algún momento puntual cae en cierto histerismo, generalmente relacionado con el volcánico personaje interpretado por Lino Ventura, pero son más bien excepciones.


14. Bardelys the Magnificent (King Vidor, 1926) - 6

De la comedia de equívocos al drama romántico, Vidor erige un efectivo vehículo para el lucimiento de John Gilbert en su papel de seductor en la corte francesa. Parece ser que se han perdido algunas escenas, pero permanece el grueso argumental del film. La puesta en escena se desmelena por momentos, como el paseo en barca entre la vegetación o la acrobática secuencia de acción final, muy bien resuelta a nivel técnico y físico, mientras se abona a la corrección en la mayor parte del metraje para cumplir en el registro cómico y dramático.


15. Wir machen Musik (Helmut Käutner, 1942) - 7

Otra comedia romántica de Käutner en tiempos del régimen nazi, con más presencia musical de lo que ya era habitual en él por entonces, hasta casi ser adscribible al género (la música es en principio diegética, aunque hay algún refuerzo extradiegético, y las letras por lo general no se refieren directamente a la acción). Lo que describe el film es la clásica historia de amor en la que se produce el enamoramiento, la unión, la crisis y la reconciliación, entre un profesor y aspirante a músico "serio" y una alumna más práctica en su enfoque musical. Vista hoy se antoja rematadamente machista, pero sí que hay algún conato de guerra de sexos. La gran baza del film es, una vez más, la puesta en escena de Käutner, el dinamismo y la precisión de sus movimientos de cámara, del trabajo sobre los elementos escénicos. Resultan llamativos, por cierto, un par de velados recordatorios de que hay una guerra en marcha, puesto que la película tiene ambientación contemporánea, aunque son más anecdóticos que otra cosa.


16. Pirosmani (Giorgi Shengelaya, 1969) - 7,5

Semblanza de Niko Pirosmanashvili, pintor georgiano cuya obra se desplegó entre finales del XIX y principios del XX, hasta su fallecimiento en la miseria. Lejos de tratarse de un biopic al uso, Shengelaya traza retazos de su vida inspirándose sutilmente en la propia obra de Pirosmani, en su primitivismo pictórico. El trazo sencillo encuentra eco en las imágenes del film, que tienden por momentos al frontalismo o a cierto abigarramiento, en una ilustración de lo popular desde presupuestos poéticos. Por el camino el film busca dejar en evidencia el mercantilismo que termina explotando y de alguna manera expoliando el talento del protagonista.


17. L'affaire Maurizius (Julien Duvivier, 1954) - 6

Un film marcadamente moral que profundiza en el concepto de justicia a través de la investigación del caso de una dudosa condena a cadena perpetua. La recapitulación de los hechos que llevaron al asesinato de una mujer dieciocho años atrás, del que fue culpado su marido, se desarrolla a través de un mecanismo de flashbacks quizás demasiado artificioso. Pienso que el film cae en cierta dispersión y nunca llega a profundizar suficientemente en sus personajes, un poco sujetos a las servidumbres argumentales. Así todo es una obra bien filmada, con momentos realmente logrados, especialmente en el uso de las sombras en algunas de las escenas. En el fondo de la película, la lucha entre una moral y ética individual confrontada con un sistema que genera inevitablemente situaciones injustas.


18. In nome della legge (Pietro Germi, 1949) - 7

Bajo la influencia del neorrealismo nos trasladamos a un pueblo de Sicilia, siguiendo los pasos de un joven juez que tiene que enfrentarse a un entramado social que, bajo el dominio de la mafia, no reconoce la ley del estado. Puntualmente el film puede incluso evocar ciertos aspectos del western, en ese retrato de un espacio salvaje donde no termina de asentarse la civilización. Germi conduce la narración con pericia, manteniendo a raya el caudal dramático, prestando especial atención a la mirada de los personajes (hay algunas escenas modélicas al respecto). Quizás chirría el final, con discurso y todo, pero no malogra el resto de la película.


