Contador de películas 2024 La vida al margen del deporte (la hay) Moderadores: Trager, andraax, Locutus, hastrakan, Roy Lichtenstein

[Bundy]

Abro el hilo.

[Nivariablue]

En este 2024 he visto:

Spoiler :

[Iñigo]

Barbie - Greta Gerwig.

Creo que fue Genjuro quien le puso un 6, y yo como mucho llego a la mitad. Se supone que han querido des-sexualizar a la muñeca envistiéndola de un empoderamiento femenino muy necesario, pero a mi modo de ver han conseguido justo volver a la sexualización de la mujer. No sé, lo único que destaco es la autoparodia de Ryan Goslin (Ken), que hace gracia, pero la película en sí me ha parecido una chorrada de campeonato.

[Bundy]

1.-One week (Buster Keaton, 1920) – 8
Una obra entrañable con una serie de golpes cómicos muy bien ejecutados a la hora de jugar con la tensión y acrecentarla con el paso de las desgracias. Es una película que recuerda mucho a lo que luego acabarán siendo el bosquejo para trabajos como “Esta casa es una ruina” y similares. En este caso, pero, se encuentran algunas genialidades (la idea de planificarlo todo en base a una casa defectuosa, la panorámica constante de un decorado interior en continuo movimiento, el juego final con los trenes usando las líneas de tensión) con otras que o bien no cuajan o en fin. Mención aparte también al momento gracioso de la moza yendo a recoger una pastilla de jabón y el cámara tapando expresamente para que no se la viese desnuda, que es algo curioso, simplón y muy efectivo.

2.-The last command (Josef von Sternberg, 1928) – 5
Una película tan bárbara en lo técnico y en su dirección como absolutamente risible y patética a nivel narrativo. La salva un inicio espectacular y un final férreo, pero toda la parte del flashback es risible y el personaje de Jennings es una cosa ridícula y con la propaganda pro-zarista a pleno pulmón. Patética.

3.-The goat (Buster Keaton, 1921) – 7,5
Keaton hacienda sus cosas en una película muy ingeniosa a la hora de subvertir las expectativas con uno de los momentos más icónicos del director, que es ese momento en que su fotografía como criminal circula por todas partes en lo que es uno de los malentendidos cómicos típicos del cineasta. Lo afea todo un final muy poco satisfactorio, que para mí es más coitus interruptus que otra cosa, y para el timing que tienen muchos gags no acaba de cuajar.

4.-The high sign (Buster Keaton, 1921) – 6,25
Si bien el montaje paralelo con el número final de Keaton es una proeza, esta película en sí me ha parecido que se le ven más las costuras y la cutrez que en otros trabajos posteriores del director. Sigue siendo buen trabajo y con su dosis de risotadas, pero no le veo el mismo derroche de genialidad que en otras películas suyas.

5.- Der müde Tod (Fritz Lang, 1921) – 7
Lang establece aquí un preludio que luego traslada a tres historias diversas de personas que están a punto de morir. Este es un relato tanto fantástico como romántico en lo narrativo, y expresionista en lo formal y estético. Si bien el marcado tono excesivamente naíf a lo exótico lleva a la película a derroteros estereotípicos y algo racistas por accidente (ojo a la estrofa china), creo que la película consigue un punto realista y agridulce en el tono que cuaja, a la vez, con este relato muy a lo Orfeo y Eurídice en el que se juega con enormes espacios y decorados y una composición muy cuidada de los planos.

6.- Die Frau, nach der man sich sehnt (Curtis Bernhardt, 1929) –7,5
Un inicio arrollador con una oda a la fábrica y un ritmo hipervertiginoso acaban engañando al espectador en que quizá se viene un futuro exitoso salvado por los pelos, pero en ese inicio se esconde la terrible ironía y el giro de ese cambio de una historia perfecta a un thriller romántico con visos del cine de Hitchcock con una Marlene Dietrich como femme fatale vulnerable al aparato. Después de ese inicio y media hora arrolladora (quizá un poco demasié), la película sigue manteniendo ese tema del thriller con un montaje vibrante y dos escenas muy distintas: un ritmo aceleradísimo en su inicio, y uno de crescendo en el tren, en donde todas las cartas se despliegan con especial momento brillante en la escena de la fiesta, en donde la coreografía de los cuerpos choca con un montaje que tiene una vis poética muy bien encontrada, además de que creo que Bernhardt era un tío con buena vis como director (esos planos aberrantes, la diferencia de ritmos por plano-contraplano… hay no solo un sentido del timing y la tensión excelente, pero también una cierta perturbación constante). En su contra tiene que los momentos del hotel por momento son muy peñazos y hay otros con poco sentido.

7.- A Cottage on Dartmoor (Anthony Asquith, 1929) – 8,5
Sorprendente trabajo por cómo Asquith empuja casi todo su arsenal técnico con tan pocos intertítulos en un trabajo sobre los celos, que se enfatiza su uso a través del montaje acelerado y el juego de miradas del protagonista a otros personajes y también hacia el primer plano. Es sorprendente también ver cómo una de las mejores escenas es un cruce entre ficción y el documental… ¡en una película talkie! Y creo que esos momentos, con un crescendo brutal a la par que se suceden las diferentes reacciones del público (no muy distinto del de ahora), son lo mejor de la película. El resto, sobre todo la escalada de los celos y la parte final en la campiña, también me parecen tan reseñables como poéticas, y hay una sutileza por parte del director que me ha gustado mucho, dejando también espacio a la digestión y hacia la lógica. Una sorpresa muy agradable de una película que en el fondo tiene un crimen de violencia machista con otros temas como la redención (aunque ahí me acaba de fallar, pero funciona de 10 por lo dramático de la propuesta).

8.- The River (Frank Borzage, 1928) – 8,25
Notable película de Borzage de la que podría hablar de otra manera si se conservase todo el metraje. Redonda de principio a fin, consigue condensar en el río todas las metáforas inimaginables sobre el olvido, la memoria y el amor a través de una relación romántica entre un hombre asilvestrado y hecho a sí mismo en los bosques de la América profunda y una mujer lastrada por la vida urbana y prisionera de un hombre corrupto y maltratador. Hay, aun así, escenas muy memorables como la del bosque, y hay que reconocer que Borzage ha sabido ser de los directores que mejor capte relaciones amorosas con una sensualidad que ya quisieran otros cineastas para sí mismos. Pero en general, me parece increíble cómo consigue encapsularlo todo a través de algo tan sutil como el agua y la nieve con esos entornos tan característicos. Si estuviese completa, quizá podríamos hablar de la película de la década de 1920.

[garba4ever]

En el avión de vuelta me vi alguna película de autor que seguro deleitará al personal atentos

Mission: Impossible - Dead Reckoning Part One (Christopher McQuarrie, 2023) - 8

Si Hayley Atwell saliera en todas las escenas tendría un 15. Aun así cumple su propósito. Aunque algo confusa por momentos la peli funciona, es entretenida, tiene buenas secuencias de acción, y sorprendentemente no se hace larga. Tom Cruise dicen que es un psicópata pero yo no consigo que me caiga mal ni consigo que sus personajes me cansen después de tanto tiempo. Eso tiene un mérito.

Ford v Ferrari (James Mangold, 2019) - 8

Si una película me entretiene y la disfruto para mí ya tiene el 8. La interpretación de Bale está al límite y aun así se le coge cariño al personaje. Muy buenas secuencias de los coches y las carreras, y la historia aunque un poco bastante americanada, siendo basada en hechos reales no le reprocho mucho.

Dunkirk (Christopher Nolan, 2017) - 6

No entiendo qué quería decir Nolan con esta película. Aparte de agobiar durante 2h no veo ningún mensaje ni ninguna utilidad y el guión no me ha dicho nada. Técnicamente es espectacular, la fotografía me encanta, y los actores lo hacen muy bien, de ahí los 6 puntos, pero ya está.

Godzilla (Gareth Edwards, 2014) - 2

No he podido ver la película. Literalmente. Era tan oscura que no veía nada, ni con el brillo al máximo.

Más allá de eso no funciona absolutamente nada. Ni Bryan Cranston, que ya es decir. La fui saltando a ver si ocurría algo interesante y fue imposible. Le doy un par de puntos por una escena al principio que me hizo pensar que Godzilla molaría y por un plano hacia el final que me gustó, pero es sorprendentemente mala y aburrida, que es algo trágico que decir en una peli que cuenta con uno de los monstruos más famosos de la historia.

