Contador de películas 2018
La vida al margen del deporte (la hay)

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PichurryMVP
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Re: Contador de películas 2018

por PichurryMVP » 08 Jul 2018, 23:10

isle of Dogs :amor: :amor: :amor:

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Benny16
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Re: Contador de películas 2018

por Benny16 » 09 Jul 2018, 00:55

Sorry to bother you (B Riley, 2018): Hecha por y para hipsters, la pelicula es entretenida y funciona como analisis distopico, parodico y absurdista de las tensiones raciales y economicas.

Victor/Victoria (B Edwards, 1982): Un clasico muy de actualidad, por su acierto y seriedad (a pesar de ser una comedia) a la hora de tratar asuntos de genero y movidas queer.

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Bundy
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Re: Contador de películas 2018

por Bundy » 09 Jul 2018, 17:48

204.-Recuerda (Alfred Hitchcock, 1945) – 8

Me parece una película muy rica, tanto en inventiva visual (muy cercana al surrealismo, y eso va más allá del sueño -es obvio que Dalí debió ayudar a Hitchcock, pero la escena de la leche y demás es una auténtica genialidad). Es, como Dos personas de Dreyer, una película muy psicológica e intuitiva a poco que hayas visto mucho cine, pero no desprecia tampoco al espectador medio; es más, Hitchcock lo sabe e intenta reforzar aquello que es muy críptico, pues sabe que hay informaciones que bien podrían ser muy crípticas para según quién (de ahí que recurra a ampliaciones de objetos y pequeños elementos y sobreimpresiones para poder transmitir toda la información posible). Para mí lo más memorable es la capacidad de conectar imágenes con diferentes significados y de jugar incluso con las ironías, y creo que realmente la película podría haber ido un poco más allá en ese sentido; de haberlo hecho, probablemente estaríamos (falsos decorados cutres aparte en estaciones de esquí) ante una obra no tan pequeña como se cree en la actualidad.

205.-Kindering (Stan Brakhage, 1987) – 6
206.-El reloj (Vincente Minnelli, 1945) – 7,5

207.-No eran imprescindibles (John Ford, 1945) – 8,75


Una película que baja ligeramente la marcha en la segunda mitad en lo que se refiere a belleza y poética audiovisual, pero que no tiene nada que despreciar en comparación a otras películas más aplaudidas del maestro. Como película bélica como la Segunda Guerra Mundial es más amarga todavía que el episodio de los partisanos de Paisà, y aun así, la primera mitad no deja de ser preciosa, con el contexto de la guerra, pero con el protagonismo de los hombres en toda su humanidad y dignidad, y en los claroscuros, aún más preciosos y útiles (a la vez) que mucho cine expresionista alemán, o que el achatamiento de la perspectiva de Dreyer. A mi gusto, película infravalorada.

208.-Cuatro aventuras de Reinette y Mirabelle (Eric Rohmer, 1986) – 7,25

Aquí se puede ver quizá y de forma clara la herencia que Rohmer reportó tanto a Hong Sang-Soo como a Eugène Green. Aquí, cuatro historias sirven a modo de pequeñas aventuras que permiten la creatividad en todos sus gags, sin abandonar, por supuesto, la necesidad de darle vueltas a la vida cotidiana. Como fondo, una idea deliciosa; como forma, una película más que sólida y a ratos tremenda, pero a otros ratos decente como mucho, lo cual no es malo.

209.-Que el cielo la juzgue (John M. Stahl, 1945) – 7,75

Drama poderoso con tintes de melodrama por su forma de trabajar la ironía y esconderse en la psicología del personaje de Gene Tierney, que encarna posiblemente uno de los personajes más enfermizos y dignos de lástima de los años 40. El trabajo que Stahl imprime a esto es brutal, apoyándose en los primeros planos y en el mínimo de elementos para crear tensión. Necesito volver a verla para acabar de captar la dirección más allá de ese tono sepia y ese trabajo con el color y la escenografía para engañar al espectador, pero el guion me parece soberbio y el personaje de Tierney hiela la sangre durante gran parte del metraje.
THE GREATEST escribió:Eso, disfrutad ahora de la luna de miel bolchevique porque en las próximas elecciones los españoles os vamos a laminar.