Un saludo.
Última edición por Genjuro el 21 Ene 2018, 15:37, editado 1 vez en total.

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Heidegger
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Re: Contador de películas 2018

por Heidegger » 20 Ene 2018, 22:55

Y Netflix lo volvió a hacer: cagarla. Sigo sin entender a qué criterios responden sus películas. Sí, me he tragado The Open House. Y sí, es infame. No es ya que los personajes reaccionen como pollos sin cabeza, es que la película es un quiero y no puedo. Quiere ser un thriller de terror con trasfondo dramático -esa familia rota por la muerte y el dolor por un ser querido-, pero se queda en el terreno del cliché con ínfulas. El guió no funciona, el uso de la música es lamentable y los últimos 15 minutos son completamente absurdos. Por no hablar de ese coqueteo con el torture porn que no viene a cuento de nada. La culpa es mía, por no coger un libro.

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Re: Contador de películas 2018

por remember CAI » 21 Ene 2018, 12:39

The Post.- 8, 5. El buen hacer es simple digno de encomio, y Spielberg película a película nos dona su oficio de maestro, que en este film de nuevo exhibe con prodigalidad, pergeñando una composición clásica acerca de un tema mil veces tratado, pero que nunca se agota, y menos hogaño en la Meca de la libertad de expresión: la eterna lucha entre el poder y la prensa ( en representación del Pueblo). Al final, más que una reflexión sobre tan graves temas, que la hay y bastante ajustada, la película se convierte en un homenaje a la figura de Katherine Graham, encarnada con su habitual solvencia por Meryl Streep y, en menor medida, Ben Bradlee (Hanks en otro gran papel), con alguna sombra apenas visible entre tanta luz, derivando en unos minutos finales con cierto aroma a patrioterismo yankee. No obstante ello, el camino hacia la meta es tan bello y gozoso, la peli se pasa en un suspiro, que absolvemos al prodigio de su inevitable inclinación al optimismo. Muy buena banda sonora del Maestro Williams, en un registro no tan habitual.

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Re: Contador de películas 2018

por Iñigo » 21 Ene 2018, 12:47

Ayer vi "Asesinato en el Orient Express", sin muchas expectativas. Ya había visto la versión de 1974, y tengo que decir que me gustó bastante. Me sorprendió positivamente la ambientación, y Johnny Depp, de quien no soy nada fan, quizá porque abandona su lado más histriónico. Bastante entretenida.

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Re: Contador de películas 2018

por hoeman » 22 Ene 2018, 22:27

5. The Wire (serie completa) - 9

Obra maestra. No sé si debería ir aquí, pero si las revistas especializadas en cine se permiten incluir Twin Peeks en las lista de las mejores pelis del mundo... No da tregua, no exagera, mantiene el tono en todo momento.

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Bundy
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Re: Contador de películas 2018

por Bundy » 23 Ene 2018, 00:11

21.-El camino del piso solitario (Henry Hathaway, 1936) – 8,75

Una de las películas más preciosas en color entre los 30 y los 40 junto a La reina de Nueva York y Tierra generosa. En esta película, dos familias del profundo Oeste están en continua guerra, y no será hasta la llegada de un nuevo personaje y de la modernidad en sí cuando esto cambie (o al menos lo parezca). La historia sabe entrelazar muy bien la trama romántica, la familiar y la más cercana al western, y se sirve muy bien de panorámicas y de fundidos encadenados con planos generales a la vez que la música sirve de hilo conductor entre esos planos y también como separador temporal. Al final eso, los colores ocres y anaranjados y la enorme fijación por lo terrenal de Hathaway siembran poco a poco el camino hacia algo mucho más imperecedero de lo que parece, y a un clímax tremendo. Le pesa quizá cierto paternalismo con las dos familias, pero por suerte el ego del director o del guionista no se imponen a todo ese trabajo monumental de una película que merece más atención de la que debería.