[Bundy]

9.-La chute de la maison Usher (Jean Epstein, 1928) – 9
Obra potentísima en el que toda la creatividad de Epstein se integra en algo que quizá no podría encajar como son dos relatos de Edgar Allan Poe concentrados en uno solo. La Caída de la Casa Usher tiene una atmosfera extrañada constante que Epstein consigue enfatizar muchísimo a través de planos subjetivos y cámara en mano, trabajando el enfoque como forma de mostrar cómo la maldición posee a la familia de nobles, además de trabajar a fondo las sobreimpresiones en algunos usos creativos chulos. Sin embargo, nada de esos trabajos (ni estos, ni los trabajos con miniaturas) funcionarían de no ser por un montaje poético que aprovecha las concatenaciones de forma y duración de planos para darle ese aire fatalista que tienen, de hecho, muchos relatos del autor fantástico. El resultado es impresionante y mi pero es que al final no se acabe de sacarle toda la carne del asador, considerando que se acaba quedando un poco corto para mi gusto.

10.-Les Mystères du château du dé (Man Ray, 1929) – 7
Un ejercicio de construcción artística que me recuerda a lo que han acabado siendo muchos trabajos de vanguardias con soporte analogico. Ray construye un pseudorelato narrativo en el que los personajes no tienen cara y se adentran en el espacio surreal de una mansión apartada de todo, incluso de cierto sentido, y a través del montaje y de la forma de filmar de Ray, queda un tono onírico que se ve sobre todo por la forma en cómo se filma indirectamente las formas, los rostros y los espacios, incluso llegando a filmar espacios con una serie de planos y de escenas con un corte más amateur. Desgraciadamente, acaba siendo demasiado nebuloso, demasiado diáfano, y acaba diluyéndose precisamente porque su narrativa es una ilusión que no está en ninguna parte: aunque ese sea su juego, acaba produciendo un efecto contrario al deseado.

11.-L’Étoile de Mer (Man Ray, 1928) – 6
12.- Herr Tartüff (F.W. Murnau, 1925) – 6,5
Murnau adapta la obra de teatro de Molière y convierte en esta su rara avis mediante un juego metacinematográfico. Aquí parte de lo que enriquece la obra no es solo el juego del engaño a un Emil Jannings que hace un tipo repugnante que finge ser un hombre de enorme moral, sino también la trama inicial que conecta con la obra de Tartufo, y el paralelo que se establece entre el nieto y la mujer del hombre timado. Por lo demás, es una historia cuyos tics de Jannings, como de otros personajes, me provocan repelús por lo exagerado de su maniqueísmo, pero es una historia sencilla que le sirvió a Murnau para empalmar su trabajo de El Último con Fausto, por lo que hasta el propio Murnau consideró esta película como un trabajo menor.

13.- La passion de Jeanne d’Arc (Carl Theodor Dreyer, 1928) – 10
Creo que no hay duda de que este trabajo de Dreyer es una proeza técnica como pocas se han visto en la historia, no solo por cómo se trabajan los primeros planos sino por cómo se construyen y planifican. Para recrear el ámbito conspiranoico y déspota de una Iglesia corrupta, es vital ese juego de miradas que Dreyer establece entre los párrocos, empezando a sentar precedente ya desde el primer dolly, en el cual nos enmarca toda la cantidad de seculares dentro del juicio de la propia iglesia. Esto es una de las partes que también más me impresiona: cómo Juana de Arco es pequeña y enorme en la gran mayoría de veces que la cámara la enfoca, casi todas en primer plano y en picado (¿es porque se ve imbuida por Dios, por cómo la van a tratar, o tan solo porque es una niña? Dreyer parece jugar con eso de forma continua utilizando ese plano en contraposición a la variedad de planos de los párrocos).
Otra cosa que me fascina es la enorme contraposición de la película con los exteriores. La evolución dramática es constante, y a medida que se va acercando la hora los escenarios se van abriendo, permitiendo ver el impacto de la figura de Juana. No es solo que el magnetismo de Falconetti parezca impactar al seno de la propia iglesia (visto ya desde el inicio, así como también la represión de la misma contra los que la apoyan), sino que esa corrupción se hace denotar por juego de los espacios abiertos y los juegos entre fondo y forma (Juana siendo quemada, y al fondo los soldados defendiéndose del populacho), así como dos planos cenitales y uno nadir que marcan muy bien la actitud represora y cruel de una iglesia enormemente politizada en este asunto. Siendo este un encargo, Dreyer consigue realizar una proeza brutal, y la musicalización de la pieza me ha parecido brutal. Una genialidad, vaya.

14.-Manhandled (Allan Dwan, 1924) – 6,25
Una película que pese a pretender ser un alegato feminista sobre los abusos sexuales y la falta de independencia de la mujer y su sexualización por parte de los hombres no acaba de tener la contundencia dramática de los cortos de Griffith ni tampoco en conseguir que ese alegato no tenga rebrotes machistas aunque sea de forma accidental. En lo demás, lo mejor es quizá tener a Swanson hacer un papel melodramático con algún golpe cómico, pero por lo demás ha sido una ligera decepción.

[Trigueo]

L'Inconnu du lac (Alain Giraudie, 2013)

Spoiler :

Recordaba haber disfrutado esta película en su día, pero cuando la he vuelto a ver ahora que la he encontrado en filmin me ha puesto los pelos como escarpias.

El título apunta al giro trágico que empieza a tomar la película tan pronto como se desarrollan un poco los personajes. En un principio podríamos creer que "el desconocido del lago" es el chico del que se enamora el protagonista, el asesino. En cierto sentido, todos los personajes son desconocidos para los demás, pues es de lo que trata el cruising, pero si la película nos sitúa rápidamente en la piel de Franck, y su compañero Henry no es como el resto de personajes del lugar, pues no busca tener sexo con él sino más bien una compañía de calidad (de hecho, es el único hombre que hasta cierto punto llega a conocer), el claro candidato al personaje que refiere el título es Michel. Pero no tardamos en darnos cuenta de que nada es lo que parece.

El hombre del que se enamora Franck resulta ser un asesino. ¿Implica esto el fin del deseo sexual, o el amor, si se quiere? No. De hecho, el que Michel haya matado a su amante es aprovechado egoístamente por Franck para sustituirlo. Hasta este punto, podemos llegar a creer que la decisión de Franck está fuera de toda ética, pero al menos se mantiene dentro de la racionalidad (si pasamos por alto el riesgo inherente para la supervivencia que supone tener como pareja sexual a un asesino). Sin embargo, cuando la policía empieza a merodear por ahí y nos damos pronto cuenta de que la coartada de Michel no se sostendrá por mucho tiempo, ¿qué sentido tiene para Franck seguir protegiéndolo? Además, en la medida en que Michel va tomando conciencia de que Franck lo vio todo, es obvio que el peligro de que también lo mate a él se multiplica. Como le advierte Henry: "yo en tu lugar tendría miedo". Sin embargo, Franck sigue enamorado de Michel. A estas alturas, parece obvio que la pulsión por lo peligroso o la propia muerte dominan la conducta del protagonista.

Finalmente, Franck acaba presenciando cómo su amado mata a su amigo Henry y también al policía. Está determinado a no dejar testigo vivo de sus crímenes. También se dispone a matar a Franck. ¿Deja entonces de amarlo? La escena final no podría ser más terrorífica.

¿Cuál es, entonces, el giro genial? El verdadero desconocido no es otro que el propio protagonista, y, con él, todos nosotros. La tragedia del hombre no es la mortalidad, el fin de la vida, sino el reconocer que se ignora a sí mismo, y admitir así su propia muerte en vida: la inexistencia de la libertad. No podemos ser libres si somos eternamente esclavos de unos deseos que no nos pertenecen. Es curioso entonces cómo, aunque los personajes principales no mueran, y en este sentido no pueda considerarse una tragedia estrictamente hablando, la película sí nos muestra la verdadera esencia de la tregedia, que no es el final de la vida, sino la negación de una verdadera capacidad de decisión.

Solo una cuestión sobre las escenas pornográficas y su idoneidad en la película. En mi opinión, cumplen al menos una función formal y otra más de contenido. En primer lugar, la película es parca en cuanto a la exhibición del director: sin caer en el documentalismo, sí considero una parte importante de la película la distancia que se toma y la aparente imparcialidad desde la que se nos es mostrada la historia. En este sentido, que los actos sexuales fueran ocultados o sibilinamente censurados hubiera supuesto una traición al estilo de la película. Pero creo que la función principal de estas escenas es, antes que glorificar el sexo, mostrarlo en su máxima simpleza e, incluso, en su vulgaridad. No son escenas que puedan poner cachondo a cualquiera, más allá de que los actores sean guapetes y haya gente que necesite muy poco para ponerse cachondo, pero desde luego hay muy poca estilización, no son escenas "eróticas" propiamente dichas, sino que tienen por objeto mostrar lo que es el sexo a fin de cuentas: dos personas se frotan los cuerpos hasta que una o las dos derraman una sustancia blancuzca: eso es todo. Visto así (como lo que en realidad es), pensar que los seres humanos estamos dispuestos a condicionar absolutamente toda nuestra vida por eso es bastante descorazonador. L'Inconnu du lac no engaña, es lo que hay.