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Dezsö Kosztolányi
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Re: Contador de películas 2018

por Dezsö Kosztolányi » 14 Jul 2018, 10:34

Jagten (La Caza) : Película escandinava bastante interesante, ya que trata con relativa crudeza el hecho de que una mentira pueda ser aceptada por la sociedad (por diversas razones), los juicios públicos y el mayor interés de la gente por creer lo que quiere creer en vez de usar el pensamiento crítico. En algunas ocasiones la trama está un poco acelerada, pero entiendo que el metraje es limitado y no acaba afectando la idea general. Buen casting.
Nada más verla hubiera preferido un final más oscuro, pero cuanto más lo pienso más me gusta la última escena.
Lo dicho, interesante, y encima sin tocar el tema de las redes sociales.

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Bundy
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Re: Contador de películas 2018

por Bundy » 14 Jul 2018, 10:48

Dezsö Kosztolányi escribió: Jagten (La Caza) : Película escandinava bastante interesante, ya que trata con relativa crudeza el hecho de que una mentira pueda ser aceptada por la sociedad (por diversas razones), los juicios públicos y el mayor interés de la gente por creer lo que quiere creer en vez de usar el pensamiento crítico. En algunas ocasiones la trama está un poco acelerada, pero entiendo que el metraje es limitado y no acaba afectando la idea general. Buen casting.
Nada más verla hubiera preferido un final más oscuro, pero cuanto más lo pienso más me gusta la última escena.
Lo dicho, interesante, y encima sin tocar el tema de las redes sociales.


En cierta parte es normal, viendo que en 2012 (2010 o antes el rodaje?) estas aún no habían alcanzado su notoriedad (de hecho, la primera que juega con eso es Gone Girl).

Y sí, el final es el perfecto para la historia. Tengo otras quejas con la película, pero el tramo final precisamente es lo mejor de la película
THE GREATEST escribió:Eso, disfrutad ahora de la luna de miel bolchevique porque en las próximas elecciones los españoles os vamos a laminar.

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Bundy
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Re: Contador de películas 2018

por Bundy » Ayer, 23:14

210.-La hija del Nilo (Hou Hsiao-Hsien, 1987) – 8,5

Drama poderosísimo gracias a las composiciones de Hou Hsiao-Hsien, quien sabe muy bien combinar los planos generales con otros más de medio plano, utilizando puertas y otro tipo de separaciones (incluso la de la voz en off, que por momentos es clímax y anticlímax en según qué ocasiones). Lo más importante, pero, es la forma en cómo Hou construye los planos, dejando mucho aire en las composiciones y montando mucho sobre cuartos y espacios vacíos o casi vacíos, aprovechando además los colores para añadir varios matices, así como también la analogía que el director taiwanés arma con las leyendas egipcias. Al final, un relato sobre la adolescencia y la entrada progresiva y depresiva de su protagonista al vacío de una juventud en un entorno decrépito y sin futuro (se siente como una precuela reposada y meditativa de películas como Rebeldes del dios neón).

211.-La campana de la libertad (Henry King, 1945) – 7

Un drama belicista bastante apañado en el que King decide tomar la vía más original: dejar que la propia burocracia de los militares estadounidenses y las necesidades de un pueblo que ha tenido que lidiar con el fascismo italiano sean los puntos de conflicto de la vida de un Mayor que ve cómo tiene que lidiar con todo ello. La película es de profundo corte humanista y prefiere centrarse en los aspectos políticos, en la burocracia y en la rutina, aunque es sorprendente ver cómo lo que mejor se le da a King es la representación de personajes en el guion y en la puesta de escena como seres imperfectos con necesidades y ansias distintas. Sorprendente trabajo, cuanto menos.