22.-The Plainsman (Cecil B. DeMille, 1936) – 8

Western con giros frescos y rebeldes en cuanto a perfiles (Calamity Jane) al que le puede su conservadurismo en el guion y en la propia historia. Lo interesante es esa deriva hacia lo salvaje y hacia la violencia y la deconstrucción de esos mitos mostrando lo peor del protagonista sin arruinar ni su figura ni la faceta ética de los personajes. Desgraciadamente, no se puede decir lo mismo de la figura de los indios, la cual creo que está más ridiculizada de lo que se debería, así como tampoco de otros perfiles que realmente denostan la película más allá de la trama principal.

23.-El general murió al amanecer (Lewis Milestone, 1936) – 6,5

Combina momentos tremendos en que la composición y las decisiones de montaje fluyen con una naturalidad pasmosa propia del vanguardismo (el juego con los fundidos encadenados, los juegos de raccord con sonido a un nivel muy superficial) con otros momentos vergonzosos de situaciones cliché y de “malos malosos”, muchos relacionados con la iluminación o el guion, incidiendo sobre todo en casi todos los personajes no protagonizados por Cary Grant o por los soldados y generales chinos. Hay una crítica furibunda a los movimientos dictatoriales y fascistas y a los cerdos que los apoyan (la primera escena en la que Grant abofetea a un coronel, por ejemplo), pero es que a veces la literalidad de los diálogos y esas decisiones obvias lastran gran parte de sus virtudes. También pesa mucho que se arrastre el tema del dinero hasta la extenuación en la segunda mitad de la película.

24.-How to make glass (manually) (Peter Nestler, 1970) – 8

Documental encargado de Suecia para Nestler en el que explica el proceso de fabricación del cristal y su historia. Nestler combina primeros planos cercanos de los obreros (especialmente cuando trabajan) con planos detalle en el que la composición del cuadro retrotrae del material al obrero y de este al material. Nestler trabaja como él dice “la biografía del objeto” hablando de este en todas sus fases y centrando el trabajo (en este caso, del cristal) enfocando la acción y la fabricación del objeto. Este caso es quizá el más brillante a nivel de estética por cómo capta los matices del brillo y del humo, pero a las otras dos se les puede aplicar lo mismo, aunque sean más rudimentarias y tengan menos material filmado y sí más material de archivo que, aunque cuaje, no acabe de crear la misma belleza. En las tres películas, hay la misma radiología del trabajo de la fabricación de objetos que en bastantes escenas donde hay trabajadores que en Trás-os-Montes.

25.-About the history of paper, Part 1 (Peter Nestler, 1972-73) - 7
26.-Mining/Ironworks, Part 2 (Peter Nestler, 1974-75) – 7
27.-Mr. Thank-you (Hiroshi Shimizu, 1936) – 6,5


Mantén tu trama simple. Eso es lo que debía haber pensado Hiroshi Shimizu con esta historia en la que el protagonista es un conductor de autobús que va dándoles las gracias a toda la gente a la que le pide pasar con su claxon y en donde gran parte de los personajes coexisten en un mismo espacio: el tren. Pese a que los fundidos y los breves lapsos de planos subjetivos y paisajísticos ofrecen una vista hacia afuera, lo que realmente importa es lo que viaja dentro, especialmente una joven que ha sido vendida a sus padres para que trabaje en Tokio. El tono es del estilo de Los masajistas y la mujer: detrás de todos esos pequeños gestos cómicos surgidos de la cotidianidad se esconde un mensaje mucho más amargo, esta vez en una línea política en donde la crisis económica japonesa y la falta de oportunidades laborales son dos de los temas que subyacen dentro de todo eso. Y aun así, la película consigue sortear eso, aunque no, desgraciadamente, una serie de recursos que se repiten una y otra vez y que provocan cierto agotamiento al estar mejor montados que planificados.