[Iñigo]

En el avión de vuelta me vi alguna película de autor que seguro deleitará al personal atentos

Mission: Impossible - Dead Reckoning Part One (Christopher McQuarrie, 2023) - 8

Si Hayley Atwell saliera en todas las escenas tendría un 15. Aun así cumple su propósito. Aunque algo confusa por momentos la peli funciona, es entretenida, tiene buenas secuencias de acción, y sorprendentemente no se hace larga. Tom Cruise dicen que es un psicópata pero yo no consigo que me caiga mal ni consigo que sus personajes me cansen después de tanto tiempo. Eso tiene un mérito.

A mí me parece la mejor de la saga. De momento.

[KoRnleone]

Barbie - Greta Gerwig.

Creo que fue Genjuro quien le puso un 6, y yo como mucho llego a la mitad. Se supone que han querido des-sexualizar a la muñeca envistiéndola de un empoderamiento femenino muy necesario, pero a mi modo de ver han conseguido justo volver a la sexualización de la mujer. No sé, lo único que destaco es la autoparodia de Ryan Goslin (Ken), que hace gracia, pero la película en sí me ha parecido una chorrada de campeonato.

Coincido al 100%. Esa parodia de Gosling estuvo bien. El resto.... La tuve que quitar. Y no lo hago nunca!

[Dezsö Kosztolányi]

Barbie - Greta Gerwig.

Creo que fue Genjuro quien le puso un 6, y yo como mucho llego a la mitad. Se supone que han querido des-sexualizar a la muñeca envistiéndola de un empoderamiento femenino muy necesario, pero a mi modo de ver han conseguido justo volver a la sexualización de la mujer. No sé, lo único que destaco es la autoparodia de Ryan Goslin (Ken), que hace gracia, pero la película en sí me ha parecido una chorrada de campeonato.

Coincido al 100%. Esa parodia de Gosling estuvo bien. El resto.... La tuve que quitar. Y no lo hago nunca!

Yo creo que la película tiene cosas buenas. El mundo de Barbie está muy bien conseguido; el diseño de vestuario y ambientación son geniales. Todos los aspectos visuales de ese mundo me encantaron. Además, la película funciona muy bien cuando pretende ser absurda y exagerada, lo que hace que Ken (perfectamente interpretado por un exagerado Ryan Gosling) sea el alma de la cinta. Incluso las partes de Will Ferrell funcionan a ratos, aunque acaban siendo cansinas por repetitivas.

El problema es cuando pretende tomarse en serio. Intenta tocar varios temas, pero los toca tan superficial y estereotípicamente que no va a ninguna parte. El trato del empoderamiento femenino es tan tosco y pobre que no se puede tomar en serio desde el primer momento, así que no me hizo daño. Pero otros temas como la pérdida de la ilusión, la llegada de la madurez, o los objetivos vitales, son aspectos con enjundia que la cinta pretende tratar, pero donde fracasa al hacerlo de manera muy vaga y genérica, llegando a "conclusiones" salidas de la nada y completamente gratuitas.

[Bundy]

Barbie - Greta Gerwig.

Creo que fue Genjuro quien le puso un 6, y yo como mucho llego a la mitad. Se supone que han querido des-sexualizar a la muñeca envistiéndola de un empoderamiento femenino muy necesario, pero a mi modo de ver han conseguido justo volver a la sexualización de la mujer. No sé, lo único que destaco es la autoparodia de Ryan Goslin (Ken), que hace gracia, pero la película en sí me ha parecido una chorrada de campeonato.

Coincido al 100%. Esa parodia de Gosling estuvo bien. El resto.... La tuve que quitar. Y no lo hago nunca!

Yo creo que la película tiene cosas buenas. El mundo de Barbie está muy bien conseguido; el diseño de vestuario y ambientación son geniales. Todos los aspectos visuales de ese mundo me encantaron. Además, la película funciona muy bien cuando pretende ser absurda y exagerada, lo que hace que Ken (perfectamente interpretado por un exagerado Ryan Gosling) sea el alma de la cinta. Incluso las partes de Will Ferrell funcionan a ratos, aunque acaban siendo cansinas por repetitivas.

El problema es cuando pretende tomarse en serio. Intenta tocar varios temas, pero los toca tan superficial y estereotípicamente que no va a ninguna parte. El trato del empoderamiento femenino es tan tosco y pobre que no se puede tomar en serio desde el primer momento, así que no me hizo daño. Pero otros temas como la pérdida de la ilusión, la llegada de la madurez, o los objetivos vitales, son aspectos con enjundia que la cinta pretende tratar, pero donde fracasa al hacerlo de manera muy vaga y genérica, llegando a "conclusiones" salidas de la nada y completamente gratuitas.

Sí y no. Creo que das totalmente en el clavo con lo de tomárselo en serio, pero creo que podía abordarse sin problemas. La cagada principal de la película, creo yo, es que podría haber hecho esto desde la comedia y sin alterar el tono, y al final la sensación que da es de pastiche raro (que, por otra parte, era inevitable habiendo sido producida por los billetes de Mattel).

[Heidegger]

En el avión de vuelta me vi alguna película de autor que seguro deleitará al personal atentos

Mission: Impossible - Dead Reckoning Part One (Christopher McQuarrie, 2023) - 8

Si Hayley Atwell saliera en todas las escenas tendría un 15. Aun así cumple su propósito. Aunque algo confusa por momentos la peli funciona, es entretenida, tiene buenas secuencias de acción, y sorprendentemente no se hace larga. Tom Cruise dicen que es un psicópata pero yo no consigo que me caiga mal ni consigo que sus personajes me cansen después de tanto tiempo. Eso tiene un mérito.

A mí me parece la mejor de la saga. De momento.

A mí se me hizo eterna, las escenas de acción están estiradas de forma artificial.

[Bundy]

En el avión de vuelta me vi alguna película de autor que seguro deleitará al personal atentos

Mission: Impossible - Dead Reckoning Part One (Christopher McQuarrie, 2023) - 8

Si Hayley Atwell saliera en todas las escenas tendría un 15. Aun así cumple su propósito. Aunque algo confusa por momentos la peli funciona, es entretenida, tiene buenas secuencias de acción, y sorprendentemente no se hace larga. Tom Cruise dicen que es un psicópata pero yo no consigo que me caiga mal ni consigo que sus personajes me cansen después de tanto tiempo. Eso tiene un mérito.

A mí me parece la mejor de la saga. De momento.

A mí se me hizo eterna, las escenas de acción están estiradas de forma artificial.

Desde hace tiempo. Ves la primera película y se te caen los huevos para abajo de cómo consigue articular por momentos tan bien acción y trama.
La escena del restaurante entre McBride y el jefe es memorable, y mira que De Palma tiene unas cuantas así.

[Iñigo]

Awareness - Daniel Benmayor

Un 3 como mucho. Decir que es mala es quedarse corto. Mira que me atraía la historia, pero la mezcla entre las lamentables interpretaciones y las situaciones inverosímiles (¿Por qué narices aparecen de repente en ese sitio o llegan a aquel otro?) hacen que todo sea un sinsentido bastante descartable.

[Martin Eden]

En un cine de mi ciudad estos meses previos a los Oscar van reponiendo las candidatas a mejor película y esta semana toca Oppenheimer. En verano anduve bastante liado y no pude ir a verla. El caso es que ya la tengo bajada en buena calidad así que me pregunto: merece la pena ir al cine o se puede disfrutar igualmente en la pantalla de casa?


Por comparar tengo muchas ganas de ver 'Vidas pasadas' pero por el tipo de peli que es la voy a disfrutar igualmente en pantalla pequeña así que me ahorro la pasta del cine. Lo contrario serían las propias pelis anteriores de Nolan: Dunkerque, Interstellar, Tenet... que son claramente para gozar en cine. Pero por la temática que intuyo de Oppenheimer (política, judicial,...) quizás da un poco igual donde verla.

A ver si alguien se anima a arrojar algo de luz.

[Bundy]

Yo la vi en cines y vale la pena por la parte del clímax, aunque a mí en particular las películas me dan bastante igual dónde verlas: si me gusta, la veo en cines y ya.

[Dezsö Kosztolányi]

Killers of the flower moon (castellano): me ha parecido una película correcta. Sin embargo, al igual que con otras obras de Scorsese, me parece excesivamente larga, y desarrolla demasiado partes que se solventarían de manera más ágil e incluso con elipsis. Por ejemplo, toda la parte del juicio me sobra; creo que no merece el tiempo que se le da. Buenas actuaciones, especialmente DiCaprio y Plemons, así como algún otro secundario, aunque veo que la academia ha nominado a De Niro y Gladstone, que cumplen adecuadamente. Los aspectos técnicos correctos también.