212.-Damned if you don’t (Su Friedrich, 1987) – 7,75

7 minutos de Black Narcissus (resumido y montado con sus coñas) sirven de preámbulo para una breve historia y disquisición sobre una monja que acaba, esta vez sí, seducida por una artista. El trabajo en sí no deja de ser un ensayo sobre deseo, lesbianismo y represión cohesionado gracias a un montaje muy inteligente en su distribución de recursos (voz, sonido, los propios pocos recursos del mediometraje), para culminar en una potente escena final que constituye el clímax ideal, aunque no tanto como parece.

213.-Bajo el sol de Satán (Maurice Pialat, 1987) – 7,25

Drama poderoso y obtuso en el que Pialat sabe hacer gala de la elipsis para dejar en vilo al espectador sobre qué es lo que está sucediendo. El giro a media película es desconcertante, aunque ya viene avisado por una maravillosa escena de noche americana que anticipa lo que está por venir. El juego con las puertas no es tan notorio a simple vista como el juego con los cortes y la omisión de información, pero aun así, una película que aún hoy día no se entiende por qué fue abucheada en Cannes… o sí se entiende xD

214.-Toni (Jean Renoir, 1935) – 7

Aquí pasamos a otro drama, este circular y amoroso, sobre las desventuras de un inmigrante italiano que se desvive por una femme fatale de pueblo a la que la vida le acaba jugando una mala pasada. Es una constante en Renoir, pero también en otros cineastas franceses, el de apostillar contra la mujer en un sistema patriarcal recalcitrante que las convierte en poco menos que marionetas, y creo que ahí radica su valor, en la crítica social que Renoir deja patente (como Grémillon) en sus películas, consiguiendo dignificar a personajes como Josefa incluso en su tramo final. Aquí es notorio el juego de perspectivas (fondo de acción contra la figura que observa, es una constante aquí quién ve en primer plano y quién actúa en el fondo de este) y el trabajo notorio con las composiciones, casi siempre jugando con las líneas diagonales y las horizontales. En ese sentido, es una película con una puesta en escena enormemente teatral, incluso en los planos más cercanos.

215.-La muerte de Empedocles (Jean Marie-Straub, Danièlle Huillet, 1987) – 9

Straub y Huillet eran enormes defensores de la cultura y prueba de ello son sus múltiples adaptaciones de piezas de Brecht, Pavese o Hölderin, como es este caso. La película va sobre los últimos días de Empedocles, un poeta griego que acabó arrojándose a la lava del monte Vesubio. La película corta de forma violenta cuando quiere con la figura humana y sin embargo, jamás le da esa concesión a la naturaleza, a quien ambos directores la retratan en quietud y en todo su esplendor. Hay una fijación, como siempre, en mostrar ese choque hombre-naturaleza, y eso encaja en este trabajo, pues Hölderlin escribió acerca de la necesidad de Empedocles de conectar con la naturaleza desde una perspectiva humanista. Para mí es la mejor película que he visto del dueto alemán, y la más representativa por su puesta en escena: larga, profundamente interesada en la conexión hombre-naturaleza (con todas sus variantes), y también enormemente consciente de la declamación y de la forma de expresarse de los actores. Quizá esa puesta en escena es la más consciente y la que, hasta la fecha, más difícil de tomar en la actualidad, ya que no ha habido hasta la fecha y que conozca nadie que tome su estilo (si acaso, quizá en parte Pedro Costa).

216.-Nobleza obliga (Leo McCarey, 1935) – 7,25

Típica comedia de situaciones con pez fuera del agua con la que McCarey aprovecha para jugar con superposiciones y una dirección más que sólida a ojo. Hay más mérito de la dirección por su idea del montaje que por el guion, pero parece que la historia de verdad tarda en arrancar en favor del gag. Una vez se llega ahí, pero, recuerda por momentos al Lubitsch de El pecado de Cluny Brown, aunque en una línea más tenue y teatral, cercana a Jean Renoir: es más memorable, pues, el momento en que Ruggles acaba rompiendo el cascarón y asumiendo que puede ser alguien (aunque eso quede en una especie de acartonamiento americano en plan “bienvenido a la tierra de las oportunidades”) que toda la comedia de gags y sucesos anterior.