28.-Girl (Stephen Dwoskin, 1975) – 7,5

Se me revuelve el estómago al ver cómo Dwoskin desnuda física, literal e incluso a todos los niveles de producción la escena. Aquí no hace falta pistola: tan solo una mujer desnuda, planos fijos, algún zoom que otro enfocando la figura encogida de la mujer y la propia actuación de un personaje que es quien pone sentimiento a la cámara. Dwoskin no se olvida de todo eso, y acaba cerrando el plano dejando aire en casi todos lados menos en la esquina inferior izquierda: ahí están los ojos de la mujer, mirando de frente a la cámara. Supongo que es mejor dejar lo que dice Dwoskin sobre su obra, pero totalmente verdad:

It is quite revealing how complex the simple form is. Shot one to one, a girl is confronted with nothing more than her thoughts. In the period of watching her (while she is looking at you) her expressions and movements turn into a ‘mirror’ for the viewer to experience his or herself. The experience is solely emotive between you and her, and occurs in “real” time. (Stephen Dwoskin)

29.-El museo de las maravillas (Todd Haynes, 2017) – 6,5

La nota no sé si bajará más o no, pero estoy bastante dividido al respecto de la película.

Por un lado, El museo de las maravillas abusa de la música de una forma ramplona, entendiendo el mudo de una forma totalmente ramplona e incluso diría algo ignorante. Además, cabe añadir a eso el enorme vacío narrativo que se desplega alrededor de la película, que nace de hecho desde el primer minuto de la película. Y sin embargo, visual y técnicamente es a ratos una película tierna que sabe conectar los puntos con historias paralelas y consistentes en las que, por mucho que Burwell (o Haynes) la caguen poniendo track después de track musical, resulta por momentos preciosa no solo por lo que usa (planos detalle que se reflejan unos con otros, el juego con las texturas, esas panorámicas -manuales o aprovechando vehículos), sino también por cómo lo usa; asimismo, merece un aplauso la parte en donde se explica en flashback la parte donde se hilan ambas historias.

30.-The Day he arrives (Hong Sang-Soo, 2011) – 7,25

Algunas de las ideas expresadas por Hong en “La Cámara de Claire” nacen en parte aquí, pero con focos muy distintos. En The Day he arrives, el foco está en un director de cine medio retirado a profesor en un pueblo coreano. Su vuelta a Seúl viene condicionada por su enorme miedo a las mujeres y sobre todo sus recuerdos, que lo torturan hasta el punto de convertirlo en un mierdas egoísta. Parte de la gracia está en que se empieza a manejar el zoom y en que las conversaciones más allá de ciertas pistas son mucho menos importantes que las acciones, a las cuales Hong les da una importancia tal o mayor que incluso a las escenas en donde hace zoom-in a sus personajes. Hay ideas muy interesantes detrás de cómo funciona nuestra mente y del ego humano (no en un sentido filosófico profundo, pero sí en cómo se relaciona el ser humano) a través de una persona tan sabia como inestable y egoísta. La secuencia final creo que es la que sirve de encaje al resto de la película, aunque quizá las partes andan un poco más inconexas de lo que deberían.

31.-Somethin between us (Jodie Mack, 2015) – 7,25

Luces, refracciones y tintineos son los principales distintivos en una película que parte desde lo material y lo natural hasta que decide reducirlo a la mínima esencia multiplicada en muchos objetos.