Eso sí, hecha a medida de los Oscar de este año. Minoria social atacada por hombres blancos avariciosos, con todo el mundo blanqueado. Los Osage, que eran una banda de tarados a los que hubo que poner un blanco para controlar su dinero porque no entendían cómo funcionaba, aparecen como sensibles y cultos, y el protagonista, que era un criminal sin ningún tipo de escrúpulos, resulta que está compungido y se arrepiente de lo que hace. Claro, por eso se pasó la vida delinquiendo más que respirando. Al final, todos son víctimas de la sociedad, que los ha hecho así.
En fin, mucho me extrañaría que no se llevase el Oscar.

Del resto de nominadas a los premios, tengo curiosidad por ver La Zona de Interés, aunque imagino que tendre que esperar unas semanas aún.

[crespo]

¿Sigues por Hong Kong -o Taiwán. Perdona mi mala memoria-? Porque si andas por Bilbo, "La zona de Interés" la están pasando desde hace semanas.

[Dezsö Kosztolányi]

¿Sigues por Hong Kong -o Taiwán. Perdona mi mala memoria-? Porque si andas por Bilbo, "La zona de Interés" la están pasando desde hace semanas.

Sí, estoy afincado en HK de manera permanente desde hace mil años ya. Visitas a Bilbao como El Almendro y poco más.

Supongo que estará también en el cine aquí, pero hace eones que no voy a uno Así que esperaré a que la película esté disponible "por ahí". Lo siguiente que veré será El Asesino de Fincher, y luego intentaré localizar otras peliculas nominadas que tenga pendientes. Las dos próximas semanas son pseudo-festivas, así que debería de tener tiempo para ponerme al día.

[Genjuro]

1. Captain Volkonogov Escaped (Aleksey Chupov & Natalya Merkulova, 2021) - 6

Da igual que esté ambientado en la actualidad o en el pasado, el cine ruso que nos acercan los festivales más notorios muestra indefectiblemente una siniestra realidad, y esta historia que nos lleva a la época de purgas estalinistas no podía ser menos. Su protagonista es capitán de una unidad que precisamente se dedica a detener, interrogar, torturar y ejecutar a aquellos elementos que señala el régimen. La toma de conciencia de que la inmensa mayoría de ellos son inocentes le hace escapar y (sueño epifánico mediante) buscar cierta redención a través del perdón de los allegados de alguna de sus víctimas. La reconstrucción del pasado luce bastante atractiva, es un film muy cuidado en lo visual con algunas escenas poderosas, como el trayecto nocturno en ese tranvía que se revela lleno de cadáveres. Pero la necesidad de impactar también le puede a sus directores en alguna ocasión.


2. Mission Impossible: Fallout (Christopher McQuarrie, 2018) - 4,5

Un nuevo parque de atracciones para acercarnos las correrías de Ethan Hunt y su equipo, que en esta ocasión tienen que neutralizar una amenaza nuclear después de que su protagonista dejase escapar un cargamento de plutonio para salvar a uno de sus compañeros. Esa dicotomía entre el bien individual y el bien colectivo salpica todo el argumento, aunque la pirotecnia termina ahogando un poco a los personajes. Sin llegar a los niveles de Nolan, la profusión y longitud de los clímax hacen la experiencia un tanto fatigosa.


3. Man in the Shadow (Jack Arnold, 1957) - 6

Un neo-western que nos devuelve algunas figuras muy familiares, como el terrateniente que ejerce de caudillo en su propiedad o el sheriff sólo ante el peligro que trata de hacer cumplir la ley ante la animadversión de todos. La historia comienza con el asesinato de un joven espalda mojada empleado en una plantación, lo cual es denunciado por un veterano bracero. La narración prosigue con un planteamiento moral muy claro y obvio, demasiado quizás, con el antagonismo de los personajes interpretados por el desaborido Jeff Chandler y un Orson Welles muy lejos de sus mejores esfuerzos. A nivel puramente visual funciona mejor, donde Arnold demuestra su oficio.


4. Aç kurtlar (Yilmaz Güney, 1969) - 6,5

Otra suerte de neo-western de Güney que, por si quedaba alguna duda, saquea sin medida la banda sonora de Il buono, il brutto, il cattivo y se pone obsesivo (y cansino) con algunos de sus temas. De nuevo los bandidos son el tema principal, con un protagonista que oficia de cazarrecompensas, e igualmente en el sustrato básico de la película encontramos un contexto socioeconómico terrible, con una preocupación mayor en este caso por la situación de la mujer, víctima de la violencia que se ejerce directamente sobre ella pero también, incluso de manera potencialmente más cruel, víctima de las presunciones de honorabilidad de los hombres. El film empieza muy caótico, pero la acción se va aclarando con el discurrir de un metraje trufado de estallidos de violencia expresados en buena medida a través del montaje. Una de las grandes bazas del film son sus escenarios nevados, que proporcionan un marco abstractivo a la acción y un indudable atractivo estético.


5. An Cailín Ciúin (Colm Bairéad, 2022) - 5,5

La niña poco comunicativa de una familia un tanto problemática es enviada a casa de unos familiares en verano mientras la madre da a luz. El contraste entre ambos lugares, la tristeza de uno y la luminosidad del otro, la angostura y la amplitud, es manifiesto. Así como el contraste entre el comportamiento de los adultos. Es un film sobre los lazos pa/maternofiliales y la necesidad de sentirse querido, pero si bien se trata de una película bastante sensible, tanto los personajes, el argumento como la puesta en escena y la fotografía me dejan una sensación de obra un poco prefabricada que termina deslizándose, con discreción eso sí, hacia el sentimentalismo.


6. Fräulein Schmetterling (Kurt Barthel, 1966) - 6

Uno de la notoria hornada de títulos de la RDA que fueron víctima de las directrices fijadas con el Congreso del Partido de 1965, y cuyo periplo, hasta donde yo sé, ha sido más azaroso que el resto. El primer montaje de Barthel se perdió, pero se conservaron casi todos los materiales fílmicos y algunos de los audios. Con la caída de Muro el director no quiso retomar el film, pero en 2005 se realizó un montaje un poco en bruto de las tomas existentes, que duraba casi dos horas, y en 2020 se ha realizado otro para dejar una obra terminada, el que yo he visto, de poco más de una hora de duración. Algunas de estas películas prohibidas tampoco parecen albergar excesiva subversión, pero en este caso hay pocas dudas: la protagonista es una joven cuyo padre acaba de morir y que necesita encontrar trabajo para mantenerse ella y a su hermana pequeña. Sin embargo, la realidad del país le ofrece muy poco atractivo, motivación, a las que da salida con unas fugas de fantasía que nos sacan del registro pseudo-documental en el que se mueve buena parte de la acción. De alguna manera el film nos viene a decir que en la RDA no hay lugar para sueños e ilusiones, aunque también se puede interpretar, en alguna (menor) medida, que ya es hora de madurar para la protagonista. Su tono de realismo mágico funciona bastante bien, y su manera de capturar las calles y la vida de la ciudad tiene indudable atractivo.


7. The Divided Heart (Charles Crichton, 1954) - 6,5

Un drama de posguerra con dos madres como principales sufridoras: la viuda eslovena cuyo marido fue asesinado, sus dos hijas deportadas sin volver a saber de ellas y su bebé robado durante la Ocupación nazi, y la esposa alemana que lo adoptó junto a su marido desconociendo el origen y la historia de la criatura. Es un film sobre los traumas, la justicia, los lazos afectivos y la empatía. Crichton aporta una mirada humanista y más bien naturalista mientras evita transitar por el melodrama que un planteamiento así puede favorecer. El resultado es una obra de buena factura y emotiva sin asaltar los sentimientos del espectador.


8. Le gang des bois du temple (Rabah Ameur-Zaïmeche, 2022) - 6,5

Este curioso polar nos sitúa en la banlieue parisina, en el Bois du Temple, donde un grupo de residentes planea y ejecuta el robo a un vehículo de un príncipe del Oriente Medio. Es llamativa la total desespectacularización de su puesta en escena, renunciando a situaciones de impacto o a realizar la violencia connatural a su argumento, también de sus interpretaciones, buscando un retrato realista y naturalista, cotidiano, de sus personajes. El medio, el Bois du Temple, es medular para su director. No sólo figura en el título del film, sino que una panorámica sobre el barrio abre la película y un plano exterior desde similar punto la cierra. El film habla así del contexto social de estos delincuentes, que parecen condenados a pensar en términos criminales para poder soñar, ajenos a un mundo de riqueza que se antoja bastante más criminal que el suyo propio. Quizás el film se hace pronto un poco previsible y no goza de un estilismo especialmente destacado, pero en su modestia y en su discurrir mayormente tranquilo se hace apreciar.