217.-El mensajero (Karen Shaknazarov, 1987) – 6,25

218.-¿Dónde está la casa del amigo? (Abbas Kiarostami,1987) – 7,5


Una película espectacular desde su pequeñez en todas las escalas. Tiene más de fábula verista y crónica social que de fábula pura y dura, y que Kiarostami base toda la película en un conflicto y en un entorno diminuto permite que cada pequeño gesto filmado o bien contextualizado suponga un mundo que a su vez complementa a otro. En la película se siente un profundo asco hacia una sociedad estricta e incluso dada muchísimo a la mano fácil porque sí, por palurdismo, pero que luego es interesada o incluso estúpida para consigo y su entorno. La parte final es tremenda, en tanto que se muestra de una forma particularmente tierna los parecidos y las diferencias entre la infancia y la vejez.

219.-El amigo de mi amiga (Eric Rohmer, 1987) – 8,5

No es de las más comentadas de Rohmer y sin embargo sí es la mejor que he visto hasta la fecha. Es una observación muy desenfada e incluso bastante actual y armónica sobre las relaciones y los muchos prejuicios y preceptos que uno se construye, y cómo muchas veces estos caen por sí solos (y muchas veces, como aquí, caen positivamente). La elección de colores de Rohmer no es azarosa; más bien, al contrario, estos hablan por sí mismos (incluso mejor que en otras películas como Suspiria, en la que se regodean de ese uso como expresión plástica y narrativa). La gestión de conflictos y la repetición de ciertos elementos hace el resto en una comedia muy inteligente por su gestión de los pequeños contrastes y obstáculos, y es tremendo ver cómo Rohmer incluso consigue romper los esquemas en más de una ocasión de una forma maravillosa. La escena del bosque, en donde Rohmer va tirando de panorámicas para dar esa sensación de "edén encontrado" es una delicia.

220.-La legion del águila (Kevin Macdonald, 2011) – 2,5

Es penoso ver un desarrollo mejor del esperado con una historia con personajes semidesconodidos (quitando a Tatum y a Sutherland) manejada con algunos tropos lolescos y con un montaje horrible y por momentos con imágenes que no valen un pimiento (la estética verista, la épica a lo Gladiator era, es y será siempre una remierda, especialmente por un uso de luz torticera y/o cámara lenta).

221.-Magino Village: A Tale (Shinsuke Ogawa, 1987) – 8


10 años de filmación en Magino, y se siente como Furuyasshiki Village, pero en mejor. Hay una insistencia en repetir ciertas líneas de observación en este documental (los arrozales -en el que el equipo se implica para dar una mano a la gente del área-, las historias tradicionales que completan una especie de antropología del pueblo que Ogawa visita, momentos cómicos en el que el pueblo es un elemento pasivo y activo, etc.). Y sin embargo, Ogawa es más ambicioso y efectivo que en su anterior trabajo: rueda más cerca que de costumbre los cuerpos en pura labor, aprovecha las microcámaras y otros recursos tecnológicos de la época para acercarse a la naturaleza microscópica, hace docuficción con los personajes e incluso ficción para teatralizar la realidad, y mientras hace todo eso, lo hace con una fluidez y una claridad de ideas brillante.

No deja de ser una película similar en muchas cosas a Nippon: Furuyasshiki Village, pero es distinta porque, además de ser un compendio de recursos anteriores, también sigue evolucionando su forma de hacer cine e introduce nuevos recursos y técnicas.
THE GREATEST escribió:Eso, disfrutad ahora de la luna de miel bolchevique porque en las próximas elecciones los españoles os vamos a laminar.

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