32.-Left handed Memories (Michele Fleming, 1989) – 9,5
33.-Private Property (Public Domain (Michele Fleming, 1991) - 9
34.-Devotio Moderna (Michele Fleming, 1993) – 8,25
35.-Life/Expectancy (Michele Fleming, 1999) - 10
Última edición por Bundy el 25 Ene 2018, 21:37, editado 1 vez en total.
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Genjuro
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Re: Contador de películas 2018

por Genjuro » 25 Ene 2018, 01:08

19. Alexander's Ragtime Band (Henry King, 1938) - 7

Utilizando la música de Irving Berlin, quien también es responsable del guión, este film de King repasa la popularización y aceptación crítica de ragtime y de varias formas del jazz entre los años 10 y 30, hilvanada con la historia de amor entre un director de orquesta de clase alta y una cantante de extracción popular. De alguna manera ellos simbolizan la cristalización de esa música, por qué no de la cultura americana en sí, como objeto de devoción compartido por toda una sociedad en su variado rango de clase (eso sí, exclusivamente blanca a decir del film). Pero lejos de quedar como un mero accesorio a los prolijos y vitalistas números musicales que salpican el film, pienso que King consigue erigir una relación emocionante que emerge de un grupo de personajes entre los que prima la generosidad y la bondad. Entre la intimidad sentimental, a menudo retratada en plano medio, y la vitalidad de las actuaciones, registrada en planos generales, la cámara de King sabe situarse en la distancia precisa en cada momento (sólo hay un par de instantes un poco extraños que no empañan el oficio al que acostumbraba su director).


20. A Ghost Story (David Lowery, 2017) - 7

El tiempo y la memoria son el sustrato esencial de esta singular película de fantasmas que se articula a través del duelo por la pérdida. Protagonizada por el espectro de un hombre muerto en accidente, se mueve desde un feliz registro íntimo en el que explora el dolor de la separación de una pareja, hasta una dimensión más cósmica, en la que quizás deja sus pretensiones demasiado en evidencia (no es fácil de justificar el encaje del discurso de ese personaje azaroso que habla del legado humano) y el tono se vuelve más trascendente. En todo caso, es una constante el enorme cuidado en el uso de la luz y en la composición de los planos, de hecho en el trabajo sobre el punto de vista del fantasma. La dinámica de su ausencia/presencia en el cuadro está llevada con mucho rigor, quizás con especial sentido dado lo "palpable" que resulta. Retomando al ideario más clásico e ingenuo, Lowery recurre a una simple sábana como atuendo de su protagonista, e igualmente el formato del film vuelve, no sólo a la pantalla cuadrada, sino al redondeo de los bordes que se practicaba en tiempos del cine mudo. Quizás sirve para dar al film un aspecto más material y atemporal.


21. Columbus (Kogonada, 2017) - 6

La presencia reiterada de la arquitectura y su influencia en la puesta en escena invita a considerar las difíciles relaciones que mantienen los personajes de esta película como un conjunto de espacios y barreras emocionales, que unen y fragmentan. De hecho, la evolución hacia el admirado estilo arquitectónico modernista presente en Columbus, más flexible y funcional, más humano, se puede ver como una analogía a la progresión emocional que siguen unos personajes desde sus cerrados presupuestos iniciales, la chica lugareña protectora con su problemática madre y el hombre coreano alienado de su moribundo padre. Para ello, Kogonada diseña un estilo visual de planos fijos en los que abunda el punto de fuga central en espacios amplios, mientras que las zonas habitacionales fragmentan la presencia humana a través de puertas y pasillos. Dentro del atractivo de la propuesta, me resta la impresión de estar ante un film bastante trabajado a nivel conceptual pero también un poco atrapado por el mismo, a cuyo desarrollo y plasmación final le falta una mayor dosis de vida.


22. Harmonium (Koji Fukada, 2016) - 6

En los personajes de este film se antoja fundamental el tratamiento moral, los conceptos de culpa, penitencia, sacrificio o redención. De hecho no es azarosa la presencia de la religión cristiana a pesar de encontrarnos en Japón. Allí, la vida de una familia se ve distorsionada con la llegada de un misterioso antiguo amigo del padre. La imagen de este hombre juega con la dualidad ángel/demonio ya desde su primera aparición de regusto sobrenatural, y en el devenir narrativo casi termina pareciendo antes un instrumento que una entidad humanista. El film se beneficia de una puesta en escena bastante elegante y pulcra, redundando en una obra cuanto menos apreciable.