9. Zuflucht (Carl Froelich, 1928) - 6,5

Melodrama romántico que une a un prisionero de guerra retornado a Alemania que no tiene dónde caerse muerto y a la humilde mujer que le acoge. Por un momento parece que vamos a asistir al clásico triángulo con la entrada en juego de otra mujer de vida disoluta, pero es puramente pasajero y entiendo que sirve para resaltar las cualidades "casaderas" de la protagonista. También nos enteramos que el hombre pertenece a una familia adinerada, pero tampoco esto termina siendo ninguna lejana versión de Cenicienta. Sí que hay un reflejo marcado de las circunstancias sociales en las que se mueven los personajes. El film alcanza sus mas altas cotas en su emocionante final, donde su actriz principal, Henny Porten, entrega una interpretación tan contenida como intensa y perfectamente capturada por Froelich.


10. Kurotokage (Kinji Fukasaku, 1968) - 5

Un film bastante loco que supuestamente mediría el intelecto de una mente criminal maestra, personaje andrógino y glamuroso que se viste principalmente de mujer y que quiere secuestrar a una joven para cambiarla por una valiosa joya que posee su padre, con el del mejor detective de Japón, de quien rápidamente se enamora. Es una obra llena de excesos escénicos, de un abigarramiento visual que en el mejor de los casos tiende al camp, y que plantea un desaforado romanticismo en el que la víctima es irónicamente la propia criminal. Los puntos más bajos los encontramos inicialmente en la discoteca sixty donde Fukasaku parece marcarse por momentos un proto-Lazarov, pero también es verdad que el discurrir de la acción asumiendo la propuesta facilita acabar apreciando su falta de recato.


11. De humani corporis fabrica (Verena Paravel & Lucien Castaing-Taylor, 2022) - 5,5

Un documental que recoge la acción quirúrgica sobre el cuerpo humano con un enorme grado de cercanía e inmersión, casi hasta la violencia. Sería así como una versión más visceral de Notre corps, sin la aproximación humanista de aquella, y que resulta coherente con la película que ya había visto de la pareja, Leviathan, ambientada en un barco pesquero. Paravel y Castaing-Taylor tienen un gusto por el feísmo que no me termina de enamorar, y aquí nos ponen de frente a las vísceras, a la enfermedad y a la decrepitud, pero también crean un marco un tanto siniestro de corredores hospitalarios y cirujanos no del todo tranquilizadores.


12. Spider-Man: Into the Spider-Verse (Bob Persichetti, Peter Ramsey & Rodney Rothman, 2018) - 4

Cómo seguir contando lo mismo de diferente manera, este reboot de Spiderman nos lo presenta en dibujos animados y en formato multiverso, con un nuevo protagonista que adquiere poderes justo antes de que Peter Parker, el del universo donde se desarrolla la trama, muera en uno de sus enfrentamientos contra el mal. Quizás el detalle argumental más jugoso me ha parecido el hecho de que el nuevo protagonista sea negro e hispano (aunque podía haber sido una chica para completar la jugada), por contraste con el Parker fallecido rubio, "angelical", en ese contexto de múltiples universos que nos viene a decir que el mundo mediático en el que vivimos ahora (especialmente en Estados Unidos, claro) es el de la diversidad. Hay bastante sentido del humor en su desarrollo, tiene sus curiosidades y aciertos en el diseño de las imágenes, pero cada vez que nos metemos en el fregado de la acción me dan ganas de darle al avance rápido (o quizás la solución sería el avance lento, porque es un poco mareante).


13. The Lost Letter (Boris Ivchenko, 1972) - 6,5

Basada en un relato de Gogol, esta película cuenta en tono cómico el periplo de un cosaco a quien le encargan entregar una carta a la zarina y que por el camino tiene una serie de encuentros y sufre algunas adversidades. De hecho el original literario está muy focalizado sobre el episodio en una posada donde se suceden un serie de fantásticas y demoníacas situaciones, y que aquí tiene una importancia algo más pasajera. Por contra, el encuentro con la zarina, totalmente surrealista, viene actualizado para darle un carácter explícitamente político a la historia. Hay mucho de folklore, con el uso de la rima, la música y el canto, con unas tipologías humanas tradicionales, también un trabajo visual que por momentos tiende al frontalismo, que utiliza distancias focales grandes para aplastar la imagen y volverla un tanto más pictórica y vagamente heredera del arte de otro tiempo. Curiosa y disfrutable.


14. Night of the Big Heat (Terence Fisher, 1967) - 4,5

Fuera del paraguas de la Hamer, aunque con el apoyo interpretativo de Lee y Cushing, realizaba Fisher este film entre el terror y la ciencia ficción ambientado en una isla donde el calor se hace progresivamente insoportable y comienzan a sucederse muertes inexplicables. No pasará mucho tiempo sin que sepamos o podamos intuir que los responsables de todo ello son unos seres extraterrestres atraídos por las fuentes de luz, que absorben energía y que carbonizan todo a su paso. La gracia argumental proviene del paralelismo con otro elemento alienígeno al lugar, una joven seductora que ha seguido en calidad de supuesta secretaria al protagonista, un escritor casado probablemente refugiado en la isla para huir de ella y conservar su muy apreciado matrimonio. Esta femme fatale irradia una sexualidad que puede "carbonizar" relaciones a su paso y que hace aumentar la temperatura masculina a su alrededor, pudiendo, en un paralelismo en este caso inverso, generar incluso violencia contra ella misma (si se permite una lectura tan machista). El problema de la película es que nunca alcanza interés narrativo y resulta de lo más cutre, jugando con el camp en muchos momentos (la "criatura" debe de ser la más chunga y risible que haya visto nunca).


15. The Holdovers (Alexander Payne, 2023) - 7

Supongo que la presencia de Paul Giamatti hace más sencilla la conexión, pero esta película de Payne me ha recordado bastante a Sideways. Y eso que su premisa inicial es casi la contraria, ya que en lugar de irse de vacaciones navideñas, un profesor y un pequeño grupo de alumnos, finalmente reducido a uno sólo, se ven forzados a quedarse en el exclusivo centro académico donde viven internos, junto con la cocinera-jefe del centro, de raza negra, que acaba de perder a su hijo en Vietnam. Estamos en la Navidad de 1970, en otra mirada al pasado que tanto están frecuentando las ultimas obras de muchos de los cineastas norteamericanos más prestigiosos, lo que sirve para trabajar una dinámica de relaciones que sería muy diferente en la era de las redes sociales y utilizar la Guerra como delimitador muy nítido de los privilegios sociales. El desarrollo de la película es bastante previsible, pero no por ello menos disfrutable. Profesor y alumno se van descubriendo, y en particular los numerosos puntos en común que tienen, seres varados, heridos, y frágiles bajo su máscara de erudición y dureza, en un proceso que también tiene mucho de aprendizaje de uno mismo. Es un film agridulce, que rezuma cariño por unos personajes que tienen visibles problemas para mostrar el suyo propio. Los escenarios nevados de Nueva Inglaterra dan réplica visual a esas dificultades relacionales, y además sirven como marco favorecedor a la estética moderadamente retro que se gasta la película, pero también los encuadres sobre los personajes terminan haciéndonos llegar su calidez.


16. Le tourbillon de Paris (Julien Duvivier, 1928) - 6

La protagonista de este film es una esposa frustrada que ha dejado a su maduro marido, a pesar de amarle, porque éste no acepta que ella renuncie a ejercer de ama de casa en su retirado castillo escocés y continúe cultivando su éxito en los escenarios parisinos, donde la sigue una corte de aduladores. Lamentablemente el discurso de la película termina siendo de lo más conservador, pero por el camino este drama nos ofrece suficientes alicientes en una montaña rusa emocional, con un Duvivier que ya demuestra sus habilidades narrativas tanto en escenas dramáticas e íntimas como en escenarios más corales de mucha acción visual.


17. All Dirt Roads Taste of Salt (Raven Jackson, 2023) - 7

El debut en el largo de esta directora y poetisa afroamericana nos lleva a través de las edades de una mujer negra marcadas por la trágica pérdida de su madre cuando era niña, cuya muerte queda fuera de campo pero podría especularse que se trate de un suicidio producto en parte de la situación de odio y violencia que sufre su comunidad. Su narración no lineal, misteriosa, en sottovoce, elíptica, nos sugiere una vida en estado traumático que afectaría a su propia capacidad del personaje para relacionarse, incluyendo la renuncia a ejercer su propia maternidad. Y dentro de su estilo sensorial, impresionista, que también favorece el marco rural de la zona del Mississippi, destaca su insistencia en capturar a los personajes desde el cogote, como parte de la compleja aprehensión de sus emociones y motivaciones, y la obsesión visual por las manos, como elemento de contacto con el medio natural y también entre los personajes, esa red salvavidas tan fundamental para lidiar con su tragedia. Salvando una cierta tendencia al tembleque visual, me parece una obra de atractiva y consecuente estética con una poderosa capacidad evocadora.


18. Le dernier sou (André Cayatte, 1946) - 6

En este drama tendente al noir nos encontramos de mano con una potencial femme fatale perteneciente a una organización de estafadores, que además contrasta con la joven típicamente casadera enamorada del protagonista, un ciclista que busca trabajo y que cae fácilmente en la red de dichos estafadores. Pero la femme fatale no lo es tanto, y se revela como otra víctima, también de sus sentimientos, no muy explicables en lo referente al incauto ciclista, amigo de la infancia del que se enamora y al que trata de prevenir. Personaje bastante inconsistente, este joven es capaz de dejar para el día siguiente por cansancio la noticia de que le están intentando estafar, y sin embargo meterle una bala en el cuerpo a un anciano que cree responsable de su desgracia. En realidad, podemos decir que su poca perspicacia y su mucha volatilidad emocional terminan siendo la perdición para ella, de manera que él emerge en realidad como un homme fatale totalmente inconsciente. En todo caso, Cayatte me sigue pareciendo un narrador muy correcto que sabe mantener el interés del espectador.


19. Downsizing (Alexander Payne, 2017) - 5

El film más ambicioso a nivel de producción de Payne es una distopía en la que unos científicos han descubierto la posibilidad de empequeñecer a los seres vivos, y los humanos entre ellos, a una milésima parte, una potencial solución al devastador efecto de nuestra especie sobre el planeta. El gran caramelo de hacerse pequeño es que el valor del dinero se multiplica muchas veces en términos relativos, dado que las necesidades de consumo son muchísimo más pequeñas. Su protagonista es un hombre que junto a su esposa toma la decisión de empequeñecerse, pero ésta le deja colgado cuando él ya ha dado el paso, de manera que pasa a ser un personaje amargado por sus circunstancias vitales, un perfil nada ajeno al cine de Payne, que busca un contacto humano en los demás que le dé sentido a su propia existencia. Bajo un registro nítidamente cómico, aunque sin llegar a la sátira, creo yo, la historia arroja interesantes lecturas críticas sobre nuestra sociedad, sobre la imposibilidad de las utopías, de los mundos supuestamente perfectos que son imposibles sin la explotación del prójimo. De todas maneras, quizás debido a su elevado presupuesto, tengo la impresión de que la puesta en escena está demasiado al servicio del diseño de producción, y que todo en general tiene un envoltorio demasiado digerible.


20. Reminiscences of a Journey to Lithuania (Jonas Mekas, 1972) - 7,5

25 años después de haber abandonado su país, Jonas Mekas regresaba junto a su hermano Adolphas de visita a la tierra natal, para trazar una reflexión y evocación del espacio y del paso del tiempo, del sentimiento de pertenencia. El film se abre con imágenes del Brooklyn de los años 50 en blanco y negro, antes de embarcarnos en la aventura lituana, entiendo que al objeto de expresar el paso del tiempo y las transformaciones que éste apareja, de manera que la visita al hogar materno también representa de alguna forma un viaje en el tiempo, a un pasado que se manifiesta de variadas maneras, pero que también se niega de otras. La casa familiar, poco más que una cabaña, costumbres como la de cocinar al aire libre que tanto gusta a la madre, los campos o las canciones, parecen retrotraernos a otra época, pero la presencia de las máquinas o de ese compañero de clase ahora adulto lo contradicen. El relato progresivamente desvelado de la odisea que sufrieron Jonas y Adolphas tratando de escapar de la persecución nazi, y que dio con sus huesos en un campo de trabajo, encuentra en esa escena de unos niños que juegan despreocupados en los aledaños de lo que era su centro de internamiento el matiz más amargo de su ejercicio de memoria, expresando quizás la inconsecuencia de todo ese sufrimiento. En todo caso, su paso por Viena nos sugiere que el verdadero ámbito de pertenencia de Mekas no es nacional sino cultural y artístico. Es en todo caso una obra frágil, hermosa y emocionante en no pocas ocasiones.


21. Libel (Anthony Asquith, 1959) - 3,5

Un drama judicial sobre un barón cuya identidad es puesta en duda por un antiguo compañero de armas. Todo es de lo más peregrino, además de un tanto tramposo, en un film que presenta a dos personajes interpretados por el mismo Dirk Bogarde y que busca la sorpresa de manera bastante torpe. Con unas caracterizaciones en las que prima el subrayado y una puesta en escena bastante poco sutil, el resultado no pase de ameno en el mejor de los casos, pero igualmente olvidable.


22. Ryôjû (Heinosuke Gosho, 1961) - 6,5

Un melodrama de personajes torturados en alguna medida por aquello que esconden, desencantados de las relaciones sentimentales, o más bien amargados por ellas. Una joven esposa decide divorciarse de su marido cuando se entera de que tiene una hija de una relación previa, aunque termina haciéndose cargo de ella cuando la madre se suicida. Al poco comienza una relación clandestina con el marido de su prima. Este hombre, en un supremo ejercicio de cosificación que la halaga, la compara con la cerámica, y aunque la relación dura años y parece satisfactoria para ambos, a la postre no debía de serlo tanto para ella. Y la prima sabe desde el principio del adulterio pero lo sufre en silencio y se va amargando mientras tiene aventuras. En fin, el film acaba deparando un reguero de infelicidad, que estalla en un tramo final donde el melodrama no termina de funcionar del todo bien, creo yo, sobre todo comparado con lo bien gestionada que está el desarrollo de todo este entramado emocional hasta entonces.


23. Island in the Sky (William A. Wellman, 1953) - 5

Gran enamorado de la aviación, Wellman dirigía otro film sobre la temática, casi un homenaje a los hombres del aire en una historia de supervivencia en la que una tripulación sufre las inclemencias de la meteorología del norte de Canadá mientras espera ser rescatada por sus colegas aviadores. Tiene algún momento bastante cutre, como el plano de la cabina durante el impacto con tierra en el aterrizaje forzoso, pero en general es un título un tanto rutinario y previsible, que abusa de la voz en off (que supongo estará ahí para intentar sazonar un poco la narración) y de tics religiosos. Aunque tampoco brille mucho, al menos se puede disfrutar la presencia del Duque, cuya compañía tomó parte en la producción del film.


24. Szalency (Leonard Buczkowski, 1928) - 5

Una obra de exaltación nacionalista que relata la reconstrucción Polonia como estado aprovechando la Primera Guerra Mundial, con tres personajes de estratos sociales y carácter marcadamente diferentes que simbolizan la alianza del pueblo polaco en dicha misión. El comienzo de la película tiene gracia, incluso nos ofrece alguna audacia visual como la pantalla partida en tres, pero el avance de la narración y el escenario bélico hacen la función progresivamente más rutinaria.


25. Keetje Tippel (Paul Verhoeven, 1975) - 7

Todavía en su primera época holandesa, ésta es otra despiadada visión de la sociedad a cargo de Verhoeven, quien nos sitúa en la Amsterdam de finales del siglo XIX, a donde llega una familia en busca de un futuro económico mejor. Pero lo que realmente les enseña la ciudad es a potenciar sus tendencias a la explotación (y a ser explotados) que ya anidaban en ellos, a participar de un juego perverso exacerbado por el capitalismo mercantilista salvaje y las divisiones sociales. Dentro de esa familia, la protagonista es su elemento más luchador y contestatario, una heroína destinada a sucumbir en términos morales aunque caiga de pié, cuya historia, aunque pase por una fase Cenicienta avanzado ya el relato, termina con nota vampírica. Hay una tendencia a la caracterización exagerada de los personajes, algunos por lo menos, pero tiene sentido dentro del discurso del film, igual que el riesgo de que la película caiga a su vez en la explotación de los intérpretes y personajes a través de su sexualización finalmente se conjura. La agilidad narrativa nos lleva casi al vértigo en ocasiones, pero toda la función está muy controlada y Verhoeven encuentra atractivas soluciones visuales en muchas escenas.


26. Oyome ni oide (Ishirô Honda, 1966) - 6

Otro film que menta explícitamente a Cenicienta, pero en términos mucho más amables, en una comedia romántica ligera y luminosa sobre una joven que es pretendida por el hijo de una adinerada familia industrial y por un humilde taxista. El realizador de Gojira demuestra que se mueve con soltura lejos de la parafernalia de los monstruos y la ciencia ficción, y sabe envolver con encanto los vaivenes de sus personajes, incluso con algunos momentos musicales que le dan cierta heterodoxia a la función.


27. Le voyage en ballon (Albert Lamorisse, 1960) - 5,5

Este film de Lamorisse da lo que promete, un viaje en globo, y busca un cierto espíritu de asombro recurriendo a anacronismos, con unos personajes salidos del pasado y embarcados en una aventura pionera. El resultado, visto hoy en día, tiene algo de etapa del Tour de Francia o de aquellos episodios de la serie televisiva A vista de pájaro. Pero algunos momentos son atractivos y majestuosos, como la imagen de los veleros en alta mar, la bandada de pájaros volando por debajo de la cámara o la escena de la cacería, el único momento del film con una verdadrea construcción dramática y quizás su punto culminante. También hay desahogos cómicos con algún ejercicio slapstick que no desentona en la función. Pero todo ello no consigue superar la impresión de una obra un tanto anecdótica.