23. Blade of the Immortal (Takashi Miike, 2017) - 5,5

Miike combina una clásica historia de venganza en el Japón Feudal con el toque fantástico de un ronin que ha alcanzado la inmortalidad. Tras causar involuntariamente la perdición de su hermana, se le ofrece una posibilidad de redención personal oficiando de guardaespaldas y brazo ejecutor de una adolescente cuyos padres fueron matados por los miembros de un dojo rival. Aunque Miike dedica algún tiempo (tampoco demasiado) a la relación emocional que se establece entre ellos, también a la angustia del guerrero por una vida que no parece tener fin, pienso que la película nunca consigue profundizar en exceso en sus personajes, de manera que la acción chambara, una constante en todo el metraje a través de numerosas escenas a cual más espectacular, toma el protagonismo del film. Pienso que estos combates, algunos multitudinarios, están rodados con una solvencia técnica irreprochable, brillantemente coreografiados y fotografiados, pero finalmente terminan resultando un tanto fatigosos.


24. Rey (Niles Atallah, 2017) - 6

Atallah recupera la figura de Orllie-Antoine de Tonnens, un abogado francés que intentó instaurar un reino en el extremo meridional americano durante el siglo XIX, para emprender una aventura alucinada y ecléctica. Una obra que juguetea con lo onírico y lo fantástico, que recurre a material de archivo y por momentos también simula la degradación del celuloide, que se aproxima al videoarte en ocasiones y emplea algunas estrategias representacionales. La película abunda en cuestiones como la memoria, la tiranía, el mesianismo o el genocidio indígena. Por su propia naturaleza termina siendo un film irregular, pero a menudo estimulante.


25. Mother! (Darren Aronofsky, 2017) - 5

La última película del director neoyorquino vuelve a llevar a su protagonista al límite emocional, pero además desde una perspectiva metanarrativa, como si fuera una autocrítica de su propia condición (y carrera) de autor. Y es que el vía crucis de la mujer de un escritor en crisis creativa parece menos justificado que nunca, adquiriendo tintes kafkianos. Aronofsky la encierra en una casa y cámara en mano la sigue con planos cercanos, de cara o cogote, para reforzar su punto de vista sobre la acción. En el fondo estamos ante una gran alegoría del acto de creación artística, que abunda en cuestiones como la apropiación de la obra por parte del público, la presión comercial, la vanidad del creador o la manipulación de los personajes. Resulta irónico, y espero que sea deliberado, la transposición de este registro metanarrativo a la propia obra de Aronofsky, en un probable ejercicio de autocrítica que expone la tiranía y crueldad de sus propias estrategias como cineasta.


Un saludo.

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remember CAI
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Re: Contador de películas 2018

por remember CAI » 27 Ene 2018, 11:02

Call Me By Your Name. - 8, 5. Nostálgica recreación del despertar amoroso de un adolescente, narrada de manera deliberadamente morosa y preciosista, al punto de irse más de 20 minutos sobre el metraje que, a mi aviso, hubiera sido adecuado. La sensualidad en el ambiente, en la comida, el paisaje, la ropa, el arte y hasta los fluidos, está bastante lograda, las interpretaciones son correctas, Chalamet compone un personaje contenido y soporta la cámara en títulos de crédito con nota, hay un par de escenas memorables, la del melocotón y el speech de Stuhlbarg sobre la paternidad, las decisiones y el aniquilamiento del dolor, muy bien escrito y actuado, pero todas estas virtudes no logran enervar una fastidiosa sensación de especiosa belleza, de artificio emocional, de esteticismo oportunista, que a veces asoma en la pantalla, cercenando la naturalidad propia, la prístina franqueza (véase Boyhood) que demandan estas historias de iniciación y familia.

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