28. Finsky nuz (Zdenek Sirovy, 1965) - 6

Dos jóvenes amigos se pelean con otro joven al que dejan aparentemente muriendo tras haberle apuñalado, lo que les lleva a iniciar una huída. Supongo que en el punto de vista argumental es inevitable encontrar la influencia de Démanty noci, film clave de la Nueva Ola Checoslovaca estrenado el año anterior, aunque el carácter de víctimas de los protagonistas, de encontrarse, estaría aquí mucho más soterrado, bajo un manto de frustración y falta de alicientes de la sociedad en la que se mueven sus díscolos personajes. El estilo visual está muy en la línea con otros títulos checoslovacos de aquel preciso momento, con una cámara que parece indagar desde cierta distancia para ahondar en una sensación de realismo documental, con resultados bastante atractivos. Es una pena que el desarrollo argumental y de los personajes no termine de acompañar, con una relación entre ellos ciclotímica bastante fatigosa.


29. Guest Wife (Sam Wood, 1945) - 6,5

Una comedia romántica que propone un triángulo ficticiamente amoroso entre un matrimonio muy bien avenido y el mejor amigo del marido, quien se ha metido en un lío y necesita que la esposa de su amigo se haga pasar por su mujer. El equívoco está servido y el film de Wood lo aprovecha a conciencia con situaciones que (sólo en apariencia por supuesto) desafían la estrecha moral del momento y en un argumento donde termina resultando clave quién lleva la iniciativa, digamos, demiúrgica. Un trabajo correcto de puesta en escena (no se puede pedir mucho más a su director), un libreto divertido y unos excelentes intérpretes que lucen a lo largo de la película, aunque el humor a veces se sirva con un cierto subrayado, nos deparan un film muy disfrutable.


30. Der findling (George Moorse, 1967) - 6

Adaptación de una novela de Heinrich von Kleist sobre un empresario que adopta a un niño tras haber perdido al suyo en una plaga. Es un film extrañado desde su inicio, de aroma distópico, con ese distanciamiento emocional con los personajes tan típico del Nuevo Cine Alemán. Hay una concepción burguesa, patrimonial, de las relaciones familiares por parte del padre que las termina dinamitando, mientras su joven esposa se mantiene aferrada a una necrofilia romántica. Todo ello depara un artefacto curioso y en ocasiones un poco mortecino, supongo que también relacionado con la sociedad que quiere retratar. Moorse recurre bastante al zoom y a veces se pasa con la enfatización visual.


31. A Morte de uma Cidade (João Rosas, 2022) - 6

Los excelentes cortometrajes de João Rosas, en particular Entrecampos, ya dejaban entrever una preocupación por el espacio urbano por donde se mueven los personajes, y por tanto no sorprende que afronte aquí la transformación y gentrificación de la ciudad de Lisboa. Aunque pronto el objetivo de su cámara vira hacia los trabajadores de una construcción que le permiten filmar, una galería bastante fugaz de inmigrantes con sus personales historias a cuestas, y que hacen del film un fresco humano en el cual Lisboa emerge como una encrucijada de caminos. Por contraste con sus cortometrajes, aquí la estética es muy desaliñada, una obra grabada sobre la marcha sin preocuparse por su acabado visual, bien poco interesante.


32. Spider-Man: Across the Spider-Verse (Joaquim Dos Santos, Kemp Powers & Justin Thompson, 2023) - 6,5

Tenía muy pocas expectativas para esta secuela después de ver la primera parte y ha sido toda una revelación comprobar la mejora a todos los niveles respecto al trabajo anterior. De mano, todo el tramo inicial en el universo de la Spiderwoman es una gozada estética de formas, colores y montaje, y en general esta entrega sube varios enteros en ese apartado. Los conflictos personales que presenta, bastante centrados en las relaciones paternofiliales, también están más cuidados y se ofrecen de mayor calado. La acción está más concentrada y limitada en el tiempo, y nunca me llegó a sacar de la película. Además las características del super-villano Spots le da una vena abstracta muy interesante. También es un personaje que ayuda a abundar en el humor característico de Spiderman, y que me ha parecido más efectivo en esta ocasión. La historia deviene en un torrente argumental que sin embargo se sigue sin demasiados problemas y con apenas una escena explicativa (que además plantea uno de los conflictos de la película, con el pensamiento canónico como eje). Cierto, es un producto calculado hasta el milímetro y con los fuegos de artificio esperables, pero también con una sorprendente acumulación de elementos seductores.


33. Eliso (Nikoloz Shengelaia, 1928) - 6,5

El film más notorio de Shengelaia padre es un drama sobre la deportación de Chechenos de sus pueblos del Cáucaso en tiempos de la Rusia imperial, con un amago de historia romántica a la Romeo y Julieta. El título toma el nombre de una joven de una aldea amenazada con la deportación en la que sus habitantes profesan el Islam, y que está enamorada de un joven cristiano de una aldea vecina. Son dos figuras heroicas, ella en un sentido más típico del cine soviético, capaz de pasar a la acción y sacrificarse por los suyos llegado el caso, él en un sentido más hollywoodiense por sus habilidades en la lucha (su estilo flemático sería como una versión espadachina de Steven Seagal). Los escenarios caucásicos, con esos pueblos erigidos casi en los riscos montañosos, ofrecen un marco visual espectacular que supone uno de los principales alicientes de la película.


34. Mordets melodi (Bodil Ipsen, 1944) - 6,5

Si el planteamiento inicial de este pseudo-noir danés tiene algo de whodounit, su desarrollo va enfocando las sospechas del espectador y no juega en exceso a la sorpresa. El estrangulamiento de una mujer, acaecido mientras algunos testigos oyen a otra mujer cantando un tema popular, da inicio a un devenir argumental que pronto pone en su epicentro a una cantante de actitud ausente y vagamente atormentada. Dos hombres se mueven a su alrededor, un trabajador del teatro donde actúa, enamorado de ella, y un personaje tan suave como siniestro que pasa por ser el marido de quien ella había huido años atrás. Es un film bastante oscuro, con una carga lúgubre proporcionada principalmente por su protagonista, que también puede estar planteando una alegoría del nazismo tirando de resortes argumentales como el crimen, la hipnosis o la amnesia transitoria.


35. He Rides Tall (R.G. Springsteen, 1964) - 5

La figura del ranchero que malcría a sus díscolos hijos y que los defiende/protege/venga por encima de la ley o del sentido común es casi un lugar común del género western. En esta película, el marshall que mata a uno de esos arquetípicos hijos en el legítimo ejercicio de sus funciones ha sido además criado por la misma familia, con lo cual el inicio tiene algo de fraticida. De todas maneras, la némesis del héroe es en realidad un antiguo criminal al que había puesto tras las rejas y que tiene muy aviesas intenciones. Este planteamiento argumental depara una obra un poco rutinaria, rodada con oficio, pero con un protagonista interpretado por un tal Tony Young carente del menor carisma, incapaz de transmitir la menor densidad en sus conflictos y a quien le roba la función el ya veterano Dan Duryea como villano sin hacer nada del otro mundo.


36. Suzume no tojimari (Makoto Shinkai, 2022) - 5,5

Esta historia fantástica de Shinkai se mueve entre el registro romántico y la poetización de la tragedia causada por el terremoto de 2011 en Japón. Su protagonista es una adolescente que perdió a su madre entonces y que conoce a un chico que se dedica a vigilar unas puertas por donde podría salir un gran gusano responsable de los terremotos que se suceden en el archipiélago. Me ha recordado en algunas cosas al cine de Miyazaki, el uso de ciertos animales, el acceso a mundos diferentes desde espacios decadentes y abandonados, las criaturas fantásticas... Hay un preciosismo en muchas de sus imágenes que se puede disfrutar bastante. Por otro lado, percibo una alegoría sexual en toda la historia, con una protagonista en el momento de despertar sexualmente, lo que sucedería según se encuentra con el chico, que se muestra como un modelo de belleza ideal, provocando todas esas turbulencias y temblores, causadas por un monstruo con la forma de un enorme prepucio. Podríamos de hecho entender la historia como una llamada al recato sexual, una visión represiva de la sexualidad. De todas maneras, y a pesar de un desarrollo que conjuga con bastante acierto drama, comedia y acción bajo una pátina evocadora, la película se va haciendo empalagosa y sobredramatizada en su tramo final, un poco sonrojante.


37. Amok (Fyodor Otsep, 1934) - 6,5

Adaptación del relato homónimo de Stefan Zweig, nos cuenta la historia de un doctor varado en la aldea de alguna colonia del trópico que recibe la visita de una mujer blanca que tiene intención de abortar discretamente y por la cual le sobreviene una febril pasión que se podría asimilar al término "amok". Hay un marcado racismo en el comportamiento del doctor (quizás también en la obra en sí), que desprecia la compañía de los lugareños, incluyendo bellísimas mujeres (que salen en tetas en pantalla) a quienes no parece considerar verdaderos seres humanos vista su reacción a la llegada de la altiva embarazada. El film juega al exotismo en su primer tramo con sugerentes resultados, y va evolucionando hacia el melodrama sin perder el interés a través de unos personajes obsesivos, en trance, que a veces deparan un cierto hieratismo en la imagen.


38. High Tension (Allan Dwan, 1936) - 6

Una screwball comedy sobre un experto en reparar cables subacuáticos para una compañía de telecomunicaciones que es incapaz de conjugar sus obligaciones laborales con el compromiso matrimonial con su novia. Es un personaje, de hecho, muy basto bajo los parámetros actuales, poco menos que un acosador, y que encuentra en un joven pianista-ingeniero un compañero de fátigas que deberá emanciparse de su influencia. La agilidad narrativa se da por descontada y resulta bastante divertida.


39. Flesh and Fury (Joseph Pevney, 1952) - 6

Titulo pugilístico que, dentro del clásico argumento de ascenso hacia la cima de su protagonista, tiene la particularidad de que éste es sordomudo. Lo mejor de la película es su arquetípica femme fatale, personaje tan pasado de rosca que resulta muy divertido (mención especial merece la escena de una de las victorias del protagonista sobre el cuadrilátero, con ella gritando en la grada totalmente fuera de control). También hace acto de presencia su natural némesis , la chica dulce y casadera, dentro de un planteamiento que se hace bastante convencional hasta un cierre realmente flojo. Las escenas boxísticas son bastante flojas en cuanto al realismo de la acción, pero visualmente la película funciona bien dentro de las naturales coordenadas del noir.


40. Poor Things (Yorgos Lanthimos, 2023) - 6,5

Los films de Lanthimos, dada su condición de artefactos con planteamientos argumentales que rompen radicalmente lo convencional, siempre se mueven en los márgenes de la fantasía. En su última obra, nos ofrece un cuento perverso que parte de referentes como Frankenstein o The Islando of doctor Moreau para examinar la trayectoria vital de una mujer que tras suicidarse embarazada es reanimada por un cirujano loco/genial transplantándole el cerebro de su propio feto. El griego vuelve a hacer honor a la denominación Weird Wave explotando a fondo su premisa para subvertir las convenciones sociales y las dinámicas de poder que llevan aparejadas. Su protagonista es una víctima en cierta medida, pero su falta de conciencia y recato social a raíz de su escasa edad mental la libera en un proceso progresivamente emancipador. Es llamativo que resulte tan afín al mundo de Lanthimos partiendo de un material ejeno (la novela homónima de Alasdair Gray), y que da continuidad a un mayor acercamiento humano a sus criaturas, aunque todavía se mantiene a una distancia bastante significativa de ellas. Es la obra de imagen más abigarrada de su director, una bacanal de diseño de producción potencialmente saturante. Algunas de sus elecciones visuales se pueden interpretar en términos de evolución argumental, como el paso del blanco y negro al color o el progresivo abandono del zoom según la protagonista va evolucionando, pero otras me parecen más aleatorias, como el uso de su querido ojo de pez. En todo caso es un film mordaz y divertido, y un torrente de estímulos visuales (de compleja digestión, eso sí).


41. The Young in Heart (Richard Wallace, 1838) - 6

Una familia de timadores expulsada de la Riviera Francesa conoce a una adorable y solitaria ancianita heredera de una fortuna a la que pretenden camelar. Es un personaje muy cercano a las figuras sobrenaturales de otros films, como si fuera salido de un cuento de hadas, y que le da a esta comedia un carácter emotivo, rayano puntualmente con lo sentimental. Dentro de lo previsible que resulta, es una obra simpática, despachada con oficio en su narrativa visual y efectiva a nivel emocional.


42. Correo de Indias (Edgar Neville, 1942) - 3

El amor surgido durante una travesía a principios del siglo XIX entre el capitán de la embarcación que oficia de Correo de Indias y la Virreina del Perú tiene tan poco futuro que ya se niega en el prólogo del film, que los descubre muertos y a la deriva en el barco. El subsiguiente flashback combina la pulsión romántica entre ellos con la aventura marina, donde episodios como la tormenta o la calma chicha son inevitables. El problema es que el resultado final resulta muy acartonado por su estilo declamativo, por los discursos que abrazan la retórica de un régimen en su periodo más fascista, y por una sucesión de personajes tan de una pieza.


43. Speedy (Ted Wilde, 1928) - 7

Comedia slapstick de Harold Lloyd en la que encarna a un joven cuya obsesión por el béisbol le hace perder todos sus trabajos y que termina ayudando al abuelo de su novia, que tiene un tranvía tirado a caballo, cuando una empresa que quiere comprarle la línea pasa a utilizar tácticas violentas. El de Lloyd es un personaje un tanto marginal como suele ser habitual, dada su incapacidad para mantener sus trabajos, pero de mano con más fortaleza y decisión que en otras ocasiones, y eso sí, siempre ocurrente. La acción, trepidante en todo momento, está nítidamente dividida en grandes segmentos que no siempre hacen progresar el argumento, en particular el episodio de Coney Island, igualmente lleno de divertidos gags y que abunda en uno de los atractivos del film, el rodaje de muchas escenas en los atiborrados escenarios neoyorquinos. Merece la pena destacar también el cameo de Babe Ruth, la estrella de los Yankees en la cúspide de su fama y quizás el atleta más famoso de la primera mitad de siglo.


44. Großstadtschmetterling (Richard Eichberg, 1929) - 6,5

Un relato bastante clásico sobre la odisea que sufre una mujer china víctima de la perfidia de un hombre que trabaja con ella en el circo, y a quien la fatalidad le pone en el camino cada vez que parece levantar cabeza. Precisamente esta circunstancia es lo más enojoso de la película, lo que más la acerca a la convencionalidad. Pero así todo, y sin tampoco ofrecer soluciones visuales muy destacadas, me resultó una obra bastante seductora a nivel de imagen, muy bien ambientada en términos escénicos, y con algunos momentos destacados, como cuando la protagonista, interpretada por Anna May Wong, ve a través de un ventanal al pintor de quien está enamorada camelado con otra chica, una de esas circunstancias que siempre tiene algo de metacinematográfica.


45. Kristove roky (Juraj Jakubisko, 1967) - 7

La locura impregna habitualmente el cine de Jakubisko, y esta película no es una excepción. De hecho, el propio film juega con la relatividad de la salud mental de su protagonista al situarlo en un momento dado en los alrededores de un manicomio. Se trata de un pintor en la encrucijada entre entregarse a un arte que no le da de comer o sacrificarlo por trabajos alimenticios, también debatiéndose entre dos mujeres, la mayor que le proveé de fondos o la joven aspirante a pintora también. Y mientras tanto, su propio hermano, piloto militar, vive carcomido por un creciente miedo en su oficio. Es un contexto de malestar el que retrata Jakubisko en estos años de apertura en Checoslovaquia tan propicios para ello. Lo que más me gusta de la película es el tratamiento de la imagen, con esa foto sobreexpuesta marca de la casa y un uso de la cámara que ofrece una sensación libérrima sin dejar de cuidar la estética de la imagen y la expresividad del encuadre.


46. Rope of Sand (William Dieterle, 1949) - 6

Hal B. Wallis intentaba en la Paramount repetir la fórmula de éxito de Casablanca (que produjera para la Warner) recuperando algunas de las caras más reconocibles de aquella, Paul Henreid, Claude Reina y Peter Lorre, los dos últimos encarnando a personajes con características bastante asimilables, en otra odisea africana en medio de un régimen opresor, en este caso el que ejerce en Sudáfrica el jefe de policía, de origen alemán por supuesto, de una mina de diamantes. El comienzo del film se afana en perfilar de un trazo y manera muy viva las características de sus principales protagonistas, la nobleza y amargura del héroe, la inflexibilidad y crueldad del mentado villano o la manipuladora y juguetona astucia del propietario mayoritario de la mina, para después desarrollar un juego que tiene a unos diamantes cuyo paradero sólo conoce el protagonista como principal objetivo de deseo inicial, hasta que la chica que se ve envuelta en esta situación hace cambiar el orden de prioridades. La función es entretenida y Dieterle hace un solvente trabajo, pero se siente cogida un poco con alfileres y bastante formularia. El propio final es, en cierta manera, muy parecido al de Casablanca.


Un saludo.